Art d’appropriation

L’appropriation dans l’art consiste à utiliser des objets ou des images préexistants auxquels peu ou pas de transformation est appliquée. L’utilisation de l’appropriation a joué un rôle important dans l’histoire des arts (arts littéraires, visuels, musicaux et du spectacle). Dans les arts visuels, s’approprier les moyens d’adopter, d’emprunter, de recycler ou d’échantillonner de manière adéquate tous les aspects (ou la forme complète) de la culture visuelle créée par l’homme. Notons à cet égard les Readymades de Marcel Duchamp.

Le concept selon lequel le nouveau travail recontextualise tout ce qu’il emprunte pour créer le nouveau travail est inhérent à notre compréhension de l’appropriation. Dans la plupart des cas, la “chose” d’origine reste accessible comme l’original, sans changement.

Définition
L’appropriation a été définie comme “la prise en charge, dans une œuvre d’art, d’un objet réel ou même d’une œuvre d’art existante”. La Tate Gallery retrace la pratique du cubisme et du dadaïsme, mais se poursuit jusque dans le surréalisme des années 1940 et le pop art des années 1950. Il a retrouvé sa place dans les années 1980 avec les artistes Neo-Geo.

Les caractéristiques
Les œuvres par appropriation traitent généralement des caractéristiques abstraites des œuvres d’art et du marché de l’art lui-même. Par l’appropriation, ils problématisent des catégories fondamentales du monde de l’art telles que l’auteur, l’originalité, la créativité, la propriété intellectuelle, la signature, la valeur marchande, l’espace muséal (dit cube blanc), l’histoire, le sexe, le sujet, l’identité et la différence. Elle se concentre sur les paradoxes et les auto-contradictions et les rend visibles et esthétiquement tangibles.

Les stratégies individuelles des artistes individuels diffèrent considérablement, de sorte qu’un programme global uniforme n’est pas facile à identifier. De nombreux artistes assignés à Appropriation Art nient faire partie d’un “mouvement”. “Appropriation Art” n’est donc qu’une étiquette utilisée dans la critique d’art depuis le début des années 1980 et fait l’objet de nombreuses controverses.

Les techniques utilisées sont multiples. L’appropriation devient u. une. exploité avec peinture, photographie, art cinématographique, sculpture, collage, décollage, environnement, happenings, flux et performance.

Exemples
Au début des années 1970, Elaine Sturtevant a copié des œuvres de Robert Rauschenberg, Andy Warhol, Jasper Johns et Frank Stella, entre autres, en sérigraphie ou en couleur, c’est-à-dire aux techniques originales. On rapporte que certains des artistes qu’elle a copiés lui ont donné des conseils en matière de technologie. On dit que Andy Warhol lui a même donné ses tamis originaux. Sturtevant lui-même dit vouloir échapper à la tentation de l’originalité qui pèse sur tous les artistes en explorant cette catégorie avec les moyens de l’art.

Richard Pettibone a souvent copié Warhol et l’a vu dans les proportions suivantes: “Je suis un artisan avisé, il est un slob.” Des imitations de Pettibone ont été vendues aux enchères à propos de Sotheby’s.

Après une anecdote biographique, Mike Bidlo a fait une performance dans laquelle il a uriné sous le nom de Jackson Pollock, déguisé dans une cheminée à foyer ouvert. Pour ses expositions, il avait en série des œuvres d’art d’Andy Warhol ou de Constantin Brâncuşi. Il produit actuellement des milliers de dessins et de modèles de la fontaine prête à l’emploi de Marcel Duchamp. Le ready-made de Duchamp est considéré comme l’une des œuvres d’art les plus importantes des temps modernes. Le projet de Bidlo peut donc être compris à la fois comme un hommage à Duchamp et comme un traitement symbolique du conflit générationnel.

Louise Lawler a photographié des œuvres d’art dans les salons des collectionneurs d’art et dans des musées in situ, c’est-à-dire avec leurs environnements respectifs. Il montre dans quel contexte l’art est reçu et comment il est mis en scène dans des espaces.

Une série de photographies de Cindy Sherman sont les Portraits d’histoire, sur lesquelles elle est costumée et mise en scène selon Art Old Master. Elle entre temporairement dans les rôles historiques des femmes et des hommes. Sherman utilise souvent des costumes délibérément bâclés et un maquillage grossier, de sorte que la mise en scène reste reconnaissable dans l’image. The History Portraits peut être compris comme un commentaire de l’histoire de l’art, dans lequel les femmes ne servent généralement que de modèles, c’est-à-dire d’objets à la vue de peintres masculins; Dans le même temps, ils soulèvent également des questions sur la construction historique de l’identité, de la féminité et de la masculinité (voir Genre, autoportrait).

Sherrie Levine est devenue célèbre pour son appropriation des photographies de Walker Evans, qu’elle a photographiées à partir de livres illustrés et exposées sous son nom sous le titre After Walker Evans. En 2001, Michael Mandiberg a appliqué cette action à l’artiste: il a photographié les copies de Sherrie Levine et a présenté ses photos sous le titre After Sherrie Levine. Mandiberg n’était pas le seul représentant de la “deuxième génération” des appropriationnistes s’appropriant la première génération: Yasumasa Morimura s’est mis en scène après des photographies de Cindy Shermanon qu’elle a dépeintes dans divers déguisements et rôles (images de film). Puisque Sherman se glisse souvent dans des rôles masculins en tant que femme dans ses images, mais que Morimura apparaît comme un travesti, la confusion de l’identité de genre est même accrue.

Philosophie
Philosophiquement, les stratégies conceptuelles d’appropriation s’appliquent à la déconstruction, à la théorie des médias et à l’intertextualité. Des techniques artistiques telles que la citation, l’allusion, le travestissement, la parodie et le pastiche, généralement considérées comme des caractéristiques de l’art postmoderne, peuvent être trouvées dans les œuvres de l’appropriation artistique. Puisque de nombreuses stratégies d’appropriation de l’art sont orientées vers le système de l’art lui-même, on peut également parler de méta-art ou du système auto-réflexif du système de l’art (voir Théorie des systèmes). C’est l’un des mouvements artistiques qui explorent activement les conditions et les limites de l’art et peut forcer le système artistique à se redéfinir.

Droite
Une œuvre d’art d’appropriation peut également être protégée en termes de droit d’auteur, même si elle ressemble à une œuvre déjà existante d’un autre artiste dans tous ses détails. La réalisation créative protégeable consiste alors dans le développement du concept et de la stratégie indépendante du copieur. La fraude ou la tromperie ne sont pas destinés par les artistes. Cependant, tout comme l’échantillonnage ou la version de couverture, dans la musique, Appropriation Art se déplace dans des zones où le droit d’auteur est au travail. Cependant, comme on peut faire valoir que le processus de copie dans ce cas est un processus artistique original, il existe rarement des conflits de nature juridique. De plus, la valeur du modèle dans les arts visuels, contrairement aux produits médiatiques, est généralement liée à son existence matérielle, qui n’est pas affectée par une appropriation.

Selon le droit autrichien, les créations d’art d’appropriation doivent généralement être classées comme utilisations ultérieures libres conformément à l’article 5 (2) de la loi autrichienne sur le droit d’auteur, ou du moins une justification de la liberté d’art et d’expression est possible.

L’histoire
Au début du XXe siècle, Pablo Picasso et Georges Braque se sont approprié les objets d’un contexte non artistique dans leur travail. En 1912, Picasso a collé une toile à l’huile sur la toile. Les compositions suivantes, telles que Guitar, Newspaper, Glass and Bottle (1913), dans lesquelles Picasso utilisait des coupures de journaux pour créer des formes, ont été classées dans la catégorie du cubisme synthétique. Les deux artistes ont incorporé des aspects du “monde réel” dans leurs toiles, ouvrant la discussion sur la signification et la représentation artistique.

Marcel Duchamp a introduit le concept du ready-made dans lequel “les objets utilitaires produits industriellement … atteignent le statut d’art simplement par le processus de sélection et de présentation”. Duchamp avait déjà exploré cette idée en 1913, lorsqu’il avait monté un tabouret avec une roue de bicyclette, puis en 1915, lorsqu’il avait acheté une pelle à neige et l’avait inscrite avec humour «avant le bras cassé, Marcel Duchamp». En 1917, Duchamp avait officiellement readymade Intégré à l’exposition Society of Independent Artists sous le pseudonyme R. Mutt. Intitulée Fountain, elle consistait en un urinoir en porcelaine posé sur un socle et signé “R. Mutt 1917”. Cette œuvre, qui remettait directement en cause les perceptions traditionnelles des beaux-arts, de la propriété, de l’originalité et du plagiat, a par la suite été rejetée par le comité de l’exposition. Duchamp a publiquement défendu Fountain, affirmant “que M. Mutt lui-même ait ou non fait de la fontaine n’a aucune importance. Il l’a CHOISI. Il a pris un article de vie ordinaire, il l’a placé de sorte que sa signification utile disparaisse sous le nouveau titre et point de vue – et a créé une nouvelle pensée pour cet objet “.

Le mouvement dada (dont Duchamp est associé) a continué à s’approprier les objets du quotidien. Les œuvres de Dada présentaient une irrationalité délibérée et le rejet des normes artistiques en vigueur. Kurt Schwitters, qui a produit l’art en même temps que les dadaïstes, montre un sens similaire de l’étrange dans ses œuvres “merz”. Il les construisit à partir d’objets trouvés et ils prirent la forme de grandes constructions que les générations futures appelleraient des installations.

Les surréalistes, venus après le mouvement dada, ont également incorporé l’utilisation «d’objets trouvés» tels que L’objet de Méret Oppenheim (Déjeuner en fourrure) (1936). Ces objets ont pris un nouveau sens lorsqu’ils ont été combinés avec d’autres objets improbables et perturbants.

En 1938, Joseph Cornell produisit ce que l’on pourrait considérer comme la première œuvre d’appropriation cinématographique de son film Rose Hobart, coupé et reconstruit au hasard.

Dans les années 1950, Robert Rauschenberg utilisa ce qu’il appelait des “combinaisons”, combinant littéralement des objets tels que des pneus ou des lits, des peintures, des sérigraphies, des collages et des photographies. De même, Jasper Johns, travaillant en même temps que Rauschenberg, a incorporé des objets trouvés à son travail.

Le mouvement artistique Fluxus a également utilisé l’appropriation: ses membres ont fusionné différentes disciplines artistiques, notamment les arts visuels, la musique et la littérature. Tout au long des années 1960 et 1970, ils organisèrent des événements “d’action” et produisirent des œuvres sculpturales utilisant des matériaux non conventionnels.

Avec des artistes tels que Claes Oldenburg et Andy Warhol, il s’est approprié des images de l’art commercial et de la culture populaire ainsi que les techniques de ces industries. Souvent appelés «artistes pop», ils considéraient la culture populaire de masse comme la principale culture vernaculaire, partagée par tous, sans distinction d’éducation. Ces artistes sont pleinement impliqués dans les éphémères produits à partir de cette culture produite en série, embrassant le potentiel de développement et se distanciant de la preuve de la main de l’artiste.

En 1958, Bruce Conner a produit l’influent A Movie dans lequel il a recombiné des extraits de films existants. En 1958, Raphael Montanez Ortiz a produit Cowboy and Indian Film, une œuvre cinématographique d’appropriation fondamentale.

À la fin des années 1970, Dara Birnbaum travaillait avec appropriation pour produire des œuvres d’art féministes. En 1978-1979, elle a réalisé l’un des premiers crédits vidéo. Technologie / Transformation: Wonder Woman a utilisé des clips vidéo de la série télévisée Wonder Woman.

Le terme «art d’appropriation» était couramment utilisé dans les années 1980 avec des artistes tels que Sherrie Levine, qui parlaient de l’appropriation en tant que thème de l’art. Levine cite souvent des œuvres entières dans son propre travail, par exemple en photographiant des photographies de Walker Evans. Défiant les idées de l’originalité, attirant l’attention sur les relations entre le pouvoir, le genre et la créativité, le consumérisme et la valeur marchande, les sources sociales et les usages de l’art, Levine joue avec le thème du «presque pareil». Elaine Sturtevant (également connue simplement sous le nom de Sturtevant), d’autre part, a peint et présenté des répliques parfaites d’œuvres célèbres. Elle a reproduit les Fleurs d’Andy Warhol en 1965 à la Bianchini Gallery à New York. Elle s’est entraînée à reproduire la technique de l’artiste – à tel point que, quand Warhol a été interrogé à plusieurs reprises sur sa technique, il a déjà répondu: “Je ne sais pas. Demandez à Elaine.”

Au cours des années 1970 et 1980, Richard Prince a photographié à nouveau des publicités telles que des cigarettes Marlboro ou des clichés photographiques. Son travail prend des campagnes publicitaires anonymes et omniprésentes sur les panneaux d’affichage de cigarettes, rehausse le statut et concentre notre regard sur les images.

Les artistes en appropriation commentent tous les aspects de la culture et de la société. Joseph Kosuth s’est approprié des images pour aborder la philosophie et la théorie épistémologique. Jeff Koons, Barbara Kruger, Greg Colson et Malcolm Morley ont également collaboré à l’appropriation durant cette période.

Dans les années 1990, les artistes ont continué à produire des œuvres d’appropriation, les utilisant comme un moyen d’aborder des théories et des problèmes sociaux, plutôt que de se concentrer sur les œuvres elles-mêmes. Damian Loeb a utilisé le cinéma et le cinéma pour commenter des thèmes du simulacre et de la réalité. Christian Marclay, Deborah Kass, Damien Hirst [douteux – discuter] et Genco Gulan sont d’autres artistes de renom.

À l’ère numérique
Depuis les années 1990, l’exploitation des précurseurs historiques est aussi variée que le concept d’appropriation n’est pas clair. Une quantité de crédits sans précédent jusque-là imprègne non seulement le domaine des arts visuels, mais de tous les domaines culturels. La nouvelle génération d’appropriateurs se considère comme “un archéologue du temps présent”. Certains parlent de “postproduction”, basée sur des travaux préexistants, pour rééditer “le scénario de la culture”. L’annexion d’œuvres réalisées par des tiers ou de produits culturels disponibles suit essentiellement le concept d’utilisation. Les soi-disant “prosommateurs” – à la fois ceux qui consomment et produisent – parcourent les archives omniprésentes du monde numérique (plus rarement l’analogique), afin d’échantillonner les images, les mots et les sons toujours accessibles via ‘copie -Paste ‘ou’ glisser-déposer ‘pour’ bootleg ‘,’ mashup ‘ou’ remix ‘comme ils le souhaitent. Les crédits sont aujourd’hui devenus un phénomène quotidien.

Le nouveau “remix de génération” – qui a pris la scène non seulement des arts visuels, mais aussi de la musique, de la littérature, de la danse et du film – suscite bien sûr des débats extrêmement controversés. Les chercheurs en médias Lawrence Lessig ont inventé au début des années 2000 le terme de culture remix. D’un côté, les célébrateurs qui envisagent une nouvelle ère de moyens novateurs, utiles et divertissants pour l’art du 21e siècle numérisé et mondialisé. Les nouveaux appropriationnistes ne réaliseront pas seulement le dictum de Joseph Beuys selon lequel tout le monde est un artiste, mais aussi “construisent des sociétés libres”. En libérant enfin l’art des concepts traditionnels tels que l’aura, l’originalité et le génie, ils conduiront à de nouveaux termes de compréhension et de définition de l’art. Les observateurs plus critiques voient cela comme le point de départ d’un énorme problème. Si la création n’est basée que sur des processus insensés de recherche, de copie, de recombinaison et de manipulation de supports, concepts, formes, noms, etc. préexistants, la compréhension de l’art passera à une vision banalisée, simplifiée activité exigeante et régressive. Étant donné que l’art se limite aux références à des concepts et des formes préexistants, ils prévoient des produits recompilés et reconvertis à l’infini. Les sceptiques appellent cela une culture du recyclage avec une dépendance au passé

Certains disent que seuls les paresseux qui n’ont rien à dire se laissent inspirer par le passé de cette façon. D’autres craignent que cette nouvelle tendance à l’appropriation ne soit provoquée que par le désir de s’embellir avec une généalogie attrayante. Le terme «appropriationnisme» désigne la surproduction de reproductions, de reprises, de reconstitutions, de reconstitutions, de reconstitutions, de révisions, de reconstructions, etc. en copiant, imitant, répétant, citant, plagiant, simulant et adaptant des noms, des concepts et des formes préexistants. On discute de l’appropriation – en comparant les formes d’appropriation et les concepts du XXe siècle qui offrent de nouvelles représentations du savoir acquis – comme une sorte de “blocage”, renvoyant à l’accélération des opérations aléatoires et incontrôlables dans des sociétés occidentales très mobilisées et fluides régies de plus en plus par des formes abstraites de contrôle. L’accès illimité aux archives numériques de créations et aux technologies numériques facilement réalisables, ainsi que la priorité donnée aux idées neuves et aux processus créatifs par rapport à un chef-d’œuvre parfait conduit à une agitation hyperactive autour du passé au lieu de lancer de nouvelles expéditions dans un territoire inexploré qui pourrait visibilité aux fantômes oubliés et aux fantômes ignorés de nos mythes et idéologies communs.

Appropriation Cinéma
Dans le cinéma, le terme Appropriation Cinema est parfois utilisé (film de métrage). Ce sont des œuvres cinématiques qui reprennent et manipulent les métrages existants. Le réalisateur américain Gus Van Sant a tourné z. Par exemple, avec Psycho (1998), un remake du chef-d’œuvre d’Alfred Hitchcock, Psycho (1960), qui recrée régulièrement scène après scène. L’équipement et la mise en scène ont été légèrement modifiés que dans certaines scènes. Le film a fait face à de nombreuses attaques. Le public du cinéma ne l’a pas comprise comme une réalisation indépendante et donc comme superflue. Étant donné que le remake de films est un genre courant dans l’industrie du film, la situation est différente ici de celle de l’art. On peut aussi comprendre le film de van Sant comme une parodie de remakes ou de pastiche.

Le vidéaste britannique Douglas Gordon, qui a également projeté le film 24 heures sur 24 dans le cadre de son installation 24 Hour Psycho, était également responsable du projet psycho. Gordon conçoit son travail comme un jeu entre l’aura artistique du chef-d’œuvre et les interventions et manipulations individuelles que tout propriétaire de magnétoscope peut appliquer à un film, lorsqu’il veut s’immerger de manière méditative ou analytique dans des séquences d’images individuelles.

Théâtre d’appropriation
En 2010, le groupe de théâtre Shanzhai Institute a été fondé. Basé sur la tradition chinoise de copie et d’appropriation de Shanzhai, le groupe copie et reconstitue en détail des productions théâtrales historiques et existantes, seuls les acteurs et les acteurs étant reclassés. En 2016, la reconstitution du film “La Mouette” de Tchekhov, réalisé par Jürgen Gosch à partir de 2008, est prévue au Schauspiel de Leipzig.

Artistes utilisant l’appropriation
Les artistes suivants sont connus pour leur utilisation d’objets ou d’images préexistants auxquels peu ou pas de transformation leur a été appliquée:

AU DESSUS DE
Ai Kijima
Aleksandra Mir
Andy Warhol
Banksy
Barbara Kruger
Benjamin Edwards
Bern Porter
Bill Jones
Brian Dettmer
Burhan Dogancay
Christian Marshall
Cindy Sherman
Claes Oldenburg
Cornelia Sollfrank
Cory Arcangel
Craig Baldwin
Damian Loeb
Damien Hirst
David Salle
Deborah Kass
Dominique Mulhem
Douglas Gordon
Elaine Sturtevant
Eric Doeringer
Fatimah Tuggar
Felipe Jesus Consalvos
Genco Gulan
Idée générale
George Pusenkoff
Georges Braque
Gerhard Richter
Ghada Amer
Glenn Brown
Gordon Bennett
Graham Rawle
Graig Kreindler
Greg Colson
Hans Haacke
Hans-Peter Feldman
J. Tobias Anderson
Jake et Dinos Chapman
James Cauty
Jasper Johns
Jeff Koons
Joan Miró
Jodi
John Baldessari
John McHale
John Stezaker
Joseph Cornell
Joseph Kosuth
Joy Garnett
Karen Kilimnik
Kelley Walker
Kenneth Goldsmith
Kurt Schwitters
Lennie Lee
Leon Golub
Louise Lawler
Luc Tuymans
Luke Sullivan
Malcolm Morley
Marcel Duchamp
Marcus Harvey
Mark Divo
Marlene Dumas
Martin Arnold
Matthieu Laurette
Max Ernst
Meret Oppenheim
Michael Landy
Mike Bidlo
Mike Kelley
Miltos Manetas
Nancy Spero
Negativland
Nikki S. Lee
Norm Magnusson
PJ Crook
Pablo Picasso
Des gens comme nous
Peter Saville
Philip Taaffe
Pierre Bismuth
Pierre Huyghe
Affaire Reginald
Richard Prince
Rick Prelinger
Rob Scholte
Robert Longo
Robert Rauschenberg
Shepard Fairey
Sherrie Levine
Elaine Sturtevant
Système D-128
Ted Noten
Thomas Ruff
Tom Phillips
Vermibus
Vik Muniz
Vikky Alexander
Vivienne Westwood
Yasumasa Morimura

L’appropriation et le droit d’auteur
L’appropriation a entraîné des problèmes de droit d’auteur controversés quant à sa validité en vertu du droit d’auteur. Les États-Unis ont été particulièrement litigieux à cet égard. Un certain nombre d’exemples de jurisprudence ont été développés pour étudier la division entre œuvres transformatives et œuvres dérivées.

Andy Warhol a été poursuivi en justice par une série de poursuites de la part de photographes dont il s’est approprié le travail et l’a sérigraphié. Patricia Caulfield, l’une de ces photographes, avait pris une photo de fleurs pour une démonstration photographique dans un magazine de photographie. Sans sa permission, Warhol a recouvert les murs de la galerie new-yorkaise de Leo Castelli avec ses reproductions sérigraphiées de la photographie de Caulfield en 1964. Après avoir vu une affiche des reproductions non autorisées de Warhol dans une librairie, elle a poursuivi Warhol pour avoir violé ses droits en tant que titulaire du droit d’auteur, et Warhol a effectué un règlement en espèces à l’amiable.

D’autre part, les célèbres cannettes de soupe Campbell’s de Warhol sont généralement considérées comme ne portant pas atteinte à la marque de fabrique de la soupe, bien qu’elles soient clairement appropriées, car “le public avait peu de chances de voir le tableau sponsorisé par l’entreprise de fabrication de soupe ou représentant un produit concurrent Les peintures et les pots de conserve ne sont pas des produits en concurrence », selon l’avocat spécialiste des marques de commerce, Jérôme Gilson.

Jeff Koons a également été confronté à des problèmes de droit d’auteur en raison de son travail d’appropriation (voir Rogers v. Koons). Le photographe Art Rogers a intenté une poursuite contre Koons pour violation du droit d’auteur en 1989. L’œuvre de Koons, String of Puppies, reproduisait de manière sculptée la photographie en noir et blanc de Rogers figurant sur une carte de voeux achetée par l’aéroport que Koons avait achetée. Bien qu’il ait revendiqué un usage loyal et parodique dans sa défense, Koons a perdu l’affaire, en partie à cause de son énorme succès en tant qu’artiste et de la manière dont il a été décrit dans les médias. L’argument de la parodie a également échoué, la cour d’appel établissant une distinction entre créer une parodie de la société moderne en général et une parodie consacrée à une œuvre spécifique, trouvant la parodie d’une œuvre spécifique, en particulier d’une œuvre très obscure, trop faible pour justifier la utilisation équitable de l’original.

En octobre 2006, Koons a défendu avec succès une œuvre différente en revendiquant un “usage loyal”. Pour une commande de sept tableaux pour le Deutsche Guggenheim de Berlin, Koons s’est inspiré d’une partie de la photographie prise par Andrea Blanch intitulée Silk Sandals de Gucci et publiée dans le numéro du mois d’août du magazine Allure pour illustrer un article sur le maquillage métallisé. Koons a pris l’image des jambes et des sandales en diamant de cette photo (en omettant d’autres détails d’arrière-plan) et l’a utilisée dans son tableau Niagara, qui comprend également trois autres paires de jambes de femmes suspendues surréalistes au-dessus d’un paysage de tartes et de gâteaux.

Dans sa décision, le juge Louis L. Stanton, du tribunal de district américain, a conclu que Niagara était effectivement un “usage transformateur” de la photographie de Blanch. “L’utilisation de la peinture ne remplace ni ne duplique l’objectif de l’original”, écrit le juge, “mais l’utilise comme matière première d’une manière nouvelle pour créer de nouvelles informations, de nouvelles esthétiques et de nouvelles connaissances. pas artistiquement, est transformative. ”

Les détails de la photographie de Blanch utilisée par Koons ne sont que marginalement protégés par le droit d’auteur. Blanch n’a aucun droit sur les sandales Gucci, “peut-être l’élément le plus frappant de la photo”, a écrit le juge. Et sans les sandales, il ne reste plus qu’une représentation des jambes d’une femme – et cela a été perçu comme “pas assez original pour mériter une grande protection du droit d’auteur”.

En 2000, la sculpture Hymn de Damien Hirst (que Charles Saatchi avait achetée pour 1 million de livres sterling) a été exposée à Ant Noises dans la galerie Saatchi. Hirst a été poursuivi pour violation du droit d’auteur sur cette sculpture. Le sujet était un «ensemble d’anatomie pour jeunes scientifiques» appartenant à son fils Connor, dont 10 000 sont vendus chaque année par le fabricant de jouets Hull (Emms). Hirst a créé un agrandissement de la figurine Science Set de 20 pieds et six tonnes, modifiant radicalement la perception de l’objet. Hirst a versé une somme non divulguée à deux organisations caritatives, Children Nationwide et Toy Trust, dans le cadre d’un règlement à l’amiable. Le don de charité était inférieur à ce qu’Emms avait espéré. Hirst vendit trois autres exemplaires de sa sculpture pour des montants similaires au premier.

S’approprier un objet familier pour créer une œuvre d’art peut empêcher l’artiste de revendiquer le droit d’auteur. Jeff Koons a menacé de poursuivre une galerie sous copyright, affirmant que celle-ci avait violé ses droits de propriété en vendant des serre-livres en forme de chien ballon. Koons a abandonné cette réclamation après que la galerie eut déposé une requête en annulation déclaratoire en déclarant: “Comme pratiquement tous les clowns peuvent en témoigner, personne ne possède l’idée de fabriquer un chien ballon, et la forme créée en tordant un ballon en forme de chien fait partie du domaine public “.

En 2008, le photojournaliste Patrick Cariou a poursuivi en justice l’artiste Richard Prince, la Gagosian Gallery et les livres Rizzoli pour violation du droit d’auteur. Prince s’était approprié 40 photos de Rastafari prises par Cariou d’un livre, créant ainsi une série de peintures appelée Zone du canal. Prince a diversement modifié les photos, peignant des objets, des mains démesurées, des femmes nues et des torses masculins au-dessus des photographies, vendant par la suite des œuvres d’une valeur de plus de 10 millions de dollars. En mars 2011, un juge s’est prononcé en faveur de Cariou, mais Prince et Gargosian ont fait appel de plusieurs points. Trois juges de la Cour d’appel des États-Unis ont confirmé le droit d’appel. L’avocat de Prince a affirmé que “l’art de l’appropriation est une forme d’art moderne et post-moderne bien reconnue qui a contesté la façon dont les gens pensent de l’art, de la façon dont les gens pensent des objets, des images, des sons et de la culture” Le 24 avril 2013, la cour d’appel ont en grande partie renversé la décision initiale et décidé que bon nombre des peintures avaient suffisamment transformé les images originales et étaient donc un usage autorisé. Voir Cariou v. Prince.

En novembre 2010, Chuck Close a menacé d’intenter une action en justice contre l’artiste informatique Scott Blake pour avoir créé un filtre Photoshop permettant de créer des images à partir de peintures disséquées de Chuck Close. L’histoire a été rapportée pour la première fois par le magazine d’arts en ligne Hyperallergic, elle a été réimprimée en première page de Salon.com et s’est rapidement répandue sur le Web. Kembrew McLeod, auteur de plusieurs ouvrages sur l’échantillonnage et l’appropriation, a déclaré dans Wired que l’art de Scott Blake devrait relever de la doctrine de l’utilisation loyale.

En septembre 2014, la Cour d’appel américaine du septième circuit a mis en doute l’interprétation de la doctrine de l’utilisation équitable par le deuxième circuit dans l’affaire Cariou. Il convient de noter que le septième circuit a noté que l ‘”utilisation transformative” ne fait pas partie des quatre facteurs énumérés d’utilisation équitable, mais fait simplement partie du premier facteur d’utilisation équitable qui concerne le “but et le caractère” de l’utilisation. La critique du septième circuit corrobore l’argument selon lequel il existe une scission entre les tribunaux américains quant au rôle que la “transformativité” doit jouer dans toute enquête sur un usage loyal.

En 2013, Andrew Gilden et Timothy Greene ont publié un article de revue de droit dans The Law Review de l’Université de Chicago, disséquant les similitudes factuelles et les différences juridiques entre les affaires Cariou et Salinger v. Colting. privilège en grande partie réservé aux riches et aux célébrités “.