Les chambres Antoni Clavé jouxtent la salle de conférence et occupent le reste de l’espace sous la cour des orangers. Les chambres Antoni Clavé, au rez-de-chaussée, correspondent aux Pati dels Tarongers, au rez-de-chaussée, du nom du célèbre artiste catalan Antoni Clavé i Sanmartí (1913-2005), qui a été chargé de peindre une série de grandes pièces pour le espace.

qui a été vidé de la terre pour construire ces espaces à l’époque d’Enric Prat de la Riba (1912) sous la direction de Josep Puig i Cadafalch. Elles sont dédiées à Antoni Clavé, un important artiste catalan (1913-2005) qui a spécifiquement réalisé les peintures à grande échelle exposées, accompagnées d’une sélection d’œuvres particulièrement importantes, qui sont présentées avec une sélection de ses pièces antérieures et particulièrement importantes. .

Ils ont été installés au Palais en 1993. Ils forment le porche de l’Auditorium ou de la salle de conférence, complètent leur utilisation et donnent accès à la nouvelle salle de presse.

Biographie
Antoni Clavé (5 avril 1913 – 1er septembre 2005) était un maître peintre catalan, graveur, sculpteur, scénographe et costumier. Il a été nominé pour deux Oscars (meilleure direction artistique et meilleure conception de costumes) pour son travail sur le film de 1952 Hans Christian Andersen.

Clavé était l’un des artistes les plus connus et les plus célèbres d’Espagne. Son travail est passé d’un style baroque et ornemental à une esthétique pure et minimale. Dans ses dernières années, son travail est complètement abstrait, utilisant des lignes expressives et explorant les limites du collage, de l’objet objet, de l’ombrage, de la texture et de la couleur. Il a été formé à l’École des Beaux-Arts de Barcelone, où il a été enseigné par Angel Ferrant et Felix Mestres. Ses œuvres étant influencées par des artistes tels que Bonnard, Vuillard et Roualt. Il est surtout connu pour ses abstractions lyriques, des œuvres qui combinent peinture et collage.

Clavé a combattu dans l’armée républicaine pendant la guerre civile espagnole et a été dessinateur pour le gouvernement républicain. Il arrive en France en tant que réfugié en 1939 et se rend directement à Paris pour travailler comme illustrateur. Sa première exposition personnelle a eu lieu à la librairie Au sans Pareil, 37 avenue Kleber à Paris en 1940, où Max Ernst et d’autres personnalités du mouvement Dada ont eu leurs premières expositions dans les années 1920. En 1944, Clavé a rencontré Picasso et a commencé à créer des compositions de figures profondément influencées par le travail de Picasso, mettant en vedette des rois, des arlequins, des enfants et des natures mortes.

Ses créations théâtrales sont apparues sur les scènes de New York, Munich, Londres et Paris, ainsi que dans le film de 1952 Hans Christian Andersen. Ses œuvres comprennent des décors d’opéra, de théâtre et de ballet, notamment pour la compagnie de ballet de Roland Petit, Les Ballets des Champs Elysées (1945-1951) dont Los Caprichos (1946) Carmen (1949) et un ballet comique chorégraphié par Roland Petit appelé Deuil en 24 Heures. En 1951, il conçoit La maison de Bernarda Alba (la maison de Bernarda Alba) pour le metteur en scène Marcel Achard au Théâtre de l’Oeuvre à Paris, et en 1962, une production du Mariage de Figaro pour Maurice Sarrazin au Théatre de la cour de l’Archeveché à Aix-en-Provence.

En 1957, Clavé a commencé à concevoir des tapis et à partir de 1960, il a commencé à travailler sur des bas-reliefs sculpturaux, des assemblages et des sculptures totem-like de bois et de plomb modelé ou imprimé. Il a également utilisé des objets trouvés. En 1965, Clavé s’installe dans le sud de la France, près de Saint-Tropez.

Son travail est exposé dans de nombreux musées, notamment les musées des beaux-arts de San Francisco, le musée national de Serbie, le musée Patio Herreriano de Valladolid en Espagne, le musée Patio Herresriano, la Tate Gallery, Londres, le musée de Bellas Artes de Bilbao, le musée d’art moderne, Paris, Museo Nacional de Arte Reina Sofia Museo Arte Reina Sofia, Madrid, le Musée d’Art Moderne de Tokyo et le British Museum, Londres.

Tôt à Barcelone
En 1926, il a commencé ses études au siège de la Carrer Aribau à l’Escola Llotja. Il y aura Angel Ferrant comme professeur de sculpture et José Mongrell comme professeur de peinture. Certains de ses collègues étaient le peintre Emili Grau Sala et les sculpteurs Eduald Serra et Jordi Casals. L’une des premières toiles de Clavé est une copie d’un paysage de Mongrell, que Pierre Cabanne reproduit dans son travail monographique sur le peintre. Les premiers travaux de Clavé présentent alors les caractéristiques académiques de sa formation. En fait, Clavé a expliqué que dans son premier regard sur une œuvre de Matisse, il était flou.

C’est au début des années 1930 qu’il fait ses premiers contacts avec l’art d’avant-garde, grâce à son ami également le peintre Salvador Ortiga, qui connaît de première main l’art qui se faisait à Paris à cette époque, référence de la modernité . L’intérêt de Clavé pour la technique du collage et l’utilisation de matériaux peu orthodoxes dans le domaine de la peinture a alors surgi. En 1936, il a également visité une exposition de Picasso à Barcelone, qui a grandement influencé son travail.

En 1933, il a commencé sa carrière en tant qu’artiste de l’affiche de films. En travaillant à Can Tolosa, il a appris que CINAES, un distributeur de films et la plus importante société d’art de Barcelone, recherchait un affichiste qui illustrait de grands panneaux avec des films en première semaine après semaine à la porte de certains cinémas. qui faisaient partie de l’entreprise. Ses signes sont facilement reconnaissables, avec un style qui a des influences claires de cubisme, art-déco et surréalisme. Clavé n’a pas fait appel à la reproduction de l’image d’un acteur ou d’une image du film, mais a plutôt créé son propre style, caractérisé par la simplification des formes.

En 1936, avec le déclenchement de la guerre de Sécession, et lorsqu’il avait acquis une renommée d’artiste d’affiches, il fut appelé devant, il dut donc abandonner temporairement sa carrière artistique. Après le conflit, il s’est réfugié à Paris.

Paris et les décors de théâtre
Dans la capitale française, il a rencontré d’autres exilés, tels que Grau Sala, Martí Bas et Apel • les Fenosa, entre autres. Parallèlement au travail publicitaire, il réalise dans les années 1930 une œuvre essentiellement caricaturale, aux échos surréalistes et oniriques mais marquée par une grâce décorative nostalgique douce, un peu à la manière de son ami Grau Sala. Les premières années, cependant, vivent de petits ordres de circonstances. Jusqu’au milieu des années 1950, Clavé avait deux dédicaces principales: l’illustration de livres bibliophiles, dont Gargantua de Rabelais est le point culminant, et la décoration et la production de décors et de costumes. du théâtre et de la musique, avec lesquels il connaîtra un succès plus que remarquable. Il débute en 1946 avec le ballet Los Caprichos, inspiré des gravures de Goya, pour la compagnie des Champs-Elysées. Il convient également de noter la commande de Roland Petit pour le ballet Carmen, dont les décors continueront d’être utilisés jusqu’aux années 1990.

Il faut garder à l’esprit que la découverte du meilleur art des musées parisiens a été un grand choc pour lui, et sa première œuvre picturale a été influencée par Vuillard et surtout Pierre Bonnard.

En raison de sa résidence dans cette ville, il a rejoint la célèbre École de Paris avec d’autres artistes d’autres nationalités, mais aussi avec les Espagnols Pablo Picasso, Juan Gris, Joan Miró ou Antonio Saura, artistes avec lesquels il a partagé sa résidence en français capitale et plus que des tendances artistiques spécifiques.

En 1944, il rencontre personnellement Picasso, un fait qui le marque tout au long de sa vie, et c’est une amitié qui perdure jusqu’à la mort de l’artiste de Malaga. Depuis, il a abandonné le chemin qu’il avait commencé et a commencé à développer une œuvre avec un art très différent et moins classique.

Série Kings and Warriors
Tout en développant des décors de théâtre, Clavé a commencé à travailler sur des illustrations de Gargantúa, ce qui l’a amené à se familiariser avec l’iconographie médiévale, qu’il a développée dans sa célèbre série de guerriers, rois, reines et chevaliers, qu’au début ils étaient représentés dans un certain réalisme , mais qu’au fil du temps, l’abstraction dans l’évolution de son œuvre picturale gagnait du terrain. Les figures perdent précision et forme, laissant la place au trait et à une gamme personnelle de couleurs et de textures comme protagonistes principaux de ses œuvres. Cependant, la peinture de Clavé conservera toujours un élément figuratif qui servira à le structurer à partir de ses compositions.

En 1952, il participe au film Hans Christian Andersen (« Andersen Magnificent »), réalisé par Charles Vidor, chargé de réaliser les décors (avec Richard Day et Howard Bristol) et les costumes (avec Mary Willis et Barbara Karinska), le travail pour lequel elle a été nominée aux Oscars. Cependant, à partir de 1954, il abandonne la peinture et se consacre à la peinture.

Années 60
Dans les années 1960, l’hommage de « El Greco » de Domenikos Theotokopoulos a été honoré par l’artiste. À cette époque, vous pouvez clairement voir les influences des classiques et de la période baroque. Le thème du chevalier de la main à la poitrine revêt une importance particulière, qui est une référence, en particulier la main, qui sera répétée dans les futurs travaux de Clavé. A cette époque, elle se caractérise par le pas définitif vers l’abstraction dans son travail, où elle chevauche clairement la figure ou le thème choisi par l’artiste.

Années 70
Dans les années 1970, Clavé a poursuivi son évolution des formes et des couleurs, en utilisant une variété de techniques, comme le collage ou le « trompe-l’oeil », en en inventant même de nouvelles comme le « papier froissé » fruit d’une causalité technique dans l’utilisation des aérosols sur des papiers froissés et qu’il a utilisés de manière très personnelle, non seulement à cette époque, mais plus tard.

En 1978, le Musée national d’art moderne de Paris, devenu Centre Georges Pompidou, lui consacre la première rétrospective qui fait de Clavé l’un des artistes les plus prestigieux de sa génération.

Années 80
Les années 80 ont été marquées par la série « A Don Pablo » de Picasso, qui s’est inspirée des gravures picassiennes, ainsi que par les influences qu’il a reçues lors de deux grands voyages au Japon et à New York, où il distille les aspects qui ont le plus retenu l’attention de l’histoire. et la culture sociale de ces lieux. Antoni Clavé avec la médaille d’or de la Generalitat de Catalunya en 1984.

En outre, il a remporté le prix de la ville de Barcelone et du National Fine Arts Award. Il est également important de souligner la rétrospective présentée au Palau de la Virreina en 1989, et l’année suivante, une grande exposition anthologique au Palau Robert, tous deux à Barcelone. Déjà en 1990, la mairie de Barcelone a commandé un totem monumental d’acier et de béton pour commémorer le centenaire de l’Exposition universelle de 1988, qui est installé dans le parc de la Ciutadella.

Dernières années de vie
Ses œuvres des années 1990 et du début du siècle xxi sont connues pour recréer les textures dans l’abstrait avec une utilisation abondante de « papiers offensants » et d’autres thèmes utilisés dans les étapes précédentes.

La reconnaissance internationale de cet artiste est évidente dans la profusion de ses œuvres dans d’importantes collections, privées et publiques, dans différents pays du monde tels que la France, le Japon, les États-Unis, la Suisse et la Corée entre autres. En mars 2013, les célébrations du centenaire ont commencé par une exposition de peinture au musée Can Framis de la Fondation Vila Casas.

En 1993, les salles Antoni Clavé ont été inaugurées, au Palau de la Generalitat, où vous pourrez profiter d’une exposition permanente de l’œuvre de 1958 à 1993. Récemment, deux grandes expositions ont fait l’éloge de l’artiste insigne: la première, à La Pedrera de Barcelone en 1996, et la dernière, au Centro Cultural Conde Duque de Madrid en 1999. Enfin, après sa mort le 31 août 2005, la Fondation municipale Joan Abelló a organisé une grande exposition rétrospective en mars 2006, la première d’une entité publique après sa mort, pour louer encore une fois et mériter la figure d’Antoni Clavé. Dans cette rétrospective, l’héritage patrimonial que l’artiste nous a laissé à travers sa création plastique, a été apprécié, à la suite d’une lutte solo et silencieuse, mais qui a abouti à un travail exceptionnel d’esprit sincère, singulier et sensible, ouvert à toutes les inventions plastiques et au-delà de toutes les frontières, à la fois géographiques et temporelles.

Son style
Antoni Clavé a utilisé la peinture, la sculpture, le dessin, la gravure, les affiches, la céramique, les décors de théâtre, le collage ou l’illustration de livres, entre autres disciplines. Il a commencé un nouveau chemin, la lutte pour une langue unique et unique prenait forme. D’une part, il cherchait à réaliser la recherche, la simplification et la purification de la forme, d’autre part, il cherchait à franchir la frontière entre figuration et abstraction, éléments qui constituaient le cheval de bataille focalisé sur le problème de sa génération.

Installé à Paris, Clavé découvre l’impétuosité de Rouault et Soutine. De ses rencontres avec Rabelais naît l’idée de créer de grandes séries, un long métrage qui marquera son travail depuis de nombreuses années. Des séries de mannequins, rois, guerriers ou natures mortes sont les exemples les plus précieux et les plus remarquables de sa peinture. C’est le moment où naissent des œuvres comme celle-ci Le Roi, 1957, figures qui partent du dessin de la figure humaine, du visage, où se manifeste et extériorise la pensée, la sensibilité. C’est un moment où le référent figuratif est toujours essentiel dans la composition, bien qu’il soit progressivement synthétisé vers un trait beaucoup plus libre de gestes et libéré de manière préconçue pour un dialogue beaucoup plus expressif et suggestif. Dans cette section, l’imagination de Clavé n’a pas de limites, nous surprenant à chaque fois avec sa dotation créative. Dès les années 1950, leurs contours étaient simplifiés, tandis que le chromatisme se synthétisait dans la poursuite irréversible d’une ascèse dépouillée de l’explétif. Ainsi, dans ses années de maturité, son travail a évolué vers l’abstraction, suivant une ligne de débogage de schéma formel.

Palais de la Generalitat de Catalogne
Le Palau de la Generalitat, situé dans le quartier gothique de Barcelone, est l’un des rares bâtiments d’origine médiévale en Europe qui ont été conservés comme siège du gouvernement et pour la même institution pour laquelle il a été construit.

La maison d’origine, sur la Carrer Sant Honorat, a été acquise en 1400 et au XVe siècle elle a été agrandie et transformée en un nouveau palais gothique, l’œuvre de Marc Safont. Parmi les éléments les mieux conservés de cette période figurent la galerie gothique et la chapelle de Sant Jordi.

Au XVIe siècle, le Palau de la Generalitat se développe avec une nouvelle partie qui respecte le style gothique précédent comme la Cambra Daurada (chambre dorée) et les premiers Pati dels Tarongers (cour plantée d’orangers). Les changements les plus radicaux se sont produits avec l’extension vers la Plaça Sant Jaume (1597-1619): la façade principale actuelle a été inspirée par la Renaissance italienne, et il y a quatre colonnes doriques d’origine romaine datant du 2ème siècle.

Les derniers changements majeurs dans le bâtiment se sont produits à l’époque de la Mancomunitat de Catalunya, du Commonwealth catalan, (1914-1925): des éléments tels que l’escalier d’honneur et la statue équestre de Sant Jordi ont été ajoutés. À partir des années 1970, il convient de noter l’acquisition de plus d’une centaine d’œuvres d’art moderne, avant-gardiste et contemporain par des artistes tels que Montserrat Gudiol, Josep Maria Subirachs, Antoni Clavé, Joan Hernández Pizjuán et Antoni Tàpies.