Musée national de Capodimonte, Naples, Italie

Le Musée national de Capodimonte est un musée à Naples, en Italie, situé à l’intérieur du palais éponyme dans la région de Capodimonte, qui abrite plusieurs galeries d’art anciennes, l’une d’art contemporain et un appartement historique.

Il a été officiellement inauguré en tant que musée en 1957, bien que les salles du palais abritent des œuvres d’art depuis 1758. Il conserve principalement des peintures, réparties principalement dans les deux collections principales, les Farnèse, qui comprennent certains des plus grands noms de la peinture italienne et internationale. . comme Rafael, Tiziano, Parmigianino, Brueghel the Elder, El Greco, Ludovico Carracci ou Guido Reni; et la galerie napolitaine, qui se compose d’œuvres d’églises dans et autour de la ville, transportées à Capodimonte pour des raisons de sécurité après la suppression des ordres religieux, et présente des œuvres d’artistes tels que Simone Martini, Colantonio, Caravaggio, Ribera, Luca Giordano ou Francesco Solimena. La collection d’art contemporain est également importante, dans laquelle le Vésuve d’Andy Warhol se démarque.

Le musée Capodimonte possède 47 000 œuvres d’art qui forment l’une des collections les plus importantes et les plus complexes d’art médiéval, ancien moderne, moderne et contemporain au monde. Dans 126 galeries réparties sur 151 000 pieds carrés, les œuvres des grands artistes sont exposées telles que: Michel-Ange, Caravage, Raphaël, Titien, Botticelli, Simone Martini, Giovanni Bellini, Colantonio, Artemisia Gentileschi, Jusepe de Ribera, Battistello, Luca Giordano, Mattia Preti, Francesco Solimena, les Carracci, Guido Reni, Lanfranco, Bruegel the Elder et Van Dyck pour n’en nommer que quelques-uns.

Tout commence par la Collection Farnèse que Charles Ier de Bourbon, fils du roi d’Espagne, hérite de sa mère Elisabetta et emmène avec lui à Naples en 1735, avec le désir de l’exposer dans ce palais perché. La construction du palais a commencé en 1738, pour fonctionner comme une galerie de photos et un pavillon de chasse. Capodimonte est le seul musée italien qui, en plus de représenter presque toutes les écoles d’art italien moderne, peut également se vanter d’œuvres d’artistes contemporains tels que Burri, Paolini, Bourgeois, Warhol et Kiefer.

Le parc royal de Capodimonte, avec ses 300 hectares et plus de 400 espèces végétales, est un espace vert préservé qui surplombe la ville et le golfe de Naples. Des espèces exotiques y ont été plantées, dont les premiers mandariniers en Italie. Il s’agit du plus grand parc urbain d’Italie, avec environ 1 500 000 visiteurs par an. Dans le parc royal, vous pourrez admirer le dernier jardin baroque de conception sino-anglaise regorgeant de parfums orientaux rares.

Majestueusement niché dans son parc royal surplombant la baie de Naples – Capodimonte offre une combinaison vraiment singulière de beauté artistique et naturelle qui est tout à fait unique à travers le monde.

Aperçu
Le musée national de Capodimonte s’étend sur les trois niveaux du palais de Capodimonte et la disposition des œuvres remonte aux derniers travaux de restauration qui ont eu lieu depuis le début des années 80 jusqu’en 1999: au rez-de-chaussée, mais aussi en profitant de la sous-sols, il y a des services pour les visiteurs et certaines salles d’enseignement, à l’étage mezzanine se trouve le Cabinet des dessins et gravures, et les expositions des affiches privées du 19e siècle et les affiches Apple, au premier étage est la Galleria Farnese, la collection Borgia , le Royal Apartment, la collection de porcelaine, la collection De Ciccio et le manège militaire Farnèse et Bourbon, au deuxième étage se trouvent la galerie napolitaine, la collection Avalos, la salle des tapisseries d’Avalos et la section d’art contemporain: cette dernière aussi se poursuit au troisième étage où se trouvent également la galerie du 19ème siècle et la galerie de photos.

Rez-de-chaussée, sous-sol et mezzanine
Au rez-de-chaussée il y a des services pour les visiteurs tels que la billetterie, la librairie, la cafétéria et le vestiaire: il y a aussi un auditorium capable d’accueillir des conférences, des projections, des traductions simultanées et des concerts en direct, agrémenté sur les murs avec deux tapisseries de la collection d ‘ Avolos. Dans l’atrium, devant l’escalier d’honneur Jupiter qui électrocute les Titans, sculpture en Biscuit de Filippo Tagliolini, et une installation de Luciano Fabro de 1989 intitulée Nord, Sud, Ouest et Est jouer à Shanghai, en aluminium et en fer, dans le jardin , juste avant l’entrée, une œuvre d’art contemporain, Southern Cross Southern Sign, par Eliseo Mattiacci.

Au sous-sol, il y a deux salles d’enseignement: la première, appelée la salle Sol LeWitt, du nom de son créateur, est utilisée pour des réunions, conférences, expositions, séminaires et concerts réservés à un jeune public avec une installation de LeWitt lui-même appelée White bandes en une salle noire, tandis que la seconde, la salle Causa, s’étend sur 700 m² et est principalement utilisée pour des expositions temporaires.

Au niveau de la mezzanine se trouve la collection Mele: ce sont des affiches publicitaires des Grands Magasins Mele, ouvertes à Naples en 1889 par les frères Emiddio et Alfonso Mele et données au musée Capodimonte en 1988. Celles-ci représentent un témoignage important du figuratif napolitain langue dans une période comprise entre la fin du XIXe et le début du XXe siècle: les affiches ont été commandées à l’atelier graphique de Ricordi et les dessins réalisés par des artistes tels que Franz Laskoff, Leopoldo Metlicovitz, Leonetto Cappiello, Aleardo Villa, Gian Emilio Malerba , Achille Beltrame et Marcello Dudovich. Toujours au niveau de la mezzanine, dans l’aile sud du bâtiment, se trouve le Cabinet des dessins et estampes, dont l’exposition a commencé en 1994: environ deux mille cinq cents feuilles et vingt-cinq mille estampes sont collectées, allant des caricatures préparatoires aux dessins de des auteurs comme Annibale Carracci, Guido Reni et Giovanni Lanfranco, dont environ quatre cents feuilles préparatoires pour des fresques réalisées dans des églises napolitaines sont collectées, mais aussi Pontormo, Tintoretto, Andrea del Sarto, Jusepe de Ribera et Aniello Falcone. Les mêmes salles présentent également les collections du comte Carlo Firmian, achetées en 1782 et qui rassemblent plus de vingt mille estampes d’Albrecht Dürer, Stefano della Bella, Giovanni Benedetto Castiglione et Rembrandt, et la collection Borgia, achetée en 1817, comprenant quatre-vingt-six aquarelles et dessins indiens. Il existe également d’autres collections, données après l’ouverture du musée, comme celle de Mario et Angelo Astarita, proposées en 1970, comprenant quatre cent dix-neuf dessins, aquarelles et huiles par des artistes de l’école Posillipo, parmi lesquels Giacinto Gigante ou des achats publics comme la collection de soixante-quatre études et reliefs de l’architecte Federico Travaglini. La mezzanine est complétée par la collection privée du XIXe siècle: installée en 2012 dans l’aile sud de l’édifice, elle rassemble des tableaux des XIXe et XXe siècles dans sept pièces; à l’origine ces chambres, à partir de 1816, abritaient l’appartement privé de Ferdinando I, pour ensuite être utilisées par la princesse Carolina au milieu du XIXe siècle et donc destinées à la branche cadette de la famille des ducs d’Aoste dans la première moitié du XXe siècle: avec la création du musée en 1957, les salles accueillent les bureaux de la Surintendance, tandis que, lors des travaux de restauration dans les années 90, elles retrouvent leur aspect architectural d’origine, destinées au musée avec l’ajout de mobilier napolitain, tissus et rideaux.

La salle 1 est dédiée au courant néoclassique avec des œuvres de Vincenzo Camuccini, les salles 2 et 3 rassemblent des paysages napolitains d’auteurs de l’école Posillipo tels qu’Anton Sminck van Pitloo, Gigante et les frères Palizzi, dans la salle 4 des peintures de réalisme de la seconde moitié du XIXe siècle avec des artistes comme Vincenzo Gemito, Domenico Morelli, Michele Cammarano et Giuseppe De Nittis, dans la salle 5 des œuvres inspirées de l’art oriental et dans les salles 6 et 7 différents dons de particuliers ou d’artistes tels que Gioacchino Toma, Achille D ‘ Orsi, Giovanni Boldini eGiacomo Balla.

Premier étage
Le premier étage est divisé en zones de la Galleria Farnese et de l’appartement royal: en particulier, la galerie Farnese comprend les pièces qui vont de la pièce 2 à la pièce 30 où se trouve la collection Farnese, à l’exception de la pièce 7, dédiée à la collection Borgia , et le 23, tandis que les chambres de la salle 31 à la salle 60, à laquelle la salle 23 est ajoutée, accueillent la section de l’appartement royal, caractérisée par les salles 35 et 36 dédiées à la Galleria delle Porcellane, des salles 38 à 41 dédiées à la collection De Ciccio et les salles allant de 46 à 50 réservées au Manège Farnésien et Bourbon.

Galerie Farnese
La collection Farnèse donne son nom à la galerie du même nom et toutes les œuvres sont triées par zone d’origine en séquence temporelle: la collection a été commencée au milieu du XVIe siècle par le pape Paul III, qui l’a recueillie dans son palais de Campo de ‘Fiori à la fois des œuvres anciennes, en particulier des statues provenant de découvertes archéologiques dans la région de Rome comme des thermes de Caracalla, et des œuvres modernes, principalement picturales d’artistes tels que Raphaël, Sebastiano del Piombo, El Greco et Tiziano. Avec Ottavio Farneset son fils Alessandro, la collection s’est enrichie au XVIIe siècle de nombreuses pièces, grâce également à la donation, en 1600, de Fulvio Orsini au cardinal Odoardo et à la confiscation, en 1612, des biens appartenant à certains membres de la l’aristocratie de Parme et Plaisance, tenues pour responsables d’un complot éclos l’année précédente contre Ranuccio I Farnese. Par conséquent, des œuvres d’artistes tels que Correggio et Parmigianino font partie de la collection, aux côtés d’achats dans des palais romains. Aussi, quand Alexandre est devenu souverain des Pays-Bas, à côté de l’école picturale italienne a également été ajoutée la flamande: cependant, selon certaines sources de l’époque, le monarque n’aurait pas été un collectionneur prudent contrairement à son père et sa mère Margherita d’Autriche . En 1693, la collection de Margherita Farnese, sœur de Ranuccio a été ajoutée. Plus tard, la collection est passée entre les mains d’Elizabeth, puis à son fils Charles de Bourbon, qui, lorsqu’il est devenu roi de Naples, a transféré toutes les œuvres dans la capitale de son royaume: élargi avec de nouvelles acquisitions également avec des objets d’ambre, de bronze, de roche cristal, majolique et argent, la collection était logée dans le palais construit à cet effet de Capodimonte. Au fil des ans, cependant, la collection a été déplacée dans divers bâtiments de la ville jusqu’à la fin de la Seconde Guerre mondiale, lorsqu’une réorganisation des musées napolitains a été décidée: la statuaire est restée au Musée archéologique national, tandis que les peintures ont de nouveau été déplacées vers le palais de Capodimonte dans le musée du nouveau-né, la restauration de l’ancienne galerie farnésienne.

La salle 2 marque l’entrée de la galerie Farnèse et permet de voir, avec ses peintures, les personnalités éminentes de la famille Farnèse: de nombreuses œuvres présentes, comme le Portrait de Paul III et le Portrait de Paul III avec les neveux Alessandro et Ottavio Farnese, sont l’œuvre de Titien, dont la collection de Capodimonte représente pour l’artiste la plus importante et la plus nombreuse en Italie et dans le monde; il y a aussi des peintures de Raphaël, comme le Portrait du Cardinal Alessandro Farnese, Giorgio Vasari et Andrea del Sarto, ainsi que des sculptures de Guglielmo Della Porta et une tapisserie représentant le Sacrifice d’Alexandre.

La petite salle 3 est entièrement dédiée à la crucifixion de Masaccio; cela ne fait pas partie de la collection Farnèse, mais a été acheté en 1901 par un particulier comme œuvre d’un florentin inconnu du XVe siècle et n’est plus tard considéré comme le compartiment central du polyptyque de Pise que Masaccio avait fait pour le carmin église de la capitale Pise, puis divisée en différentes pièces conservées dans d’autres musées européens et américains.

Dans la salle 4, quatre dessins au fusain sont rassemblés: deux de Michel-Ange, un de Raphaël et un de Giovan Francesco Penni appartenaient à Fulvio Orsini, et hérités, selon la volonté du membre de la famille Farnèse, par Ranuccio; les œuvres sont arrivées au palais de Capodimonte en 1759, sous Giuseppe Bonaparte, puis transférées au Palais royal des études, constituant le noyau principal du Cabinet des dessins et gravures et finalement ramenées au palais de Capodimonte. Dans la même pièce, il y a une peinture attribuée à Hendrick van den Broeck, Vénus et Cupidon, une copie du fusain homonyme de Michel-Ange, exposée à ses côtés et le sujet de nombreuses répliques également par d’autres artistes.

De la salle 5, les œuvres sont classées par ordre chronologique et divisées par zones culturelles: parmi les principales se détachent deux panneaux de Masolino da Panicale, la Fondation de Santa Maria Maggiore et l’Assomption de la Vierge, éléments centraux d’un triptyque placé à l’origine sur l’autel de la basilique de Santa Maria Maggiore à Rome.

La salle 6 contient des peintures des collections Farnèse et Bourbon d’artistes de l’Ombrie – de la Renaissance toscane, qui montrent les nouveautés picturales de l’époque, telles que l’utilisation de la perspective: des artistes tels que Filippino Lippi, Lorenzo di Credi, Sandro Botticelli en font partie. , Raffaellino del Garbo et Raffaello, avec son travail de jeunesse éternelle entre les chérubins et la tête de Madonna, le travail principal dans la salle; la toile de Francesco Zaganelli, avec le Christ portant la croix, s’écarte du thème prédominant, plus proche de la peinture de Dürer.

De la salle 8 commence cette série de pièces, orientées le long du côté ouest du bâtiment, qui abritait déjà au XVIIIe siècle les premiers tableaux de la collection Farnèse: le plafond de la pièce, ainsi que celui des pièces 9 et 10, a encore fresques décoratives du XIXe siècle, puis restaurées au cours des années cinquante du XXe siècle; dans la salle, il y a des œuvres picturales d’art vénitien datées entre le XV et le début du XVIe siècle avec des artistes tels que Bartolomeo Vivarini, Andrea Mantegna et Lorenzo Lotto, tous appartenant à la collection Farnese, tandis que des œuvres d’autres auteurs tels que Giovanni Bellini et Jacopo de ‘Barbarithey sont liés aux achats de Bourbon. Les toiles montrent toutes les innovations de la période historique dans laquelle elles ont été peintes, telles que le raffinement chromatique, l’utilisation de la perspective aérienne et le rôle clé de la lumière.

La salle 9 présente des œuvres de Sebastiano del Piombo, Giulio Romano et Daniele da Volterra, témoignant de la fervente saison artistique romaine du XVIe siècle; dans la salle il y a aussi trois peintures, Madonna del Velo et Portrait de Clément VII avec la barbe de Sebastiano del Piombo et Portrait d’un jeune homme par Daniele da Volterra, réalisées sur ardoise, une technique expérimentale utilisée comme alternative à la toile et les panneaux. La copie par Michel-Ange du Jugement dernier peinte par Marcello Venusti est également intéressante, témoignage de la façon dont le travail de la chapelle Sixtine regardait les interventions de Daniele da Volterra pour couvrir les parties considérées comme indécentes.

La salle 10 contient les peintures d’artistes toscans réalisées dans le premier quart du XVIe siècle: ce sont Pontormo, Rosso, Fra Bartolomeo, Franciabigio, Andrea del Sarto, Domenico Puligo et Pieter de Witte, artistes qui ouvriront les portes du maniérisme.

La salle 11 rassemble des œuvres vénitiennes: en particulier les activités d’un Titien désormais mature tel que Danae, Portrait d’une jeune fille et Madeleine, d’un jeune Dominikos Theotokópoulos, plus connu sous le nom d’El Greco, élève de Titien et peintre de la cour des Farnèse et par Jacopo Palma l’Ancien. Parmi les premiers, il convient de noter que Boy souffle sur une braise brûlante, il travaille dans une forte tonalité clair-obscur, avec des accents caravaggesques évidents.

La salle 12 contient l’une des plus importantes collections de peinture émilienne du XVIe siècle au monde, le résultat de la collection Farnèse et des confiscations contre certaines familles de Plaisance et Parme qui avaient fait éclore une conspiration contre Ranuccio Farnese; parmi les artistes: Correggio, avec ses thèmes sacrés et mythologiques et ses figures humaines aux formes douces et aux couleurs douces, Parmigianino, l’un des protagonistes du maniérisme italien et d’une peinture faite d’expérimentations, Girolamo Mazzola Bedoli, Benvenuto Tisi de Garofalo, Dosso Dossi , Lelio Orsi et Ippolito Scarsella, ces deux derniers avec un conte de fées caractéristique et une séquence narrative. Quelques bustes en marbre de l’époque romaine complètent l’environnement.

La salle 13 rassemble les œuvres d’artistes qui ont travaillé à la cour Farnèse de Parme, un lieu en pleine ferveur intellectuelle à cette époque: en particulier c’est Jacopo Zanguidi, mieux connu sous le nom de Bertoja, avec une Vierge à l’enfant et Girolamo Mirola, qui est également rejoint par des artistes étrangers tels que Jan Soens.

La salle 14 est la galerie des choses rares, communément appelée Wunderkammer, ou plutôt une sorte de salle de merveilles qui avait pour mission de captiver et d’étonner les visiteurs: en plus des peintures normales, elle collectionne ces œuvres précieuses et rares de ce qui reste de la arts décoratifs de la collection Farnese, autrefois conservés à la Galerie Ducale de Parme. Parmi les œuvres de la salle: la boîte Farnèse, réalisée par Manno Sbarri avec des cristaux gravés par Giovanni Bernardi, des bronzes provenant de diverses écoles italiennes et européennes comme celles de Giambolognaothers au style typiquement Renaissance, comme le David de Francesco di Giorgio Martini et le Cupidon de Guglielmo Della Porta, et les maniérismes, les pièces de monnaie, les objets en ivoire comme un plateau et une cruche de Johann Michael Maucher, les médailles de la Renaissance de Pisanello, Matteo de ‘Pasti et Francesco da Sangallo, des émaux, dont un représentant Diana la chasseresse Diana de Jacob Miller l’Ancien, majolique d’Urbino, y compris un ensemble de majolique bleue appartenant à Alessandro Farnese, des cristaux de roche, des micro-sculptures en bois et des objets exotiques et des trouvailles comme une ranocchia en pierre dure du Mexique et la statuette de Huitzilopochtli, dieu de la guerre aztèque .

La salle 15 ne contient que les peintures du peintre flamand Jacob de Backer; ce sont sept œuvres représentant les sept péchés capitaux, une tendance très populaire dans la culture flamande du XVIe siècle: le vice est représenté au centre du tableau et derrière lui des scènes du Nouveau et de l’Ancien Testament. Les œuvres ont été achetées par Cosimo Masi en Flandre et confisquées en 1611 par Ranuccio Farnese: à leur arrivée à Naples, elles n’ont pas eu beaucoup de chance, à tel point qu’elles ont été conservées dans les dépôts du Palazzo degli Studi avant d’être vendues à la Chambre des députés à Rome, pour embellir les murs; ils reviennent à Naples en 1952, bénéficiant d’une nouvelle réévaluation.

La salle 16 est dédiée à la peinture lombarde des XVe et XVIe siècles, avec une collection peu importante, qui a vu son apogée dans des centres tels que Crémone, Brescia, Bergame et surtout Milan: parmi les artistes exposés Bernardino Luini et Cesare da Sesto, inspiré par Léonard de Vinci, et Giulio Cesare Procaccini, qui avec sa Vierge à l’Enfant et l’Ange montre les signes de la morale rigide de la Contre-Réforme dans la peinture sacrée, où se trouvent cependant les premiers signes du baroque; quelques bustes d’empereurs romains complètent la salle, initialement exposée au Palazzo Farnese à Rome.

La salle 17 contient des peintures des régions flamande et allemande; en particulier, les deux chefs-d’œuvre de Pieter Bruegel l’Ancien sont exposés, la parabole des aveugles et le Misanthrope, représentant deux moments de la phase mature de l’artiste: achetés par Cosimo Masi, secrétaire du prince Alexandre, et confisqués par une famille Farnèse chez un de ses héritiers, Giovanni Battista Masi, en 1611. Il existe également des triptyques, comme la Crucifixion et l’Adoration des Mages de Joos van Cleve, avec des portes mobiles et riches en éléments décoratifs, à tel point qu’ils semblent proposer des éléments typiques de l’art italien, et un groupe de petites peintures de Civetta représentant des paysages, déjà mentionnés dans les inventaires du marquis Girolamo Sanvitale: d’autres artistes exposés sont Jacob Cornelisz van Oostsanen et Bernard van Orley, ce dernier avec le Portrait de Charles V; la plupart de ces tableaux font partie de la collection Farnèse grâce aux acquisitions du cardinal Odoardo à partir de 1641.

La salle 18 est presque entièrement dédiée à Joachim Beuckelaer: on ne sait pas quand ni qui a acheté les œuvres, mais celles-ci appartenaient certainement à la collection Farnèse de Parme dès 1587, comme mentionné dans certains inventaires familiaux, ainsi qu’une quarantaine de tableaux ayant appartenu au duc Ottavio et Ranuccio, dans cette période où les natures mortes et les scènes populaires comme celles des marchés et des campagnes, que proposent les toiles, connurent un grand succès en Italie. La seule œuvre qui n’appartienne pas à Beuckelaer est Jésus parmi les enfants, de Maarten de Vos.

Dans la salle 19, les œuvres des représentants de la famille Carracci, à savoir les frères Agostino et Annibale, les principaux exécuteurs testamentaires de la famille Farnese, et le cousin Ludovico sont exposés: leurs toiles sont conditionnées par les privations imposées par le concile de Trente, même s’ils parviennent à trouver une nouvelle solution artistique selon laquelle l’artiste doit avoir une vision de la réalité pour sortir la peinture italienne de cet état de crise.

La salle 20 continue de collecter des œuvres de l’école émilienne avec Annibale Carracci, cette fois présente avec une peinture mature inspirée des mythes grecs tels que Rinaldo et Amida et la rivière Allégorie, Giovanni Lanfranco et Sisto Badalocchio.

La salle 21 est entièrement consacrée aux peintures de Bartolomeo Schedoni, un artiste qui a lié son existence professionnelle à la famille Farnese, travaillant pour la famille entre Modène et Parme et les assurant de la plupart de ses œuvres, même celles qui, après sa mort, ils ont été déposés dans la boutique: un savant de Correggio, Federico Barocci et les Carracci, il a fait la lumière la nouveauté prédominante de ses peintures, qu’il combine des figures excentriques.

La salle 22 est toujours dédiée à la peinture émilienne: l’œuvre principale est celle d’Atalanta et Ippomene de Guido Reni, avec qui Giovanni Lanfranco et Michele Desubleo approchent; toutes les peintures présentent ces thèmes et le style du courant baroque naissant.

La salle 24 contient des peintures flamandes du XVIIe siècle avec des artistes tels que Antoon van Dyck et son Christ crucifié, achetés par Diego Sartorio pour 1500 ducats, Pieter Paul Rubens et Daniel Seghers: ce sont des œuvres appartenant à la collection Farnese ou des achats ultérieurs et qui offrent une comparaison entre les peintures italiennes et hollandaises de l’époque.

Toujours dans la salle 25, l’exposition des peintres flamands se poursuit, en particulier des œuvres qui traitent des vues, un genre qui, à partir de la fin du XVIe siècle, a connu un énorme succès grâce également à la demande de riches bourgeois qui aiment orner les murs de leurs bâtiments avec des toiles représentant des scènes de la vie quotidienne: parmi les artistes exposés dans l’environnement Sebastian Vrancx, Gillis Mostaert et Pieter Brueghel le Jeune avec paysage d’hiver.

Les artistes flamands se retrouvent encore dans la salle 26: cette fois, cependant, le thème passe aux natures mortes, qui se répandront énormément tout au long du XVIIe siècle; ce sont des représentations intimes de scènes familières avec des portraits de fruits, de gibier, de fleurs, de plats et de cristaux, comme en témoignent les toiles de David de Coninck Game and Animals ou de David Teniers le Jeune avec Kitchen Interior.

La salle 27 continue avec les artistes émiliens, en particulier ceux influencés par l’expérience de l’Accademia degli Incamminati: des œuvres de Ludovico Carracci, comme la Chute de Simon Mago, sont exposées, ce qui ouvre la vision à une nouvelle conception de l’espace et avec signes d’un premier baroque, Domenichino avec l’ange gardien, qui reste plutôt ancré au classicisme, et Alessandro Tiarini qui continue de suivre le style de l’école caravaggesque.

Le style maniériste tardif de la fin du XVIe siècle s’exprime dans les œuvres conservées dans la salle 28 avec des artistes toscans et liguriens; important dans ces peintures est l’utilisation de la couleur, donnant presque une teinte surnaturelle mais donnant toujours une luminosité douce et imprégnée: la Pietà de Cigoli, Vénus et Adonis de Luca Cambiaso et San Sebastiano conduit au tombeau de Domenico Cresti en témoigne.

La salle 29 abrite des œuvres d’origines différentes et appartenant à différentes classes culturelles, démontrant que la famille Farnèse, en raison de désaccords internes, n’était plus en mesure de commander des artistes pour des peintures pour sa collection; les plus représentatifs de la salle sont les artistes de Gênes, ville qui a vécu entre le XVIe et le XVIIe siècles une bonne saison artistique: huiles caractéristiques sur cuivre de Carlo Saraceni sur des thèmes mythologiques et œuvres d’Orazio de Ferrari et Giovanni Battista Gaulli, tandis que Paysage avec la nymphe Egeria de Claude Lorrain provient de la collection Bourbon.

La salle 30 conclut la collection Farnèse: elle abrite les œuvres de Sebastiano Ricci, un vénitien du XVIIe siècle, l’un des peintres de la maison Farnèse de Parme qui a bénéficié de la protection de Ranuccio; dans la salle aussi la Sainte Famille et les Saints de Giuseppe Maria Crespi.

Collection Borgia
La salle 7 abrite la collection Borgia: c’est une collection achetée en 1817 par Ferdinando I, propriété du cardinal Borgia qui, au cours du XVIIIe siècle, a recueilli, grâce aux différentes missions catholiques à travers le monde, de nombreux témoignages artistiques des plus peuples disparates, tels que les peuples orientaux et exotiques. Les œuvres ont été conservées par le cardinal à la fois dans un palais romain et dans sa maison de Velletri, où il a donné naissance à un véritable musée, ouvert aux savants et divisé en dix sections: antiquités égyptiennes, étrusques et volsques, gréco-romaines, romaines, Art d’Extrême-Orient, antiquités arabes, artefacts ethno-anthropologiques d’Europe du Nord, d’Amérique centrale et du Musée Sacré, composés d’œuvres liées à l’iconographie et à la liturgie sacrée. À la mort du cardinal, les œuvres ont été héritées par son neveu Camillo Borgia et achetées plus tard par le souverain Bourbon: la collection a ensuite été exposée pour la première fois au Musée royal du Bourbon puis, en 1957, transférée au palais royal de Capodimonte où, après une longue travaux d’inventaire, trois sections sont exposées, à savoir le Musée Sacré, le Tuf Arabe et l’Index.

La collection comprend des peintures telles que Sant’Eufemia d’Andrea Mantegna, la Vierge à l’enfant avec les saints Pierre, Paul et Antonio Abate de Taddeo Gaddi, la Vierge à l’enfant de Bartolomeo Caporali, la Vierge de Jacopo del Casentino, le San Sebastiano di Taddeo di Bartolo, les vertus et les scènes de la vie de Jason de Giovanni Bernardi; et il y a encore des objets de fabrication syrienne, espagnole, birmane et française composés de divers matériaux tels que le polyptyque de la passion, en albâtre, de l’école anglaise, du verre, des orfèvres, des émaux tels que Pace di Nicolò Lionello, et des ivoires, tels que la crucifixion byzantine du Xe siècle.

Appartement Royal
Du 31 au 60, auquel s’ajoute le 23 mais les 35 et 36 exclus, ceux de 38 à 41 et ceux de 46 à 50 abritent le Royal Apartment.

Modifiés en partie par leur aspect d’origine tant en architecture qu’en mobilier, ils constituent l’appartement qui a accueilli Bourbon, les rois de France et la famille des ducs d’Aoste: la pièce principale est la chambre 23 qui abritait la salle à manger. lit de Francesco I et Maria Isabella de Bourbon-Espagne, réalisé entre 1829 et 1830 sur la base d’un dessin d’Antonio Niccolini avec des décorations murales particulières rappelant les fresques trouvées lors des fouilles de Pompéi et Herculanum et le rembourrage de la fabrication de San Leucio. La salle 31 s’appelle Salone della Culla car elle abritait un berceau donné par les sujets napolitains à la famille royale pour la naissance de Vittorio Emanuele III de Savoie: la particularité de l’environnement est le sol en marbre d’une villa romaine de Capri, Villa Jovis. La chambre 42 est le Salone delle Feste, à l’origine conçu pour abriter les œuvres de la collection Farnese puis transformé pour remplir les fonctions représentatives de la famille royale: c’est l’une des rares chambres à conserver son aspect d’origine, avec des décorations de Salvatore Giusti, de style néoclassique, sols en marbre et lustres en cristal. La salle 52 abrite le salon en porcelaine: c’est un salon composé de plus de trois mille pièces de porcelaine construites pour la reine Maria Amalia entre 1757 et 1759 par Giovanni Battisti Natali, initialement placées dans le palais de Portici et transférées à Capodimonte en 1866 seulement. dans une pièce convenablement adaptée. La salle 56, créée à la demande d’Annibale Sacco et avec un goût néoclassique clair, prend le nom de Salone Camuccini et est ainsi appelée pour la présence d’œuvres picturales créées précisément par Vincenzo Camuccini, qui est flanquée d’autres artistes tels que Pietro Benvenuti et Francesco Hayez: il abrite également un bon nombre de statues. Toutes les pièces conservent un grand nombre de tableaux des auteurs les plus disparates tels qu’Alexandre-Hyacinthe Dunouy, Claude Joseph Vernet, Antonio Joli, Francisco Goya, Angelika Kauffmann et Giacinto Gigante, ainsi que de nombreux objets d’ameublement tels que porcelaine, vases, berceaux, instruments de musique, canapés, lustres et cheminées, ces derniers n’étant prévus que dans les salles représentatives.

Galerie de porcelaine
Dans les salles 35 et 36, elles constituent la soi-disant galerie de porcelaine: composée de plus de trois mille pièces, dont, pour des raisons d’espace, seule une petite partie plus représentative des services de porcelaine de fabrication italienne et européenne est exposée, en particulier la porcelaine de Capodimonte, le Meissein de Sevres, avec quelques pièces décorées de Naples, à Vienne et à Berlin. Toutes les œuvres, à l’exception de l’Immaculée Conception achetée en 1972, proviennent de la collection Bourbon; jusqu’en 1860, ces pièces étaient normalement utilisées, tandis que plus tard, à partir de 1873, à la demande de Vittorio Emanuele III, un travail de construction de musée a commencé sur les porcelaines, édité par Annibale Sacco.

La salle 35 présente les créations de la Real Fabbrica di Napoli, tandis que la salle 36 présente les plus importantes manufactures européennes: parmi les œuvres principales, il y a le service de l’oie sur les plats duquel sont peintes des vues de Naples et de ses environs, tandis que celles sans décorations sont en réserve, un autel composé de six candélabres et d’un crucifix, une œuvre de Giuseppe Gricci pour la chapelle royale de Portici, un service de table, un service de chocolat avec une guirlande de fleurs puis de nombreux vases, statues, contremarches et assiettes.

Collection De Ciccio
La collection De Ciccio est logée dans les salles 38, 39, 40 et 41: c’est une collection, commandée selon la disposition originale, d’environ mille trois cents pièces, principalement des arts appliqués, dont des peintures et des sculptures mais aussi des bronzes, des ivoires, majolique, porcelaine et parfois découvertes archéologiques, données au Musée national de Capodimonte en 1958 par le collectionneur Mario De Ciccio, qui les avait recueillies au cours d’une cinquantaine d’années d’acquisitions entre Naples, Palerme et divers marchés internationaux.

Parmi les différentes œuvres, les céramiques sont de style hispano-mauresque, en majolique de la Renaissance, dont une tuile étoile de la fabrication persane à Rey, les porcelaines de Meissen, Vienne et Ginori; parmi les statues celles d’une Vierge à l’enfant de l’école de Lorenzo Ghiberti, San Matteo, en bronze, attribuée à Alessandro Vittoria, tandis que parmi les peintures un panneau de Marco del Buono et Apollonio de Giovanni, déjà décoré d’un coffre. Et encore des vases, assiettes, tasses, dont certains chinois des périodes K’ang Hsi et Chien Lung, des bronzes Renaissance d’Andrea Briosco, Alessandro Vittoria et Tiziano Aspetti, du verre de Murano et des découvertes archéologiques comme des vases attiques des VIe et Ve siècles avant JC , rhyta du IVe siècle avant JC et sculptures italiques et étrusques.

Armurerie fernesiana et Bourbon
Dans les salles 46, 47, 48, 49 et 50 sont exposées les collections de l’Armurerie Farnésienne et Bourbon: ce sont environ quatre mille pièces dont la première mise en place remonte à 1958 et dont elles conservent encore leur aspect d’origine. La collection farnésienne comprend principalement des armes milanaises et brescia, mais aussi des exemples espagnols et allemands d’armes à feu, de coupe et de défense, des armures de tournoi et de guerre, des pistolets, des épées, des poignards et des arquebuses, parmi lesquels l’armure d’Alessandro Farnese dite del Giglio, de Pompeo della Cesa, et un fusil à roue italien qui appartenait à Ranuccio Farnese. La série Bourbon comprend des armes à feu, certaines de Madrid avec Charles de Bourbon, d’autres de fabrication napolitaine provenant de la Royal Arms Factory de Torre Annunziata pour répondre aux besoins de l’armée Bourbon, et des armes de chasse faites à des fins purement récréatives telles qu’un fusil à silex appartenant à Maria Amalia. À celles-ci s’ajoutent des armes données à Carlo et Ferdinando sous forme de carabines et de fusils de fabrication saxonne, viennoise et espagnole, des armes blanches produites à la fois par la Royal Factory et par la Steel Factory, cette dernière située dans le parc Capodimonte à partir de 1782: Carlo la Bruna, Biagio Ignesti, Michele Battista, Natale del Moro et Emanuel Estevan ont été les créateurs des œuvres. Il existe également des armes de fabrication orientale et des modèles de guerre utilisés pour l’école d’artillerie, des armures de carrousel italiennes et des guerres du XVIIe siècle, des épées des XVIe et XVIIIe siècles, dont l’une appartenait probablement à Ettore Fieramosca, des armes à feu italiennes et des XVIIIe et XIXe siècles européens. . Particulier un modèle en plâtre représentant Carlo V par Vincenzo Gemito.

Deuxième étage
Le deuxième étage est divisé en zones de la galerie napolitaine et de la collection d’art contemporain: en particulier des salles 61 à 97, à l’exclusion de 62, la galerie des arts de Naples du XIIIe au XVIIIe siècle est logée, la salle 62 est dédiée à les tapisseries d’Avalos et les salles de 98 à 101 de la collection d’Avalos, tandis que l’espace d’art contemporain occupe deux salles et d’autres au troisième étage.

Galerie napolitaine
La galerie napolitaine est composée de quarante-quatre salles et abrite des peintures, mais aussi des sculptures et des tapisseries, réalisées par des artistes ou des personnalités napolitaines qui ne sont pas locaux mais qui ont travaillé ou envoyé des œuvres dans la ville et influencé l’école locale dans une période comprise entre le XIIIe et XVIIIe siècles. La collection a débuté au début du XIXe siècle, à la fois suite aux suppressions des monastères pendant la période de domination napoléonienne et par les émissaires de Bourbon à la recherche d’œuvres à inclure dans la collection royale, pour continuer en 2008 grâce à de nombreux états les acquisitions, les dons ou, comme cela s’est produit entre 1970 et 1999, à des fins de précaution, notamment pour les ouvrages conservés dans des églises fermées ou en tout cas peu surveillés. Les thèmes abordés sont donc des sujets religieux, qui embellissaient les églises, mais aussi des batailles, des scènes mythologiques et des natures mortes, des thèmes plus profanes, souvent commandés par des particuliers pour leurs maisons bourgeoises. La disposition muséale des salles tend à reproduire par conséquent la relation étroite entre l’histoire et l’histoire de l’art dans la région napolitaine et le sud de l’Italie en général, avec des œuvres commandées à la fois par la maison dirigeante et par les aristocrates qui ont fait de la capitale napolitaine une culture internationale centre.

Avec la salle 61 commence la galerie napolitaine: des œuvres de différents types sont donc accueillies, démontrant la variété et la complexité des créations artistiques de Naples, mais aussi celles qui ont subi une restauration; l’exposition comprend le polyptyque avec des histoires de la passion, en albâtre et en bois fabriqué à Nottingham, une tapisserie représentant la déposition de la croix et des statues en bois de Giovanni da Nola.

Salle 63 et les deux œuvres hôtes suivantes de la culture de Campanie allant de la fin du XIIe siècle au début du XV: il convient de noter un San Domenico, un polyptyque d’une église napolitaine, un objet en marbre appartenant à un candélabre, et une tempera sur panneau avec le sujet Santa Maria de Flumine, provenant d’une église près d’Amalfi, qui montre les influences byzantines et arabes présentes dans la péninsule de Sorrente.

La salle 64 montre les influences que l’arrivée de la dynastie angevine et celle de leur monde courtois ont sur l’art napolitain; en effet, les nouveaux souverains apportent d’importants travaux de réaménagement à la ville, avec la construction de palais et d’églises qu’il faudra donc décorer ultérieurement. Et les artistes appelés à cette œuvre s’inspirent de Giotto, personnellement présent dans la ville, et de son atelier: c’est le cas de celui exposé dans cette salle comme Roberto d’Oderisio, avec sa Crucifixion et la Madone de l’humilité et la siennoise Andrea Vanni avec San Giacomo Apostolo.

La salle 65 montre les influences de la branche hongroise de la dynastie Anjou, en particulier de Charles III de Naples et Ladislao I de Naples, ce dernier commandant des œuvres d’un peintre anonyme connu comme le maître des histoires de San Ladislao: i deux souverains, constamment engagés dans des campagnes militaires, favorisent la présence à Naples de nombreux artistes, principalement de Toscane, comme Niccolò di Tommaso.

La salle 66 est exclusivement dédiée au chef-d’œuvre de Simone Martini, San Ludovico di Tolosa qui couronne son frère Roberto d’Angiò: la table, qui tombe encore à l’époque angevine de Naples, a été commandée par Roberto d’Angiò, pour se souvenir et célébrer son frère Ludovico qui a renoncé au trône du royaume après avoir rejoint le courant franciscain.

La salle 67 abrite des œuvres qui marquent la fin du règne angevin à Naples et le début de l’aragonais, avec ses innovations picturales: des artistes, peintres et sculpteurs flamands très chers à Alphonse V d’Aragon sont exposés dans l’environnement, mais aussi des Italiens tels comme Colantonio avec la livraison de la règle franciscaine, San Girolamo dans l’atelier et le polyptyque de San Vincenzo Ferrer, premiers exemples de la peinture napolitaine de la Renaissance, à mi-chemin entre le style italien et international, avec des influences flamandes-catalanes.

La salle 68 présente les artistes qui ont travaillé à Naples sous le règne de Ferdinand I de Naples et d’Alphonse II de Naples, favorisés par ce dernier pour la construction de l’arc de triomphe du Maschio Angioino: ce sont des Lombards comme Cristoforo Scacco di Verona et Protasio Crivelli , Des Vénitiens, des Siciliens, des Dalmatiens et des Espagnols comme Juan de Borgoña, mais aussi Francesco Pagano et Pietro Befulco.

La salle 69, avec ses œuvres, montre la relation étroite qui s’est établie à la fin du XVe siècle entre Alphonse II et la Toscane, mais aussi comment les artistes ombriens sont très appréciés dans la ville: des œuvres de Pinturicchio et Matteo di Giovanni sont exposées, fondamentales des artistes également pour la formation de peintres locaux comme Francesco Cicino, créateur assidu de polyptyques parmi lesquels se distinguent la Vierge à l’enfant intronisée et les saints.

La salle 70 marque le début de la domination espagnole à Naples au début du XVIe siècle: les œuvres présentées témoignent d’une importante maturation de l’art local, représenté ici avec des artistes tels que Giovanni Filippo Criscuolo et Andrea Sabatini, qui remontent encore à l’Ombrie et la Toscane la peinture mêlée au classicisme typique de Raphaël, ou en tout cas des artistes formés dans d’autres régions d’Italie, comme Cesare da Sesto, présents dans la salle avec l’Adoration des Mages, serviront d’intermédiaire pour les innovations de la peinture napolitaine ; l’influence espagnole est également affectée par la peinture de Pedro Fernández.

La salle 71 contient une importante collection de sculptures en marbre du XVIe siècle, une production artistique dans laquelle Naples se démarque particulièrement avec des artistes tels que Girolamo Santacroce et Giovanni da Nola: ce sont des éléments décoratifs d’œuvres précédemment hébergées dans l’église de Santa Maria Assunta dei Pignatelli et quatre hauts-reliefs des églises de Sant’Agnello Maggiore et Santa Maria delle Grazie Maggiore à Caponapoli.

La salle 72 présente les peintures de Polidoro da Caravaggio, élève et assistant de Raphaël, formé à Rome dans la première moitié du XVIe siècle et qui travaillera ensuite brièvement à Naples également: parmi les objets exposés, l’Andata al Calvario, le Deposition, San Pietro et Sant’Andrea, qui mettent en valeur le caractère original et dérangeant de l’artiste.

Des artistes comme Marco Cardisco et Pedro Machuca se trouvent dans la salle 73: le premier est influencé par l’influence maniériste de Polidoro et classé par Andrea da Salerno, bien visible dans le Dispute de Saint Augustin, tandis que le second, auteur de la Mort et l’Assomption de la Vierge, elle se caractérise par une peinture aux figures douces sur des compositions quelque peu articulées rappelant en quelque sorte celle de Rosso Fiorentino.

La relation entre Pedro Álvarez de Toledo et la Toscane crée un échange culturel intense entre Naples et Florence ou Sienne, clairement visible dans la salle 74 où ils sont exposés des artistes comme Marco Pino, élève de Beccafumi, longtemps actif dans la ville, Sodoma, et principalement Giorgio Vasari, avec la Cène chez le pharisien et la Présentation au Temple.

L’œuvre principale de la salle 75 est l’Annonciation du Titien, un rare exemple de peinture vénitienne à Naples et située à l’origine dans la chapelle Pinelli de l’église de San Domenico Maggiore. La petite salle appelée 75 bis avec deux tableaux de dévotion est également caractéristique, à savoir Andata al Calvario de Giovanni Bernardo Lama et Pietà et saints de Silvestro Buono, cette dernière étant clairement inspirée des peintres flamands en vogue à Naples à la fin du XVIe siècle.

Dans la salle 76 sont présentés de grands tableaux destinés à être de hauts retables dans une Naples qui a vécu avec Philippe II d’Espagne une période fervente à la fois de constructions religieuses et de décorations d’églises existantes mais qui a dû suivre les préceptes de la contre-réforme; parmi les artistes qui travaillent à la réalisation de ces œuvres figurent Aert Mytens et Dirk Hendricksz, auteurs flamands, Francesco Curia con Annunciazione, considéré comme l’un des chefs-d’œuvre de la peinture du sud du XVIe siècle, et Girolamo Imparato.

La salle 77, avec ses œuvres, marque l’apogée de l’art napolitain du XVIe siècle, avec des artistes offrant des représentations sacrées qui parlaient clairement aux fidèles; sont exposés: Scipione Pulzone, avec sa peinture froide et puriste, Ippolito Borghese et son coup de pinceau nuancé dans la Pietà, Fabrizio Santafede, plus proche de la culture populaire, et Luigi Rodriguez; caractéristique sont les peintures de Cavalier d’Arpino, l’un des derniers miniaturistes actifs à Naples, en particulier dans la chartreuse de San Martino.

La salle 78 est la réserve exclusive de la Flagellation du Christ du Caravage, une œuvre qui inaugure la grande saison du XVIIe siècle napolitain: l’artiste a été actif à Naples entre 1606 et 1607 et entre 1609 et 1610 contribuant à transformer radicalement la peinture sacrée de la capitale qui jusque-là est composée de saints, d’anges, de couronnes, dans une plus simple, plus essentielle et sombre, qui se reflète également dans les ruelles de la ville, une réalité jusqu’ici ignorée, jetant, surtout à partir de la deuxième décennie du XVIIe siècle, les fondements du naturalisme napolitain.

La salle 79 abrite les œuvres des soi-disant caravagistes, c’est-à-dire les artistes qui, dans leurs œuvres, font référence au Caravage, tels que Filippo Vitale, Carlo Sellitto, qui est né en tant que peintre élégant et stylisé pour embrasser ensuite pleinement le nouveau style, et Battistello Caracciolo, le plus grand caravagiste napolitain, qui parviennent encore à trouver leur propre identité avec une peinture abstraite et vivante sur les arrière-plans, bien illustrée dans les peintures exposées comme l’Ecce homo, le Christ à la colonne, la Lamentation sur la corps d’Abel et de Vénus et d’Adonis.

Les salles 81, 83 et 84 sont destinées à la présentation cyclique d’estampes et de dessins conservés au musée de Capodimonte: le choix des œuvres à exposer se fait à la fois sur la base de critères conservateurs et pour éclairer l’activité de dessin des artistes qui orbite autour de Naples; des gravures réalisées entre le XVIIe et le XIXe siècle sont également présentées. L’environnement est caractérisé par une armoire de fabrication anglaise et deux huiles sur cuivre de Francesco Guarini.

La salle 87 présente des œuvres d’artistes qui ont travaillé à Naples au début du XVIIe siècle, une période où les églises de la ville ont été touchées par d’importants travaux d’embellissement qui attirent des artistes non seulement de la région mais aussi de l’étranger, donnant vie à son or âge dans la peinture napolitaine: l’œuvre principale de la pièce est Giuditta et Oloferne par Artemisia Gentileschi.

Les salles 88, 89 et 90 présentent une disposition des peintures qui les fait ressembler aux chapelles d’une église ornée de grands hommes: les artistes présents sont ceux du premier naturalisme napolitain, qui suivent la route ouverte par le Caravage et son jeu de la lumière sur le fond sombre, bien qu’il ne manque pas d’influences de la peinture émilienne et vénitienne qui est devenue célèbre à Naples à partir des années 1840; parmi les artistes conservés Artemisia Gentileschi, Battistello Caracciolo, Simon Vouet, Massimo Stanzione avec le Sacrifice de Moïse et le Martyre de Sainte Agathe, Pietro Novelli, Cesare Fracanzano et Jusepe de Ribera avec la Madeleine en méditation, Père éternel, Trinitas terrestris et San Girolamo et l’ange du jugement.

La salle 91 présente l’un des chefs-d’œuvre de Ribera, à savoir le Silène ivre, mais les peintures de Pietro Novelli et Francesco Fracanzano ne manquent pas pour ouvrir l’art napolitain à une culture européenne: les œuvres du soi-disant Maître de l’Annonciation sont également caractéristiques. des bergers qui traitent de thèmes sacrés représentés dans un monde pastoral typique, également appréciés dans le reste de l’Europe grâce au travail d’exportation de marchands d’art tels que Gaspar Roomer et Jan et Ferdinand van den Eynden.

Dans la salle 92, en plus de l’intérieur de la cuisine de Francesco Fracanzano, les œuvres de Matthias Stomer, un peintre hollandais actif à Rome, Naples et en Sicile, sont caractéristiques, qui, malgré le suivi de l’école du Caravage, ouvre à l’expérimentation: dans ses œuvres, en effet, comme l’adoration des bergers, le souper à Emaus et la mort de Sénèque, léger, naturel ou artificiel comme celui d’une bougie, qui illumine les environnements sombres dans lesquels la scène est centrée, joue un rôle fondamental.

La salle 93 abrite la deuxième génération d’artistes napolitains formés dans la première décennie du XVIIe siècle, protagonistes d’une peinture issue des expériences caravaggesques, aux influences émiliennes et européennes: Giovan Battista Spinelli, proche de l’art français avec son David avec la tête de Goliath, Francesco Guarini, avec l’utilisation d’ombres naturelles clairement visibles à Sant’Agata et Santa Cecilia sur le clavecin et les anges, et Andrea Vaccaro, l’un des plus grands représentants de cette période, avec ses peintures qui mélangent le sacré et le le profane, clairement mis en évidence dans le Triomphe de David et dans l’Adoration du veau d’or.

Dans la salle 94, il y a de nombreuses œuvres de Bernardo Cavallino, un artiste qui a réussi à saisir pleinement le goût de l’époque en s’adressant aux collectionneurs qui ont préféré une peinture élégante et narrative, faite de petites toiles créées pour orner les palais napolitains, avec des thèmes qui se réfèrent à les compositions poétiques de Torquato Tasso et Giovan Battista Marino, et qui décrivent la vie simple et quotidienne; Johann Heinrich Schönfeld, un savant attentif de Cavallino est également exposé dans la même salle.

La salle 95 se concentre sur les artistes qui opèrent principalement entre les années 30 et 40 du XVIIe siècle, à savoir les différents Micco Spadaro, Salvator Rosa, Aniello Falcone et Andrea De Lione, qui s’ouvrent à un nouveau type de peinture faite de batailles historiques et mythologiques , donc aussi apte à représenter des martyrs de saints, dans un petit décor sacré.

Dans la petite pièce 96, des natures mortes non napolitaines sont exposées: ce sont des représentations de Bartolomeo Bimbi, Carlo Maratta et Christian Berentz, aux tons légèrement ternes mais qui ont connu une renommée particulière entre le XVIIe et le XVIIIe siècle.

Dans la salle 97, nous continuons avec des natures mortes, cette fois cependant d’artistes napolitains: c’est un genre très populaire à Naples à l’époque grâce aux influences de plus en plus répandues du baroque qui a commencé au milieu du XVIIe siècle; poissons, fleurs dans des vases en cristal et en argent, fruits et agrumes sont ainsi représentés et les principaux artistes responsables de la nature morte exposés dans la salle sont Luca Forte, Giovan Battista Ruoppolo, Giuseppe Recco, qui s’inspirent de la peinture naturaliste, aux couleurs méditerranéennes, Andrea Belvédère et Paolo Porpora, influencés par la veine artistique rococo naissante, faite d’une peinture plus délicate.

La salle 102 est entièrement dédiée à Mattia Preti, un artiste qui, avec Luca Giordano, représente pendant environ une décennie l’une des activités les plus titrées de Naples: dans la salle il y a deux croquis préparatoires pour les fresques à réaliser sur les portes de la ville comme un ex-voto pour la fin de la peste de 1656, et encore des toiles comme Retour du fils prodigue, Convito di Assalonne et San Sebastiano, qui montrent le point de vue particulièrement abaissé de l’auteur.

La salle 103 est la prérogative de Luca Giordano dans les œuvres duquel il montre toutes les nouveautés du courant baroque naissant et qui se tient comme un anticipateur de la culture rococo: et donc de grands espaces, des figures avec une ligne douce avec une peau rose et des cheveux blonds sont clairement visible sur les toiles comme l’extase de Saint Nicolas de Tolentino, l’aumône de Saint Thomas de Villanova, la Madonna del Baldacchino, la Madonna del Rosario et la Sainte Famille a la vision des symboles de la Passion.

La salle 104 présente des œuvres du XVIIIe siècle napolitain avec des peintres tels que Francesco Solimena, héritier de Luca Giordano, avec ses personnages caractéristiques représentés presque dans une pose théâtrale comme on peut le voir dans Énée et Didon, ainsi que Paolo De Matteis, également de l’école. de Giordano, Domenico Antonio Vaccaro et Francesco De Mura, auteur d’une peinture plus élégante que son maître Solimena.

La salle 105 est consacrée aux esquisses des grands créateurs de fresques du XVIIIe siècle: ce sont des témoignages d’œuvres parfois incomplètes, comme l’esquisse de San Domenico fait revivre le neveu du cardinal Orsini, que Domenico Antonio Vaccaro crée pour l’église de San Domenico Maggiore, ou perdu dans le temps, comme Massacro dei Giustiniani a Scio, de Francesco Solimena; Giacomo del Pò et Francesco De Mura sont également exposés dans la salle.

La salle 106 conclut le voyage de la peinture napolitaine du XIIIe au XVIIIe siècle, rassemblant des œuvres de la dernière moitié du XVIIIe siècle qui marquent l’avènement des Bourbons sur le trône du royaume de Naples; les nouveaux souverains, comme on peut le constater chez les artistes exposés à l’environnement, abandonnant les napolitains, à l’exception de Giuseppe Bonito, et s’ouvrent à des artistes au souffle plus européen: c’est le cas de Gaspare Traversi, auteur de une peinture ironique, Corrado Giaquinto et Pietro Bardellino, avec des peintures rococo et des sujets mythologiques.

Salle des tapisseries
La salle 62, également connue sous le nom de Sala degli Arazzi, abrite les tapisseries de la bataille de Pavie, réalisées entre 1528 et 1531, s’inspirant des dessins et tissus Bernard van Orley à Bruxelles comme en témoignent les initiales du tapissier William Dermoyen: en 1531 ils ont été donnés par les États généraux de Bruxelles à l’empereur Charles V de Habsbourg et en 1571 ils sont devenus une partie de la collection de Francesco Ferdinando d’Avalos, jusqu’en 1862, quand ils ont été donnés en cadeau à l’État italien par Alfonso d’Avalos et de là transféré au musée Capodimonte. Les sept œuvres portent le titre de:

Avance de l’armée impériale et attaque de la gendarmerie française dirigée par François Ier;
Défaite de la cavalerie française; l’infanterie impériale prend le relais de l’artillerie ennemie;
Capture du roi de France François Ier;
Invasion du camp français et évasion des dames et des civils à la suite de François Ier;
Invasion du camp français: les Suisses refusent d’avancer malgré les interventions de leurs chefs;
Évasion de l’armée française et retraite du duc d’Alençon au-delà du Tessin;
Siège des assiégés et route des Suisses qui se noient en grand nombre au Tessin.

Collection D’Avalos
Les salles 98, 99, 100 et 101 abritent la collection d’Avalos, une collection privée créée au XVIIe siècle par le prince de Montesarchio Andrea d’Avalos qui a collectionné et commandé l’un des plus importants nombres d’œuvres d’artistes napolitains du XVIIe siècle, et donnée d’abord à l’État italien puis au musée Capodimonte en 1862: une partie de la collection est donc répartie dans les quatre salles du musée, selon la disposition d’origine. La plupart des œuvres traitent de natures mortes mais aussi de thèmes historiques, mythologiques et littéraires: des artistes tels que Pacecco De Rosa, Luca Giordano, avec un grand groupe de toiles, Andrea Vaccaro, Giuseppe Recco et Jusepe de Ribera avec l’un de ses chefs-d’œuvre, symbole de maturité artistique, à savoir Apollon et Marsyas, sur lesquels Giordano lui-même fonde sa formation.

Art contemporain
La collection d’art contemporain a été inaugurée en 1996, mais des expositions de ce genre avaient déjà été organisées au musée: en 1978, l’exposition d’Alberto Burri avait été présentée, tandis qu’en 1985, c’était au tour d’Andy Warhol, installé dans celle qui, au le temps s’appelait Salone Camuccini, plus tard pour devenir la salle 2, et choisi pour accueillir des événements d’art contemporain, un rôle qu’il a joué de 1986 à 1991 avec les expositions de Gino De Dominicis en 1986, Mario Merz en 1987, Carlo Alfano et Sol LeWitt en 1988, Michelangelo Pistoletto, Luciano Fabro etJannis Kounellis en 1989, Eliseo Mattiacci en 1991, année où le cycle des expositions se termine avec celui de Sigmar Polke, pour permettre la restauration du musée; à sa réouverture, il a été décidé pour une exposition permanente d’œuvres contemporaines.

La galerie commence par trois œuvres réalisées in situ, logées dans trois salles: la première, intitulée Sans titre, de Jannis Kounellis, est créée avec des bocaux, des fers, des sacs et du charbon, la seconde prend le titre d’Indices de Daniel Buren, c’est-à-dire des installations de papier adhésif coloré sur des plaques de plâtre et des sols en marbre, et le troisième s’intitule Grande Cretto Nero, un panneau d’Alberto Burri en majolique et émail. D’autres œuvres contemporaines sont exposées dans la salle 82, et réalisées avec les matériaux les plus disparates, comme l’huile sur toile, le bronze, le fer, le verre, le bois peint et la tempera, par des artistes tels que Guido Tatafiore, Renato Barisani, Domenico Spinosa, Augusto Perez, Gianni Pisani, Raffaele Lippi, Lucio Del Pezzo, Carmine Di Ruggiero et Mario Persico.

Troisième étage
Le troisième étage abrite la continuation de la collection d’art contemporain, la galerie du XIXe siècle et la section photographique.

La section d’art contemporain se poursuit au deuxième étage: l’installation créée par Mario Merz, Shock Wave, réalisée avec du fer, du néon, des journaux, des pierres et du verre, celle de Joseph Kosuth, est logée dans la chambre du grenier du palais de Capodimonte., Une observation grammaticale, une écriture sur le mur éclairée par des néons et des miroirs et celle de Carlo Alfano, Camera, avec des boussoles en aluminium, graphite et néon. Parmi les autres œuvres, la plus prestigieuse est Vésuve d’Andy Warhol, à laquelle s’ajoutent les œuvres d’Enzo Cucchi, Mimmo Paladino, Hermann Nitsch, Sigmar Polke, Gino De Dominicis, Joseph Kosuth, Michelangelo Pistoletto, Luigi Mainolfi et Ettore Spalletti.

La galerie du XIXe siècle présente des œuvres d’artistes achetés ou donnés au musée dans la période suivant immédiatement l’unification de l’Italie: ce sont à la fois des auteurs napolitains et d’autres de différentes régions d’Italie, afin de former un figuratif national en une seule langue capable de saisir les aspects historiques, sociaux, naturalistes et culturels de la période. La collection s’ouvre sur les deux personnalités les plus en vue du moment, à savoir Domenico Morelli et Filippo Palizzi, les plus dévouées aux représentations naturalistes. Il convient de noter la tendance des artistes appartenant à la Scuola di Resìna, tels que Marco De Gregorio, Federico Rossano, Michele Cammarano et Giuseppe De Nittis. Caractéristique également Gioacchino Toma concentré sur la compréhension des humeurs, dépeint avec calme et tranquillité, Vincenzo Migliaro, Francesco Paolo Michetti, tourné vers des scènes de la vie populaire, Antonio Mancini, dont les œuvres ont pour protagonistes les enfants du peuple, et aussi Giovanni Boldini, Francesco Saverio Altamura, Giacomo Balla et Giuseppe Pellizza da Volpedo.

La section photographique a été inaugurée en 1996 et est composée de cinquante-deux photographies de Mimmo Jodice qui dépeignent les protagonistes de la phase de la culture napolitaine de 1968 à 1988, avec des sujets tels qu’Emilio Notte, Nino Longobardi, Andy Warhol et Joseph Beuys.