Byung Ki Kim: Segmentation of Senses, Musée national d’art moderne et contemporain Gwacheon

Le Musée national d’art moderne est un «théoricien de l’art logique et intelligent, accusant par sa nature (大戰) d’être sensible aux tendances de l’information sur l’art occidental gadadeumeo. ” (Lee Gu-yeol, 1990) Les œuvres de Kim Byung-ki (1916-), utilisées depuis 60 ans, sont présentées. Né à Pyongyang, Kim Byung-ki a très tôt intégré sa vie moderne et s’est rendu au Japon pour y rencontrer des arts émergents tels que l’abstraction et le surréalisme. Il a quitté le Vietnam avant le début de la guerre de Corée et a joué un rôle essentiel dans la fondation de l’art contemporain coréen en tant que peintre, critique, éducateur et administrateur. Le sens et la valeur de l’abstraction sont la société face à l’art coréen. Le contexte culturel spécifique et Kim Byung-ki, qui examine de près l’évolution historique de l’art abstrait de l’art occidental ancien, ont discuté de la spécificité et de l’universalité de l’acceptation de l’art occidental au sujet d’un langage visuel abstrait contemporain. En 1965, après avoir assisté à la Biennale de Sao Paulo en tant que commissaire, il s’installe aux États-Unis sans rentrer chez lui et poursuit sa carrière de peintre. Frontline et rencontré les civilisations asiatiques de la civilisation occidentale, il a envoyé leurs travaux abstraits et concrets, Est et Ouest, nature et culture, esprit et substance, tradition et actualité, y compris la coutume deux minutes (II. Min) à travers les frontières de non johwaropji les forces opposées Il est ligoté dans une tension instable. Malgré l’âge de 100 ans,

Expérience de résumé: Milieu des années 1950 au début des années 1970
Le courant de charge est produit lorsque le travail (1950) des dominicains (1965) après 1970 a caractérisé le travail jusqu’au début. Il sera alors en mesure de parler d’expérimentations agressives avec Abstract. Il a été attiré de l’étranger au Japon dans le temps. Depuis le milieu des années cinquante, lorsque Informel a commencé à balayer les peintures coréennes, Kim Byeong-gi, qui était plus sensible aux tendances du monde de l’art international que quiconque en Corée, a étudié la théorie et la pratique françaises et les a acceptées de manière sélective dans ses œuvres. Le contenu et la substance plutôt que de l’Informalisme d’expression de l’existence humaine après avoir remarqué que la calligraphie était toujours belle et surréaliste, car une double image évoque aussi le mystère et le seosaseong que l’on trouve dans le format. Dans l’État de New York (Saratoga), l’intérêt de l’artiste s’est naturellement étendu à l’expressionnisme abstrait. Pour lui,

Coexistence de formes et de non-formes: du début des années 1970 à la fin des années 1980
1970 CM dès le début pour révéler une forte présence et, ce matériau est toujours des natures mortes et des paysages qu’il chouchou tout au long de sa vie prendront racine sur la toile. Tandis que le regard de l’artiste restait dans les outils d’art de la vie quotidienne dans l’atelier, la poterie, cassée au bord de la route sur Wild Grass, telle qu’un paysage mineur autour de la maison est celle de Saratoga qui remplit l’écran. L’apparition de formes concrètes n’était pas la confrontation frontale de l’abstraction ou de la contradiction de soi en tant qu’artiste, mais la voie du destin dans laquelle il s’enfonçait plus profondément dans l’impasse de l’abstraction. En fait, ses peintures abstraites n’ont jamais été privilégiées dans la vie, l’apparition d’images n’est donc pas soudaine. Son travail ne porte pas sur les types de cibles, concerne une double reproduction de cette raison et du sens de l’activité qui est une réalité. Ce changement ne sera pas lié aux divers concepts et attitudes vis-à-vis de l’art qui sont réapparus dans le monde de l’art après l’expressionnisme abstrait. Pendant cette période, et sans aucune prédisposition, des dessins et même un zen. L’expérience sur l’expression et l’espace de () est remarquable.

Segmentation des sens: fin des années 1980 et début des années 2000
Après être revenu à sa première exposition solo après la daurade à la fin des années 1980, il s’est rendu plusieurs fois jusqu’à sa dernière exposition personnelle en 2000. Si l’œuvre peut être qualifiée de politique non seulement parce que le paysage de la Corée est divisé par des images langage qui évoque l’hétérogénéité dans la manière de division du sens coutumier, un temps pour reproduire la réalité contradictoire de la tradition et une telle modernité déconnectée double Il a créé un sens de l’hétérogénéité. À cette époque, ses peintures font apparaître l’histoire et la réalité à l’écran comme un mystère, invalidant la structure dichotomique de l’espace et du temps, visible et invisible, surface et profondeur, pensée et action. En forme, la ligne est devenue plus audacieuse et rugueuse. Nongmuk () traverse l’écran de la ligne noire de façon aussi palpitante et divise l’écran très longuement,

Inachevé (未完) esthétique: 2000 secondes – Actuel
Les années suivantes sont généralement des périodes de conformité. Il est temps de vous réconcilier avec la dissonance de la dernière fois, de faire un compromis avec le temps qu’il reste ou de tolérer, d’harmoniser et de synthétiser en contemplant la vie. Cependant, Kim Byung-ki, qui a survécu pendant un siècle, se méfie toujours des compromis et tente d’en créer de nouveaux dans le «fossé». Son travail se reproduit une fois de plus au milieu de l’année 2000, mettant fin à sa carrière de 40 ans dans l’est des États-Unis et s’installe à Los Angeles. Alors que la toile est remplie de paysages californiens, les fortes couleurs primaires des périodes précédentes disparaissent et le ciel ensoleillé de Los Angeles et les couleurs de la terre jaune sont projetés. Les lignes qui dominent l’écran avec une écriture plus avancée sont celles du paysage d’Hollywood Mountain, où se trouve l’atelier de l’artiste, du ruisseau de montagne de la patrie, le corps de tous les êtres humains qui va durer, c’est-à-dire une nature qui change à l’infini mais qui finit par devenir une. C’est une expression de. Son travail durant cette période était “non fini”, autrement dit, il met en œuvre “inachevé comme achèvement”. Les couleurs colorées et les recherches sont réduites au maximum, la couche de pigment est minimisée au maximum, l’arrière-plan de la toile et les traces de l’œuvre sont affichés intacts et l’espace vide est plein en soi. Cette jyeotgi principalement dessiné comme une ligne plutôt que de remplir l’écran est affiché, c’est-à-dire que le trait (劃) est rendu possible par le jyeotgi. L’auteur reconnaît plus que jamais le monde de la ligne comme un paramètre clé et relie l’esprit individuel aux destinations externes.

Musée national d’art contemporain, Gwacheon, Corée du Sud

Le musée national d’art contemporain Gwacheon a été conçu en 1986 par l’architecte Kim Tae-soo.

C’est un musée familial qui harmonise tradition et modernité en appliquant la méthode de composition de l’espace traditionnelle coréenne aux fonctions modernes.

Gwacheon est un musée d’art centré sur le visiteur composé de huit salles d’exposition utilisant le savoir-faire de chaque domaine (architecture, artisanat, photographie, peinture, sculpture, médias et musée d’art pour enfants) pour l’éducation et l’expérience des enfants.

Vous pourrez rencontrer les œuvres de la nature dans le hall de sculptures en plein air et créer de précieux souvenirs au Musée national d’art contemporain de Gwacheon, où vous pourrez rencontrer l’art moderne coréen vivant dans le hall d’exposition en intérieur.