Après l’utopie: revisiter l’idéal de l’art contemporain asiatique, Singapore Art Museum

En nommant son île fictive «Utopia», l’écrivain Thomas More a associé les mots grecs pour «bon endroit» et «pas d’endroit» – un rappel que la société idéalisée qu’il a créée était fondamentalement fantasmatique. Et pourtant, rechercher et aspirer l’utopie est une entreprise humaniste incessante. Fondés sur la possibilité et l’espoir, les principes et modèles utopiques de mondes meilleurs que les nôtres ont été constamment réinventés et continuent, au fil des siècles, à hanter notre conscience.

After Utopia, qui s’inspire en grande partie de la collection du Singapore Art Museum, ainsi que des collections d’artistes et de nouvelles commandes, cherche à savoir où se situent nos utopies et comment nous avons essayé de concrétiser les utopies auxquelles nous aspirions. Tour à tour, ces manifestations servent de miroirs à la fois à nos aspirations les plus profondes et à nos réalités contemporaines – ce sentiment rongeur que ce monde ne suffit pas.

Revisiter l’idéal de l’art contemporain asiatique
“After Utopia” cherche à savoir où nous avons situé nos utopies et comment nous avons essayé de concrétiser les utopies auxquelles nous aspirions. Tour à tour, ces manifestations servent de miroirs à la fois à nos aspirations les plus profondes et à nos réalités contemporaines – ce sentiment rongeur que ce monde ne suffit pas.

Nous avons traversé le lac (2009) de Ian Woo
La traversée d’un plan d’eau, comme l’indique le titre de l’œuvre, est souvent une métaphore du rite de passage, suggérant que l’on entre à présent dans les profondeurs inconnues de cet Eden enchevêtré et perdu depuis longtemps.

Ella Amo ‘Apasionadamente y Fue Correspondida (…) (2010) de Geraldine Javier
L’image de la femme dans le jardin est une puissante métaphore de la beauté, de la fertilité et de la chute. Ce potrait comprend également à la fois deux autres: un autoportrait de Javier projetant ses propres difficultés à négocier les complexités d’être à la fois artiste et femme et, plus obliquement encore, représentation d’Eve, la première femme du jardin, la mère primordiale à qui était promise la douleur.

La forêt parle (I) (2014) de Donna Ong
Projeté sur le mur comme une fenêtre donnant sur une vue. C’étaient les rêves d’antan: romance et promesse du nouveau monde pour lequel partirent des contrées lointaines.

Lettres de la forêt (II) (2015) de Donna Ong
Cela rappelle le bureau d’un gentilhomme de l’époque coloniale, avec tout un éventail d’objets attirants disséminés sur sa surface faisant allusion à des thèmes de voyage, de découverte et d’étude.

La boîte de Pandore (2013 – 2015) de Maryanto
L’industrie a ravagé un paysage jadis magnifique et il ne reste plus qu’une terre carbonisée et noircie, témoin de la rapacité de l’humanité.

Annexation (2009) de Jitish Kallat
La forme de la sculpture fait référence à l’humble réchaud à pétrole, source d’énergie et de lumière pour de nombreux habitants des zones rurales de l’Inde. Ici cependant, sa forme carbonisée, sa forme noircie faisant allusion à des déchets industriels et à une ressource épuisée, tandis que ses surfaces représentent une allégorie de la lutte quotidienne et constante pour la vie, annexée à une bobine mortelle de prédateurs et de proies.

Jurong West Street 81 (2008) de Shannon Lee Castleman
Tout en cherchant à rajeunir le sens du voisinage parmi les citadins, elle reflète simultanément une réalité dystopique: le tissu urbain encombré et comprimé du Singapour contemporain.

Bloc B (2012 – 2014) de Chris Chong Chan Fui
Les données démographiques et même les textures auditives du quartier reflètent le mélange multiculturel – le melting-pot proverbial – qui constitue la vie sociale dans la Malaisie moderne.

Cabinet (2008) de Gao Lei
Le charme surréaliste de ces tableaux témoigne du sentiment de perte ressenti par toute une génération de jeunes Chinois arrivés à l’ère de la mondialisation rapide et de l’urbanisation incontrôlée.

Air Pollution (2014) de Made Wianta
Une arabesque monumentale de tuyaux d’échappement de moto enchevêtrés est une déclaration sculpturale sur les problèmes environnementaux qui sévissent à Bali. Les contours formels de la sculpture évoquent les courbes ondulantes et la densité claustrophobe d’une forêt: voici l’Eden primordial disparu, ressuscité comme une jungle urbaine de matériaux industriels. Le développement rapide des centres urbains à travers le monde, où le développement des infrastructures ne parvient pas à suivre le rythme de la croissance démographique, a entraîné des topographies qui commencent lentement, mais sûrement, à rappeler les terrains cauchemardesques de la science fiction anti-utopique.

Sembawang (2013) de Tang Da Wu
L’installation mythifie l’histoire du Village de l’artiste et de son ancienne demeure, englobant les détails des principaux éléments topographiques avec les mythes et légendes qui les entourent.

Sembawang Phoenix (2013) de Tang Da Wu
Cette pièce, présentée à l’origine pour accompagner l’installation de Sembawang, est une image d’une espèce aviaire couramment appelée “oiseau tok-tok”. Les caractères chinois signifiant “le phénix des profondes cicatrices” et les miroirs en forme de losange sur lesquels la sculpture est perchée représentent les larmes de la créature, telle qu’elle émerge des cendres de sa renaissance, de sa renaissance.

Mewujudkan Angan (Réaliser des rêves) (2010 – 2011) de Yudi Sulistyo
Les machines volantes enracinées de l’artiste remettent en question notre désir de contrôler le ciel, ainsi que notre obsession contemporaine pour la technologie et notre recours à la technologie, révélant ces projections de puissance et d’ambition creuses et illusoires.

Sommet (2009) de Shen Shaomin
L’installation a été conçue comme une réponse à la crise financière de la fin des années 2000, à travers laquelle régnaient les prophéties de la fin du capitalisme et de l’effondrement de l’ordre mondial existant.

Publicité télévisée pour le communisme (2011 – 2012) de The Propeller Group (Tuan Andrew Nguyen, Phunam Thuc Ha et Matthew Charles Lucero)
En utilisant le langage visuel des médias de masse pour vendre un système qui a horreur de l’idée même de propriété privée, TVCC est une riche étude de subversion, faisant allusion aux contradictions et aux négociations qui existent aujourd’hui entre les deux principales idéologies politiques du monde. Dans les pays socialistes, la croyance officielle survit parallèlement à une économie de marché dynamique, ce qui crée un monde dans lequel ces opposés apparents commencent à se transformer lentement mais sûrement.

MA-NA-VA-REH – Amour, perte et pré-nupitaux en … (2012 – 2014) de Anurendra Jegadeva
L’analogie centrale relie deux formes de mariage: la première, les mariages entre les parents de l’artiste et, sur le plan symbolique, les manœuvres politiques et les compromis qui ont donné naissance à la Malaisie en tant que nation indépendante.

Mon Boulet (2011) de Svay Sareth
En 2011, l’artiste Svay Sareth a parcouru plus de six journées complètes de son domicile à Siem Reap pour se rendre à Phnom Penh. Il a traîné derrière lui une sphère de métal pesant 80 kg alors qu’il marchait. Le voyage qu’il a entrepris peut être perçu comme une tentative de surmonter un passé douloureux et un puissant témoignage muet des horreurs de la guerre et de ses effets sur la vie de tant de personnes prises entre deux feux.

Assis (2004) de Kamin Lertchaiprasert
L’œuvre comprend 366 figurines sculptées, chacune assise dans une posture méditative, leur nombre faisant référence au nombre total de jours dans une année (bissextile). Cette répétition méditative encourage une certaine immobilité et la recherche de soi, donnant ainsi lieu à la conscience de soi et à la paix lorsque l’on se réconcilie avec le monde.

Bomba (2011) de Kawayan De Guia
Une installation à grande échelle de bombes miroitantes et miroitantes rappelle le climat du temps présent: excès enivrant et hédonisme – et création – au milieu de violences et de destructions catastrophiques. À la fois envoûtant et menaçant, Bomba est une discothèque qui défie la mort, une fête téméraire pour la fin du monde.

Musée d’art de Singapour
Le Singapore Art Museum (SAM) se concentre sur les pratiques internationales en matière d’art contemporain et se spécialise à Singapour et en Asie du Sud-Est.

Installé dans une école de mission restaurée du XIXe siècle, le Singapore Art Museum a ouvert ses portes en 1996 en tant que premier musée d’art à Singapour. Également connu sous le nom de SAM, le musée est maintenant un musée d’art contemporain.

SAM a construit l’une des plus importantes collections publiques d’œuvres d’art contemporain de l’Asie du Sud-Est, avec une composante croissante de l’art contemporain international. SAM puise dans sa collection et collabore avec des musées internationaux d’art contemporain pour organiser et présenter des expositions d’art contemporain. L’art contemporain de la région bénéficie également d’une exposition internationale grâce au programme d’exposition itinérante et aux prêts de collection de SAM.