Art contemporain

L’art contemporain est l’art d’aujourd’hui, produit dans la seconde moitié du 20e siècle ou au 21e siècle. Les artistes contemporains travaillent dans un monde influencé par la mondialisation, diversifié sur le plan culturel et en évolution technologique. Leur art est une combinaison dynamique de matériaux, de méthodes, de concepts et de sujets qui poursuivent le défi des frontières qui était déjà bien avancé au 20e siècle. Divers et éclectique, l’art contemporain dans son ensemble se distingue par l’absence même d’un principe uniforme d’organisation, d’idéologie ou de «-isme». L’art contemporain fait partie d’un dialogue culturel qui concerne des cadres contextuels plus larges tels que l’identité personnelle et culturelle, la famille, la communauté et la nationalité.

En anglais vernaculaire, moderne et contemporain sont synonymes, entraînant une certaine confusion et confusion des termes art moderne et art contemporain par des non-spécialistes.

Dans d’autres disciplines, cet adjectival est unique: la littérature moderne et la littérature contemporaine dénotent des significations différentes. Beaucoup plus clairement, le concept de musique moderne est généralement réservé à la musique populaire moderne (issue de l’industrie musicale de grande consommation); tandis que celle de la musique contemporaine est faite pour celle de la musique académique du XXe siècle – bien qu’il soit également courant de trouver des publications et des institutions qui assimilent les deux dénominations et qui parlent d ‘«art moderne et contemporain».

En plus de la pratique artistique elle-même, l’art contemporain comprend des domaines tels que la critique et la théorie de l’art, l’éducation artistique avec ses établissements d’enseignement et ses écoles d’art, la conservation, les publications d’art contemporain, les médias et les médias, la collection publique et privée, les galeries et les foires qui constituent le marché de l’art contemporain, l’industrie de la production d’art contemporain et les lieux d’exposition, de conservation et de documentation des œuvres d’art contemporain.

Terme
Les termes art contemporain sont utilisés pour éviter le terme d’art moderne ou d’avant-garde. Dans le langage courant, moderne signifie «contemporain, selon le goût contemporain, moderne» et peut donc être considéré comme synonyme de contemporain. Sur le plan technique, dans le contexte de l’histoire de l’art et de la culture, le concept de modernité est plus ou moins fermement associé à une époque de l’histoire de l’art qui n’est pas encore close mais qui est déjà historique. Surtout à propos de l’émergence du terme postmodernisme, voir aussi architecture postmoderne, le moderne n’est plus ici considéré comme contemporain ou contemporain.

Les termes art contemporain ne sont liés à aucun concept, style artistique, technique, forme ou appartenant à un courant, un mouvement ou un groupe artistique. L’art contemporain peut être la peinture, mais il peut aussi prendre une forme qui ne s’est établie qu’au cours des dernières années et décennies, comme l’art vidéo, la performance, l’art conceptuel ou la sculpture abstraite en métal.

Les termes art contemporain peuvent non seulement viser l’œuvre d’art individuelle, mais aussi un système culturel et économique de production artistique difficile à délimiter, qui chevauche en partie le secteur de l’art et s’oriente en partie vers le marché de l’art. De nombreux musées et expositions d’art régulières se considèrent aujourd’hui comme des lieux d’art contemporain pertinent. L’exposition la plus importante pour l’art contemporain est l’exposition de documenta à Kassel, qui a lieu tous les cinq ans. Les organisateurs de l’exposition de la documenta en 2007 en relation avec les termes art contemporain et art actuel ont souligné que «actuel» ne signifie pas que les œuvres ont été créées hier. Ils doivent être importants pour nous aujourd’hui.  »

Portée
Certains définissent l’art contemporain comme un art produit dans «notre vie», reconnaissant que les durées de vie et les durées de vie varient. Cependant, il est reconnu que cette définition générique est soumise à des limitations spécifiques.

La classification de «l’art contemporain» comme un type d’art particulier, plutôt que comme une expression adjectivale générale, remonte aux débuts du modernisme dans le monde anglophone. À Londres, la Contemporary Art Society a été fondée en 1910 par le critique Roger Fry et d’autres, en tant que société privée pour l’achat d’œuvres d’art à placer dans des musées publics. Un certain nombre d’autres institutions utilisant le terme ont été fondées dans les années 1930, comme en 1938 la Société d’art contemporain d’Adélaïde, en Australie, et un nombre croissant après 1945. Beaucoup, comme l’Institut d’art contemporain de Boston, ont changé leurs noms de ceux utilisant L ‘«art moderne» à cette période, alors que le modernisme se définissait comme un mouvement artistique historique et que beaucoup d’art «moderne» cessait d’être «contemporain». La définition du contemporain est naturellement toujours en mouvement, ancrée dans le présent avec une date de début qui va de l’avant, et les œuvres achetées par la Société d’art contemporain en 1910 ne peuvent plus être qualifiées de contemporaines.

Des points particuliers qui ont été considérés comme marquant un changement dans les styles artistiques incluent la fin de la Seconde Guerre mondiale et les années 1960. Il y a peut-être un manque de points de rupture naturels depuis les années 1960, et les définitions de ce qui constitue « l’art contemporain » dans les années 2010 varient et sont pour la plupart imprécises. L’art des 20 dernières années est très susceptible d’être inclus, et les définitions incluent souvent l’art remontant à environ 1970; « l’art de la fin du 20e et du début du 21e siècle »; « l’art de la fin du XXe siècle et du début du XXIe siècle, à la fois une excroissance et un rejet de l’art moderne »; « À strictement parler, le terme » art contemporain « se réfère à l’art réalisé et produit par des artistes vivant aujourd’hui »; « L’art des années 60 ou 70 jusqu’à cette minute »; et parfois plus loin, notamment dans le contexte muséal, car les musées qui constituent une collection permanente d’art contemporain trouvent inévitablement ce vieillissement. Beaucoup utilisent la formulation « Art Moderne et Contemporain », ce qui évite ce problème. Les petites galeries commerciales, les magazines et d’autres sources peuvent utiliser des définitions plus strictes, limitant peut-être le « contemporain » au travail à partir de 2000. Les artistes qui sont toujours productifs après une longue carrière et les mouvements artistiques en cours peuvent présenter un problème particulier; les galeries et les critiques hésitent souvent à partager leur travail entre le contemporain et le non-contemporain.

La sociologue Nathalie Heinich établit une distinction entre l’art moderne et contemporain, les décrivant comme deux paradigmes différents qui se chevauchent partiellement historiquement. Elle a constaté que si «l’art moderne» remet en question les conventions de la représentation, «l’art contemporain» remet en cause la notion même d’une œuvre d’art. Elle considère la Fontaine de Duchamp (réalisée dans les années 1910 au milieu du triomphe de l’art moderne) comme le point de départ de l’art contemporain, qui a pris de l’ampleur après la Seconde Guerre mondiale avec les performances de Gutai, les monochromes d’Yves Klein et le Dessin effacé de Kooning de Rauschenberg.

Définition
La notion de «contemporanéité» est d’abord une notion historique. Selon cette approche, la période contemporaine commencerait à partir de 1945, avec la fin de la Seconde Guerre mondiale et, pour plus de commodité, la plupart des études traitent de la période qui commence en 1945 et se poursuit jusqu’à aujourd’hui.

«Contemporanéité» signifie également «simultanéité». Le contemporain est ce qui est à la même époque. Le «contemporain» serait donc la voie qui se fait aujourd’hui. Appliquée à l’art, cette notion a une spécificité esthétique qui peut devenir controversée, car les acteurs n’ont pas la distance nécessaire pour apprécier efficacement les œuvres. L’appellation « art contemporain » ne doit donc pas seulement être prise chronologiquement, puisque toutes les productions contemporaines n’appartiennent pas à l’approche contemporaine, ni ne prétendent l’être.

De nouvelles références permettent de définir ce qu’est la méthode contemporaine. L’une des premières est la transgression contre l’ère précédente; ainsi la notion «d’art contemporain» voudrait affirmer son indépendance non seulement par rapport à la notion des arts dits «classiques», par rapport aux «beaux-arts» et à ses catégories (peinture, sculpture, etc.), mais aussi par rapport au concept de manière « moderne ». La voie contemporaine a donc en soi des exclusions. Il s’inscrit dans la continuité de « l’art moderne » et souhaite y mettre un terme.

De plus, l’expression «manière contemporaine» est utilisée aujourd’hui pour des artistes encore vivants et actifs ou encore en mesure de l’être, ce qui placerait dans ce cas l’origine de la méthode contemporaine dans les années 1960, avec le pop art, l’art conceptuel, Fluxus, les happening ou l’art vidéo. C’est avec ces courants artistiques que s’achèvera la période de l’art moderne et de la théorie de Clément Greenberg, qui la définissait comme la recherche de la spécificité de la technique.

Dans cette recherche constante d’une définition de la contemporanéité, la critique d’art et les institutions jouent un rôle important. Ainsi sont généralement exclues de l’approche contemporaine «labellisée» les formes d’art dont les enjeux ne reflètent pas les tendances promues par la critique «contemporaine».

D’un point de vue géographique, à partir des principaux lieux médiatiques, principalement occidentaux (Paris, Londres, New York), et avec la chute du mur de Berlin en 1989, puis l’ascension de la Chine vers ce même A cette époque, la planète de l’art contemporain est devenu mondial, l’Afrique et l’Amérique latine n’échappant pas à cette progression.

Thèmes
L’une des difficultés rencontrées par de nombreuses personnes dans l’approche des œuvres d’art contemporain est sa diversité – diversité des matériaux, des formes, des sujets et même des périodes. Elle se «distingue par l’absence même d’un principe d’organisation, d’une idéologie ou d’un -isme uniforme» que nous voyons si souvent dans d’autres périodes et mouvements artistiques, souvent plus familiers. D’une manière générale, nous considérons le modernisme comme une réflexion sur les principes modernistes – le travail est axé sur l’autoréférentiel, étudiant ses propres matériaux (investigations de la ligne, de la forme, de la couleur, de la forme). De même, l’impressionnisme regarde notre perception d’un moment à travers la lumière et la couleur par opposition aux tentatives de réalisme brutal (le réalisme aussi est un mouvement artistique).

L’art contemporain, en revanche, n’a pas un seul objectif ou point de vue. Son point de vue n’est pas clair, reflétant peut-être le monde d’aujourd’hui. Il peut donc être contradictoire, déroutant et illimité. Il existe cependant un certain nombre de thèmes communs qui sont apparus dans les œuvres contemporaines. Bien qu’ils ne soient pas exhaustifs, les thèmes notables incluent: la politique identitaire, le corps, la mondialisation et la migration, la technologie, la société et la culture contemporaines, le temps et la mémoire, et la critique institutionnelle et politique. Les théories postmoderne, post-structuraliste, féministe et marxiste ont joué un rôle important dans le développement des théories contemporaines de l’art.

Histoire

Les origines
L’émergence de la photographie a influencé de nombreux artistes du XIXe siècle, tels que Degas et a contribué à donner naissance à l’art moderne. L’art n’a plus seulement la fonction importante de représenter fidèlement la réalité, la photographie peut mieux le faire, l’art peut désormais essayer d’autres formes, briser les canons de la beauté et proposer de nouvelles expériences et idées conceptuelles.

L’art contemporain est à la base des expérimentations de l’art moderne (début du XXe siècle), et en particulier du désir de sortir l’art des lieux traditionnels et institutionnels. En ce sens, l’art perd progressivement sa fonctionnalité représentative. La création contemporaine reste le miroir d’une réalité baignée de conflits et de prises de pouvoir que ces attaques à la rationalité provoquent. L’art reflète les crises de la société et reste le lieu d’expression des valeurs. Les relations entre art et histoire ne sont ni évaluées qualitativement ni quantitativement, mais elles conduisent à une conception plus institutionnelle de l’art: collectionneurs, sièges sociaux, galeries, musées, etc. pour s’ouvrir à un public plus large. Cependant, les acteurs de l’art moderne dans leur désir d’exprimer leur opinion artistique en dehors des cadres institutionnels pour s’adresser au public, restent liés aux institutions; leur approche était de s’opposer à une idéologie (Heartfield vers le nazisme) ou au contraire de participer à la propagation d’une pensée politique.

Malgré la fin des idéologies imposées dans l’art moderne, les artistes actuels s’approprient eux-mêmes cet héritage en exprimant leur profond attachement aux institutions. En particulier, lorsque leur sensibilité est perturbée.

Aujourd’hui, l’art contemporain subit le déclin des idéologies modernes (dans les années 1960, puis à partir de 1990 avec la chute du communisme). Il s’appuie sur de nouveaux comportements: renouvellement stylistique, mélange artistique, origines diverses, arts technologiques (accès à la puissance mathématique des ordinateurs et ergonomie des logiciels), mode d’approche de la réalité. Les technologies ont toujours apporté des outils à l’art. Aujourd’hui, l’artiste l’utilise comme outil médiatique et en invente de nouveaux. Il est basé sur la culture historique, répertoriée; lit, visite, comprend, cherche, se spécialise, se concentre sur le sujet et va au-delà de ce qui a été fait. Il prend parfois position, veut être démonstratif ou choquant, en tout cas il cherche une couverture médiatique.

Des «beaux-arts» aux arts plastiques
L’art contemporain est basé sur les expériences de l’art moderne, et revendique régulièrement la brèche ouverte par Marcel Duchamp, et d’autres qui avaient libéré la pratique de l’art des contraintes classiques de la représentation.

La pensée postmoderne a formulé la plupart des problèmes inhérents à l’art contemporain, libérés des courants idéologiques (communisme et capitalisme), sans pour autant empêcher les artistes engagés de critiquer les abus politiques ou idéologiques.

En France, la création des facultés d’arts plastiques constitue une base de contestation de l’enseignement académique des beaux-arts; des sujets autrefois étrangers au domaine de l’éducation artistique, de la sociologie, de l’ethnologie, de l’esthétique et autres, guident la recherche artistique en phase avec ses évolutions récentes.

La recherche formelle de la Beauté est suivie de nouvelles voies de recherche esthétique, dont les plus radicales, l’art conceptuel, le minimalisme, la performance, l’art corporel, modifient en permanence le sens et la perception de l’art, qui se transforme parfois en première vue hermétique pour les non-initiés.

Certains courants, comme les nouveaux réalistes, la figuration libre et la trans-avant-garde, ainsi que certains tireurs d’élite, n’ont cependant pas quitté les médiums traditionnels, tout en modifiant radicalement leurs approches créatives.

La répartition des types de médium (la peinture est souvent abandonnée au profit d’installations, de performances ou autres) et le contenu des œuvres modifie profondément les réseaux de médiation artistique; Outre les nouvelles galeries, il y a de nouveaux contextes d’exposition et l’apparition de nouveaux supports de diffusion.

A Paris, le Salon Comparaisons, au Musée d’Art Moderne de la ville de Paris, était, en 1954, le rendez-vous de tous les exposants de ces tendances, confrontés, dans le même espace, à des peintres figuratifs et abstraits de peinture sur chevalet.

L’art contemporain à l’ère de la mondialisation
A partir des années 1980, les arts à forte composante «technologique» sont apparus, avec l’art vidéo, l’esthétique de la communication, l’art informatique puis, par la suite, l’art numérique, le bio-art., Etc. La liste n’est pas exhaustive et suit de très près les progrès de la recherche industrielle.

Dans les années 1990, l’art contemporain occidental a accordé son « label » à de nombreux artistes de pays dits « en développement », presque absents par le passé. Les paradigmes de la mondialisation et la perte des références spatio-temporelles classiques ont valorisé les approches personnelles, ou les composantes biographiques, sociologiques, voire religieuses sont valorisées dans le processus de travail.

La communication liée à Internet joue un rôle de plus en plus important dans l’accueil et la médiation de l’art contemporain, en amont des expositions elles-mêmes, qui intègrent de plus en plus les structures de médiation étatiques. Il laisse la place à des «consultants en art contemporain», qui conseillent gratuitement sur les valeurs futures. Les changements intervenus dans les pays les plus développés (en particulier la part croissante du secteur tertiaire) ont créé un besoin de plus en plus généralisé pour l’art, ce qui ne rend pas la tâche des artistes, la crise oblige, cependant plus facile.

L’art contemporain, souvent obscur et provocateur aux yeux du grand public, est souvent considéré comme l’émanation d’un art officiel. Elle est cependant beaucoup plus acceptée et répandue aujourd’hui qu’auparavant; une vague d’œuvres de qualité inégale la rend déroutante et nécessite le plus souvent un investissement personnel de la part du public (voir Théories modernes de l’art).

Cotées sur Internet, les œuvres d’art contemporain sont également une aubaine financière potentielle, qui n’exclut pas les effets de mode au détriment des œuvres vraiment originales.

Entre médium et médiation
Outre les médiums classiques (peinture à l’huile, pastel, sanguine, bronze, marbre, etc.), l’art contemporain affectionne particulièrement les nouveaux médiums, voire les «non médiums». En particulier, la vocation éphémère ou « en cours » de nombreuses œuvres interroge la notion même de médium, qui devient souvent un simple vecteur de médiation plutôt qu’un support stable. Cela s’inscrit dans la transformation des supports d’information entamée dans les années 1980, qui se dématérialisent progressivement au profit d’une logique de «relation»:

Médiums « tangibles »
Miroirs (Art & Language Mirror Piece)
Déchets (Un petit déjeuner de Daniel Spoerri), divers matériaux (béton, terre, sable, etc.)
Fèces (Merde Artiste de Piero Manzoni), urine, sang
Polystyrène, polyuréthane, silicone, plastique, etc. (extensions Caesar)
Objets divers plus ou moins transformés ou dégradés (accumulations d’Arman et Gérard Deschamps)

Médiums « intangibles »
Environnement (notamment pour le Land art, James Turrell light)
Situations hic et nunc (Collectif d’art sociologique)
Projets en cours (travaux en cours par Roman Opałka)
Expérience presse (Space Media Fred Forest)

Médiums « technologiques »
Microfilms (Art & Langage)
Télécopie (Hans Haacke)
Logiciels informatiques (Art & Langage L’œuvre d’art cybernétique que personne n’a cassé)
Net.art
Systèmes mécaniques (Stelarc)
Gènes vivants (bio-art)

Certains médiums, comme la photographie – qui devient «artiste visuel» (Joel-Peter Witkin) – le cinéma – qui devient «expérimental» (série Cremaster de Matthew Barney) – ont acquis le statut d’art à part entière (de la même manière que la peinture, la sculpture ou la musique), et constituent aujourd’hui des catégories autonomes.

La notion d’art multimédia, largement remise en cause aujourd’hui, interroge le statut des œuvres issues d’installations, souvent mixtes, telles qu’elles apparaissent dans les années 1950.

Les institutions
Le fonctionnement du monde de l’art dépend des institutions artistiques, allant des grands musées aux galeries privées, aux espaces à but non lucratif, aux écoles d’art et aux éditeurs, et aux pratiques des artistes, conservateurs, écrivains, collectionneurs et philanthropes. Une division importante dans le monde de l’art se situe entre les secteurs à but lucratif et à but non lucratif, bien qu’au cours des dernières années, les frontières entre les institutions privées à but lucratif et publiques soient devenues de plus en plus floues. L’art contemporain le plus connu est exposé par des artistes professionnels dans des galeries d’art contemporain commercial, par des collectionneurs privés, des ventes aux enchères d’art, des sociétés, des organisations artistiques financées par des fonds publics, des musées d’art contemporain ou par des artistes eux-mêmes dans des espaces gérés par des artistes. Les artistes contemporains sont soutenus par des subventions, des récompenses et des prix ainsi que par la vente directe de leurs œuvres. Les artistes de carrière se forment à l’école d’art ou émergent d’autres domaines.

Il existe des relations étroites entre les organisations d’art contemporain financées par l’État et le secteur commercial. Par exemple, en 2005, le livre Understanding International Art Markets and Management a rapporté qu’en Grande-Bretagne, une poignée de marchands représentaient les artistes figurant dans les principaux musées d’art contemporain financés par l’État. Les organisations commerciales comprennent des galeries et des foires d’art.

Les entreprises se sont également intégrées dans le monde de l’art contemporain, exposant de l’art contemporain dans leurs locaux, organisant et parrainant des prix d’art contemporain et constituant de vastes collections d’entreprise. Les annonceurs corporatifs utilisent fréquemment le prestige associé à l’art contemporain et à la chasse cool pour attirer l’attention des consommateurs sur les produits de luxe.

Les institutions d’art ont été critiquées pour réglementer ce qui est désigné comme l’art contemporain. L’art étranger, par exemple, est littéralement de l’art contemporain, en ce sens qu’il est produit de nos jours. Cependant, un critique a fait valoir que cela n’est pas considéré comme tel parce que les artistes sont autodidactes et sont donc supposés travailler en dehors d’un contexte historique de l’art. Les activités artisanales, comme le design textile, sont également exclues du domaine de l’art contemporain, malgré un large public d’expositions. Le critique d’art Peter Timms a déclaré que l’attention est attirée sur la façon dont les objets d’artisanat doivent souscrire à des valeurs particulières pour être admis dans le domaine de l’art contemporain. « Un objet en céramique qui est conçu comme un commentaire subversif sur la nature de la beauté est plus susceptible de correspondre à la définition de l’art contemporain que celui qui est simplement beau. »

À tout moment, un lieu ou un groupe d’artistes particulier peut avoir une forte influence sur l’art contemporain ultérieur. Par exemple, la Ferus Gallery était une galerie commerciale à Los Angeles et a revigoré la scène de l’art contemporain californien à la fin des années 50 et 60.

Attitudes du public
L’art contemporain peut parfois sembler en désaccord avec un public qui ne pense pas que l’art et ses institutions partagent ses valeurs. En Grande-Bretagne, dans les années 1990, l’art contemporain est devenu une partie de la culture populaire, les artistes devenant des stars, mais cela n’a pas conduit à une « utopie culturelle » espérée. Certains critiques comme Julian Spalding et Donald Kuspit ont suggéré que le scepticisme, voire le rejet, est une réponse légitime et raisonnable à beaucoup d’art contemporain. Brian Ashbee dans un essai intitulé « Art Bollocks » critique « beaucoup l’art d’installation, la photographie, l’art conceptuel, la vidéo et d’autres pratiques généralement qualifiées de post-modernes » comme étant trop dépendants d’explications verbales sous la forme d’un discours théorique. Cependant, l’acceptation de l’art non traditionnel dans les musées a augmenté en raison de l’évolution des perspectives sur ce qui constitue une œuvre d’art.

Préoccupations
Une préoccupation commune depuis le début du XXe siècle a été la question de savoir ce qui constitue l’art. Dans la période contemporaine (de 1950 à nos jours), le concept d’avant-garde peut entrer en jeu pour déterminer quel art est remarqué par les galeries, les musées et les collectionneurs.

Les préoccupations de l’art contemporain sont également critiquées. Andrea Rosen a déclaré que certains peintres contemporains « n’ont absolument aucune idée de ce que signifie être un artiste contemporain » et qu’ils « y participent pour toutes les mauvaises raisons ».

Critique du concept
Cependant, le processus de mondialisation remet en question le concept d’un contemporain uniforme. «L’art contemporain» est une image collective du postmodernisme. Selon la logique linguistique, cette combinaison de mots prétend englober une communauté contemporaine – plus ou moins – globale. En réalité, il agit comme un concept de valeur avec une fonction d’admission: il détermine ce qu’est l’art et ce qui ne l’est pas. En raison de cette différence, la qualité artistique de l’art contemporain qui ne correspond pas au concept établi d ‘«art contemporain» est refusée.

Les cinq extraits ci-dessous résument l’essentiel des critiques formulées à l’égard de l’art dit « contemporain »:

la vision pamphlétaire de Jean Monneret, qui y voit essentiellement un art d’État soutenu par des fonctionnaires irresponsables gaspillant l’argent des contribuables;
l’analyse de Philippe Lejeune, qui va jusqu’au bout de la dialectique des tenants de l’art contemporain en démontrant leur négation de l’idée de Beauté;
Fred Forest qui a pris des mesures pour défendre des condamnations proches de celles de Jean Monneret en attaquant l’État devant les juridictions administratives;
L’artiste plasticien Daniel Buren note la faillite de la pensée dans l’art contemporain d’un art vide;
Franck Lepage cite, lors d’une de ses conférences gesticulées, le livre Qui mène la danse? La CIA et la guerre froide culturelle (Who Paid the Piper?: CIA and the Cultural Cold War) par Frances Stonor Saunders qui décrit comment, dans le contexte de la guerre froide, la CIA a financé des organisations telles que le Congrès pour la liberté culturelle pour promouvoir l’art contemporain en Europe occidentale, de le présenter comme de l’art américain et de le priver de sens social et politique.

Jean Monneret
Dans le catalogue raisonné du Salon des Indépendants de 1999, le président du Salon, Jean Monneret, a lancé une violente brochure contre la définition convenue de l’art contemporain, après avoir longtemps critiqué les responsables qui gouvernent l’enseignement des arts visuels et le choix œuvres achetées par l’État et les collectivités locales:

« L’art contemporain? Tous les artistes vivants font partie de l’art contemporain. Ce sont les artistes qui font de l’art. Tous les artistes. Librement!
Cependant, l’État veut que le public croie qu’il n’y a qu’un seul art digne d’intérêt, l’art dit «contemporain», c’est-à-dire l’art d’État. Comme si l’installation, la performance ou l’art non cultivé – tant que la légende qui l’accompagne est la logorrhée – sont, en eux-mêmes, la continuation historique, linéaire, incontestable de la tradition artistique. Il est vrai que dans l’art dit « contemporain », moins il y a à voir, plus il y a à dire! Dans une exposition d’art contemporain, un conduit de ventilation, des équipements de secours ou le carrelage des sanitaires se confondent souvent avec les œuvres présentées. La question est alors, où est le travail? L’harmonie entre le contenant et le contenu est parfaite.
En réalité, l’art des salons historiques. La démocratie obligerait l’État, soucieux de l’argent des contribuables, à rendre compte de la réalité contemporaine dans toute sa diversité, sans exclusion … »

Philippe Lejeune
Dans le rapport moral de Taylor de juillet 2006, bilan de la fondation du baron Taylor, le vice-président, le peintre et journaliste Philippe Lejeune, distingue la notion de beaux-arts de celle d’art contemporain.

«Nous, nous pratiquons un art appelé« peinture », cette activité était autrefois considérée comme faisant partie des Beaux-Arts. Soucieuse de modernité, voulant surtout se débarrasser d’un impératif aussi lourd à porter que la beauté, la querelle entre l’ancien et le moderne que nous vivons consiste tout simplement à supprimer la référence à la beauté. Ne pouvant plus modifier les valeurs traditionnelles de l’art après les expériences de la moitié du siècle dernier, ils ont décidé, toujours avec la même étiquette apparente, de fournir une marchandise totalement différente. Ils étaient honnêtes, avouons-le, pour changer de nom. Les salons contemporains ne sont plus des salons de peinture, ce sont des salons d’art contemporain.

L’art contemporain expose dans des endroits où la «peinture» a été exposée, ce qui crée naturellement de la confusion. Mais plutôt que de définir une nouvelle forme d’art, nous lui appliquons les règles d’une autre discipline, tel qu’un joueur, fatigué du bridge, adaptant les règles de la belote… L’art contemporain refuse toutes les règles, sauf celle de l’exclusion. Vous savez qu’un slogan célèbre était d’interdire toutes les interdictions. L’art contemporain ne vit que sur ukase. Tout sauf la représentation.

L’art contemporain se dit conceptuel, c’est-à-dire qu’à partir d’un concept, on arrive à faire sensation.
Les Beaux-Arts ont un objectif complètement différent, ont un programme très différent. Partant du prouvé, ils la confrontent à la mémoire collective pour arriver précisément à une idée, c’est-à-dire un élément comparable.  »

Fred Forest
Après son procès contre le MNAM (centre Georges-Pompidou), Fred Forest écrit au dos de son livre Fonctionnement et dysfonctionnements de l’art contemporain (L’Harmattan, Paris, 2000):

« Ce livre tend à révéler les limites et les contradictions d’un système qui ne peut plus perdurer sous la forme d’élite actuelle au profit d’une poignée de privilégiés, toujours les mêmes, qui bénéficient de la complaisance et de la manne publique. Combat des terrestres pot contre le pot de fer, c’est la description par le menu de mon procès jusqu’au Conseil d’État contre le centre Georges-Pompidou, et à travers lui, contre les institutions publiques de l’art contemporain pour leur refus de transparence sur les acquisitions et leur échec respecter la loi de 78 sur l’expertise comptable. Au-delà de l’art, la démarche engagée ici est avant tout une démarche citoyenne posant la vraie question de l’utilisation des deniers publics, et celle de la culture dans une démocratie.  »

Daniel Buren
En septembre 2011, Daniel Buren dans la revue L’Œil constatait, lors d’un long entretien, l’incapacité, la confusion et la faillite de l’expression « art contemporain »:

« En général, je dirais que la santé irrésistible qui lui est attribuée – biennales à travers le monde, foires à tous les tournants et salles d’enchères bondées – sont des aspects quelque peu paradoxaux d’un domaine qui, en termes de pensée, est à la veille de la faillite. Ce n’est plus un moment de l’histoire, mais la mode au quotidien. « Contemporain » est un terme complètement dénué de sens, mais c’est l’une des trouvailles les plus puissantes jamais trouvées pour anéantir dans l’œuf tout ce qu’un l’artiste pourrait présenter le moindre nouveau et dérangeant. «