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Manifeste d’art

Un manifeste d’art est une déclaration publique des intentions, des motifs ou des points de vue d’un artiste ou d’un mouvement artistique. Les manifestes sont une caractéristique standard des divers mouvements de l’avant-garde moderniste et sont encore écrits aujourd’hui. Les manifestes d’art sont parfois dans leur rhétorique destinée à choquer, pour obtenir un effet révolutionnaire. Ils abordent souvent des questions plus larges, telles que le système politique. Les thèmes typiques sont le besoin de révolution, la liberté (d’expression) et la supériorité implicite ou déclarée des écrivains sur le statu quo. Le manifeste donne un moyen d’exprimer, de publiciser et d’enregistrer des idées pour l’artiste ou le groupe d’art – même si seulement une ou deux personnes écrivent les mots, elle est surtout attribuée au nom du groupe.
En 1855, Gustave Courbet rédige un manifeste réaliste pour l’introduction au catalogue de son exposition indépendante et personnelle. Et en 1886, le Manifeste symboliste a été publié dans le journal français Le Figaro par le poète et essayiste Jean Moréas.

Le premier manifeste artistique du XXe siècle a été introduit avec les futuristes en Italie en 1909, suivis par les cubistes, les vorticistes, les dadaïstes et les surréalistes: la période allant jusqu’à la Seconde Guerre mondiale a créé ce qui reste les manifestes les plus connus. Bien qu’ils n’aient jamais cessé d’être diffusés, d’autres médias, tels que la croissance de la radiodiffusion, tendaient à écarter ces déclarations. Grâce à Internet, il y a eu une résurgence de la forme, et de nombreux nouveaux manifestes apparaissent maintenant à un public mondial potentiel. Les Stuckists en ont fait un usage particulier pour lancer un mouvement mondial de groupes affiliés.

Les manifestes se composent généralement d’un certain nombre d’énoncés, qui sont numérotés ou en points et qui ne suivent pas nécessairement l’un de l’autre. L’explication de Tristan Tzara du manifeste (Feeble Love & Bitter Love, II) capture l’esprit de beaucoup:

« Un manifeste est une communication faite au monde entier, dont la seule prétention est la découverte d’un remède instantané pour la syphilis politique, astronomique, artistique, parlementaire, agronomique et littéraire. Cela peut être agréable, bon enfant, c’est toujours juste, c’est fort, vigoureux et logique. À propos de la logique, je me considère très sympathique.

Concept
Avant le début du 20ème siècle, le manifeste était presque exclusivement une déclaration avec des objectifs politiques. L’intention des artistes qui adoptent le formulaire est donc d’indiquer qu’ils utilisent l’art comme outil politique.

Le manifeste d’art a deux objectifs principaux. Le premier est de définir et de critiquer un paradigme de l’art ou de la culture contemporaine; la seconde est de définir un ensemble de valeurs esthétiques pour contrer ce paradigme. Souvent, les manifestes aspirent à être des œuvres d’art à part entière; par exemple, de nombreux écrivains de manifeste ont l’intention de faire exécuter leurs textes. D’autres manifestes ne peuvent pas être pleinement appréciés simplement en tant que déclarations écrites parce qu’ils s’appuient fortement sur la conception graphique pour la communication, une caractéristique commune dans les manifestes Dada. Plusieurs artistes ont écrit des manifestes sur des médiums artistiques qui ne sont pas les leurs.

Historiquement, il y a eu un fort parallèle entre le manifeste d’art et le manifeste politique. Il n’était pas rare que les écrivains de manifeste du début du 20ème siècle soient aussi politiquement actifs. En Italie, Filippo Tomasso Marinetti, fondateur du Futuriste, se présenta aux élections et les Futuristes russes et italiens publièrent des manifestes politiques. En Angleterre, le vorticiste Wyndham Lewis soutient les Suffragettes, tandis qu’en France, le surréaliste André Breton soutient le parti communiste. Souvent, cependant, ces organisations politiques ont rejeté l’attention des artistes; dans d’autres cas, les artistes ont été censurés et persécutés par des gouvernements autoritaires européens, comme l’Italie fasciste et la Russie communiste, qui ont institutionnellement rejeté l’avant-garde.

Avant 1900

Manifeste réaliste 1855
Gustave Courbet a écrit un manifeste réaliste pour l’introduction au catalogue de son exposition indépendante et personnelle, 1855, faisant écho au ton des manifestes politiques de la période. Il y affirme son but en tant qu’artiste «traduire les coutumes, les idées, l’apparence de mon époque selon ma propre estimation».

Manifeste symboliste 1886
En 1886, le Manifeste symboliste fut publié dans le journal français Le Figaro par le poète et essayiste Jean Moréas. Elle définissait et caractérisait le symbolisme comme un style dont «le but n’était pas l’idéal, mais dont le seul but était de s’exprimer pour être exprimé». Il nomme Charles Baudelaire, Stéphane Mallarmé et Paul Verlaine comme les trois principaux poètes du mouvement.

Seminal 1909-45

Manifeste futuriste 1909, 1914
Le Manifeste Futuriste, écrit par le poète italien Filippo Tommaso Marinetti, a été publié dans le journal italien Gazzetta dell’Emilia à Bologne le 5 février 1909, puis en français comme Manifeste du futurisme dans le journal Le Figaro le 20 février 1909. Il initié une philosophie artistique, le futurisme, qui était un rejet du passé, et une célébration de la vitesse, de la machinerie, de la violence, de la jeunesse et de l’industrie; c’était aussi une promotion de la modernisation et du rajeunissement culturel de l’Italie.

Puisque le manifeste fondateur ne contenait pas un programme artistique positif, les futuristes ont tenté d’en créer un dans leur prochain Manifeste technique de la peinture futuriste (1914). Cela les engageait dans un «dynamisme universel» qui devait être directement représenté dans la peinture et la sculpture. En réalité, les objets ne sont pas séparés les uns des autres ou de leur environnement: «Les seize personnes autour de vous dans un autobus roulant sont à tour de rôle, en même temps, un, dix-quatre trois, elles sont immobiles et elles changent de place. le bus à moteur se précipite dans les maisons qu’il traverse, et à leur tour les maisons se jettent dans le bus et s’y confondent.

Manifeste cubiste 1912
Le « Cubisme », écrit en 1912 par Albert Gleizes et Jean Metzinger, fut le premier texte théorique majeur sur le cubisme. Le livre a été illustré par des œuvres de Gleizes, Metzinger, Paul Cézanne, Fernand Léger, Juan Gris, Francis Picabia, Marcel Duchamp, Pablo Picasso, Georges Braque, André Derain et Marie Laurencin. Dans ce traité très influent, Gleizes et Metzinger ont explicitement associé le concept de «perspective multiple» au sens du temps de Bergson. Le traitement à facettes des objets physiques et de l’espace a brouillé les distinctions entre le sujet et l’abstraction, entre la représentation et la non-objectivité. Les effets de la géométrie non-euclidienne ont été utilisés pour transmettre un sens psychophysique de la fluidité de la conscience. Du « Cubisme » introduit le concept de « simultanéité » dans le cadre théorique du cubisme. C’est en partie un concept né d’une conviction fondée sur la compréhension par les auteurs de Henri Poincaré et Bergson que la séparation ou la distinction entre l’espace et le temps doit être complètement remise en cause. Il était basé à la fois sur des idées philosophiques et scientifiques, sur la géométrie riemannienne et sur la relativité de la connaissance, contredisant les notions de vérité absolue. Ces idées ont été diffusées et débattues dans la publication largement disponible, et lues par des écrivains et des artistes associés à l’avènement du modernisme.

L’art du bruit 1913
L’art des bruits (italien: L’arte dei Rumori) est un manifeste futuriste écrit par Luigi Russolo dans une lettre de 1913 à un ami et compositeur futuriste Francesco Balilla Pratella. Dans ce document, Russolo affirme que l’oreille humaine s’est habituée à la vitesse, l’énergie et le bruit de l’environnement urbain urbain; de plus, cette nouvelle palette sonore nécessite une nouvelle approche de l’instrumentation musicale et de la composition. Il propose un certain nombre de conclusions sur la façon dont l’électronique et les autres technologies permettront aux musiciens futuristes de «se substituer à la variété limitée des timbres que l’orchestre possède aujourd’hui l’infinie variété des timbres dans les bruits, reproduits avec des mécanismes appropriés».

Manifeste de l’école amorphiste 1913
Publié dans Les hommes du jour en 1913, il n’a jamais été clair si c’était un manifeste sincère de la nouvelle école de l’amorphisme, ou une parodie.

Manifeste Vorticiste 1914
Des extraits du manifeste BLAST des Vorticistes furent publiés dans leur revue Blast, numéro 1, le 20 juin 1914, puis à Blast, numéro 2, en juillet 1915.

Manifeste suprématiste 1915
En 1915, Kazimir Malevitch pose les bases du suprématisme en publiant son manifeste, Du cubisme au suprématisme.

Dada Manifesto 1916
Hugo Ball a récité le premier manifeste Dada au Cabaret Voltaire le 14 juillet 1916.

Le deuxième manifeste Dada a été récité par Tristan Tzara à la Salle Meise le 23 mars 1918 et publié à Dada, No. 3 (Zurich, décembre 1918).

De Stijl 1918
Signé par Theo van Doesburg, Robt. van ‘t Hoff, Vilmos Huszar, Antony Kok, Piet Mondrian, Georges Vantongerloo, Jan Wils

Manifeste I de « Le Style » (De Stijl), De De Stijl, vol. II, non. 1 (novembre 1918), p. 4.

Manifeste réaliste 1920
Le Manifeste Réaliste (publié le 5 août 1920) a été écrit par le sculpteur russe Naum Gabo et cosigné par son frère Antoine Pevsner, et le texte clé du Constructivisme.

Manifeste puriste 1920-1925
Les fondateurs du purisme, Amédée Ozenfant et Charles-Edouard Jeanneret (plus connu sous le nom de Le Corbusier), ont intitulé leur manifeste Apres le cubism (Après le cubisme).

Manifeste surréaliste 1924
Le premier manifeste surréaliste a été écrit par l’écrivain français André Breton en 1924 et publié au public en 1925. Le document définit le surréalisme comme:

L’automatisme psychique dans son état pur, par lequel on se propose d’exprimer – verbalement, au moyen de l’écrit, ou de toute autre manière – le fonctionnement effectif de la pensée. Dictée par la pensée, en l’absence de tout contrôle exercé par la raison, exempte de toute préoccupation esthétique ou morale.

Art Concret 1930
Base de la peinture concrète, a été écrit par Otto G. Carlsund, Théo van Doesburg, Jean Hélion, Marcel Wantz et Léon Arthur Tutundjian, publié dans Revue Art Concret, no. 1 (avril 1930).

Manifeste de la peinture murale 1933
Manifesto of Mural Painting a été écrit par Mario Sironi en 1933.

Manifeste: Vers un art révolutionnaire gratuit 1938
Vers un art révolutionnaire libre a été écrit par le surréaliste André Breton et le marxiste Léon Trotsky en réaction contre l’art mandaté de l’Union soviétique.

Après-guerre 1946-59
Manifeste blanc 1946
White Manifesto est un texte de 1946 écrit par Lucio Fontana.

Manifeste COBRA 1948
Le manifeste de CoBrA, intitulé La cause était entendue, écrit par Christian Dotremont, et soupiré par Karel Appel, Constant, Corneille, Asger Jorn et Joseph Noiret en 1948.

Refus global 1948
Le Refus global (ou le Refus total) était un manifeste anti-establishment et anti-religieux publié le 9 août 1948 à Montréal par un groupe de seize jeunes artistes et intellectuels québécois connus sous le nom de Les Automatistes, dirigés par Paul-Émile Borduas.

Le Refus global a été fortement influencé par le poète français André Breton, et il a exalté la force créatrice du subconscient.

Manifeste de Eaismo 1948
Le manifeste de Eaismo est de Voltolino Fontani.

Premier Manifeste des sculpteurs 1949
Le Premier Manifeste des Sculpteurs est de René Iché.

Manifeste mystique 1951
Manifeste mystique a été écrit par Salvador Dalí en 1951.

Le Manifeste mystique a inauguré la période du mysticisme nucléaire de Dalí.

Manifesto Pittura Nucléaire 1951
Écrit par Enrico Baj.

Manifeste Les Spatialistes 1952
Les Spatialistes, un groupe italien basé à Milan, a rédigé un manifeste pour la télévision.

Un Art Autre 1952
Cet ouvrage de Michel Tapié définit le mouvement art informel.

Manifeste de Gutai 1956
Ce manifeste de Jirô Yoshihara a défini les objectifs artistiques du groupe japonais Gutai.

Manifeste de l’art auto-destructif 1959
Ecrit par Gustav Metzger en 1964, il a été donné à l’Association Architecturale sous la forme d’une conférence, et repris par les étudiants comme un «Happening» artistique. L’un des étudiants de Metzger au Ealing College était Pete Townshend, qui a plus tard cité les concepts de Metzger comme une influence pour sa fameuse guitare-cassage lors des représentations de The Who.

Manifeste néo-concret 1959
Le manifeste néo-concret de Ferreira Gullar commence:

Nous utilisons le terme «néo-concret» pour nous différencier de ceux qui se sont engagés dans l’art «géométrique» non figuratif (néo-plasticisme, constructivisme, suprématisme, école d’Ulm) et particulièrement le genre d’art concret influencé dangereusement rationalisme aigu. A la lumière de leur expérience artistique, les peintres, sculpteurs, graveurs et écrivains participant à cette première exposition néo-concrète ont conclu qu’il était nécessaire d’évaluer les principes théoriques sur lesquels l’art concret a été fondé, aucun d’entre eux n’offrant une raison du potentiel expressif qu’ils ressentent pour leur art.  »
Manifeste de la peinture industrielle 1959
« Manifeste de la peinture industrielle: pour un art appliqué unitaire », écrit par Giuseppe Pinot-Gallizio, en août 1959, a été publié à l’origine en italien dans Notizie Arti Figurative n ° 9 (1959). Peu de temps après, il fut publié dans Internationale Situationniste n ° 3 dans une traduction française. Il a été traduit en anglais en 1997 par Molly Klein. Il a seulement 70 points et est écrit d’une manière rhétorique utopique, avec des déclarations telles que: «Une nouvelle force de domination vorace poussera les hommes vers une poésie épique inimaginable». Un de ses thèmes est la réconciliation de l’industrie et de la nature:

Le retour à la nature avec l’instrumentation moderne permettra à l’homme, après des milliers de siècles, de retourner aux endroits où les chasseurs paléolithiques ont surmonté une grande peur; l’homme moderne cherchera à abandonner le sien, accumulé dans l’idiotie du progrès, au contact des choses humbles, que la nature dans sa sagesse a conservées comme un frein à l’immense arrogance de l’esprit humain.
Contre-culture 1960-75
Les manifestes des années 1960 reflétaient les attitudes sociales et politiques changeantes de l’époque: le ferment général de la révolution «contre-culturelle» pour renverser l’ordre existant et la montée particulière du féminisme et du pouvoir noir, ainsi que le pionnier des nouvelles formes d’art telles que le corps. art et performance art.

Manifeste situationniste 1960
L’Internationale situationniste a été fondée à Cosio d’Arroscia le 27 avril 1957 par huit membres, qui voulaient un art révolutionnaire avec un état de transformation constante, et donc de nouveauté, ainsi que l’abolition du fossé entre l’art et la vie. Le manifeste épousant ceci a été publié le 17 mai 1960 et réimprimé dans Internationale Situationniste numéro 4 en juin 1960. Il préconisait la « nouvelle force humaine » contre la technologie et le « mécontentement de ses usages possibles dans notre vie sociale insensée », déclarant « Nous allons inaugurer ce qui sera historiquement le dernier des métiers Le rôle de situationniste amateur-professionnel d’anti-spécialiste est encore une spécialisation jusqu’à l’abondance économique et mentale, quand tout le monde devient «artiste» ». Sa dernière phrase est: « Tels sont nos objectifs, et ce seront les objectifs futurs de l’humanité ».

Le Manifeste de l’Hôtel Chelsea 1961
Ce manifeste, écrit par Yves Klein, est protégé depuis 1989 par la galerie Gagosian. Il commence par les invites pour les déclarations ultérieures dans le manifeste, la première ligne étant, « En raison du fait que j’ai peint des monochromes pendant quinze ans ». C’est une méditation de l’artiste sur son travail et sa vie:

Un artiste se sent toujours mal à l’aise lorsqu’il est appelé à parler de son propre travail. Il devrait parler pour lui-même, surtout quand il est valide.
Que puis-je faire? Arrêter maintenant?
Non, ce que j’appelle «la sensibilité picturale indéfinissable» échappe absolument à cette solution très personnelle.
Alors…
Il s’approprie le ciel:

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Une fois, en 1946, alors que j’étais encore adolescent, je devais signer mon nom de l’autre côté du ciel au cours d’un fantastique voyage «réaliste-imaginaire». Ce jour-là, allongé sur la plage de Nice, je commençais à éprouver de la haine pour les oiseaux qui volaient sur mon ciel bleu et sans nuages, parce qu’ils essayaient de percer des trous dans mon plus grand et plus beau travail.
Les oiseaux doivent être éliminés.
Il termine par une affirmation qu’il est «prêt à plonger dans le vide».

Je suis pour un art … Manifeste, 1961
Claes Oldenburg, un artiste pop, réagissant contre l’expressionnisme abstrait, avec d’autres jeunes artistes. Le Manifeste «Je suis un art» a été conçu à l’origine pour figurer dans le catalogue de l’exposition «Environnements, situations et espaces». Chacune des déclarations commence par «Je suis pour un art …».

La citation suivante est tirée des deux premières déclarations de son manifeste poétique:

« Je suis pour un art politico-érotique-mystique qui fait autre chose que s’asseoir dans un musée.
Je suis pour un art qui grandit sans savoir que c’est de l’art, un art qui a la chance d’avoir un point de départ de zéro …  »

Fluxus Manifeste 1963
Écrit par George Maciunas, ce court document imprimé à la main se compose de trois paragraphes entrecoupés d’éléments de collages tirés des définitions de dictionnaire relatives au «flux». Il est écrit en minuscules, avec des majuscules pour certaines phrases clés, certaines soulignées. Son premier paragraphe est:

Purger le monde de la maladie bourgeoise, culture «intellectuelle», professionnelle et commercialisée, purger le monde de l’art mort, imitation, art artificiel, art abstrait, art illusionniste, art mathématique, – purger le monde de «l’européanisme»!
Il prône la révolution, «l’art vivant, l’anti-art» et «la réalité non-artistique à saisir par tous les peuples, pas seulement les critiques, les dilettantes et les professionnels».

Manifeste SCUM 1967
SCUM, de Valerie Solanas, est un acronyme de la « Society for Cutting up Men » et le manifeste ne portait pas spécifiquement sur l’art. Cependant, il est devenu une partie de l’histoire de l’art, car il a été publié en 1968, la même année où Solanas, qui avait passé du temps dans « Factory » d’Andy Warhol, a tiré et a failli le tuer. Il a également des sections qui traitent des idées d’art. Solanas a passé ses dernières années en tant que prostituée de rue et est morte en 1988.

C’est un document d’un peu plus de 11 000 mots. Son ton et son thème de base sont évidents à partir du titre, mais il n’est pas aussi clair qu’il n’y paraît et certaines femmes sont admises comme étant aussi mauvaises que les hommes (les femmes artistes, par exemple). SCUM veut «détruire tous les objets inutiles et nuisibles – les voitures, les vitrines, le« Grand Art », etc. Dans une section sur «Grand Art» et «Culture», il est dit:

L ‘«artiste» masculin tente de résoudre son dilemme de ne pas pouvoir vivre, de ne pas être une femme, en construisant un monde hautement artificiel dans lequel le mâle est héroïsé, c’est-à-dire qui présente des traits féminins. , des rôles subordonnés insipides, c’est-à-dire, d’être un homme.
Le but «artistique» masculin étant, non de communiquer (n’ayant rien en lui, il n’a rien à dire), mais de déguiser son animalisme, il recourt au symbolisme et à l’obscurité (substance «profonde»). La grande majorité des gens, en particulier les «éduqués», manquant de foi en leur propre jugement, humble, respectueux de l’autorité («Papa sait mieux»), sont facilement persuadés que l’obscurité, l’évasivité, l’incompréhensibilité, l’indirérité, l’ambiguïté et l’ennui sont des marques de profondeur et de brillance …
Absorber la «culture» est une tentative désespérée et frénétique de sonder un monde non-groovy, d’échapper à l’horreur d’une existence stérile et sans cervelle. La «culture» fournit un sop aux egos de l’incompétent, un moyen de rationaliser le spectateur passif; ils peuvent s’enorgueillir de leur capacité à apprécier les choses «plus fines», à voir un bijou où c’est seulement une crotte (ils veulent être admirés pour admirer).
Manifeste Art Maintenance 1969
Le titre complet du manifeste est « Maintenance Art-Proposal for an Exhibition »; il est considéré comme un document séminal de l’art féministe. Mierle Laderman Ukeles était enceinte à l’époque, et a décidé de réinterpréter les tâches ménagères en devenant une «artiste de maintenance», où elle les «performerait». Grâce à cela, cette «maintenance» s’est révélée être une condition importante pour la liberté et le fonctionnement social et elle a étendu l’idée au-delà du féminisme à des projets comme le 11 mois Touch Sanitation, impliquant 8.500 travailleurs new-yorkais. Plus récemment, elle s’est adressée à un site d’enfouissement à Staten Island.

Le manifeste a été suivi d’un questionnaire (1973-76) et visait à faire de l’art ce qui serait normalement considéré comme des tâches routinières et banales. Elle a écrit: « Après la révolution, qui va ramasser les ordures lundi matin? ». Elle a suivi cela avec un « Manifeste d’assainissement! » (1984) Le Manifeste de maintenance a déclaré:

La maintenance est un frein. il prend tout le putain de temps (litt.) L’esprit boggle et chafes à l’ennui. La culture confère un statut minable aux emplois d’entretien – salaire minimum, femmes au foyer – pas de salaire. Nettoyez votre bureau, lavez la vaisselle, nettoyez le sol, lavez vos vêtements, lavez vos orteils, changez la couche du bébé, terminez le rapport, corrigez les fautes de frappe, réparez la clôture, gardez le client heureux, jetez les poubelles puantes, faites attention! ne mets pas les choses dans ton nez, que dois-je porter, je n’ai pas de dettes, ne paye pas tes factures, ne fais pas de litière, sauve la ficelle, lave tes cheveux, change les draps, va au magasin, je suis en parfum , répète – il ne comprend pas, scelle à nouveau – ça fuit, va au boulot, cet art est poussiéreux, débarrasse la table, rappelle-le, tire la chasse d’eau, reste jeune.
Manifeste AfriCobra 1970
Afri-Cobra était un collectif d’artistes noirs fondé à la fin des années 1960 par Jeff Donaldson et basé à Chicago. Il a aidé à organiser des spectacles internationaux d’artistes noirs et a écrit des manifestes influents. AfriCobra est un acronyme pour « Commune Africaine des Artistes Pertinents ». Cela a été dérivé de la combinaison du terme pour l’Afrique avec « Cobra », la « Coalition des artistes révolutionnaires noirs ». Le manifeste a déclaré que les objectifs du groupe étaient le développement d’un nouvel art afro-américain, impliquant la responsabilité sociale, l’engagement artistique communautaire et la promotion de la fierté dans l’identité noire. Il y avait des parallèles avec les innovations musicales afro-américaines, et le plaidoyer d’une esthétique complémentaire impliquant des images sublimes et des couleurs hautes.

Manifeste de la guerre au début des années 1970
WAR est un acronyme pour « Women Artists in Revolution » dont Nancy Spero était membre. Avant cela, en 1966-1970, elle avait créé une série de «manifestes» contre la guerre du Vietnam, qui étaient des images créées avec des peintures à l’eau et des encres sur papier. Elle a ensuite assisté aux réunions de l’AWC (Art Workers Coalition), qui comptaient des membres hommes et femmes, et est devenue partie de WAR, qui était une ramification. Elle a dit: «Je l’aimais, j’étais tellement en colère à ce moment-là à propos de tant de choses, surtout de ne pas pouvoir sortir mon art, de faire en sorte que les gens regardent. Par exemple, quelques-uns d’entre nous sont entrés au Musée d’Art Moderne et ont réclamé l’égalité pour les femmes artistes, puis j’ai rejoint un autre comité, le Comité Ad Hoc des Femmes Artistes. ces jours-ci. »

L’art des femmes: un manifeste 1972
Valie Export est une artiste de performance viennoise qui a travaillé avec les activistes et catalogué leurs événements. Elle a fait son propre art du corps de confrontation, avec une philosophie de «l’activisme féministe», invitant les gens à la toucher dans la rue. Elle a publié « des manifestes écrits prédisant avec vengeance l’avenir de l’art des femmes » et « fait d’importantes contributions théoriques à la communication d’un féminisme personnel dans la performance », elle a estimé qu’il était important politiquement de créer de l’art. changerait vraiment la façon dont le public (principalement masculin) me regarderait.  »

Collectif d’Art Sociologique manifeste 1974
Le collectif français d’art sociologique a été fondé par Fred Forest, Jean-Paul Thénot et Hervé Fischer et a fait publier son manifeste dans le journal Le Monde. Son but principal était d’utiliser la sociologie pour soutenir des actions artistiques, ou d’utiliser des actions artistiques pour élucider des phénomènes sociologiques. L’une de ces actions a été la mise aux enchères d’un «mètre carré artistique» en 1976 pour parodier l’inflation des prix sur les marchés du logement et de l’art. Le collectif a fait un usage intensif des mass media et de la performance en utilisant la vidéo, le téléphone, etc. Le groupe a été dissout en 1981, bien que certains de ses principes aient été apportés par Fred Forest et Mario Costa au mouvement esthétique de 1983.

Manifeste sur l’art corporel 1975
En 1975, François Pluchart fait la promotion du premier Body Art à la Galerie Stadler à Paris avec 21 artistes, dont Marcel Duchamp, Chris Burden et Katharina Sieverding. Le premier manifeste Body Art a été publié.

Un manifeste sur le conceptualisme lyrique 1975
par Paul Hartal

C’est un document de quatre pages illustré de neuf images en noir et blanc des peintures, collages et multimédia de l’artiste, publiés à Montréal en 1975. «Mon art est une métaphore peinte, la machine passée d’une seconde perpétuelle, l’émotion fossile d’un le désir infini, le désir magique évoluant sur l’axe brisé de l’espace comprimé, reflété dans la forme de paysages intérieurs et personnels », écrit Hartal dans le manifeste. « L’art doit être total », suggère-t-il. « Le biotique séparé de la géométrique est arbitraire, et ignore la nature humaine. » L’idée de «conceptualisme lyrique est basée sur l’intégralité de la coordonnée psychologique», dit-il. Il « dérive du ça, de l’ego et du surmoi »; un «art dans lequel le double caractère du regard de l’artiste évolue vers une triade lyrique, intuitive et conceptuelle». Dans The Brush and the Compass: La dynamique de l’interface de l’art et de la science (Lanham: University Press of America, 1988, 341 pp), Hartal discute plus en détail de la théorie du conceptualisme lyrique ou de l’art Lyco,

Punk et cyber 1976-1998
La montée du mouvement punk avec son attitude de bricolage basique et agressive a eu une contribution importante dans les manifestes d’art, et cela se reflète même dans les titres. Certains artistes se sont ouvertement identifiés au punk à travers la musique, l’édition ou la performance de poésie. Il y a aussi une interprétation «choquante» équivalente du féminisme qui contredit la non-objectivation préconisée dans les années 1960. Puis la présence croissante de l’ère informatique a commencé à s’affirmer dans les proclamations d’art comme dans la société.

Manifeste de l’art brut 1978
L’artiste Charles Thomson a fait la promotion du Manifeste sur l’art brut 1978.

Cela a été publié à Maidstone Art College par Charles Thomson, alors étudiant au collège. 21 ans plus tard, il a co-écrit les manifestes de Stuckist avec Billy Childish. Thomson était également membre de The Medway Poets, un groupe punk. Le manifeste rejette l’art des grands magasins et l’art de la galerie «élitiste», ainsi que la sophistication et l’habileté «faciles à obtenir … et utilisées industriellement et artistiquement pour dissimuler une pauvreté de contenu». La priorité est d’être «l’exploration et l’expression de l’esprit humain».

Smile Manifestos 1982
par Stewart Home

À cette époque, Stewart Home fonctionnait comme un mouvement solo «Generation Positive», fondant un groupe de punk appelé White Colours et publiant un fanzine d’art Smile, qui contenait principalement des manifestes d’art pour la «Génération Positive». La rhétorique de ceux-ci ressemblait aux manifestes dadaïstes de Berlin des années 1920. Son idée était que d’autres groupes autour du monde devraient aussi s’appeler White Colors et d’autres magazines intitulés Smile. La première partie du livre Manifestos néo-conservateurs / The Art Strike Papers présentait des versions abruptes de ses écrits de style manifeste de Smile.

Manifeste de l’Association internationale des artistes astronomiques 1982
Le principe de base de l’IAAA est la représentation de l’espace (comme dans le cosmos) à travers la peinture réaliste. Ils se détachent des artistes de science-fiction et de fantasy: «une base solide de connaissance et de recherche est la base de chaque peinture, s’efforçant de représenter avec précision des scènes qui sont actuellement hors de portée de l’œil humain». Le groupe compte maintenant plus de 120 membres représentant 20 pays.

Manifeste Art Bon Marché 1984
par le Théâtre du pain et des marionnettes

Le titre entier est « le Why Cheap Art? Manifeste ». Il s’agit d’une feuille unique, publiée par le Bread and Puppet Theatre « en réponse directe à l’entreprise d’art et à son appropriation croissante par le secteur des entreprises ». Il y a dix-sept déclarations, dont la plupart commencent par « Art is » et se terminent par un point d’exclamation, principalement en majuscules, parfois mélangées avec des minuscules, dans différentes polices de caractères qui deviennent plus audacieuses jusqu’à la déclaration finale d’un grand HOURRA. Il commence:

Les gens pensent depuis trop longtemps que l’art est un privilège des musées et des riches.
L’art n’est pas une affaire!
Il souligne la nature positive de l’art qui est bénéfique pour tous et devrait être accessible à tous, en utilisant des images poétiques telles que «L’art est comme des arbres verts» et en exhortant «L’art combat la guerre et la bêtise!

Un manifeste de Cyborg 1985
par Donna J. Haraway

Ceci a le titre complet de « Un Manifeste de Cyborg: Science, Technologie, et Socialisme-Féminisme à la fin du XXe siècle. » Donna Haraway est historienne de la culture. Elle préconise le développement de cyborgs («organismes cybernétiques») comme voie à suivre pour une société post-genre. Cela a eu un effet significatif au départ parmi les universitaires. VNS Matrix, un groupe de femmes artistes australiennes et historienne de la culture britannique, Sadie Plant, a créé un mouvement cyberféministe en 1994. A partir de 1997, le Old Boys Network (OBN) a organisé des «Cyberfeminist Internationals».

Ce que notre art signifie 1986
par Gilbert et George

Le manifeste est composé de cinq paragraphes, chacun avec un sous-titre, dont le premier est « L’Art pour Tous », résumant l’intention populaire de leur manifeste:

Nous voulons que notre art s’exprime à travers les barrières de la connaissance directement aux gens sur leur vie et non sur leur connaissance de l’art. Le vingtième siècle a été maudit avec un art qui ne peut être compris. Les artistes décadents se tiennent debout pour eux-mêmes et leurs élus, riant et rejetant l’outsider normal. Nous disons que l’art déroutant, obscur et obsédé par la forme est décadent et un déni cruel de la vie des gens.
Il y a aussi une intention de changer les gens, mais «le matériel artistique doit être soumis à la signification et au but de l’image». Il est dit:

Nous voulons apprendre à respecter et honorer « le tout ». Le contenu de l’humanité est notre sujet et notre inspiration. Nous nous tenons chaque jour pour de bonnes traditions et les changements nécessaires. Nous voulons trouver et accepter tout le bien et le mal en nous-mêmes.
La conclusion est une affirmation de «notre vie – la recherche de nouvelles significations et le but de donner à la vie. »

Manifeste du modernisme post-porno c.1989
par Veronica Vera

Le manifeste a été signé par Veronica Vera et Candida Royalle (les deux ex-stars du porno qui ont ensuite dirigé leurs propres films pornos), Annie Sprinkle (qui donne explicitement une femme sexuelle) et l’artiste de performance Frank Moore, parmi d’autres artistes importants qui utilisent le sexe dans leur travail. En 7 courts points, il fonde un mouvement artistique qui «célèbre le sexe comme force nourrissante et vivifiante: nous embrassons nos parties génitales comme une partie non séparée de nos esprits». Il préconise «l’attitude du sex-positivisme» et souhaite «communiquer nos idées et nos émotions … pour s’amuser, guérir le monde et endurer».

Manifeste cyberféministe pour le 21ème siècle, 1991
par VNS Matrix

VNS Matrix était un collectif d’art cyberféministe fondé à Adélaïde, en Australie, en 1991. Leur manifeste, écrit en 1991, a été traduit en plusieurs langues, dont l’italien, le français, l’espagnol, le russe, le japonais et le finlandais. Il commence:

nous sommes la chatte moderne
positif pour la raison
illimitée déchaînée impitoyable
nous voyons l’art avec notre chatte nous faisons l’art avec notre chatte
En 1996 ils ont écrit le Manifeste Bitch Mutant.

Le Manifeste ____________, 1996
par Michael Betancourt

Le Manifeste de ____________ a proposé une vision interactive et complète des interdictions et des revendications à propos de mouvements artistiques et artistiques. C’était un morceau d’art net interactif qui est apparu dans les webzines et dans les groupes de discussion, invitant la participation. Cela commence:

Aujourd’hui, ____________ lui-même est obsolète.
Le manifeste se termine par un bouton de réinitialisation. Le texte est échantillonné à partir de manifestes Dada de Tristan Tzara, mais les éléments clés du texte original ont été omis et remplacés par des blancs à remplir.

C’est l’un des premiers manifestes publiés sur Internet et sur papier.

Groupe Hangman 1997
par Billy Childish

Groupe Hangman a été fondé par Billy Childish, Tracey Emin et deux autres à Medway, Kent en 1983 pour une courte période. Quatorze ans plus tard, il s’est reformé avec plus de membres (presque tous ont rejoint plus tard le groupe d’art Stuckists), mais sans Emin. À ce stade, Childish a écrit 6 tribunaux manifestes, contenant chacun 7 à 12 déclarations. Il dit, « ils étaient anarchiques et contradictoires – mon préféré! » Il y a des idées qui se cachent dans les manifestes de Stuckist deux ans et plus tard. Le point 9 de la communication 0001 stipule:

L’art occidental a stupéfié son public en prenant la position d’un paillasson admiratif. Nous, au Groupe Hangman cependant, avons l’intention d’essuyer nos bottes incrustées de boue sur le visage de la bête conceptuelle.
Le style doit être brisé («Le talent artistique est le seul obstacle») et l’inacceptable doit être adopté. La dernière communication, de seulement deux phrases courtes, a écrit en 2000 et recommande: «Il est temps que l’art grandisse».

Manifesto Art Extropic 1997
par Natasha Vita-More (anciennement Nancie Clark)

(Un genre du mouvement d’art transhumaniste dont le manifeste a été écrit en 1982)

Ceci a été écrit le 1er janvier 1997 et était apparemment « à bord du vaisseau spatiale Cassini Huygens lors de sa mission à Saturne ». Après la déclaration « Nous sommes des transhumains », il y a l’explication, « L’art transhumaniste reflète une appréciation extropique de l’esthétique dans un monde technologiquement amélioré. » Après le manifeste est une « FAQ », qui stipule, « Arts transhumanistes comprendre des œuvres créatives de scientifiques, ingénieurs, techniciens, philosophes, athlètes, éducateurs, mathématiciens, etc, qui ne peut pas être des artistes au sens traditionnel, mais dont Le Manifeste est basé sur une déclaration d’art transhumaniste écrite en 1982.Citée comme influences spécifiques sont «Art abstrait, art de la performance, art cinétique, cubisme, art techno, science fiction et communication Art. « Certains collaborateurs de Vita-More sont nommés Timothy Leary, Bill Viola et Francis Ford Coppola.

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