Le mouvement Arts and Crafts était un mouvement international dans les arts décoratifs et les beaux-arts qui a commencé en Grande-Bretagne et a prospéré en Europe et en Amérique du Nord entre 1880 et 1920, émergeant au Japon (le mouvement Mingei) dans les années 1920. Il représentait l’artisanat traditionnel en utilisant des formes simples, et souvent utilisé des styles de décoration médiévale, romantique ou folklorique. Il préconisait une réforme économique et sociale et était essentiellement anti-industriel. Il a eu une forte influence sur les arts en Europe jusqu’à ce qu’il soit déplacé par le modernisme dans les années 1930, et son influence a continué longtemps parmi les artisans, les concepteurs et les urbanistes.

Mouvement informel dans l’architecture et les arts décoratifs qui ont défendu l’unité des arts, l’expérience de l’artisan individuel et les qualités des matériaux et de la construction dans le travail lui-même. Le mouvement Arts and Crafts s’est développé dans la seconde moitié du 19ème siècle. bien dans le 20e, tirant son soutien d’artistes progressistes, architectes et designers, philanthropes, amateurs et femmes de la classe moyenne à la recherche de travail à la maison Ils ont mis en place de petits ateliers en dehors du monde de l’industrie, relancé les vieilles Objets ménagers de l’époque pré-industrielle Le mouvement était le plus fort dans les pays industrialisés du nord de l’Europe et aux États-Unis, et il peut être mieux compris comme une réaction floue contre l’industrialisation Bien que chimérique dans son anti-industrialisme, elle n’était pas unique; en fait, ce n’était qu’un parmi plusieurs mouvements de réforme de la fin du XIXe siècle, tels que le mouvement Garden City, le végétarisme et les réveils de la chanson populaire, qui opposaient les valeurs romantiques de la nature et de la culture populaire à l’artificialité de la vie moderne.

Le terme a été utilisé pour la première fois par TJ Cobden-Sanderson lors d’une réunion de l’Arts and Crafts Exhibition Society en 1887, bien que les principes et le style sur lequel il était basé se développaient en Angleterre depuis au moins vingt ans. Il s’inspire des idées de l’architecte Augustus Pugin, de l’écrivain John Ruskin et du designer William Morris.

Le mouvement s’est développé le plus tôt et le plus complètement dans les îles britanniques, et s’est répandu à travers l’empire britannique et au reste de l’Europe et de l’Amérique du Nord. C’était en grande partie une réaction contre l’état appauvri perçu des arts décoratifs à l’époque et les conditions dans lesquelles ils ont été produits.

Origines et influences

Réforme de conception
Le mouvement Arts and Crafts est né de la tentative de réforme du design et de la décoration au milieu du XIXe siècle en Grande-Bretagne. C’était une réaction contre un déclin perçu des normes que les réformateurs ont associé à la production de machines et d’usines. Leur critique a été aiguisée par les objets qu’ils ont vus dans la Grande Exposition de 1851, qu’ils ont considérés comme excessivement fleuris, artificiels et ignorants des qualités des matériaux utilisés.

L’historien de l’art Nikolaus Pevsner a déclaré que les expositions de la Grande exposition montraient «l’ignorance de ce besoin fondamental de créer des motifs, l’intégrité de la surface» et «la vulgarité dans le détail». La réforme de conception a commencé avec les organisateurs de l’exposition elle-même, Henry Cole (1808-1882), Owen Jones (1809-1874), Matthew Digby Wyatt (1820-1877) et Richard Redgrave (1804-1888), qui ont déconseillé l’ornement excessif et impraticable et mal fait les choses. Les organisateurs ont été « unanimes dans leur condamnation des expositions ». Owen Jones, par exemple, se plaignait que «l’architecte, le tapissier, le papier-colorant, le tisserand, l’imprimeur de calicot et le potier« produisent »dans l’art la nouveauté sans beauté, ou la beauté sans intelligence. De ces critiques de l’état actuel des produits manufacturés émergent plusieurs publications qui exposent ce que les auteurs considèrent comme les principes corrects du design. Le rapport supplémentaire de Richard Redgrave sur le design (1852) a analysé les principes de conception et d’ornement et a plaidé pour «plus de logique dans l’application de la décoration». D’autres travaux suivirent dans la même veine: Les Arts industriels du XIXe siècle de Wyatt (1853), Wissenschaft de Gottfried Semper, Industrie et Kunst (1852), Analyse de l’ornement de Ralph Wornum (1856), Redgrave’s Manual de Design (1876) et Jones’s Grammar of Ornament (1856). La Grammar of Ornament était particulièrement influente, distribuée libéralement comme un prix d’étudiant et se heurtant à neuf réimpressions en 1910.

Jones a déclaré que «l’ornement … doit être secondaire à la chose décorée», qu’il doit y avoir «aptitude à orner la chose ornée», et que les papiers peints et les tapis ne doivent avoir aucun motif «suggestif de tout sauf d’un niveau». plaine ». Là où un tissu ou un papier peint de la Grande Exposition peut être décoré d’un motif naturel fait pour paraître aussi réel que possible, ces auteurs prônent des motifs naturels plats et simplifiés. Redgrave a insisté sur le fait que le «style» exigeait une construction saine avant l’ornementation, et une bonne conscience de la qualité des matériaux utilisés. « L’utilité doit avoir préséance sur l’ornementation. »

Cependant, les réformateurs du design du milieu du XIXe siècle ne vont pas aussi loin que les concepteurs du mouvement Arts and Crafts: ils s’intéressent plus à l’ornement qu’à la construction, ils ont une compréhension incomplète des méthodes de fabrication et ils ne critiquent pas les industriels. méthodes en tant que telles. En revanche, le mouvement Arts and Crafts était autant un mouvement de réforme sociale que de réforme du design et ses principaux praticiens ne séparaient pas les deux.

AWN Pugin
Certaines des idées du mouvement ont été anticipées par AWN Pugin (1812-1852), un leader dans le renouveau gothique en architecture. Par exemple, il a, comme les artistes Arts and Crafts, prôné la vérité sur le matériau, la structure et la fonction. Pugin a articulé la tendance des critiques sociaux à comparer les défauts de la société moderne (comme la croissance tentaculaire des villes et le traitement des pauvres) défavorablement avec le moyen âge, une tendance qui est devenue routinière avec Ruskin, Morris et le mouvement Arts and Crafts . Son livre Contrasts (1836) a mis en évidence des exemples de mauvais bâtiments modernes et d’urbanisme contrastant avec de bons exemples médiévaux, et sa biographe Rosemary Hill note qu’il y est arrivé, presque en passant, à des conclusions sur l’importance de l’artisanat et de la tradition il faudrait le reste du siècle et les efforts conjugués de Ruskin et Morris pour travailler en détail.  » Elle décrit les meubles de rechange qu’il a spécifiés pour un bâtiment en 1841 – «chaises de jonc, tables de chêne» – comme «l’intérieur des arts et de l’artisanat en embryon. »

John Ruskin
La philosophie Arts and Crafts dérive en grande partie de la critique sociale de John Ruskin, qui reliait la santé morale et sociale d’une nation aux qualités de son architecture et à la nature du travail. Ruskin (1819-1900) considérait que le type de production mécanisée et de division du travail qui avait été créé dans la révolution industrielle était un «travail servile» et il pensait qu’une société saine et morale exigeait des travailleurs indépendants qui conçoivent les choses qu’ils ont faites. Ses partisans préféraient la production artisanale à la fabrication industrielle et s’inquiétaient de la perte des compétences traditionnelles, mais ils étaient sans doute plus préoccupés par les effets du système industriel que par la machinerie elle-même. plutôt que de travailler sans aucune sorte de machines.

William Morris
William Morris (1834-1896), la figure imposante du design de la fin du XIXe siècle, a été la principale influence du mouvement Arts and Crafts. La vision esthétique et sociale du mouvement Arts and Crafts a dérivé des idées qu’il a développées dans les années 1850 avec un groupe d’étudiants de l’Université d’Oxford, qui ont combiné un amour de la littérature romantique avec un engagement à la réforme sociale. En 1855, ils avaient découvert Ruskin et, croyant qu’il y avait un contraste entre la barbarie de l’art contemporain et les peintres qui ont précédé Raphaël (1483-1530), ils se sont formés dans la Fraternité préraphaélite pour poursuivre leurs objectifs artistiques. Le médiévisme de Morte d’Arthur de Mallory a établi la norme pour leur style tôt. Dans les mots d’Edward Burne-Jones, ils avaient l’intention de «mener une guerre sainte contre l’âge».

Morris a commencé à expérimenter avec divers métiers et à concevoir des meubles et des intérieurs. Il a été personnellement impliqué dans la fabrication ainsi que le design, qui devait être la marque du mouvement Arts and Crafts. Ruskin avait soutenu que la séparation de l’acte intellectuel de conception de l’acte manuel de création physique était dommageable socialement et esthétiquement; Morris développa cette idée en insistant sur le fait qu’aucun travail ne devait être effectué dans ses ateliers avant d’avoir personnellement maîtrisé les techniques et matériaux appropriés, arguant que «sans occupation humaine digne et créative, les gens étaient déconnectés de la vie».

En 1861, Morris commença à fabriquer des meubles et des objets décoratifs, modelant ses créations sur des styles médiévaux et utilisant des formes audacieuses et des couleurs vives. Ses modèles étaient basés sur la flore et la faune et ses produits étaient inspirés par les traditions vernaculaires ou domestiques de la campagne britannique. Afin de montrer la beauté des matériaux et le travail de l’artisan, certains ont été délibérément laissés inachevés, créant une apparence rustique. La vérité sur les matériaux, la structure et la fonction est devenue caractéristique du mouvement Arts and Crafts.

Principes sociaux et de conception

Critique de l’industrie
William Morris partageait la critique de Ruskin sur la société industrielle et attaqua à un moment ou à un autre l’usine moderne, l’utilisation des machines, la division du travail, le capitalisme et la perte des méthodes artisanales traditionnelles. Mais son attitude envers la machinerie était inconsistante. Il a dit à un moment donné que la production par les machines était « tout à fait un mal », mais à d’autres il était prêt à commander le travail des fabricants qui étaient capables de rencontrer ses normes à l’aide des machines; et il a dit que, dans une «vraie société», où ni le luxe ni les ordures à bas prix n’étaient fabriqués, les machines pouvaient être améliorées et utilisées pour réduire les heures de travail. Fiona MacCarthy dit que «contrairement aux zélotes plus tard comme Gandhi, William Morris n’avait aucune objection pratique à l’utilisation de machines en tant que tel que les machines produisaient la qualité dont il avait besoin.

Morris a insisté sur le fait que l’artiste devrait être un artisan-designer travaillant à la main et a préconisé une société d’artisans libres, telle qu’il croyait avoir existé au Moyen Âge. « Parce que les artisans prenaient du plaisir dans leur travail », écrivait-il, « le Moyen Age était une période de grandeur l’art du peuple … Les trésors de nos musées ne sont plus que les ustensiles communs utilisés dans les foyers de cet âge, quand des centaines d’églises médiévales – chacune étant un chef-d’oeuvre – ont été construites par des paysans peu sophistiqués.  » L’art médiéval a été le modèle de la plupart des arts et métiers d’art et de la vie médiévale, la littérature et la construction a été idéalisée par le mouvement.

Les disciples de Morris avaient également des points de vue différents sur les machines et le système d’usine. CR Ashbee, par exemple, figure centrale du mouvement Arts and Crafts, a déclaré en 1888: «Nous ne rejetons pas la machine, nous la saluons, mais nous voudrions la voir maîtrisée. Après avoir dressé sans succès sa guilde et son école contre les méthodes modernes de fabrication, il reconnaît que «la civilisation moderne repose sur des machines», mais il continue à critiquer les effets délétères de ce qu’il appelle «mécanisme», en disant que «la production de certains les produits mécaniques sont aussi mauvais pour la santé nationale que la production de cannes cultivées par l’esclave ou de produits manufacturés par les enfants. William Arthur Smith Benson, quant à lui, n’hésitait pas à adapter le style Arts and Crafts aux ferronneries produites dans des conditions industrielles. (Voir la citation.)

Morris et ses partisans croyaient que la division du travail dont dépendait l’industrie moderne n’était pas souhaitable, mais la mesure dans laquelle chaque dessin ou modèle devait être exécuté par le concepteur était un sujet de débat et de désaccord. Tous les artistes des Arts et Métiers ne réalisaient pas toutes les étapes de la fabrication des biens eux-mêmes, et ce n’est qu’au XXe siècle que cela est devenu essentiel à la définition de l’artisanat. Même si Morris était célèbre pour avoir lui-même fait l’expérience de nombreux métiers (tissage, mort, impression, calligraphie et broderie), il ne considérait pas la séparation du concepteur et de l’exécutant de son usine comme problématique. Walter Crane, un proche collaborateur politique de Morris, a adopté une conception antipathique de la division du travail sur des bases à la fois morales et artistiques, et a fortement préconisé que la conception et la fabrication devraient venir de la même main. Lewis Foreman Day, un ami et contemporain de Crane, aussi inébranlable que Crane dans son admiration pour Morris, n’était pas du tout d’accord avec Crane. Il pensait que la séparation du design et de l’exécution était non seulement inévitable dans le monde moderne, mais aussi que seule cette spécialisation permettait le meilleur du design et le meilleur dans la fabrication. Peu de fondateurs de la Société des expositions d’art et d’artisanat ont insisté sur le fait que le concepteur devrait également être le fabricant. Peter Floud, qui écrivait dans les années 1950, a déclaré que «les fondateurs de la Société … n’ont jamais exécuté leurs propres modèles, mais les ont invariablement confiés à des sociétés commerciales». L’idée que le concepteur devrait être le créateur et le concepteur ne dérive pas de Morris ou de l’enseignement précoce des Arts et Métiers, mais plutôt de la doctrine d’élaboration de la deuxième génération élaborée dans la première décennie du XXe siècle par des hommes tels comme WR Lethaby « .

Socialisme
Beaucoup de designers du mouvement Arts and Crafts étaient socialistes, y compris Morris, TJ Cobden Sanderson, Walter Crane, CRAshbee, Philip Webb, Charles Faulkner et AHMackmurdo. Au début des années 1880, Morris consacrait plus de temps à la propagande socialiste qu’à la conception et à la fabrication. Ashbee fonda une communauté d’artisans, la Guild of Handicraft, à l’est de Londres, puis s’installa à Chipping Campden. Les adhérents qui n’étaient pas socialistes, par exemple Alfred Hoare Powell, prônaient une relation plus humaine et plus personnelle entre l’employeur et l’employé. Lewis Foreman Day, un designer Arts and Crafts très réussi et influent, n’était pas non plus socialiste, malgré sa longue amitié avec Crane.

Association avec d’autres mouvements de réforme
En Grande-Bretagne, le mouvement était associé à la réforme vestimentaire, au ruralisme, au mouvement des cités-jardins et au renouveau de la chanson populaire. Tous étaient liés, dans une certaine mesure, par l’idéal de «la vie simple». En Europe continentale, le mouvement était associé à la préservation des traditions nationales dans la construction, les arts appliqués, le design domestique et les costumes.

Développement
Les dessins de Morris sont rapidement devenus populaires, attirant l’intérêt lorsque le travail de son entreprise a été exposé à l’Exposition internationale de 1862 à Londres. Une grande partie du travail de Morris & Co fut pour les églises et Morris obtint d’importantes commandes de design d’intérieur au St James’s Palace et au South Kensington Museum (maintenant le Victoria and Albert Museum). Plus tard, son travail est devenu populaire auprès des classes moyennes et supérieures, en dépit de son désir de créer un art démocratique, et à la fin du 19ème siècle, Arts and Crafts design dans les maisons et les intérieurs domestiques était le style dominant en Grande-Bretagne, copié dans les produits par des méthodes industrielles conventionnelles.

La diffusion des idées d’Arts and Crafts à la fin du 19ème siècle et au début du 20ème siècle aboutit à la création de nombreuses associations et communautés artisanales, bien que Morris n’y soit pour rien à cause de son intérêt pour le socialisme de l’époque. Cent trente organisations d’art et d’artisanat ont été formées en Grande-Bretagne, la plupart entre 1895 et 1905.

En 1881, Eglantyne Louisa Jebb, Mary Fraser Tytler et d’autres initièrent l’Association des Arts et Industries d’Origine pour encourager les classes ouvrières, en particulier dans les zones rurales, à faire de l’artisanat sous supervision, sans but lucratif, afin de leur fournir professions et d’améliorer leur goût. En 1889, il comptait 450 classes, 1 000 enseignants et 5 000 étudiants.

En 1882, l’architecte AHMackmurdo a formé Century Guild, un partenariat de designers dont Selwyn Image, Herbert Horne, Clément Heaton et Benjamin Creswick.

En 1884, l’Art Workers Guild a été créée par cinq jeunes architectes, William Lethaby, Edward Prior, Ernest Newton, Mervyn Macartney et Gerald C. Horsley, dans le but de rassembler les arts fins et appliqués et de rehausser le statut de ce dernier. Il a été réalisé à l’origine par George Blackall Simonds. En 1890, la Guilde comptait 150 membres représentant le nombre croissant de praticiens du style Arts and Crafts. Cela existe toujours.

Le grand magasin londonien Liberty & Co., fondé en 1875, était un important détaillant de marchandises dans le style et de la «robe artistique» favorisée par les adeptes du mouvement Arts and Crafts.

En 1887, la Société des expositions d’art et d’artisanat, qui a donné son nom au mouvement, a été formée avec Walter Crane comme président, tenant sa première exposition dans la New Gallery, Londres, en novembre de 1888. C’était la première exposition des arts décoratifs contemporains dans Londres depuis l’exposition d’hiver de la galerie Grosvenor en 1881. Morris & Co. était bien représentée dans l’exposition avec des meubles, des tissus, des tapis et des broderies. Edward Burne-Jones a observé, « ici pour la première fois, on peut mesurer un peu le changement qui s’est produit au cours des vingt dernières années ». La société existe toujours sous le nom de Society of Designer Craftsmen.

En 1888, CRAshbee, un important défenseur tardif du style en Angleterre, fonda la Guild and School of Handicraft dans l’East End de Londres. La guilde était une coopérative d’artisanat modelée sur les guildes médiévales et destinée à donner aux ouvriers la satisfaction de leur savoir-faire. Des artisans qualifiés, travaillant selon les principes de Ruskin et de Morris, devaient produire des objets artisanaux et gérer une école d’apprentis. L’idée a été accueillie avec enthousiasme par presque tout le monde sauf Morris, qui était maintenant impliqué dans la promotion du socialisme et pensait que le plan d’Ashbee était trivial. De 1888 à 1902, la guilde a prospéré, employant environ 50 hommes. En 1902, Ashbee a déménagé la guilde de Londres pour commencer une communauté expérimentale à Chipping Campden dans les Cotswolds. Le travail de la guilde est caractérisé par des surfaces unies d’argent martelé, de fil métallique coulant et de pierres colorées dans des contextes simples. Ashbee a conçu des bijoux et de la vaisselle en argent. La guilde a prospéré à Chipping Camden mais n’a pas prospéré et a été liquidée en 1908. Quelques artisans sont restés, contribuant à la tradition de l’art moderne dans la région.

CFA Voysey (1857-1941) était un architecte d’art et d’artisanat qui a également conçu des tissus, des carreaux, des céramiques, des meubles et des ferronneries. Son style allie la simplicité à la sophistication. Ses papiers peints et textiles, avec des formes stylisées d’oiseau et de plante dans des contours audacieux avec des couleurs plates, ont été largement utilisés.

La pensée de Morris a influencé le distribution de GK Chesterton et Hilaire Belloc.

À la fin du XIXe siècle, les arts et métiers ont influencé l’architecture, la peinture, la sculpture, le graphisme, l’illustration, la fabrication de livres et la photographie, le design domestique et les arts décoratifs, y compris les meubles et les boiseries, vitraux, broderies, fabrication de tapis et tissage, bijoux et ferronnerie, émaillage et céramique. En 1910, il y avait une mode pour « Arts and Crafts » et toutes les choses faites à la main. Il y avait une prolifération d’objets d’artisanat amateur de qualité variable et d’imitateurs incompétents qui amènent le public à considérer les Arts et Métiers comme «quelque chose de moins, au lieu d’être plus compétent et adapté qu’un objet de masse ordinaire».

La Société des expositions d’art et d’artisanat a tenu onze expositions entre 1888 et 1916. Par le déclenchement de la guerre en 1914, elle était en déclin et confrontée à une crise. Son exposition de 1912 avait été un échec financier. Tandis que les concepteurs en Europe continentale innovaient dans la conception et les alliances avec l’industrie à travers des initiatives telles que la Deutsche Werkbund et de nouvelles initiatives en Grande-Bretagne par les Omega Workshops et la Design in Industries Association, la Société des Arts et Métiers le contrôle d’une vieille garde, se retirait du commerce et de la collaboration avec les fabricants dans le travail manuel puriste et ce que Tania Harrod décrit comme «décommissionisation» Son rejet d’un rôle commercial a été vu comme un tournant dans sa fortune. Nikolaus Pevsner dans son livre Pioneers of Modern Design présente le mouvement Arts and Crafts comme des radicaux du design qui ont influencé le mouvement moderne, mais n’ont pas réussi à changer et ont finalement été remplacés par celui-ci.

Influences ultérieures
L’artiste britannique potier Bernard Leach apporta en Angleterre de nombreuses idées qu’il avait développées au Japon avec le critique social Yanagi Soetsu sur la valeur morale et sociale de l’artisanat simple; tous deux étaient des lecteurs enthousiastes de Ruskin. Leach était un propagandiste actif pour ces idées, qui a frappé un accord avec les praticiens de l’entre-deux-guerres, et il les a exposées dans A Potter’s Book, publié en 1940, qui dénonce la société industrielle en termes aussi véhéments que ceux de Ruskin et Morris. Ainsi, la philosophie Arts and Crafts a été perpétuée parmi les artisans britanniques dans les années 1950 et 1960, longtemps après la disparition du mouvement Arts and Crafts et à la marée haute du modernisme. Le mobilier utilitaire britannique des années 1940 est également dérivé des principes Arts and Crafts. L’un de ses principaux promoteurs, Gordon Russell, président du groupe de design de meubles utilitaires, a été imprégné d’idées d’art et d’artisanat. Il fabriquait des meubles dans les Cotswold Hills, une région de fabrication de meubles d’art et d’artisanat depuis Ashbee, et il était membre de la Société des expositions d’art et d’artisanat. La biographe de William Morris, Fiona MacCarthy, a détecté la philosophie Arts and Crafts même derrière le Festival of Britain (1951), le travail du designer Terence Conran (né en 1931) et la fondation du British Crafts Council dans les années 1970.