Bijoux d’art

Les bijoux d’art est l’un des noms donnés aux bijoux créés par des artisans de studio. Comme son nom l’indique, les bijoux d’art mettent l’accent sur l’expression créative et le design, et se caractérisent par l’utilisation d’une variété de matériaux, souvent banals ou de faible valeur économique. En ce sens, il constitue un contrepoids à l’utilisation de «matériaux précieux» (tels que l’or, l’argent et les pierres précieuses) dans les bijoux classiques ou les bijoux de qualité, lorsque la valeur de l’objet est liée à la valeur des matériaux qui le composent. . Les bijoux d’art sont liés au travail de studio dans d’autres médias tels que le verre, le bois, les plastiques et l’argile; il partage les croyances et les valeurs, l’éducation et la formation, les conditions de production, les réseaux de distribution et la publicité avec le domaine plus vaste de l’artisanat en studio. Les bijoux d’art ont également des liens avec l’art et le design.

Alors que l’histoire des bijoux d’art commence aux États-Unis dans les années 1940 avec les bijoux modernistes, puis dans les expériences artistiques d’orfèvres allemands dans les années 1950, on trouve un certain nombre de valeurs et de croyances qui fondent les bijoux d’art mouvement de la fin du XIXe siècle. De nombreuses régions, telles que l’Amérique du Nord, l’Europe, l’Australasie et certaines régions d’Asie, regorgent de scènes de bijouterie d’art, tandis que d’autres comme l’Amérique du Sud et l’Afrique développent l’infrastructure des établissements d’enseignement, des galeries de marchands, des écrivains, des collectionneurs et des musées bijoux.

Terminologie
L’historienne de l’art, Liesbeth den Besten, a identifié six termes différents pour désigner les bijoux d’art: contemporain, studio, art, recherche, design et auteur, les trois plus courants étant contemporain, studio et art. La conservatrice Kelly L’Ecuyer a défini les bijoux de studio comme une émanation du mouvement artisanal de studio, ajoutant qu’ils ne font pas référence à des styles artistiques particuliers, mais plutôt aux circonstances dans lesquelles l’objet est produit. Selon sa définition, « les bijoutiers de studio sont des artistes indépendants qui manipulent les matériaux choisis directement pour en faire des bijoux uniques ou en production limitée ….. Le bijoutier de studio est à la fois le concepteur et le fabricant de chaque pièce (bien que les assistants ou les apprentis peuvent aider avec des tâches techniques), et le travail est créé dans un petit studio privé, pas une usine.  » Monica Gaspar, historienne de l’art, a exploré la signification temporelle des différents noms donnés aux bijoux d’art au cours des 40 dernières années. Elle suggère que les bijoux «avant-gardistes» se positionnent comme devant radicalement les idées dominantes. Les bijoux « modernes » ou « modernistes » prétendent refléter l’esprit du temps dans lequel ils ont été fabriqués; Les bijoux « studio » mettent l’accent sur l’atelier d’artiste par rapport à l’atelier d’artisanat; les bijoux « nouveaux » adoptent une attitude ironique envers le passé; et les bijoux « contemporains » revendiquent le présent et le « ici et maintenant » en contraste avec la nature éternelle des bijoux traditionnels comme un héritage se transmettant de génération en génération.

L’historien de l’art Maribel Koniger affirme que les noms donnés aux bijoux d’art sont importants pour distinguer ce type de bijoux des objets et des pratiques connexes. L’utilisation du terme «conceptuel» par bijoux est, selon elle, une «tentative de se détacher par une terminologie des produits de l’industrie de la bijouterie commerciale qui reproduisent des clichés et sont orientés vers les goûts de la consommation de masse, et de l’autre, les conceptions individualistes, esthétiquement subjectives, de l’artisanat pur.  »

Forme
Les bijoux d’art ont souvent des formes inhabituelles qui sont parfois volumineuses et inacceptables dans la vie quotidienne. En tant que matériaux, des décors typiques tels que des métaux précieux et des bijoux, mais également des atypiques non précieux ou semi-précieux, tels que du caoutchouc, des plastiques, de l’ardoise, des matériaux recyclés ou du lait maternel sont traités. Les techniques de traitement diffèrent en conséquence du métier d’orfèvre traditionnel.

L’esthétique formelle et symbolique de ces bijoux signifie qu’ils sont reçus comme des œuvres d’art. Les bijoux de l’auteur tentent également d’explorer la relation entre l’objet de bijouterie et le corps humain. Au lieu de mettre l’accent sur le statut social du porteur en tant qu’accessoire de décoration, les bijoux de l’auteur permettent une expérience esthétique qui oscille entre son « être-art et sa bijouterie » simultanés.

Critique de la préciosité
Les bijoutiers travaillent souvent de manière critique ou consciente avec l’histoire des bijoux ou avec la relation entre le corps et les bijoux. Ils remettent en question des concepts tels que « valeur précieuse » ou « résistance à l’usure » qui sont généralement acceptés sans réserve par les bijoux classiques ou les bijoux de qualité. Cette qualité est un produit de la critique du caractère précieux, un terme qui décrit le défi des joailliers d’art aux États-Unis et en Europe à l’idée que la valeur du bijou était équivalente à la préciosité de ses matériaux. À l’origine, les bijoutiers d’art travaillaient dans des matériaux précieux ou semi-précieux, mais mettaient l’accent sur l’expression artistique comme la qualité la plus importante de leur travail, reliant leurs bijoux aux mouvements d’art modernistes tels que le biomorphisme, le primitivisme et le tachisme. Dans les années 1960, les bijoutiers d’art ont commencé à introduire dans leur travail de nouveaux matériaux alternatifs, tels que l’aluminium et l’acrylique, rompant avec le rôle historique des bijoux en tant que signe de statut et de valeur économique ou de richesse transférable. À mesure que l’accent mis sur la valeur a cédé, d’autres thèmes ont pris la place du sujet des bijoux. En 1995, Peter Dormer décrivait les effets de la critique du caractère précieux comme suit: « Premièrement, la valeur monétaire du matériau perd sa pertinence. Deuxièmement, une fois que la valeur du bijou en tant que symbole de statut a été déflatée, la relation entre le corps humain a retrouvé une position dominante – les bijoux sont devenus sensibles au corps; troisièmement, les bijoux ont perdu leur exclusivité au profit d’un sexe ou d’un âge donné – ils pourraient être portés par les hommes, les femmes et les enfants « .

Bijoux d’art et d’artisanat
Les bijoux d’art qui sont apparus dans les premières années du XXe siècle étaient une réaction au goût victorien, et les bijoux lourds et ornés, souvent fabriqués à la machine, qui étaient populaires au XIXe siècle. Selon Elyse Zorn Karlin, « Pour la plupart des bijoutiers, les bijoux d’art constituent à la fois une quête artistique personnelle et la recherche d’une nouvelle identité nationale. Basés sur une combinaison de références historiques, de réactions à des événements régionaux et mondiaux, de nouveaux matériaux disponibles et d’autres facteurs , les bijoux d’art reflètent l’identité d’un pays tout en s’inscrivant dans un mouvement international plus vaste de réforme du design.  » À l’origine, les bijoux d’art attiraient un groupe de clients sélectionnés ayant un goût artistique, mais ils ont rapidement été repris par des sociétés commerciales, ce qui les a rendus disponibles à grande échelle.

De nombreux mouvements différents ont contribué à la catégorie des bijoux d’art telle que nous la connaissons aujourd’hui. Dans le cadre du mouvement artistique anglais, florissant entre 1860 et 1920, Charles Robert Ashbee et sa guilde et son école d’artisanat ont produit les premiers bijoux d’artisanat dans une guilde. Présentant leur travail comme un antidote à la production industrielle, les bijoutiers de la première génération de bijoutiers estimaient qu’un objet devait être conçu et fabriqué par la même personne, bien que leur manque de formation de spécialistes leur confère une grande qualité de fabrication artisanale. Répondant aux changements de mode, ainsi qu’au goût victorien des ensembles de vêtements, les bijoutiers et artisans fabriquaient des pendentifs, des colliers, des broches, des boucles de ceinture, des pinces pour la cape et des peignes à cheveux qui étaient portés seuls. Les bijoux d’artisanat ont également tendance à privilégier les matériaux de faible valeur intrinsèque pouvant être utilisés pour leurs effets artistiques. Les métaux communs, les pierres semi-précieuses telles que les opales, les pierres de lune et les turquoises, les perles difformes, le verre et les coquillages, ainsi que l’abondante utilisation de l’émail vitrifié ont permis aux bijoutiers d’être créatifs et de fabriquer des objets abordables.

Les bijoux Art nouveau de France et de Belgique ont également apporté une contribution importante aux bijoux d’art. Porté par des clients fortunés et alphabétisés, y compris des courtisanes de la demimonde parisienne, des bijoux Art nouveau de René Lalique et Alphonse Mucha, s’inspirait de l’art, de la littérature et de la musique symbolistes, ainsi que de la renaissance des formes curvilignes et dramatiques de l’époque rococo. Comme le suggère Elyse Zorn Karlin, « le résultat fut des bijoux d’une beauté et d’une imagination stupéfiantes, sensuelles, sexuelles et séduisantes, et parfois même effrayantes. Ces bijoux étaient bien loin des dessins symétriques et quelque peu placides des bijoux Art & Crafts, que ressemblait beaucoup aux bijoux de la Renaissance.  » Lalique et d’autres joailliers de style Art nouveau mélangeaient assez souvent des métaux précieux et des pierres précieuses avec des matériaux peu coûteux, tout en privilégiant les techniques de l’émail plique-à-jour et du cabochon.

Parmi les autres centres importants de la production de bijoux d’art, il convient de citer le Wiener Werkstatte à Vienne, où les architectes Josef Hoffmann et Koloman Moser ont conçu des bijoux en argent et en pierres semi-précieuses, pouvant être portés avec des vêtements également créés par l’atelier. Le mouvement danois Skønvirke (travail esthétique), dont Georg Jensen est l’exemple le plus célèbre, privilégiait les pierres argentées et scandinaves, ainsi qu’une esthétique se situant quelque part entre les principes de l’art nouveau et ceux de l’art et de l’artisanat. La joaillerie d’art finlandaise se caractérise par une renaissance viking qui coïncide avec sa liberté politique sur la Suède en 1905, tandis que le modernisme espagnol suit l’initiative des bijoutiers art nouveau. La joaillerie d’art était également pratiquée en Italie, en Russie et aux Pays-Bas.

Aux États-Unis, les bijoux de bricolage étaient appréciés des amateurs, car contrairement à la céramique, aux meubles et aux textiles, ils ne nécessitaient qu’un investissement modeste en outils et pouvaient être réalisés en cuisine. Madeline Yale Wynne, une des premières joaillières de l’artisanat américain, a été autodidacte et a abordé ses bijoux comme une forme et une composition en mettant l’accent sur les qualités esthétiques plutôt que sur le savoir-faire, affirmant que « je considère chaque effort séparément en termes de couleur et de forme. autant que je peindrais un tableau « . Brainerd Bliss Thresher, un autre joaillier américain spécialisé dans l’artisanat, a utilisé des matériaux tels que le corne sculpté et l’améthyste pour leurs qualités esthétiques, à l’instar de René Lalique qui a mélangé des matériaux quotidiens et précieux dans ses bijoux. Comme le suggèrent Janet Koplos et Bruce Metcalf, alors que le mouvement britannique des arts et métiers cherchait à réunir l’art et le travail, de nombreux citoyens américains de la classe supérieure, comme Thresher, unissent les arts et les loisirs: « La pratique de l’artisanat en tant que loisir pourrait soulager la pression exercée par un travail difficile, une démonstration de son bon goût et de son style de vie, une manifestation polie de la politique progressiste ou une expression du pur plaisir de satisfaire son travail.  »

Les bijoux d’art sont tombés à la mode dans les années 1920 et 1930, éclipsés par l’art déco, ainsi que par la réaction du public à sa nature fonctionnelle et esthétiquement complexe (trop fragile et scandaleuse). Cependant, il marque une rupture significative avec ce qui était auparavant et a énoncé de nombreuses valeurs et attitudes pour les idéaux de l’art ou des bijoux de studio du vingtième siècle. Comme l’écrit Elyse Zorn Karlin, « Art jewelry accordait une importance particulière à la pensée novatrice et à l’expression créative, faite à la main. Ces bijoutiers ont été les premiers à utiliser des matériaux qui n’avaient pas la valeur intrinsèque attendue dans les bijoux et ils ont rejeté les goûts traditionnels des bijoux. Ils ont pensé leur travail en tant que poursuite artistique et le fait pour un public restreint qui partage leurs valeurs esthétiques et conceptuelles.  »

Bijoux moderniste
L’histoire des bijoux d’art est liée à l’émergence de bijoux modernistes dans les centres urbains des États-Unis dans les années 1940. Selon Toni Greenbaum, « à partir de 1940 environ, un mouvement de joaillerie révolutionnaire a vu le jour aux États-Unis, ce qui a été stimulé par les ravages de la Seconde Guerre mondiale, le traumatisme de la Shoah, la peur de la bombe, la des préjugés, de la stérilité de l’industrialisation et de la grossièreté du commercialisme « . Des bijouteries et des studios modernistes ont vu le jour à New York (Frank Rebajes, Paul Lobel, Bill Tendler, Art Smith, Sam Kramer et Jules Brenner à Greenwich Village; et Ed Wiener, Irena Brynner et Henry Steig au centre-ville de Manhattan) et la région de la baie. sur la côte ouest (Margaret De Patta, Peter Macchiarini, Joyeux Renk, Irena Brynner, Francis Sperisen et Bob Winston). Le public des bijoux modernistes était la frange intellectuelle libérale de la classe moyenne, qui soutenait également l’art moderne. L’historienne de l’art Blanche Blanche décrit l’attractivité de cette œuvre: « Vers 1947, je me suis rendu dans la boutique d’Ed Wiener et j’ai acheté une de ses épingles à spirale carrées en argent … car c’était magnifique, je pouvais me le permettre et cela m’identifiait au groupe de Mon choix – esthétique, enclin intellectuel et politiquement progressif. Cette épinglette (ou l’une de quelques autres similaires) était notre badge et nous le portions fièrement. Elle célébrait la main de l’artiste plutôt que la valeur marchande du matériau.  »

En 1946, le Museum of Modern Art de New York a organisé l’exposition Modern Handmade Jewelry, qui comprenait le travail de bijoutiers de studio tels que Margaret De Patta et Paul Lobel, ainsi que des bijoux d’artistes modernistes tels qu’Alexander Calder, Jacques Lipchitz et Richard Pousette-Dart. . Cette exposition a fait une tournée aux États-Unis et a été suivie d’une série d’expositions influentes au Walker Art Center de Minneapolis. Kelly L’Ecuyer suggère que « les bijoux de Calder étaient au centre de nombreuses expositions de musées et de galeries de cette période, et il continue à être considéré comme la figure dominante des bijoux contemporains américains ». Utilisant une construction froide et des techniques rudimentaires suggérant un esprit d’improvisation et de créativité, les bijoux de Calder partagent l’utilisation de la sculpture et des lignes utilisée par sa sculpture pour décrire l’espace, créant ainsi des bijoux qui bougent souvent avec le corps du porteur. Un lien étroit avec les mouvements artistiques est une caractéristique des bijoux artistiques américains de cette période. Alors que Calder manifestait un intérêt primitiviste pour l’art africain et grec ancien, Margaret De Patta fabriquait des bijoux constructivistes, manipulant la lumière, l’espace et la perception optique selon les leçons qu’elle avait apprises de László Moholy-Nagy au New Bauhaus de Chicago. Toni Greenbaum écrit: « Après son mentor, le peintre John Haley lui a montré le travail de Matisse et de Picasso, Bob Winston s’est exclamé: » C’est le genre de merde que je fais! « . Les matériaux des bijoux modernistes – des substances non précieuses organiques et inorganiques, ainsi que des objets trouvés – correspondent aux attitudes cubistes, futuristes et dadaïstes, tandis que les styles de bijoux modernes – surréalisme, primitivisme, biomorphisme et constructivisme – sont également des mouvements d’art raffiné. .

Bijoux d’art depuis 1960
Aux États-Unis, l’essor des bijoux d’après-guerre reposait sur l’idée que les techniques de fabrication des bijoux, censées renforcer les muscles des mains et des bras et favoriser la coordination œil-main, ont joué un rôle dans les programmes de physiothérapie destinés aux vétérans de la Seconde Guerre mondiale. Le War Veterans ‘Art Center du Museum of Modern Art, dirigé par Victor D’Amico, l’école d’artisan américain, et les ateliers dirigés par Margret Craver à New York, répondaient aux besoins des soldats américains de retour, tandis que le GI Bill of Rights a offert des cours gratuits aux anciens combattants, dont beaucoup ont étudié l’artisanat. Comme le suggère Kelly L’Ecuyer, « Outre la créativité individuelle, la prolifération de l’éducation et de la thérapie basées sur l’artisanat pour les soldats et les anciens combattants aux États-Unis pendant et après la guerre a stimulé tous les métiers de studio, en particulier la bijouterie et la fabrication de métaux. et les ressources privées consacrées aux programmes d’artisanat pour anciens combattants ont jeté les bases de structures éducatives plus durables et ont suscité un vif intérêt pour l’artisanat en tant que mode de vie créatif et épanouissant.  »

Au début des années 1960, les diplômés de ces programmes ne contestaient pas seulement les idées classiques en matière de bijoux, mais enseignaient à une nouvelle génération de joailliers américains de nouveaux programmes universitaires dans les domaines de la bijouterie et de la métallurgie. Les bijoux architectoniques ont été développés à peu près au même moment.

Dans les années 1960 et 1970, le gouvernement allemand et l’industrie des bijoux commerciaux ont encouragé et fortement soutenu les concepteurs de bijoux modernes, créant ainsi un nouveau marché. Ils ont combiné un design contemporain avec l’orfèvrerie traditionnelle et la fabrication de bijoux. Orfevre, la première galerie de bijoux d’art, a ouvert ses portes à Düsseldorf, en Allemagne, en 1965.

Des expositions
Aux États-Unis, très rapidement après la Seconde Guerre mondiale, l’acceptation de la joaillerie en tant qu’art a été encouragée par de grands musées tels que le Museum of Modern Art de New York et le Walker Art Center de Minneapolis, chacun d’entre eux présentant des expositions majeures de bijoux d’art. Années 1940 Le Musée des arts et du design, anciennement The American Craft Museum, a commencé sa collection en 1958 avec des pièces datant des années 1940. Parmi les autres musées dont les collections incluent des œuvres de créateurs de bijoux contemporains (américains), on peut citer le Cleveland Museum of Art, le Corning Museum of Glass, le Mint Museum of Craft & Design à Charlotte, Caroline du Nord, le Museum of Fine Arts, Boston, le Beaux-Arts, Houston et la galerie Renwick du musée Smithsonian.

Calder, Picasso, Man Ray, Meret Oppenheim, Dalí et Nevelson sont quelques-uns des artistes célèbres qui ont créé des bijoux d’art. Certains d’entre eux ont été représentés à la Sculpture to Wear Gallery à New York, qui a fermé ses portes en 1977.

La galerie Artwear de Robert Lee Morris a poursuivi ses efforts pour présenter les bijoux comme une forme d’art.

Vous trouverez une collection de bijoux d’art au Schmuckmuseum de Pforzheim, en Allemagne.

Liste des artistes bijoux
Répertoriés dans la décennie au cours de laquelle ils ont été reconnus:

Années 1930
Suzanne Belperron, France, 1900-1983

Années 1940
Margaret De Patta, États-Unis, 1903-1964
Art Smith, États-Unis, 1923-1982

Années 1950
Irena Brynner, États-Unis, 1917-2003
Claire Falkenstein, États-Unis, 1908–1998
Peter Macchiarini, États-Unis, 1909-2001

Années 1960
Gijs Bakker, Pays-Bas, 1942-
Kobi Bosshard, Suisse / Nouvelle-Zélande, 1939-
Stanley Lechtzin, États-Unis, 1936-
Charles Loloma, États-Unis, 1921–1991
Olaf Skoogfors, Suède, 1930-1975
J Fred Woell, États-Unis, 1936-2016

Années 1970
Arline Fisch, États-Unis, 1931-
William Claude Harper, États-Unis, 1944-
Mazlo, Liban 1949 – France
Robert Lee Morris, Allemagne 1947- États-Unis

Années 1980
Warwick Freeman, Nouvelle-Zélande, 1953-
Lisa Gralnick, États-Unis, 1953-
Bruce Metcalf, États-Unis, 1949-
Alan Preston, Nouvelle Zélande, 1941-
Bernhard Schobinger, Suisse, 1946

Années 1990
Andrea Cagnetti – Akelo, Italie, 1967
Karl Fritsch, Allemagne / Nouvelle-Zélande, 1963-
Linda MacNeil, États-Unis, 1954-
Lisa Walker, Nouvelle Zélande, 1967-
Areta Wilkinson, Nouvelle Zélande, 1969
Nancy Worden, États-Unis, 1954-
Karen Pontoppidan, Danemark

Années 2000
Rebecca Rose, États-Unis, 1980
Betony Vernon, États-Unis, 1968