Un dessinateur (également créateur de bande dessinée) est un artiste visuel spécialisé dans le dessin de dessins animés. Ce travail est souvent créé pour le divertissement, les commentaires politiques ou la publicité. Les caricaturistes peuvent travailler sous de nombreux formats: animation, livrets, bandes dessinées, bandes dessinées, dessins animés, romans graphiques, manuels, dessins humoristiques, graphismes, illustrations, story-boards, affiches, chemises, livres, publicités, cartes de vœux, magazines, journaux et emballage de jeux vidéo.

Un dessinateur ou un humoriste graphique est une personne dont l’occupation principale consiste à dessiner des dessins humoristiques, des dessins humoristiques ou des bandes dessinées dans des publications imprimées telles que des journaux ou des magazines. L’humoriste dessine ses dessins animés avec l’intention de divertir et de divertir les lecteurs, et / ou d’illustrer de façon humoristique les événements actuels qui apparaissent dans une certaine publication. Ses créations sont généralement compatibles avec une présentation courte, parfois réduite à une seule image (à une seule vignette), ce qui convient très bien à l’insertion dans les périodiques.

Parmi les occupations de l’humoriste graphique sont en train de prendre connaissance de l’actualité afin de l’inspirer à faire ses dessins. Périodiquement et dans les délais impartis, envoyez votre travail à la salle de rédaction pour approbation. Discutez avec l’éditeur de la ligne idéologique et esthétique que doivent suivre ses créations, et modifiez ou corrigez les dessins qui en découlent.

Les humoristes sont de bons caricaturistes et ils représentent dans les caricatures des personnes du présent politique, social ou culturel du pays, dans des situations extravagantes ou curieuses, cherchant à provoquer le sourire du lecteur. Généralement, les artistes développent leurs propres personnages avec une certaine personnalité facilement reconnaissable par les lecteurs.

L’humoriste graphique peut se spécialiser dans la création d’une vignette individuelle ou de bandes dessinées qui, dans quelques vignettes, représentent une histoire courte. Certains humoristes publient leurs œuvres exclusivement pour une publication, tandis que d’autres les distribuent par le biais d’agences afin qu’elles apparaissent dans différents médias, même appartenant à différentes régions ou pays.

L’humoriste graphique dépasse souvent le simple divertissement et l’humour. En effet, une nouvelle qui, par exemple, met en évidence le comportement inapproprié d’une personnalité publique, si elle est accompagnée d’une image graphique appropriée, renforce l’article en question, et provoque souvent l’essence du contenu transmis à imprégner plus longtemps dans la mémoire des lecteurs.

Le satiriste anglais et dessinateur éditorial William Hogarth, qui a émergé au 18ème siècle, a été crédité de l’art séquentiel occidental pionnier. Son travail va du portrait réaliste à des séries d’images de bandes dessinées appelées «sujets moraux modernes». Une grande partie de son travail se moquait de la politique et des coutumes contemporaines; les illustrations dans un tel style sont souvent appelées « Hogarthian ». Après le travail de Hogarth, les caricatures politiques ont commencé à se développer en Angleterre dans la dernière partie du 18ème siècle sous la direction de ses grands exposants, James Gillray et Thomas Rowlandson, tous deux de Londres. Gillray a exploré l’utilisation du médium pour le satirisme et la caricature, appelant le roi (George III), les premiers ministres et les généraux à rendre des comptes, et a été désigné comme le père de la caricature politique.

Bien que jamais un caricaturiste professionnel, Benjamin Franklin est crédité d’avoir publié le premier dessin animé dans un journal américain. Au 19ème siècle, des dessinateurs professionnels tels que Thomas Nast ont introduit d’autres symboles politiques américains familiers, tels que l’éléphant républicain.

Au cours du 20ème siècle, de nombreux magazines portaient des dessins humoristiques à un seul panneau par des caricaturistes indépendants comme Charles Addams, Irwin Caplan, Chon Day, Clyde Lamb et John Norment. Celles-ci étaient presque toujours publiées en noir et blanc, bien que Collier portait souvent des caricatures en couleur. Les débuts de Playboy introduit des dessins animés en couleur pleine page par Jack Cole, Eldon Dedini, Roy Raymonde et d’autres. Dave Breger, Hank Ketcham, George Lichty, Fred Neher, Irving Phillips et J. R. Williams figurent parmi les caricaturistes à comité unique.

Les bandes dessinées ont été largement diffusées dans les journaux grand public par des syndicats tels que Universal Press Syndicate, United Media ou King Features. Les bandes de dimanche vont à une compagnie de coloration telle qu’American Color avant qu’elles soient publiées.

Certains créateurs de bandes dessinées publient dans la presse alternative ou sur Internet. Les artistes de bande dessinée peuvent aussi parfois travailler sous forme de livre, créant des romans graphiques. Les bandes vintage et actuelles sont réimprimées dans les collections de livres.

Les grands éditeurs de bandes dessinées (tels que Marvel ou DC) utilisent des équipes de dessinateurs pour produire l’art (séparant généralement le travail au crayon, l’encrage et le lettrage, tandis que la couleur est ajoutée numériquement par les coloristes). Quand un style artistique cohérent est recherché parmi différents dessinateurs (comme Archie Comics), des feuilles de modèles de personnages peuvent être utilisées comme référence.

Calum MacKenzie, dans sa préface au catalogue de l’exposition, The Scottish Cartoonists (Glasgow Print Studio Gallery, 1979) a défini les critères de sélection:

La différence entre un dessinateur et un illustrateur était la même que la différence entre un comédien et un acteur de comédie – les uns et les autres livrant leurs propres lignes et en assumant la pleine responsabilité, ce dernier pouvait toujours se cacher derrière le fait que ce n’était pas lui création.

La bande dessinée animée est créée pour les courts métrages, la publicité, les longs métrages et la télévision. Il est également parfois utilisé dans des films en direct pour des séquences de rêve ou des titres d’ouverture. Un artiste d’animation est communément appelé un animateur plutôt qu’un dessinateur. Ils créent aussi des films. Les studios d’animation tels que DreamWorks Animation, Pixar, les studios d’animation Walt Disney et Blue Sky Studios créent des films CGI ou animés par ordinateur qui sont plus tridimensionnels.

Il existe de nombreux livres de dessins animés dans des livres brochés et cartonnés, tels que les collections de dessins animés du New Yorker. Avant les années 1960, les dessins animés étaient surtout ignorés par les musées et les galeries d’art. En 1968, le caricaturiste et humoriste Roger Price ouvre la première galerie new-yorkaise consacrée exclusivement aux dessins animés, principalement réalisée par les plus grands dessinateurs du magazine gag. Aujourd’hui, il existe plusieurs musées consacrés aux dessins animés, notamment le Billy Ireland Cartoon Library & Museum, dirigé par la conservatrice Jenny E. Robb de l’Ohio State University.

Habituellement, les dessinateurs dessinent un dessin au crayon avant de passer le dessin à l’encre de Chine, à l’aide d’un stylo ou d’un pinceau. Les artistes peuvent également utiliser une visionneuse pour créer l’image finale à l’encre. Certains artistes, Brian Bolland, par exemple, utilisent l’infographie, le travail publié étant la première apparition physique de l’œuvre. Par de nombreuses définitions (y compris McCloud’s, ci-dessus), la définition de la bande dessinée s’étend aux médias numériques tels que les webcomics et la bande dessinée mobile.

La nature du travail de bande dessinée en cours de création détermine le nombre de personnes qui travaillent sur sa création, avec des bandes dessinées et des bandes dessinées réussies produites par un système de studio, dans lequel un artiste assemble une équipe d’assistants pour aider à créer le travail. Toutefois, les œuvres d’entreprises indépendantes, d’auto-éditeurs ou de nature plus personnelle peuvent être produites par un seul créateur.

Dans l’industrie de la bande dessinée en Amérique du Nord, le système de studio est devenu la principale méthode de création. Grâce à son utilisation par l’industrie, les rôles sont devenus fortement codifiés, et la gestion du studio est devenue la responsabilité de l’entreprise, avec un rédacteur déchargeant les fonctions de gestion. L’éditeur rassemble un certain nombre de créateurs et supervise le travail à publier.

N’importe quel nombre de personnes peut aider à la création d’une bande dessinée de cette façon, à partir d’un traceur, un artiste de rupture, un penciller, un enker, un scripteur, un lettreur et un coloriste, avec certains rôles étant effectués par la même personne .

En revanche, une bande dessinée tend à être l’œuvre d’un créateur unique, généralement appelé dessinateur. Cependant, il n’est pas inhabituel pour un dessinateur d’employer la méthode du studio, en particulier quand une bande a du succès. Mort Walker employait un studio, contrairement à Bill Watterson et Charles Schulz. Les dessinateurs humoristiques, politiques et éditoriaux ont tendance à travailler seuls, même si un dessinateur peut utiliser des assistants.

Styles d’art:
Bien que presque tous les arts de la bande dessinée soient en quelque sorte abrégés, et même si tous les artistes qui ont produit des bandes dessinées apportent leur propre approche individuelle, certains styles d’art plus larges ont été identifiés. Les artistes de la bande dessinée Cliff Sterrett, Frank King et Gus Arriola ont souvent utilisé des fonds inhabituels et colorés, parfois virevoltant dans l’art abstrait.

Les styles de base ont été identifiés comme réalistes et cartoones, avec un énorme terrain d’entente pour lequel R. Fiore a inventé l’expression libérale. Fiore a également exprimé son dégoût avec les termes réaliste et cartoony, préférant les termes littéral et freestyle, respectivement.

Scott McCloud a créé « The Big Triangle » en tant qu’outil de réflexion sur l’art de la bande dessinée. Il place la représentation réaliste dans le coin inférieur gauche, avec une représentation iconique, ou art cartoony, en bas à droite, et un troisième identifiant, abstraction de l’image, au sommet du triangle. Cela permet le placement et le regroupement d’artistes par triangulation.

Le style cartoony utilise des effets de bande dessinée et une variation de largeurs de ligne pour l’expression. Les personnages ont tendance à avoir une anatomie arrondie et simplifiée. Les représentants notés de ce style sont Carl Barks et Jeff Smith.
Le style réaliste, également appelé le style d’aventure est celui développé pour une utilisation dans les bandes d’aventure des années 1930. Ils ont exigé un regard moins cartoony, se concentrant plus sur l’anatomie réaliste et les formes, et ont employé les illustrations trouvées dans les magasins de pulpe en tant que base. Ce style est devenu la base du style de bande dessinée de super-héros depuis que Joe Shuster et Jerry Siegel ont travaillé à l’origine Superman pour la publication comme une bande d’aventure.
McCloud note également que dans plusieurs traditions, il y a une tendance à faire dessiner les personnages principaux plutôt simpliste et cartoone, tandis que les milieux et l’environnement sont représentés de façon réaliste. Ainsi, soutient-il, le lecteur s’identifie facilement aux personnages, (car ils sont semblables à l’idée que l’on se fait de soi-même), tout en étant immergé dans un monde tridimensionnel et texturé. De bons exemples de ce phénomène incluent les Aventures de Tintin de Hergé (dans sa «marque personnelle» style Ligne claire), l’Esprit de Will Eisner et le Bouddha d’Osamu Tezuka, parmi beaucoup d’autres.

Outils:
Les artistes utilisent une variété de crayons, de pinceaux ou de papier, généralement un carton Bristol, et une encre imperméable à l’eau. Lors de l’encrage, de nombreux artistes préféraient utiliser une brosse Winsor & Newton Series 7, # 3 comme outil principal, qui pouvait être utilisée avec d’autres pinceaux, des stylos trempettes, un stylo plume et / ou une variété de stylos techniques ou de marqueurs . Des teintes mécaniques peuvent être utilisées pour ajouter du ton gris à une image. Un artiste peut peindre avec de l’acrylique, de la gouache, des affiches ou de l’aquarelle. La couleur peut également être obtenue par des crayons, des pastels ou des crayons de couleur.

La gomme à effacer, les règles, les gabarits, les carrés et un carré en T aident à créer des lignes et des formes. Une table à dessin fournit une surface de travail inclinée avec des lampes parfois attachées à la table. Une boîte à lumière permet à un artiste de tracer son travail de crayon lors de l’encrage, permettant une finition plus lâche. Les couteaux et les scalpels répondent à une variété de besoins, y compris la planche à découper ou le raclage des erreurs. Un tapis de coupe facilite la coupe du papier. Le blanc du processus est un matériau blanc épais et opaque pour couvrir les erreurs. Les adhésifs et les bandes aident à composer une image provenant de différentes sources.