Autel du pardon, la cathédrale métropolitaine de Mexico

Il est situé dans le trascoro, à l’avant de la nef centrale. Le retable a été réalisé par l’architecte espagnol Jerónimo de Balbás en 1735, étant l’une de ses œuvres les plus importantes. Il est baroque, fini en feuille d’or, représente la première utilisation du stipe dans les Amériques, dans lequel, les colonnes représentent le corps humain. Au début de 1967, un incendie dans la cathédrale a endommagé l’autel. Grâce à la restauration pratiquée, vous pourrez aujourd’hui admirer une grande œuvre d’art vice-royal.

On l’appelle ainsi car c’est derrière la porte du même nom. Bien qu’il existe deux autres légendes sur l’origine du nom, le premier déclare que les condamnés par l’Inquisition ont été emmenés à l’autel pour s’excuser avant leur exécution. Le second fait référence au peintre Simon Pereyns, auteur de nombreuses œuvres dans la cathédrale, qui aurait été accusé de blasphème et condamné à la prison, tandis qu’en prison, a peint une belle image de la Vierge Marie, donc son crime lui a été pardonné.

Sur cet autel se trouve l’image de Jésus-Christ crucifié en pâte de canne de maïs connue sous le nom de Seigneur du Poison. L’image remonte au XVIIIe siècle et se trouvait à l’origine dans la chapelle du séminaire Porta Coeli à Mexico, mais après avoir été fermée au culte public en 1935, elle a été transférée à la cathédrale métropolitaine. Sa fête est célébrée le 19 octobre.

Autel du pardon
Il est appelé l’autel du pardon dans les cathédrales espagnoles qui occupent le stockage et c’est pourquoi c’est devant la porte principale de l’église qui reçoit également le nom de la porte du pardon. Que les pénitenciers du Saint-Office soient entrés par cette porte pour se réconcilier avec l’église qui a magnanimement accordé leur pardon, après certaines cérémonies rituelles. Dans toutes les cathédrales espagnoles, il y a la porte appelée le pardon.

Cet autel ne peut être daté qu’après la fin de la cathédrale. Nous ne savons pas quelle était sa disposition au XVIIe siècle, mais seulement qu’elle a été publiée le 5 août 1650, comme le note Guijo dans son Journal (p. 136): «Ce jour-là (5 août 1650), ils ont célébré les frères de la confrérie de Notre-Dame du Pardon de l’autel de la cathédrale la fête des Neiges, qui était ce jour, et a créé une garantie, et renouvelé le pinceau de la Vierge et les toiles des douze apôtres, et ajouté les quatre évangélistes: c’était une fête très solennelle, qui a eu son début depuis l’année dernière de 1648, et l’église et la chapelle chapelle ont chanté la messe, et tous y ont assisté, et toutes les dépenses des renvoyés et payés par le conseil sont collectées auprès de l’environnement royal que chacun des frères donne chaque semaine, et ce jour ils élisent recteur, La date actuelle du XVIIIe siècle et, selon les chroniqueurs de la cathédrale, a été consacrée le 29 juin 1737. Selon les nouvelles traditionnelles, son les travaux sont dus au même architecte Jerónim o de Balbás qui a fait l’autel des rois et de l’ancien cyprès.

Trois œuvres d’art de premier ordre ornent ce retable. Sur la table de l’autel, couvrant le tabernacle, une peinture à l’huile avec une Sainte Face. Il est clairement signé par le peintre distingué Alonso López de Herrera, qui a prospéré au début du XVIIe siècle et a laissé une magnifique série d’œuvres qui font la fierté de notre peinture coloniale. Cela ne peut pas être considéré parmi les meilleures créations de son esprit, car il a dû suivre certaines indications précédentes qui donnent à sa peinture un aspect quelque peu conventionnel. Cependant, vous pouvez vous assurer qu’il vaut mieux que d’autres qui avec le même thème soient préservés du même architecte.

Le grand tableau qui orne le centre de l’autel représente la Vierge Marie avec l’enfant dans ses bras, quelques saints à ses côtés et des anges au sommet. Cette image a donné naissance à une légende profondément enracinée dans l’ère coloniale. On a dit qu’une telle peinture était l’œuvre d’un prisonnier qui avait obtenu sa liberté d’une manière extraordinaire, car ayant réussi à soudoyer son geôlier pour lui fournir des couleurs et des pinceaux, il a peint sur la même porte de sa cellule une image de la Vierge.

Lorsque les juges qui l’avaient condamné à la prison ont vu cette image très pieuse, ils ont décidé qu’un homme qui savait peindre des images avec des images d’une telle pureté, d’une telle ferveur religieuse, ne pouvait pas être coupable des crimes qui lui étaient imputés et qu’en conséquence, il devrait être libéré incontinent. Les historiens qui ont traité de cette question sont convaincus que ce tableau ne peut se référer à un autre peintre qu’à Simon Pereyns, qui a plus ou moins subi toutes les vicissitudes évoquées dans une telle légende.

Un peintre célèbre arrivé au Mexique en 1566 dans l’entourage du vice-roi Don Gastón de Peralta, deux ans plus tard, à cause de l’insouciance dans sa façon de parler ou plutôt à cause du manque de protection, puisque le vice-roi avait Il fut appelé à L’Espagne a été poursuivie pour des propos mal entendus et condamnée à peindre à ses frais une image de Notre-Dame de la Miséricorde pour l’ancienne cathédrale du Mexique. Je suppose que l’invocation de la peinture a changé et que Pereyns a vraiment peint cette image comme punition pour ses péchés naïfs.

Le fait que le tableau soit sur une table avec des clous de porte, comme tout spectateur peut l’observer, indique seulement qu’il n’y avait pas de table assez grande pour que l’accusé puisse exécuter sa peine et, ensuite, sur les vantaux d’une porte dont les clous étaient aplatis par la force d’un marteau et sur lequel un tissu a été placé, il a dû peindre son tableau.

Dans la partie supérieure, il y a un tableau qui représente Saint-Sébastien et qui, comme son partenaire ci-dessous, a fait l’objet d’une tradition ancienne. Selon elle, cette peinture est due à une femme extraordinaire nommée Sumaya, qui a enseigné l’art de la peinture au célèbre peintre Baltasar d’Echave Orio.

Toutes les traditions ont, à part la beauté qui les entoure, un fond de réalité. La réalité de cette légende est ce que nous donnons ensuite. Baltasar de Echave, né près de Zumaya à Guipúzcoa, au milieu du XVIe siècle, est arrivé au Mexique et, interagissant avec ses compatriotes, est entré dans l’atelier de Francisco Ibía, originaire de Zumaya, son propriétaire terrien, connu pour le lieu de sa naissance, dont il était un peintre prestigieux en Nouvelle-Espagne. Echave, doté de grandes facultés, étudie la peinture avec son compatriote et parvient à développer son art de façon extraordinaire.

Le Mexique, à cette époque, était une ville dans laquelle des artistes tels que des œuvres d’art d’Espagne, de Flandre, d’Italie. On peut dire qu’Echave s’est découvert et a fini par devenir obscurci jusqu’à ce que son maître Francisco de Zumaya soit oublié. Mais il avait une fille. Elle s’appelait Isabel: elle était très belle. Echave, comme les apprentis de nombreux autres peintres, ainsi que cet apprenti dont le nom était Diego Velásquez, a saisi la fille de son professeur Francisco Pacheco, est tombé amoureux et l’a épousée en 1582, sans être encore un peintre distingué. Echave a continué au travail, et tout comme Velasquez a complètement éclipsé Pacheco, il a laissé Zumaya à l’ombre. Ce sont la tradition et la recherche des critiques modernes qui ont tourné leur prestige vers cet artiste ignoré. La tradition dit que c’est Zumaya qui a appris à peindre Echave. Ce serait peut-être l’amour de Zumaya qui aurait fait apprendre à Echave la peinture, mais pas d’elle, mais de son père, Zumaya.

La peinture de Saint-Sébastien, difficilement étudiable par la hauteur à laquelle elle se trouve et par le verre haineux et inutile qui la recouvre, est, à l’heure actuelle, la légende dont nous avons parlé, la seule qui puisse être documentée de Francisco de Zumaya.4 Il convient de noter que dans l’ancienne cathédrale du Mexique, une confrérie de Saint-Sébastien fondée avant 1565. Pour cette confrérie, le tableau que nous avons étudié peut avoir été peint.

L’autel a été consacré le 19 juin 1737 et les chroniqueurs de la cathédrale supposent que c’est l’œuvre du même Jerónimo de Balbás qui a fait l’autel des rois et du soi-disant cyprès. Occupez le trascoro. Il se compose d’un premier corps formé de quatre stipes et d’un second sous la forme d’une vente aux enchères semi-circulaire avec des médaillons avec des saints en relief. Ils représentent San Cayetano, San Felipe de Neri, San Apolonio, San Dativo, San Saturnino, San Leandro, San Valentino, San Cándido, San Delfino et Ananías. Il y a aussi huit sculptures dans le même retable qui représentent San Rodrigo, San Félix, San Pedro Arbués et San Zenón; en outre, San Lorenzo, San Esteban, San Juan Nepomuceno et San Cayetano.

Détruisant l’harmonie de ce retable, un relief avec la Sainte Trinité entourée d’une rafale dorée fut placé sur la Vierge peinte par Pereyns. Aussi un autre symbole avec un tel éclat dans la partie supérieure. Les deux agrégats étaient l’œuvre du zèle ecclésiastique pieux, quoique indiscret, de Don Francisco Ontiveros, dont nous avons parlé.

Styles artistiques de la cathédrale
Le fait que la cathédrale de Mexico soit une authentique école des divers courants artistiques qui ont eu lieu pendant quatre siècles est impressionnant, et qui se reflétait à l’intérieur et à l’extérieur, étant donné que pendant sa construction, les différentes tendances, mouvements et écoles d’art de le domaine de l’architecture, de la peinture, de la sculpture, etc. qui, selon les différents constructeurs, a influencé leur construction.

Ainsi, nous parlons de 400 ans de culture artistique en utilisant toutes sortes de matériaux, tels que le bois, le métal, la tezonte, la pierre, le marbre, le stuc, et surtout la carrière qui est le matériau le plus répandu de la cathédrale, de cette façon nous parlons du gothique l’art, de la fin du XVe siècle jusqu’au néoclassique du XIXe siècle tant dans sa construction que dans ses retables, sculptures, colonnes, étagères, balustrades, voûtes, et nous pouvons affirmer que notre cathédrale a tous les styles qui sont nés, a grandi, mûri et finalement disparu au cours de sa construction et qui a logiquement influencé son usine, les seuls styles qui ne se trouvent pas sont les derniers, appelés génériquement « modernes » ou « modernistes » et surtout les « postmodernistes », pensant que la cathédrale termine son construction vers 1813

Art gothique
Le plus ancien des styles trouvés dans la cathédrale est le soi-disant «gothique», un terme inventé par les humanistes de la Renaissance pour mépriser «l’art des Goths», aujourd’hui les Français, et malgré les efforts pour changer le terme, celui-ci était déjà dans la mémoire des siècles.

L’art gothique est généralement divisé en trois étapes qui s’étendent du XIe siècle à la fin du XVe siècle. Dès la première période dite «gothique primitive» nous avons comme exemple la cathédrale Notre-Dame de Paris (a. 1163); à partir de la seconde qui est appelée «gothique complet», nous avons comme exemple la cathédrale de Chartres (a. 1250), et à partir de la troisième période, appelée «gothique tardif», nous avons comme exemple la chapelle royale du Collège de Cambridge (une . 1515).

En tant que caractéristiques caractéristiques de l’art gothique, nous avons l’utilisation de la forme ogivale (sous la forme d’une feuille); les nervures des voûtes et des colonnes et l’utilisation des rosaces (vitraux circulaires multicolores). Le gothique, comme tout art, reflète les valeurs de l’esprit de l’époque, ainsi, au Moyen Âge, il a privé une spiritualité dirigée « vers le haut », c’est-à-dire vers la hauteur où Dieu est, donc l’homme devrait « regarder vers la hauteurs « plus qu’aux réalités de la terre, d’ici les très hauts navires, les ogives des arcs, des navires et des vitraux qui finissent au point, et qui invitaient à aller vers le haut, où étaient les vraies valeurs.

Les intérieurs des cathédrales gothiques étaient plutôt sombres, comme s’ils invitaient à la méditation, à la prière et à l’intériorité. Le gothique est en train de disparaître vers le XVe siècle, et pourtant, la prodigieuse créativité de l’homme gothique, suscite encore aujourd’hui une profonde admiration, qui a certainement influencé non seulement en France, mais partout en Europe, y compris en Espagne, où l’art nous vient du gothique.

Lorsque la construction de la cathédrale de Mexico a commencé, le gothique était déjà dans ses dernières étapes, cédant la place à de nouvelles et différentes conceptions architecturales et artistiques en général, cependant, la cathédrale a également quelques touches gothiques comme les deux magnifiques voûtes de la sacristie transportées par les nervures gothiques et les sous-stalles, il en va de même pour les voûtes qui couvrent la salle capitulaire, jumelle de la sacristie et qui forment, avec l’abside d’aujourd’hui l’autel de los Reyes, les plus anciens bâtiments de la cathédrale, bien qu’il n’y ait pas de rosaces .

L’art Herreriano
Le prochain des styles architecturaux que nous trouvons dans la cathédrale est le soi-disant Herreriano qui, bien qu’il ne soit pas le suiveur immédiat du gothique, car il est suivi par le maniérisme dont la cathédrale n’a pas d’exemple, car il avait déjà terminé son temps quand la construction du bâtiment de la cathédrale commence.

Le herreriano est un style du nom de l’architecte Juan de Herrera qui doit ce style dont le meilleur exemple est l’Escorial (a. 1584) et dont le travail était sous les ordres du roi Felipe II (1552-1584), style dans lequel il a été promu Amérique espagnole.

Le herreriano a ses propres caractéristiques: sa monumentalité, sa sobriété, son élégance classique et son style sévère et large. Comme le gothique, le herreriano est également causé par la spiritualité de son temps qui porte l’idée d’une Église solidement fondée, de force et de grandeur, mais en même temps d’une grande sobriété, de sorte que les luxes et les ornements sont éliminés.

En vertu de ces concepts, le herreriano utilisera de grands espaces, dont les murs longs, solides et hauts, ne sont interrompus que par les grandes fenêtres carrées, avec un treillis, qui illuminent l’intérieur, de sorte que dans ce style, les vitraux multicolores ne sont pas utilisés.

L’idée est parfaitement exprimée par les éléments qui composent ce type architectural. Étant donc le herreriano le style qui est propre à l’Espagne et promu par le même roi Felipe II, rien d’étrange qu’il ait transmis son influence aux colonies espagnoles, et donc, notre cathédrale a le herreriano dans une large mesure.

En effet, les grands espaces des murs latéraux, à l’est et à l’ouest ainsi que les murs de l’abside, interrompus par les grandes fenêtres carrées qui illuminent l’intérieur des chapelles, donnent une imposante monumentalité vue de l’extérieur. Et à l’intérieur, à la fois la sacristie et la salle capitulaire, sont un exemple clair de la rigueur de Herrera avec une telle sévérité, que plus tard ses murs ont été recouverts de grandes peintures et retables

Art baroque
Entre le dernier stade gothique, à la fin du XVe siècle et le début du baroque à la fin du XVIe siècle, il y a eu une période qui a produit le maniérisme dans la première partie du XVIe siècle en Italie.

Le maniérisme était un mouvement esthétique qui reflétait la crise de l’art qui est apparue à cette période et se caractérise par un art turbulent, plein de contradictions, rare et exagéré avec des visions angoissantes du cauchemar et même diabolique, il est donc difficile de le définir avec précision.

L’architecture n’a pas reçu autant d’influence que la peinture et la sculpture, nous n’avons donc pas correctement d’exemples de ce style. En réaction au maniérisme, une nouvelle forme artistique émerge qui reçoit le nom de baroque, un terme d’origine vraiment incertain, car certains dérivent du terme italien « baroque » qui est le nom d’un syllogisme médiéval et d’autres de la langue portugaise « Baroque » qui en bijouterie signifie une perle irrégulière donc il en sera ainsi jusqu’au 19ème siècle quand on lui donnera une définition plus précise.

Le baroque dominé en termes généraux, de la fin du XVIe siècle au milieu du XVIIIe siècle et trois étapes bien définies peuvent être envisagées: le baroque primitif, le baroque complet et le baroque tardif. Le baroque est une exubérance mystique dans tous les ordres artistiques.

Le XVIe siècle fut l’une des périodes les plus prolifiques pour être un siècle de passage, de transition. Il y a une effervescence extraordinaire dans les domaines politique, économique, social, artistique et attachée à cela, la découverte du Nouveau Monde, transforme les relations internationales, l’art baroque est donc le reflet de cette ambiance répandue.

Dans le domaine religieux, les grands changements qui sont venus de la Réforme protestante et de la réaction de l’Église catholique, ont entraîné un changement dans tous les arts où le baroque se manifestait comme l’exubérant de la foi et la splendeur du culte catholique en architecture, sculpture, peinture, littérature et même musique, réaction baroque qui apparaît largement répandue dans toutes les régions catholiques, face au puritanisme et à la sobriété exagérée des protestants.

Ainsi, le mysticisme du baroque souligne l’optimisme, la vitalité et le triomphe de la foi catholique dans ses splendides ornements, ornements et, à cette époque, audacieuses conceptions artistiques. D’un autre côté, le baroque unifie trois des grands arts: l’architecture, la sculpture et la peinture, de sorte que la chose la plus importante dans le baroque n’est pas le détail, mais la vision globale, qui, encore aujourd’hui, incite ceux qui s’émerveillent à contempler la maîtrise de ce style.

Au Mexique, comme dans toute l’Amérique latine, l’inventivité audacieuse des architectes espagnols, associée à la profonde vision artistique des indigènes, a donné des visions nouvelles et surprenantes au baroque, en particulier au XVIIIe siècle, précisément quand en Europe le baroque s’est éteint. peu à peu, dégénérant en exagération du rococo, ou, comme dans d’autres cas, en prenant le style néoclassique.

De la splendeur du baroque à ses différentes étapes, la cathédrale métropolitaine de Mexico est l’un de ses exemples les plus clairs, car en effet, pendant le développement du baroque, ils sont sous son influence du début du baroque des façades avant, orientale et occidentale. pour atteindre son expression maximale à l’intérieur des chapelles avec ses retables extraordinaires, principalement l’autel des rois et la chapelle des anges, pour n’en nommer que quelques-uns, que nous verrons plus en détail dans les fichiers suivants.

L’art néoclassique
Le baroque dans sa dernière étape, a été assumé dans d’autres styles, y compris le néoclassique. Il s’agit d’un mouvement artistique né en Europe vers la seconde moitié du XVIIIe siècle (1750) et qui dure jusqu’à la fin du XIXe siècle. En fait, c’était une réaction au style exagéré de Rococo, héritier du baroque, d’une part, et d’autre part, était le résultat de la découverte à l’époque, de deux villes gréco-romaines: Pompéi et Herculanum, en L’Italie, dont l’art a influencé le mode dominant à cette époque.

Comme élément fondamental, le néoclassique a cherché à imiter les modèles architecturaux gréco-romains, principalement l’art dorique. Son mysticisme est basé sur un sens romantique des valeurs classiques et une spiritualité centrée sur le désir d’une époque héroïque grecque.

Le romantisme était la principale caractéristique de la littérature et de la musique au XIXe siècle, et a également influencé les arts tels que la peinture, la sculpture et l’architecture. Ce style est un art plutôt symbolique que créatif.

Dans le domaine de l’architecture, l’art néoclassique a fait son apparition en Espagne de Carlos III (1760-1788) et ses meilleurs exemples étaient la Puerta de Alcalá et le bâtiment extraordinaire qui abrite le musée du Prado, à Madrid.

Dans les pays d’Amérique latine, le néoclassique s’est davantage tourné vers les monuments doriques et a duré jusqu’au XXe siècle. La cathédrale de Mexico n’a pas échappé à l’influence du néoclassicisme, et bien qu’elle n’apparaisse pas de manière significative à l’extérieur de la cathédrale, car la plupart du bâtiment a été achevé, si cela apparaît dans certains changements qui ont été apportés à l’intérieur du Les chapelles, et dans certaines d’entre elles, où il y avait des retables baroques, ont été reconstruites, selon les canons dominants de l’époque et c’est précisément le style néoclassique qui règne, ainsi, les autels sculptés dans la carrière des chapelles de Notre-Dame des Dolores et la chapelle de M. del Buen Despacho, à l’ouest, et à l’est, les chapelles de Santa María la Antigua et Notre-Dame de Guadalupe, sont des exemples de l’influence néoclassique.

En conclusion, si quelqu’un voulait connaître les différents styles architecturaux les plus importants qui se sont produits au cours des XVIe, XVIIe, XVIIIe et XIXe siècles, rien de mieux que de prendre comme guide et exemple la cathédrale de Mexico, car ils étaient tous incarnés dans sa construction lorsque chacun des Maîtres Majeurs qui l’ont construit, fidèle à son époque, a uni, de manière merveilleuse, ce qui existait déjà, avec les nouveautés de l’art à l’époque qu’ils devaient vivre.

Il n’y a rien dans la cathédrale qui n’ait été assumé dans son ensemble, bien que les différents styles qui l’ont forgée puissent être distingués.

Cathédrale métropolitaine de Mexico
La cathédrale métropolitaine de l’Assomption de la Très Sainte Vierge Marie dans les cieux (en espagnol: Catedral Metropolitana de la Asunción de la Santísima Virgen María a los cielos) est le siège de l’archidiocèse catholique du Mexique. Il est situé au sommet de l’ancienne enceinte sacrée aztèque près du Templo Mayor, sur le côté nord de la Plaza de la Constitución (Zócalo) au centre-ville de Mexico. La cathédrale a été construite en sections de 1573 à 1813 autour de l’église d’origine qui a été construite peu de temps après la conquête espagnole de Tenochtitlan, pour finalement la remplacer entièrement. L’architecte espagnol Claudio de Arciniega a planifié la construction en s’inspirant des cathédrales gothiques d’Espagne.

En raison du temps qu’il a fallu pour le construire, un peu moins de 250 ans, pratiquement tous les principaux architectes, peintres, sculpteurs, maîtres doreurs et autres artistes plasticiens de la vice-royauté ont travaillé à un moment donné dans la construction de l’enceinte. Cette même condition, celle de sa longue période de construction, a permis d’y intégrer les différents styles architecturaux qui étaient en vigueur et en vogue dans ces siècles: gothique, baroque, churrigueresque, néoclassique, entre autres. La même situation a connu différents ornements, peintures, sculptures et meubles à l’intérieur.

Sa réalisation signifiait un point de cohésion sociale, car elle impliquait les mêmes autorités ecclésiastiques, les autorités gouvernementales, différentes confréries religieuses que de nombreuses générations de groupes sociaux de toutes les classes.

C’est également, en raison de l’influence de l’Église catholique sur la vie publique, que l’édifice a été étroitement lié à des événements d’importance historique pour les sociétés de la Nouvelle-Espagne et du Mexique indépendant. Pour n’en citer que quelques-uns, il y a le couronnement d’Agustín de Iturbide et d’Ana María Huarte en tant qu’empereurs du Mexique par le président du Congrès; la préservation des restes funéraires du monarque susmentionné; enterrement jusqu’en 1925 de plusieurs héros de l’indépendance tels que Miguel Hidalgo y Costilla et José María Morelos; les différends entre libéraux et conservateurs provoqués par la séparation de l’église et de l’État dans la Réforme; la fermeture du bâtiment à l’époque de la guerre de Cristero; les célébrations du bicentenaire de l’indépendance, entre autres.

La cathédrale fait face au sud. Les dimensions approximatives de cette église sont de 59 mètres (194 pieds) de large par 128 mètres (420 pieds) de long et une hauteur de 67 mètres (220 pieds) jusqu’au bout des tours. Il se compose de deux clochers, d’un dôme central, de trois portails principaux. Il a quatre façades qui contiennent des portails flanqués de colonnes et de statues. Il a cinq nefs composées de 51 voûtes, 74 arches et 40 colonnes. Les deux clochers contiennent un total de 25 cloches.

Le tabernacle, adjacent à la cathédrale, contient le baptistère et sert à enregistrer les paroissiens. Il y a cinq grands autels ornés, une sacristie, un choeur, une zone de choeur, un couloir et une salle capitulaire. Quatorze des seize chapelles de la cathédrale sont ouvertes au public. Chaque chapelle est dédiée à un saint ou à des saints différents, et chacune était parrainée par une guilde religieuse. Les chapelles contiennent des autels ornés, des retables, des retablos, des peintures, des meubles et des sculptures. La cathédrale abrite deux des plus grands orgues du XVIIIe siècle des Amériques. Il y a une crypte sous la cathédrale qui abrite les restes de nombreux anciens archevêques. La cathédrale compte environ 150 fenêtres.

Au fil des siècles, la cathédrale a subi des dommages. Un incendie en 1967 a détruit une partie importante de l’intérieur de la cathédrale. Les travaux de restauration qui ont suivi ont mis au jour un certain nombre de documents et d’œuvres d’art importants qui avaient été auparavant cachés. Bien qu’une fondation solide ait été construite pour la cathédrale, le sol d’argile molle sur lequel elle est construite a menacé son intégrité structurelle. La chute des nappes phréatiques et le naufrage accéléré ont fait que la structure a été ajoutée à la liste du Fonds mondial des monuments des 100 sites les plus menacés. Les travaux de restauration commencés dans les années 1990 ont stabilisé la cathédrale et elle a été retirée de la liste des espèces menacées en 2000.