Style artistique

Dans les arts visuels, le style est une « … manière distinctive qui permet le regroupement des œuvres en catégories apparentées » ou « … tout moyen distinctif, et donc reconnaissable, dans lequel un acte est accompli ou un artefact fait ou doit être effectué et fait « . Il se réfère à l’apparence visuelle d’une œuvre d’art qui la relie à d’autres œuvres du même artiste ou d’une même période, formation, lieu, «école», mouvement artistique ou culture archéologique: «La notion de style a longtemps été le principal mode de classification des œuvres d’art de l’historien de l’art, il sélectionne et façonne l’histoire de l’art par style ».

Le style est souvent divisé dans le style général d’une période, d’un pays ou d’un groupe culturel, d’un groupe d’artistes ou d’un mouvement artistique, et du style individuel de l’artiste dans ce style de groupe. Les divisions au sein des deux types de styles sont souvent faites, comme entre «early», «middle» ou «late». Chez certains artistes, comme Picasso par exemple, ces divisions peuvent être marquées et faciles à voir, dans d’autres elles sont plus subtiles. Le style est vu comme habituellement dynamique, dans la plupart des périodes changeant toujours par un processus graduel, bien que la vitesse de ceci varie considérablement, entre le développement très lent typique de l’art préhistorique ou art égyptien ancien aux changements rapides dans les styles modernes d’art. Le style se développe souvent en une série de sauts, avec des changements relativement soudains suivis par des périodes de développement plus lent.

Après avoir dominé la discussion académique dans l’histoire de l’art au XIXe et au début du XXe siècle, l’histoire de l’art de style a été attaquée de plus en plus au cours des dernières décennies et de nombreux historiens d’art préfèrent éviter les classifications stylistiques.

Étymologie
Le mot style vient du latin stilus, une crevaison que les Romains avaient l’habitude d’écrire. Mais en grec stilo signifie colonne, et puisque la colonne était l’élément le plus singulier et le plus personnalisé de l’architecture, on peut dire que le mot style était à l’origine la façon dont la littérature ou l’architecture était faite.

Aperçu
Toute œuvre d’art est en théorie susceptible d’être analysée en termes de style; ni les périodes ni les artistes ne peuvent éviter d’avoir un style, sauf par incompétence complète, et inversement on ne peut pas dire que les objets naturels ou les visions ont un style, car le style ne résulte que des choix faits par un créateur. Que l’artiste fasse un choix conscient de style ou puisse identifier son propre style, peu importe. Les artistes des sociétés développées récentes ont tendance à être très conscients de leur propre style, sans doute trop conscient, alors que pour les artistes antérieurs, les choix stylistiques étaient probablement «largement inconscients».

La plupart des périodes stylistiques sont identifiées et définies plus tard par les historiens de l’art, mais les artistes peuvent choisir de définir et nommer leur propre style. Les noms de la plupart des styles plus anciens sont l’invention d’historiens de l’art et n’auraient pas été compris par les praticiens de ces styles. Certains sont originaires de termes de dérision, y compris gothique, baroque et rococo. D’autre part, le cubisme était une identification consciente faite par quelques artistes; le mot lui-même semble provenir de critiques plutôt que de peintres, mais a été rapidement accepté par les artistes.

L’art occidental, comme celui de certaines autres cultures, notamment l’art chinois, a tendance à faire revivre par intermittence des styles «classiques» du passé. Dans l’analyse critique des arts visuels, le style d’une œuvre d’art est généralement traité différemment de son iconographie, qui couvre le sujet et le contenu de l’œuvre, bien que pour Jas Elsner, cette distinction ne soit «pas, n’importe quel exemple concret, mais il s’est montré rhétoriquement extrêmement utile « .

Histoire du concept
La critique d’art classique et le peu d’écrits médiévaux sur l’esthétique n’ont pas beaucoup développé le concept de style en art, ni d’analyse, et bien que les auteurs de la Renaissance et du Baroque s’intéressent beaucoup à ce que nous appelons style, ils n’ont pas développé théorie cohérente de celui-ci, au moins en dehors de l’architecture. Giorgio Vasari a présenté un exposé extrêmement influent mais très interrogé sur le développement du style dans la peinture italienne (principalement) de Giotto à sa propre période maniériste. Il a mis l’accent sur le développement d’un style florentin basé sur le dessin disegno ou ligne plutôt que sur la couleur vénitienne. Avec d’autres théoriciens de la Renaissance comme Leon Battista Alberti, il poursuit les débats classiques sur le meilleur équilibre de l’art entre la représentation réaliste de la nature et l’idéalisation de celle-ci; ce débat devait se poursuivre jusqu’au 19ème siècle et l’avènement du modernisme.

Le théoricien du néoclassicisme, Johann Joachim Winckelmann, analysa les changements stylistiques de l’art classique grec en 1764, les comparant étroitement aux changements de l’art de la Renaissance, et « Georg Hegel codifie l’idée que chaque période historique aura un style typique ». très longue ombre sur l’étude du style. Hegel est souvent attribué à l’invention du mot allemand Zeitgeist, mais il n’utilise jamais le mot, bien que dans Lectures on the Philosophy of History, il utilise la phrase der Geist seiner Zeit (l’esprit de son temps), écrivant « no man peut surpasser son propre temps, car l’esprit de son temps est aussi son propre esprit.  »

Construire des schémas des styles d’époque de l’art et de l’architecture historiques était une préoccupation majeure des chercheurs du 19ème siècle dans le nouveau domaine de l’histoire de l’art, principalement germanophone, avec des écrivains importants sur la théorie du style, notamment Carl Friedrich von Rumohr, Gottfried Semper, et Alois Riegl dans son Stilfragen de 1893, avec Heinrich Wölfflin et Paul Frankl poursuivant le débat au XXe siècle. Paul Jacobsthal et Josef Strzygowski font partie des historiens de l’art qui ont suivi Riegl en proposant de grands schémas traçant la transmission d’éléments de styles à travers de grandes plages de temps et d’espace. Ce type d’histoire de l’art est également connu comme le formalisme, ou l’étude des formes ou des formes dans l’art.

Semper, Wölfflin et Frankl, et plus tard Ackerman, ont eu des antécédents dans l’histoire de l’architecture, et comme beaucoup d’autres termes pour les styles d’époque, « Roman » et « Gothique » ont été inventés pour décrire les styles architecturaux. plus clair et plus facile à définir, notamment parce que le style dans l’architecture est plus facile à reproduire en suivant un ensemble de règles que le style dans l’art figuratif comme la peinture. Les termes utilisés pour décrire les périodes architecturales ont souvent été ensuite appliqués à d’autres domaines des arts visuels, et plus largement encore à la musique, la littérature et la culture générale.

En architecture, le changement stylistique suit souvent, et est rendu possible par, la découverte de nouvelles techniques ou matériaux, de la voûte gothique à la construction moderne en métal et en béton armé. L’évolution de la stylistique dans d’autres domaines comme la peinture ou la poterie répond aussi à de nouvelles possibilités techniques, ou a son propre élan à développer (les kunstwollen de Riegl), ou un grand débat dans l’histoire de l’art et l’archéologie. les changements en réponse aux facteurs sociaux et économiques affectant le clientélisme et les conditions de l’artiste, comme la tendance actuelle tend à le souligner, en utilisant des versions moins rigides de l’histoire de l’art marxiste.

Bien que le style ait été bien établi comme élément central de l’analyse historique de l’art, le considérer comme le facteur dominant de l’histoire de l’art était tombé en désuétude à la fin de la seconde guerre mondiale. réaction contre l’accent mis sur le style; pour Svetlana Alpers, «l’invocation normale du style dans l’histoire de l’art est en effet une affaire déprimante». Selon James Elkins, «à la fin du XXe siècle, les critiques de style visaient à réduire davantage les éléments hégéliens du concept tout en le conservant sous une forme plus facilement contrôlable». Meyer Schapiro, James Ackerman, Ernst Gombrich et George Kubler (La forme du temps: Remarques sur l’histoire des choses, 1962) ont apporté des contributions notables au débat, qui a également attiré sur des développements plus larges dans la théorie critique. En 2010, Jas Elsner l’exprime plus clairement: « Pendant presque tout le 20ème siècle, l’histoire de l’art de style a été le roi indiscutable de la discipline, mais depuis les révolutions des années 70 et 80, le roi est mort ». explore les voies par lesquelles « l’histoire de l’art de style » reste vivante, et son commentaire serait difficilement applicable à l’archéologie.

L’utilisation de termes tels que Counter-Maniera semble être en déclin, car l’impatience avec de tels «labels de style» se développe parmi les historiens de l’art. En 2000, Marcia B. Hall, éminente historienne de l’art de la peinture italienne du XVIe siècle et maîtresse de Sydney Joseph Freedberg (1914-1997), qui a inventé le terme, a été critiquée par un critique de son After Raphael: Peinture en Italie centrale dans le Sixteenth Century pour son «défaut fondamental» de continuer à utiliser ce terme et d’autres termes, malgré une «Note sur les étiquettes de style» apologétique au début du livre et une promesse de garder leur utilisation au minimum.

Le psychologue comportemental Colin Martindale, qui a proposé une théorie évolutionniste basée sur les principes darwiniens, a tenté récemment de créer une théorie pour expliquer le processus qui conduit au changement de style artistique plutôt que de simplement les décrire et les catégoriser. Cependant, on ne peut pas dire que cela ait gagné beaucoup de soutien parmi les historiens de l’art.

En beaux-arts
Le style est le terme général qui désigne traditionnellement les caractéristiques communes d’une époque ou les œuvres d’un artiste. C’est un outil d’abstraction et d’idéalisation, dérivé d’œuvres d’art individuelles, pour classifier et systématiser la diversité de l’art et décrire des traits distinctifs qui sont cohérents entre les œuvres d’art. Grâce à cette assignation à un certain style ou – comme une différenciation supplémentaire au sein d’un style – une direction de style des travaux correspondants sont différenciés des autres et ainsi une direction par des critères scientifiques appropriés peut être établie.

Dans une époque (style d’époque), il existe des différences selon les pays et les régions. Même le travail d’un seul artiste montre, malgré toutes les similitudes avec le style de son temps et les particularités de sa nation qui composent son style personnel (style individuel). Après le stade de développement on différencie historiquement dans l’époque ainsi que dans le style individuel les phases précoces, hautes et tardives, qui développent encore certaines tendances. Par exemple, la surcharge est typique de la dernière phase d’une époque.

Dans le domaine académique de l’histoire de l’art, les styles artistiques sont explorés par la soi-disant stylistique. Dans l’histoire de l’art contemporain, le pluralisme des styles au sein d’une époque ou dans le travail d’un artiste est de plus en plus étudié et mis en relation avec des contextes historiques, sociaux et communicatifs. Les styles sont analysés non seulement comme des critères d’ordre formels et abstraits d’un groupe d’œuvres d’art, mais aussi comme des porteurs de sens délibérément choisis: par exemple, des édifices représentatifs du gothique ont également été créés sous les formes d’une époque révolue comme Romanesqueto souligner (ou même prétendre) l’importance historique du constructeur. Le concept traditionnel du style de l’époque unifiée est donc de plus en plus remis en question.

Style individuel
L’histoire de l’art traditionnel a également mis l’accent sur le style individuel d’un artiste: «la notion de style personnel – que l’individualité peut être exprimée non seulement dans la façon dont un artiste dessine, mais aussi dans les caricatures stylistiques d’un auteur. exemple) – est peut-être un axiome des notions occidentales d’identité « . L’identification des styles individuels est particulièrement importante dans l’attribution des œuvres aux artistes, ce qui est un facteur dominant dans leur évaluation pour le marché de l’art, surtout pour les œuvres de la tradition occidentale depuis la Renaissance. L’identification du style individuel dans les œuvres est «essentiellement assignée à un groupe de spécialistes dans le domaine connu sous le nom de connaisseurs», un groupe qui se concentre dans le commerce et les musées d’art, souvent avec des tensions entre eux et la communauté des historiens d’art académiques.

L’exercice du savoir-faire est en grande partie une question d’impressions subjectives difficiles à analyser, mais aussi une question de connaissance des détails de la technique et de la «main» des différents artistes. Giovanni Morelli (1816 – 1891) fut l’un des pionniers de l’étude systématique des détails diagnostiques mineurs qui révélaient les sténographies et les conventions peu conscients des artistes pour représenter, par exemple, les oreilles ou les mains, dans les anciennes toiles occidentales. Ses techniques ont été adoptées par Bernard Berenson et d’autres, et ont été appliquées à la sculpture et à de nombreux autres types d’art, par exemple par Sir John Beazley à la peinture de vase Attic. Les techniques personnelles peuvent être importantes dans l’analyse du style individuel. Bien que la formation des artistes ait été avant le modernisme essentiellement imitative, en s’appuyant sur des méthodes techniques enseignées, apprises en tant qu’apprenti dans un atelier ou plus tard en tant qu’étudiant dans une académie, il y avait toujours place pour la variation personnelle. L’idée de «secrets» techniques étroitement gardés par le maître qui les a développés, est un topos de longue date dans l’histoire de l’art, du récit probablement mythique de Vasari à Jan Van Eyck aux habitudes secrètes de Georges Seurat.

Cependant, l’idée de style personnel n’est certainement pas limitée à la tradition occidentale. Dans l’art chinois, il est tout aussi profondément ancré, mais traditionnellement considéré comme un facteur dans l’appréciation de certains types d’art, surtout la calligraphie et la peinture lettrée, mais pas d’autres, comme la porcelaine chinoise; une distinction souvent observée dans les arts dits décoratifs en Occident. La peinture chinoise a également permis à l’artiste d’exprimer ses opinions politiques et sociales beaucoup plus tôt que ce qui est normalement observé en Occident. La calligraphie, également considérée comme un art dans le monde islamique et en Asie de l’Est, apporte une nouvelle dimension au style personnel; l’idéal de la calligraphie occidentale tend à supprimer le style individuel, tandis que la graphologie, qui s’appuie sur elle, se considère comme une science.

Manière
« Manière » est un terme connexe, souvent utilisé pour ce qui est en fait une sous-division d’un style, peut-être axé sur des points particuliers de style ou de technique. Alors que de nombreux éléments du style d’époque peuvent être réduits à des formes ou des formes caractéristiques, qui peuvent être représentées adéquatement dans de simples diagrammes linéaires, le terme «manière» est souvent utilisé pour désigner le style et l’atmosphère d’une œuvre. peintures, qui ne peuvent pas facilement être soumis à une analyse précise. C’est un terme un peu dépassé dans l’histoire de l’art académique, évité parce qu’il est imprécis. Quand il est utilisé, il est souvent dans le contexte d’imitations du style individuel d’un artiste, et c’est l’une des hiérarchies de termes discrets ou diplomatiques utilisés dans le commerce de l’art pour la relation entre un travail à vendre et celui d’un artiste, avec « Manner of Rembrandt » suggérant une relation distanciée entre le style de l’œuvre et le propre style de Rembrandt. La « Explication de la pratique de catalogage » des commissaires-priseurs Christie’s « explique que » Manière de … « dans leurs catalogues de vente aux enchères signifie » À notre avis, une œuvre exécutée dans le style de l’artiste mais d’une date ultérieure « . Le maniérisme, dérivé de la maniera italienne («manière») est une phase spécifique du style général de la Renaissance, mais la «manière» peut être utilisée très largement.

Style en archéologie
En archéologie, malgré les techniques modernes comme la datation au radiocarbone, le style d’époque ou culturel reste un outil crucial dans l’identification et la datation non seulement des œuvres d’art, mais aussi de toutes les classes d’objets archéologiques, y compris purement fonctionnels. ). L’identification de styles individuels d’artistes ou d’artisans a également été proposée dans certains cas, même pour des périodes reculées telles que l’art glaciaire du Paléolithique supérieur européen.

Comme dans l’histoire de l’art, l’analyse formelle de la morphologie (forme) des artefacts individuels est le point de départ. Ceci est utilisé pour construire des typologies pour différents types d’artefacts, et par la technique de sériation une datation relative basée sur le style pour un site ou un groupe de sites est réalisée lorsque les techniques scientifiques absolues de datation ne peuvent être utilisées, en particulier des objets en métal ou des restes sont disponibles, ce qui est souvent le cas. Les tessons de poterie sont souvent très nombreux dans les sites de nombreuses cultures et périodes, et même de petites pièces peuvent être datées avec confiance par leur style. Contrairement aux tendances récentes de l’histoire de l’art académique, la succession des écoles de théorie archéologique au siècle dernier, de l’archéologie historico-culturelle à l’archéologie processuelle et finalement à la montée de l’archéologie post-processuelle au cours des dernières décennies, n’a pas significativement étude du style en archéologie, comme base de classification des objets avant toute interprétation ultérieure.

Stylisation
Stylisation et stylisation (ou «stylisation» et «stylisé» en anglais britannique (non-Oxford), respectivement) ont une signification plus spécifique, se référant à des représentations visuelles qui utilisent des moyens simplifiés de représenter des objets ou des scènes qui ne tentent pas et une représentation précise de leur apparence visuelle (mimesis ou « réaliste »), préférant une représentation globale attrayante ou expressive. Plus techniquement, il a été défini comme «la généralisation décorative de figures et d’objets au moyen de diverses techniques conventionnelles, y compris la simplification de la ligne, de la forme et des relations de l’espace et de la couleur». de motif en ligne, élaboration de surface et espace aplati « .

L’art ancien, traditionnel et moderne, ainsi que les formes populaires telles que les dessins animés ou l’animation utilisent très souvent des représentations stylisées, par exemple Les Simpsons utilisent des représentations très stylisées, tout comme l’art africain traditionnel. Les deux peintures de Picasso illustrées en haut de cette page montrent un mouvement vers une représentation plus stylisée de la figure humaine dans le style du peintre, et le cheval blanc d’Uffington est un exemple d’une représentation préhistorique hautement stylisée d’un cheval. Les motifs dans les arts décoratifs tels que la palmette ou l’arabesque sont souvent des versions très stylisées des parties de plantes.

Même dans l’art qui tente en général la mimesis ou le «réalisme», on trouve souvent un certain degré de stylisation dans les détails, et notamment des figures ou d’autres traits à petite échelle, tels que des personnes ou des arbres, etc. grand travail. Mais ce n’est pas une stylisation destinée à être remarquée par le spectateur, sauf sur un examen attentif. Dessins, modelli, et d’autres croquis non destinés à la vente seront également très souvent stylisés.

« Stylisé » peut signifier l’adoption de n’importe quel style dans n’importe quel contexte, et en anglais américain est souvent utilisé pour le style typographique des noms, comme dans « AT & T est aussi stylisé comme ATT et at & t »: c’est un usage spécifique échappés dictionnaires, bien que ce soit une petite extension des autres sens existants du mot.

Style de l’époque dans la littérature
Le philologue Walter Berschin a fait fructifier le concept de style d’époque pour l’érudition littéraire et a exploré comment les biographies médiévales sont façonnées par ce que les époques respectives de la biographie du genre littéraire (littérature) attendent.

Identification de l’ordinateur
Dans une expérience de 2012 à Lawrence Technological University au Michigan, un ordinateur a analysé environ 1 000 peintures de 34 artistes renommés en utilisant un algorithme spécialement développé et les a classées dans des catégories similaires aux historiens de l’art humain. L’analyse a impliqué l’échantillonnage de plus de 4000 éléments visuels par œuvre d’art.