Comme un nom pour la tendance dominante dans l’art abstrait du 20ème siècle, le «modernisme» est devenu largement répandu dans les années 1960. Il a été appliqué aux expressionnistes abstraits et à la peinture hard-edge contemporaine, la peinture de couleur et la sculpture abstraite. Critique américaine Clement Greenberg Son origine remonte à Manet comme initiateur d’une série d’innovations formelles, en particulier celles qui atténuèrent l’illusionnisme dans la peinture et le mimétisme dans la sculpture Reflétant l’ascendance économique et culturelle des Etats-Unis et l’énorme puissance de l’art new-yorkais marché, ce point de vue est devenu internationalement orthodoxe. Il a cependant été sujet à la subversion des artistes pop et minimalistes et aux critiques dévastatrices des artistes conceptuels, politiques et féministes et des commentateurs. Au début des années 1970, il a été déplacé comme un paradigme pour la plupart des artistes. dans de nombreux musées, galeries et systèmes éducatifs

Le modernisme américain, tout comme le mouvement moderniste en général, est une tendance de la pensée philosophique découlant des changements généralisés de la culture et de la société à l’ère de la modernité. Le modernisme américain est un mouvement artistique et culturel aux États-Unis. siècle, avec une période de base entre la Première Guerre mondiale et la Seconde Guerre mondiale Comme son homologue européen, le modernisme américain a découlé d’un rejet de la pensée des Lumières, cherchant à mieux représenter la réalité dans un nouveau monde plus industrialisé

De manière caractéristique, l’art moderniste a tendance à l’abstraction, est innovant, esthétique, futuriste et autoréférentiel. Il inclut l’art visuel, la littérature, la musique, le cinéma, le design, l’architecture et le style de vie. L’art ne devait pas seulement être traité dans les académies, théâtres ou salles de concert, mais être inclus dans la vie quotidienne et accessible à tous. De plus, les institutions culturelles se concentraient sur les beaux-arts et les savants. aux États-Unis pendant les années folles a donné naissance à un utopisme répandu, qui a influencé certains artistes modernistes, tandis que d’autres étaient sceptiques quant à l’adoption de la technologie. La victoire de la Première Guerre mondiale a confirmé le statut des États-Unis. confiance et un sentiment de sécurité Dans ce contexte, le modernisme américain a marqué le début de t distincte et autonome du goût européen en brisant les conventions artistiques qui avaient été façonnées après les traditions européennes jusque-là

Le modernisme américain a bénéficié de la diversité des cultures immigrées Les artistes ont été inspirés par les Africains, Caraïbes Cultures folkloriques asiatiques et européennes et ont intégré ces styles exotiques dans leurs œuvres

Le mouvement moderniste américain est un reflet de la vie américaine au XXe siècle Dans ce monde en pleine industrialisation et en rythme accéléré, il est facile à l’individu d’être englouti par l’immensité des choses; Les limites sociales dans la race, la classe, le sexe, la richesse et la religion sont toutes remises en question Comme la structure sociale est défiée par de nouvelles vues, les limites des normes traditionnelles et de la structure sociale se dissolvent et une perte d’identité est tout ce restes; traduire plus tard dans l’isolement, l’aliénation, et un sentiment général de séparation de toute sorte de « tout » L’unité d’un pays rallié à la guerre était en train de mourir, avec l’illusion des plaisanteries qu’il vendait à ses soldats et son peuple. , vulgaire et spirituellement vide

Le travailleur de classe moyenne tombe dans une position nettement imperceptible, un rouage beaucoup trop petit pour espérer trouver la reconnaissance dans une machine beaucoup plus grande. Les citoyens sont vaincus par leur propre futilité. Les rêves des jeunes se brisent avec l’échec et une déception désillusionnelle. les désillusionnés et les exclus deviennent plus focaux. La capacité de se définir soi-même par le travail acharné et l’ingéniosité, de créer sa propre vision de soi sans l’aide des moyens traditionnels devient un atout. Certains auteurs, comme Scott Fitzgerald, fausser de manière destructive les valeurs de privilège peuvent être

Histoire
De manière caractéristique, l’art moderniste a tendance à l’abstraction, est innovant, esthétique, futuriste et autoréférentiel. Il comprend l’art visuel, la littérature, la musique, le cinéma, le design, l’architecture ainsi que le style de vie. Il réagit contre l’historicisme, les conventions artistiques et l’institutionnalisation de l’art. L’art ne devait pas seulement être traité dans les académies, les théâtres ou les salles de concert, mais être inclus dans la vie quotidienne et accessible à tous. De plus, les institutions culturelles se concentraient sur les beaux-arts et les savants accordaient peu d’attention aux styles révolutionnaires du modernisme. Progrès économique et technologique dans le NOUS pendant les années folles a donné lieu à l’utopisme répandu, qui a influencé certains artistes modernistes, tandis que d’autres étaient sceptiques de l’adoption de la technologie. La victoire dans la Première Guerre mondiale a confirmé le statut de la NOUS en tant qu’acteur international et a donné aux gens de la confiance en soi et un sentiment de sécurité. Dans ce contexte, le modernisme américain a marqué le début de l’art américain en tant que distinct et autonome du goût européen, en brisant les conventions artistiques qui avaient été façonnées après les traditions européennes jusque-là.

Le modernisme américain a bénéficié de la diversité des cultures immigrées. Les artistes ont été inspirés par l’Afrique, Caraïbes , Les cultures folkloriques asiatiques et européennes et ont intégré ces styles exotiques dans leurs œuvres.

Le mouvement moderniste américain était un reflet de la vie américaine au 20ème siècle. Dans le monde en voie d’industrialisation rapide et le rythme accéléré de la vie, il était facile pour l’individu d’être englouti par l’immensité des choses, laissé errant, sans but. Les frontières sociales dans la race, la classe, le sexe, la richesse et la religion étaient contestées. Comme la structure sociale a été remise en question par de nouveaux points de vue, les limites des normes traditionnelles et de la structure sociale se sont dissoutes et une perte d’identité est restée, se traduisant finalement par l’isolement, l’aliénation et un sentiment général de séparation. L’unité d’un pays rallié à la guerre était en train de mourir, avec l’illusion des plaisanteries qu’elle vendait à ses soldats et à son peuple. Le monde était resté violent, vulgaire et spirituellement vide.

Le travailleur de classe moyenne est tombé dans une position nettement imperceptible, un rouage beaucoup trop petit pour espérer trouver la reconnaissance dans une machine beaucoup plus grande. Les citoyens étaient vaincus par leur propre futilité. Les rêves des jeunes se sont brisés avec l’échec et une déception désillusionnante dans la reconnaissance de la limite et de la perte. La vie des désillusionnés et des exclus est devenue plus focale. La capacité de se définir soi-même par le travail acharné et la débrouillardise, de créer sa propre vision de soi sans l’aide des moyens traditionnels, est devenue prisé. Certains auteurs l’ont approuvé, tandis que d’autres, comme F. Scott Fitzgerald, ont contesté à quel point les valeurs de privilège peuvent être attrayantes mais destructives.

Moderniste Amérique a dû trouver un terrain d’entente dans un monde qui n’est plus unifié dans la croyance. L’unité trouvée réside dans le terrain commun de la conscience partagée dans toute l’expérience humaine. L’importance de l’individu a été soulignée; la nature vraiment limitée de l’expérience humaine a formé un lien entre tous les ponts de race, de classe, de sexe, de richesse ou de religion. La société, de cette manière, a trouvé un sens partagé, même dans le désarroi.

Certains voient le modernisme dans la tradition de l’esthétisme du XIXe siècle et du mouvement «art pour l’art». Clement Greenberg soutient que l’art moderniste exclut «tout ce qui est en dehors d’elle-même». D’autres voient l’art moderniste, par exemple dans le blues et la musique de jazz, comme un moyen d’émotions et d’humeurs, et de nombreuses œuvres traitent de questions contemporaines, comme le féminisme et la vie urbaine. Certains artistes et théoriciens ont même ajouté une dimension politique au modernisme américain.

Le design et l’architecture modernistes américains ont permis aux gens de mener une vie moderne. La vie professionnelle et familiale a changé radicalement et rapidement en raison de la reprise économique des années 1920. dans le NOUS , la voiture est devenue populaire et abordable pour beaucoup, les loisirs et le divertissement ont pris de l’importance et le marché du travail s’est ouvert pour les femmes. Afin de rendre la vie plus efficace, les concepteurs et les architectes ont visé à la simplification du ménage.

La Grande Dépression de la fin des années 20 et des années 30 a désillusionné les gens sur la stabilité économique du pays et a érodé la pensée utopiste. L’épidémie et les terreurs de la Seconde Guerre mondiale ont provoqué d’autres changements dans la mentalité. La période d’après-guerre qui a suivi a été appelée Late Modernism. L’ère postmoderniste était généralement considérée comme caractéristique de l’art de la fin du 20ème siècle à partir des années 1980.

Icônes américaines dans l’esprit européen
Définition de «icône américaine»
Cette section se concentre sur les personnes et les objets qui représentent le modernisme américain. D’une manière générale, ces êtres humains célèbres et objets connus sont appelés icônes puisqu’en plus de rayonner une aura d’originalité et d’originalité (Wagner 2006: 121.), ils ont suscité l’intérêt du public à cette époque et ont eu un effet durable. influence sur les générations futures (voir tchèque 2006: 27-28). Ainsi, ils servent de points focaux pour la mémoire collective ou l’identité à l’heure actuelle (cf ibid.). Même certaines personnes dans L’Europe  les reconnaissent encore comme des symboles du modernisme américain.

La représentation médiale / publique pose la première pierre pour la création d’icônes. De cette manière, une certaine image d’une personne biologique ou d’un objet réel (signifiant) est produite et devient le signifié (voir Volkmann 2006: 94-96). La configuration émanée des signes aide à transformer le signifié en icône, s’il capte l’atmosphère d’une période / d’un pays particulier et est reconnu par les sociétés contemporaines comme par les générations futures.

La ville de New York
New York City est l’une des villes les plus emblématiques des États-Unis et l’une des principales villes mondiales grâce à ses importantes organisations commerciales, financières, commerciales et culturelles, telles que Wall Street, les Nations Unies, le Metropolitan Museum of Arts et les théâtres de Broadway avec leur éclairage électrique (en ce moment innovateur). Il est considéré comme le berceau de nombreux mouvements culturels américains, y compris la Renaissance de Harlem dans la littérature et l’expressionnisme abstrait dans l’art visuel.

La ville de New York est emblématique non seulement pour les Américains, mais aussi pour de nombreux Européens comme la ville du creuset où de nombreux groupes ethniques vivent, souvent dans des quartiers spécifiques, tels que quartier chinois , Petite Italie. Dans le modernisme américain, New York est devenu le premier arrêt pour les immigrants qui cherchent une vie meilleure. La population de la ville a explosé, 5 arrondissements ont été formés, le métro de New York a été inauguré et est devenu un symbole de progrès et d’innovation. La ville a vu la construction de gratte-ciel dans l’horizon.

« Prendre La ville de New York Skyline, par exemple, qui abîmait la Sierra artificielle à l’extrémité est du continent. Clairement, dans l’esprit des immigrés et des voyageurs de retour, dans l’iconographie des admen qui l’utilisent comme toile de fond pour le bourbon et les bagages d’avion qu’ils vendent, aux yeux des poètes et des stratégies militaires, c’est l’un des premiers symboles  » (Kouwenhoven 1998: 124). Manhattan Skyline et ses propriétés structurelles. Il est considéré comme un symbole du progrès américain et de la concurrence en hauteur, de la créativité de la structure, de l’avancement et de l’efficacité. Il est considéré comme une icône de «l’individualisme architectural» (voir ibidem 125). Le modèle de grillage typique des rues de la ville est une icône de la simplicité (voir ibid 127), tandis que la construction verticale en acier de nombreuses histoires est une icône du progrès et de l’innovation.

Charlie Chaplin
Charlie Chaplin est considéré comme une icône de film. Né en Londres et bien que pas un NOUS citoyen, il avait un fort sentiment d’appartenance à la société américaine. Chaplin est devenu célèbre après avoir joué dans son premier film, Making a Living, (1914). Comme un garçon de 10 ans « il a travaillé comme un mime sur le circuit de vaudeville britannique ». Le fait qu’il était autrefois très pauvre a inspiré la marque de commerce de Tramp. Il a créé une version déformée d’un costume de dîner formel (comme un symbole d’un homme adulte personnifié) combiné avec l’attitude d’un enfant innocent.

Il était le premier et le dernier responsable de tous les aspects de la réalisation de ses films. Il a lancé son propre studio de cinéma United Artists; était chargé de diriger, d’écrire, d’éditer, de produire et de diffuser les films dans lesquels il jouait. On dit qu’il a transformé l’industrie cinématographique en une forme d’art dans les premières décennies du 20ème siècle. C’est sa personnalité et son génie avec «grâce expressive», «inventivité sans fin» et créativité qui font de lui une icône américaine. Il préfère faire des films muets (il fait plus de 75 films muets) mettant en scène le jeu et l’intrigue. de l’action. Ses films les plus connus sont The Great Dictator (1940), Monsieur Verdoux (1947), Limelight (1952), The Kid (1921), La ruée vers l’or (1925), Le cirque (1928), City Lights (1931) et Modern Times (1936)

Il était si reconnaissable qu’un mouvement de « Chaplinitis » a été formé en 1920. Il y avait des chansons de Chaplin, des danses, des bandes dessinées, des poupées et des cocktails. Des poèmes ont été écrits sur lui et sa pantomime. La Beat Generation (des écrivains) en a fait l’une de ses icônes. Dans les années 80 IBM a pris le clochard pour le logo dans leurs publicités d’ordinateurs personnels

«Toutes les quelques semaines, à l’extérieur du cinéma, dans presque toutes les villes américaines, à la fin des années 1910, se dressait un petit clochard en carton grandeur nature, vêtu d’un pantalon large en lambeaux, d’un manteau et d’une veste incroyablement grands et usés des chaussures et un chapeau de derby cabossé portant l’inscription JE SUIS ICI AUJOURD’HUI « . « La silhouette attachante de son petit vagabond était instantanément reconnaissable dans le monde entier et a fait rire des millions de personnes.

Pendant l’ère de McCarthy il a été attaqué et condamné par certains pour les messages de plus en plus politisés de ses films; et il a été accusé d ‘ »activités anti-américaines » et d’être un sympathisant communiste présumé. Il a maintenu sa citoyenneté britannique, et après un voyage à Angleterre en 1952 et pendant de nombreuses années, il n’a pas été autorisé à réintégrer le NOUS Finalement, en 1972, il revient triomphalement et reçoit un Oscar honorifique. Il est aujourd’hui perçu comme une icône du cinéma américain en raison du charme et de l’éclat de ses films.

La Ford Modèle-T
Les icônes sont généralement capables de transmettre, d’une part, la conscience de la tradition et, d’autre part, la notion de progrès (voir www.ikonothek.de). À ce stade, il convient de mentionner quelques concepts de modernisme dans le NOUS Le sens de la contemporanéité prospective (Wilk 2006: 2), la croyance en la puissance et le potentiel de la machine et de la technologie industrielle (ibid.3) et l’accent mis sur le processus (Kouwenhoven 1998: 133-136). Tous ces aspects peuvent être associés à la Ford Model-T 1913. En utilisant des systèmes de chaîne de montage, Henry Ford et ses hommes ont appliqué des principes de processus continus (Strasser 1989: 6) pendant sa production. Ce qu’il convient de mentionner, dans ce contexte, c’est le fait que de nombreux immigrants non qualifiés ont été employés par l’usine Ford élargie afin de répondre à la demande croissante pour cette icône matérielle du modernisme américain sur le marché de masse émergent. En conséquence, la contribution des travailleurs étrangers a également souligné le mythe de The American Melting Pot (voir aussi: Meyer 1998).

Aujourd’hui, la Ford Model-T continue de représenter l’idée de processus et de mobilité. Par conséquent, bien que le modernisme vise à rejeter toute forme de tradition et d’histoire, il est intéressant de noter que cette icône transmet, dans une certaine mesure, un sens de la tradition.

Vie quotidienne et culture
Le mouvement moderniste a provoqué de grands changements dans les sociétés dans lesquelles il a eu lieu. Avec l’introduction des développements industriels, le peuple américain a commencé à apprécier les résultats de la nouvelle ère moderniste. La vie quotidienne et la culture sont les domaines qui reflètent le changement social dans les habitudes de la société. Les développements qui ont eu lieu avec le modernisme influencé les normes de vie des gens américains et a cédé la place à un nouveau style de vie.

L’utilisation répandue de l’électricité et la production de masse des appareils ménagers technologiques comme le réfrigérateur ont provoqué le changement des habitudes alimentaires des américains. L’utilisation d’aliments surgelés est devenue plus courante. Après la guerre, le NOUS le gouvernement a adopté de nouvelles lois concernant la nourriture. Donc, de nouveaux aliments sont sortis des kits de rationnement dans les magasins. «Les aliments autrefois fabriqués uniquement à des fins militaires ont été mis sur le marché civil». Les produits alimentaires congelés et séchés sont également devenus populaires après la guerre. Société nationale de recherche de Boston introduit un concentré de jus d’orange congelé appelé « tang ». La société est devenue Minute Maid, et, en 1950, un quart de Floride La culture d’orange allait dans les concentrés. Le produit congelé a rapidement dépassé le jus d’orange fraîchement pressé dans la plupart des foyers américains. Les repas congelés complets n’étaient pas loin derrière. Dans les années 1950, un Nebraska La société Swanson’s a présenté ses dîners télévisés avec beaucoup de succès.

Ces changements dans les habitudes alimentaires ont provoqué d’énormes changements dans les appareils électroménagers, les transports et l’agriculture. Depuis que les gens ont commencé à acheter les nouveaux produits, de nouveaux réfrigérateurs ont été rapidement développés avec de plus grands congélateurs. Les réfrigérateurs résistants aux chocs devaient être inventés et utilisés par les militaires avant que les produits congelés puissent être distribués et vendus partout dans le monde. Ces développements ont forcé les agriculteurs à changer ce qu’ils cultivaient et comment ils cultivaient leurs produits pour répondre aux nouvelles demandes des consommateurs.

Voici quelques-uns des aliments qui ont été produits et vendus dans les années 1940.

– Les bâtonnets de poisson congelés de Mme Paul
– Cheerios (première vente de Cheeri Oats, la première céréale d’avoine prête à manger) et Raisin Bran de Kellogg’s
– Riz minute
– Crème fouettée Reddi-Whip
– Nestles mélange de boissons en poudre rapide
– Mélanges de gâteaux emballés
– Bonbons M & Ms au chocolat, Patty à la menthe poivrée, Menthes Junior, Amande Joy, Boulettes de lait malté Whoppers, Jolly Rancher Candies
– Deep Dish Pizza (Pizzeria Uno, Chicago)

Avec le nombre croissant d’automobiles, les Américains ont commencé à sortir de chez eux et ont dîné dehors. Cependant, pendant la guerre, les gens conduisaient leurs voitures aussi peu que possible. Le gaz et les pneus étaient limités par le gouvernement. La production automobile a cessé car les usines devaient fabriquer des chars, des jeeps et d’autres véhicules militaires. Après la guerre, les familles se sont à nouveau regroupées dans des voitures, ce qui a entraîné la construction de nouvelles routes. Le nombre de ciné-parcs a augmenté immédiatement. Les drive-in sont devenus une partie de la vie sociale Amérique à la fin de 1940.

Le modernisme a montré ses effets presque dans tous les domaines. L’un des immenses développements consistait à fournir de l’électricité aux zones rurales. La REA, Rural Electrification Administration, a commencé dans les années 1930, cependant, il a fallu du temps pour construire des lignes électriques de miles dans les zones rurales. Tout au long des années 1940, la REA a continué à construire les lignes électriques.

L’électricité a changé la vie des familles agricoles, à partir du moment où elles se sont levées tôt le matin, en passant par les repas, les corvées et le travail jusqu’à ce qu’elles se couchent la nuit. L’électricité apportait de l’électricité pour que les lumières fonctionnent, lisent et coudent la nuit; l’alimentation d’appareils tels que les réfrigérateurs et les congélateurs pour préserver la nourriture; alimentation pour les petits appareils de cuisine tels que les mélangeurs et les mélangeurs; et l’alimentation pour d’autres dispositifs économisant le travail tels que les cuisinières électriques, les fers à repasser et les laveuses. L’électricité a apporté des changements qui ont rendu la vie plus sûre et meilleure – comme des lumières colorées au lieu de bougies dangereuses sur les arbres de Noël, des réfrigérateurs pour garder la nourriture fraîche et des ventilateurs électriques pour soulager une chaude journée d’été.

En 1930, seulement 13% des fermes avaient de l’électricité.
Au début des années 1940, seulement 33% des fermes avaient de l’électricité.
Localement dans York , Nebraska En septembre 1945, le district de Perennial Public Power avait jeté près de 250 milles de lignes électriques à plus de 500 clients.
En 1950, presque tous Nebraska les fermes étaient «branchées» et l’électricité remplaçait les lanternes au kérosène dans les maisons et les granges.
Des mesures cruciales ont été prises dans les dispositifs de communication et de médias comme l’invention de la radio et de la télévision.

La radio était le premier média de masse du pays, reliant le pays et mettant fin à l’isolement des habitants des zones rurales. La radio était si importante que le recensement de 1930 a demandé si le ménage avait une radio. La radio a fourni des divertissements gratuits (après l’achat de la radio) et des gens de pays connectés aux événements mondiaux. Walter Winchell et Lowell Thomas étaient des commentateurs de nouvelles populaires à la radio.

Les familles se sont moquées des comédiens Jack Benny, Fred Allen, George Burns et Gracie Allen, Amos et Andy, et Fibber McGee et Molly.
La radio présentait des feuilletons de jour.
Dans la soirée, les gens ont écouté le Lone Ranger, le Green Hornet, The Shadow et Jack Armstrong.
Les chanteurs Bing Crosby et les Mills Brothers, ainsi que l’orchestre de Guy Lombardo et le Grand Ole Opry étaient populaires.
Les familles ont écouté le baseball, encourageant des stars comme Lou Gehrig et Joe DiMaggio. Près de 40 millions de personnes ont écouté les courses de chevaux entre Seabiscuit et l’amiral de guerre Maryland .
Dans la couverture de nouvelles, le dirigeable allemand Hindenburg a pris feu en 1937 comme il a atterri dans New Jersey . Des milliers de personnes à travers le pays ont entendu Herb Morrison décrire la scène terrifiante sur la radio en direct, en disant « Oh l’humanité! »
Les premiers téléviseurs pratiques ont été présentés et vendus au public à l’Exposition universelle de 1939 à New York . Les décors étaient très chers et La ville de New York avait la seule station de diffusion. Lorsque la Seconde Guerre mondiale a commencé, toute la production commerciale de matériel de télévision a été interdite. La production des tubes à rayons cathodiques qui ont produit les images a été redirigée vers le radar et d’autres utilisations de guerre de haute technologie. Après la guerre, la télévision était quelque chose dont peu avaient entendu parler. Cela a changé rapidement. En 1945, un sondage demandait aux Américains: «Savez-vous ce qu’est la télévision? La plupart ne l’ont pas fait. Mais quatre ans plus tard, la plupart des Américains avaient entendu parler de la télévision et en voulaient un! Selon un sondage réalisé en 1950, avant d’avoir une télévision, les gens écoutaient la radio en moyenne près de cinq heures par jour. Neuf mois après avoir acheté une télévision, ils ont écouté la radio, mais seulement deux heures par jour. Ils regardaient la télévision pendant cinq heures par jour. Les téléviseurs des années 1940 ne ressemblaient pas aux téléviseurs d’aujourd’hui. La plupart avaient des écrans de 10 à 15 pouces de diagonale, à l’intérieur de grandes armoires lourdes. Et, bien sûr, les émissions de couleurs et les décors n’arrivèrent que beaucoup plus tard, en 1954.

le jazz
Au début du XXe siècle, le jazz a évolué à partir de la tradition du blues, mais a également incorporé de nombreux autres éléments musicaux et culturels. Dans Nouvelle Orléans , souvent considérés comme le berceau du jazz, les musiciens ont bénéficié de l’afflux d’influences coloniales espagnoles et françaises. Dans cette ville, un mélange culturel ethnique unique et des interdictions raciales plus lâches ont permis aux Afro-Américains d’avoir plus d’influence que dans d’autres régions du Sud. La guerre hispano-américaine a amené les soldats du Nord dans la région avec leurs bandes. La musique résultante a adopté des sons des nouveaux instruments de cuivres. Pendant la Grande Migration, le jazz s’est propagé Nouvelle Orléans à New York , Chicago et d’autres villes, incorporant de nouveaux sons en cours de route. Harlem , New York City, est devenu le nouveau centre de l’âge du jazz.

Arts visuels
Il n’y a pas de date unique pour le début de l’ère moderne Amérique , comme des dizaines de peintres étaient actifs au début du 20ème siècle. C’était l’époque où apparaissaient les premiers paysages cubistes, les natures mortes et les portraits; des couleurs vives entraient dans les palettes des peintres, et les premières peintures non objectives étaient exposées dans les galeries.

Féminisme
A partir du début du 19ème siècle, certaines femmes ont utilisé la doctrine de la féminité idéale pour éviter l’isolement de la sphère domestique. Dans les années 1830, les femmes défiaient ouvertement la sphère des femmes et exigeaient de plus grands droits politiques, économiques et sociaux. Ils ont formé des clubs de femmes et des sociétés bienveillantes partout aux États-Unis. La domination masculine sur l’arène publique n’était plus dans les limites acceptables pour beaucoup de ces femmes activistes de la classe moyenne. À partir de la Convention de Seneca Falls en 1848, les féministes américaines ont tenu des conventions nationales et nationales jusqu’au début du XXe siècle. Certaines porte-parole du mouvement féministe ont lié la cause féministe à l’amour libre et à la révolution sexuelle, qui étaient les sujets tabous de l’ère victorienne. Par conséquent, les féministes en Grande-Bretagne et aux États-Unis se sont concentrées sur les questions politiques et juridiques, le vote en particulier, et d’autres questions importantes concernant les rôles domestiques des femmes et l’organisation de la vie domestique en général. Finalement, après une lutte longue et dure qui comprenait des manifestations massives, parfois violentes, l’emprisonnement de nombreuses femmes, et même quelques morts, la bataille pour le suffrage des femmes a été gagnée. La loi sur le suffrage a été adoptée États Unis en 1920 pour les femmes qui étaient chefs de ménage ou épouses de ménages et en 1928 pour toutes les femmes adultes. (Les femmes afro-américaines n’ont pas été incluses, elles ont seulement reçu le droit de vote au sein du mouvement des droits civiques des années 1960.) L’Organisation nationale des femmes (NOW) a été fondée en 1966 par un groupe de féministes. Le plus grand groupe de défense des droits des femmes NOUS NOW visait à mettre fin à la discrimination sexuelle, en particulier sur le lieu de travail, au moyen de lobbying législatif, de contentieux et de manifestations publiques. Les années suivantes de la fin du 20ème siècle ont vu une grande expansion des droits des femmes dans tous les domaines de la société moderne. Les artistes modernistes avaient une attitude ambivalente vis-à-vis du féminisme: d’une part, ils optaient pour un traitement égal des hommes et des femmes en matière de droit, de franchise et de profession; d’un autre côté, ils avaient encore les insuffisances perçues des femmes en termes de biologie, de culture et de transcendance. Comme l’a proclamée la féministe radicale Emma Goldman, «la vraie libération ne commence ni aux urnes ni aux tribunaux [mais plutôt] dans l’âme d’une femme» .

Mode
En ce qui concerne la mode, on penserait généralement à s’habiller de styles ou de costumes. Bien sûr, le style vestimentaire est une catégorie très importante du mot « mode ». D’autre part, la «mode» a plus de sens et pourrait être expliquée et trouvée dans de nombreux autres domaines, tels que l’architecture, le type de corps, la danse et la musique, et même les formes de discours, etc.

Littérature
La littérature moderniste américaine était une tendance dominante dans la littérature américaine entre la Première Guerre mondiale et la Seconde Guerre mondiale. L’ère moderniste a mis en évidence l’innovation dans la forme et le langage de la poésie et de la prose, ainsi que de nombreux sujets contemporains, tels que les relations raciales, le genre et la condition humaine. Beaucoup de modernistes américains sont devenus expatriés L’Europe  pendant ce temps, devenant souvent des piliers du mouvement européen, comme ce fut le cas pour TS Eliot, Ezra Pound et Gertrude Stein. Ces écrivains étaient souvent connus comme la génération perdue.