Danse Macabre

La Danse Macabre (Dance of Death), est un genre artistique de l’allégorie du Moyen Age tardif sur l’universalité de la mort: peu importe sa place dans la vie, la Danse Macabre unit tout. La danse macabre est un motif artistique populaire présent dans le folklore européen et élaboré à la fin du Moyen Age. C’est un élément, le plus complet, de l’art macabre du Moyen Âge, du XIVe au XVIe siècle.

Les horreurs mortelles du 14ème siècle telles que les famines récurrentes, la guerre de Cent Ans en France et, surtout, la peste noire, ont été culturellement assimilées dans toute l’Europe. La possibilité omniprésente d’une mort soudaine et douloureuse augmentait le désir religieux de la pénitence, mais elle suscitait aussi un désir hystérique d’amusement tout en restant possible; une dernière danse comme confort froid. La danse macabre combine les deux désirs: à bien des égards semblables aux jeux de mystère médiévaux, l’allégorie de la danse avec la mort était à l’origine un poème de dialogue didactique pour rappeler aux gens l’inévitabilité de la mort et leur conseiller de se préparer en tout temps. décès.

Tout au long du XVe et du début du XVIe siècle, ce thème a été peint sur les murs des églises, dans les cimetières du nord de l’Europe, sur les murs extérieurs des cloîtres, des fosses communes, des ossuaires. Au-dessus ou au-dessous de l’illustration sont peints des vers par lesquels la mort est adressée à la victime, souvent d’un ton sarcastique et cynique. Il est diffusé dans toute l’Europe par des textes poétiques véhiculés par des groupes de théâtre de rue.

La Danse Macabre se compose de morts ou d’une personnification de la mort, convoquant des représentants de tous les milieux pour danser le long de la tombe, généralement avec un pape, un empereur, un roi, un enfant et un ouvrier. Ils ont été produits en tant que mementos mori, pour rappeler aux gens la fragilité de leur vie et à quel point les gloires de la vie terrestre étaient vaines.

Cette forme d’expression est le résultat d’une prise de conscience et d’une réflexion sur la vie et la mort, à une époque où elle est devenue plus présente et plus traumatisante. Les guerres – en particulier la guerre de Cent Ans – les famines et la peste, qui représentent souvent les Quatre Cavaliers de l’Apocalypse, ont décimé les populations.

Art de la performance:
La première Danse Macabre semble être jouée à Paris au Charnier des Saint-Innocents en 1424. Elle se nourrit des angoisses des temps de crise en répondant par la force de l’imagination. Par cette sarabande, qui mêle morts et vivants, la Danse Macabre insiste sur la vanité des distinctions sociales dont le sort s’est moqué, falsifiant le pape comme le pauvre prêtre, l’empereur comme le lansquenet. C’est une leçon morale adressée aux vivants pour réfléchir sur notre condition: elle console les pauvres et enseigne aux plus grands que personne n’est au-dessus de la loi. Sa composition est hiérarchique: elle implique d’abord le «grand» (pape, empereur, roi, cardinal ou patriarche) puis descend l’échelle sociale en y introduisant les «petits» (laboureur, enfant, cordelier, ermite). Les vivants sont donc des personnages représentant les différentes couches sociales et les morts sont squelettiques, dansent, font des pitreries, se moquent et traînent les vivants à la mort, en partageant leurs attributs (couronne, épée, instruments de musique)

Au cours des 16ème, 17ème et 18ème siècles, la mort continue à danser. une. à Coire (palais archiépiscopal sur le modèle des compositions de Holbein), à Füssen (Füssener Totentanz), à Constance, à Kuks (Bohême, danse de la mort comme fresque murale à l’hôpital, 18e s.), à Lucerne (Totentanzgemälde dans l’ancien jésuite College et Spreuerbrücke), à ​​Fribourg-en-Brisgau, à Bleibach (Forêt-Noire) et à Erfurt. La Totentanzkapelle à Straubing, construite en 1486, possède un vaste cycle de fresques, créé par l’artiste rococo Straubing Felix Hölzl en 1763. Les arts de la gravure sur bois et de la gravure ont également abordé le sujet, ainsi que la poésie, z. B. Bechstein (“Der Totentanz”, Leipzig 1831).

Dans la seconde moitié du XIXe siècle, des danses de la mort ont également été dessinées, notamment Alfred Rethel et Wilhelm von Kaulbach. Vraisemblablement à partir du 16ème siècle, l’idiome différent régionalement “ressemble à la mort dans la danse de la mort de Bâle / Lübeck / Dresde” a trouvé son chemin dans la langue qui décrit les personnes pâles et malsaines.

Au XXe siècle, les deux guerres mondiales ont conduit de nombreux artistes à reprendre des motifs de la Danse des morts, ou à nommer leurs propres œuvres en conséquence.

Peintures:
L’exemple visuel le plus ancien provient du cimetière des Innocents (1424-25). Il y avait aussi des schémas peints à Bâle (le plus ancien datant de 1440 environ); une série de peintures sur toile de Bernt Notke, à Lübeck (1463); le fragment initial de la peinture originale de Bernt Notke (réalisée à la fin du XVe siècle) dans l’église Saint-Nicolas, Tallinn, Estonie; la peinture sur le mur arrière de la chapelle de Sv. Marija na Škrilinama dans la ville istrienne de Beram (1471), peinte par Vincent de Kastav; la peinture dans l’église de la Sainte-Trinité, Hrastovlje, Istrie par Jean de Kastav (1490). Il y avait aussi une Danse de la Mort peinte dans les années 1540 sur les murs du cloître de la Cathédrale St Paul, à Londres, avec des textes de John Lydgate, qui fut détruit en 1549.

Fresques:
Les fresques et les peintures murales traitant de la mort avaient une longue tradition et étaient répandues, par ex. la légende des Trois Vivre et des Trois Morts: lors d’une promenade ou d’une chasse, trois jeunes hommes rencontrent trois cadavres (parfois décrits comme leurs ancêtres) qui les avertissent, Quod fuimus, estis; quod sumus, vos eritis (Ce que nous étions, vous êtes, ce que nous sommes, vous serez). De nombreuses versions murales de cette légende remontent au XIIIe siècle (par exemple, à l’église Hospital de Wismar ou à la tour résidentielle de Longthorpe, près de Peterborough). Depuis qu’ils ont montré des séquences picturales d’hommes et de cadavres couverts de linceuls, ces peintures sont parfois considérées comme des précurseurs culturels du nouveau genre.

Une danse danse macabre peut montrer une danse ronde dirigée par la mort ou une chaîne de danseurs morts et vivants alternants. Des rangs les plus élevés de la hiérarchie médiévale (généralement le pape et l’empereur) descendant au plus bas (mendiant, paysan et enfant), la main de chaque mortel est prise par un squelette ou un corps extrêmement décomposé. Le célèbre Totentanz de Bernt Notke dans l’église St. Mary à Lübeck (détruit pendant le bombardement allié de Lübeck pendant la Seconde Guerre mondiale) a présenté les danseurs morts comme très vivants et agiles, donnant l’impression qu’ils dansaient réellement, tandis que leurs partenaires de danse vivants regardé maladroit et passif. La distinction de classe apparente dans presque toutes ces peintures est complètement neutralisée par la mort comme égalisateur ultime, de sorte qu’un élément sociocritique est subtilement inhérent à tout le genre. La Totentanz de Metnitz, par exemple, montre comment un pape couronné de sa mitre est conduit en enfer par la Mort dansante.

Littérature:
On peut trouver de courts dialogues entre la Mort et chacune de ses victimes, qui auraient pu être interprétés comme des jeux, à la suite directe de la Peste Noire en Allemagne et en Espagne (où elle était connue sous le nom de Totentanz et Danza de la Muerte, respectivement). Le terme français danse macabre peut dériver du latin Chorea Machabæorum, littéralement “danse des Maccabées”. Dans 2 Maccabées, un livre deutérocanonique de la Bible, le sombre martyre d’une mère et ses sept fils est décrit et était un sujet médiéval bien connu. Il est possible que les martyrs maccabéens aient été commémorés dans certaines pièces de théâtre françaises ou que les gens aient simplement associé les descriptions vivantes du martyre du livre à l’interaction entre la mort et sa proie.

Une explication alternative est que le terme est entré en France via l’Espagne, l’arabe: مقابر, maqabir (cimetière) étant la racine du mot. Les dialogues et les peintures en évolution étaient des leçons pénitentielles ostensibles que même les personnes analphabètes (qui étaient l’écrasante majorité) pouvaient comprendre.

Woodcuts:
Les célèbres dessins de Hans Holbein the Younger (1497-1543) pour sa série Dance of Death ont été dessinés en 1526 alors qu’il était à Bâle. Ils ont été coupés en bois par le Formschneider accompli (coupe de blocs) Hans Lützelburger. William Ivins (citant W.J. Linton) parle de l’œuvre de Lützelburger: «Rien, en effet, par couteau ou par burin, n’est d’une qualité supérieure à celle de cet homme, car les acclamations sont, techniquement, les plus belles gravures sur bois jamais réalisées. Ces gravures sur bois sont bientôt apparues dans des épreuves avec des titres en allemand.

La danse de la mort de Hans Holbein (1523-26) remet en question l’allégorie médiévale de la danse macabre comme une satire réformiste, et on peut voir les débuts d’un passage progressif de la religion traditionnelle à la religion réformée. Natalie Zemon Davis a montré que la réception contemporaine et la vie après la mort des créations de Holbein ne se prêtaient ni à une doctrine purement catholique ni à une doctrine protestante, mais pouvaient être équipées de différentes préfaces et sermons environnants en tant qu’imprimeurs et les écrivains de différentes tendances politiques et religieuses les ont pris.

La série de Holbein montre la figure de la “Mort” dans de nombreux déguisements, confrontant des individus de tous les horizons de la vie. Personne n’échappe aux griffes squelettiques de la mort, pas même aux pieux.

La musique:
La danse de la mort était aussi largement utilisée comme sujet musical. Les deux explicitement comme œuvres désignées Totentanz ainsi que de nombreux paramètres sur le thème “La mort et la fille” se classent thématiquement.

Développement:
Hans Holbein déplace la représentation de la Danse macabre d’une farandole tragi-comique avec une signification symbolique à l’idée d’une lutte individuelle et quotidienne avec la Mort.
Avec Hans Holbein the Younger, Danse Macabre adopte une toute nouvelle forme artistique. Celui-ci montre l’irruption brutale de la Mort dans le travail et la joie de vivre. Cette représentation a préséance sur l’idée que la mort n’épargne aucune classe sociale.

Ses œuvres (le plus souvent des gravures) sont apparues dès 1530 et ont été largement distribuées comme des livres à partir de 1538.

L’un des livres équestres les plus fréquemment réédités du dix-huitième siècle, The New and Entertaining Story de Bad Man, représente un personnage qui échappe à la tondeuse et devient immortel.

Charles Baudelaire et Cazalis ont écrit sur la danse de la mort, Liszt et Saint-Saëns l’ont mise en musique.

Importance:
La mort attaque tous les sexes, âges et origines. Les peintures murales de Danse Macabre, où l’on peut voir différents personnages dansant avec des squelettes, représentent en fait l’égalité avant la mort des différents états sociaux. En faisant danser les papes, les empereurs, les cardinaux, les rois mais aussi le laboureur, les cordeliers, les enfants et les ermites aux danses squelettiques, on montre que la mort ne fait aucune distinction entre l’appartenance sociale des futurs morts. et que tout le monde risque d’être touché. Les squelettes dansent et se moquent de tous les personnages pour les mener à la mort. Ainsi, de l’empereur à l’ermite, tout le monde connaîtra le même sort. C’est l’abolition des frontières sociales: il n’y a pas de caste privilégiée à la mort ou à la hiérarchie. Les hommes et les femmes sont égaux avant la mort:

En outre, cette égalité est visible dans les compositions des premières danses. Les morts – représentés par des squelettes – amènent les différents personnages à la mort mais ne les dominent pas. Les morts et les vivants dansent ensemble. Ces morts ne sont pas terrifiants et menaçants: ils n’attaquent pas les vivants, ils les entraînent seulement dans leur danse. Les morts et les vivants sont ici encore égaux. Mais les danses contemporaines questionnent cette égalité entre les morts et la partie vivante de la personnification de la mort. Petit à petit, nous individualiserons la mort en attribuant un personnage – comme la tondeuse par exemple – qui induira une hiérarchie entre les morts et les vivants14. Une fois représentée par un personnage, la mort domine les vivants. Nous passons d’une représentation des morts amenant les vivants à la main à une représentation d’un personnage armé d’une faux qui tue directement les vivants. La mort est donc le juge cynique des vices des vivants.