Perspective aérienne dans l’art

La perspective aérienne et la perspective atmosphérique sont la méthode avec laquelle on se sent le sens de la profondeur dans une peinture, pour imiter les effets de l’espace qui rend les objets plus pâles, bleus et brumeux ou moins distinctes à distance moyenne et lointaine.

La perspective aérienne, la perspective atmosphérique ou la vue d’apparence est une technique picturale qui consiste à marquer la profondeur de l’espace par la gradation progressive des couleurs et les contours adoucissants graduels. Elle s’applique presque exclusivement au paysage.

Certains courants artistiques ont estimé que la perspective aérienne se réduit exclusivement ou principalement à la perspective chromatique, qui est la prédominance des couleurs tirant vers le bleu au loin.

Léonard de Vinci
Le terme a été inventé par Léonard de Vinci, mais la technique peut avoir déjà été utilisée dans les anciennes peintures murales gréco-romaines de Pompéi. Il a été découvert que la poussière et l’humidité dans l’environnement provoquaient la dispersion de la luminosité; la lumière à courte longueur d’onde (bleu) étant plus diffusée et la lumière à longue longueur d’onde (roa) moins diffusée.

Les peintres italiens de l’époque de Léonard de Vinci ont utilisé la procédure; exploité au XVe siècle par des artistes d’Europe du Nord puis par Joseph Mallord William Turner.
Dans l’art, en particulier la peinture, la perspective aérienne fait référence à la technique de création d’une illusion de profondeur en décrivant des objets distants comme plus pâles, moins détaillés et généralement plus bleus que des objets proches.

Depuis la Haute Renaissance, les artistes ont utilisé la perspective aérienne et couleur en plus de la perspective centrale pour représenter l’espace de profondeur. Ils veulent refléter de manière crédible la réalité visible. Leonardo da Vinci reconnaît que le bleu et la pâleur lointains proviennent du milieu de l’air. Il est probablement le premier à décrire ce phénomène comme une perspective aérienne.

La perspective aérienne, dont les études ont été commencées principalement par Léonard de Vinci, est basée sur la découverte que l’air n’est pas un milieu complètement transparent, mais avec une distance croissante du point d’observation, les contours deviennent plus nuancés, incolores et moins clairs et leurs gamme tendant vers le bleu. Par conséquent, Leonardo dans sa peinture rend les objets avec des couleurs de plus en plus nuancées en fonction de leur distance, ce qui rend ceux du premier plan plus nets. En fait, Leonardo a tendance à distinguer davantage une “perspective aérienne” proprement dite, dans laquelle le dégradé est appliqué en fonction de la distance des objets représentés, d’une “perspective de couleur” qui théorise à la place le changement de couleur des choses en raison de leur distance.

De plus, selon les études d’optique de Leonardo, l’air est plus dense («un air plus épais que les autres») plus il est proche du sol, tandis qu’il devient plus transparent avec la hauteur. Ainsi, par-dessus tout, les éléments du paysage qui se développent en hauteur, comme les montagnes, apparaissent plus nets dans les parties supérieures.

“Par conséquent, vous, peintre, lorsque vous faites les montagnes, rendez toujours les basesses de colline en colline plus claires que les hauteurs, et ce que vous voulez faire plus loin les unes des autres, rendez la bassesse plus légère; et plus elle s’élève, plus il montrera la vérité de la forme et de la couleur “(manuscrit A, datant d’environ 1492, feuille 98 recto).

Parmi les œuvres souvent présentées comme exemples d’application de la perspective aérienne, il y a trois tableaux de la maturité de Léonard: la Joconde, l’Annonciation, la Vierge avec sainte Anne et l’enfant et la Vierge des rochers (Paris). Cette technique a également été utilisée par Piero della Francesca dans le paysage du Double portrait des ducs d’Urbino.

«De l’air qui montre plus clairement les racines des montagnes que leurs sommets.

Les sommets des montagnes s’avéreront de plus en plus sombres que leurs bases. Cela se produit parce que ces sommets montagneux pénètrent dans un air plus mince qui ne fait pas leurs bases, selon le deuxième du premier qui dit, que cette région de l’air sera d’autant plus transparente et mince, car plus éloignée de l’eau et de la terre; ainsi suivis, ces sommets montagneux qui y atteignent un air mince prouvent plus leur obscurité naturelle que ceux qui pénètrent dans l’air bas, qui, comme il est prouvé, est beaucoup plus grand.

Parce que plus les arbres sont éloignés à distance, plus ils s’illuminent.

De loin les arbres, plus ils sont éloignés de l’œil, plus ils sont clairs, car les derniers sont la clarté de l’air à l’horizon. Cela provient de l’air interposé entre eux les arbres et l’œil, qui étant de qualité blanche, autant qu’il intervient, d’une blancheur beaucoup plus grande les occupe des arbres, qui pour participer en eux-mêmes de couleur foncée, la blancheur de cet air interposé rend le les parties sombres plus bleues que leurs parties illuminées. ”

Peinture en perspective aérienne
Les aquarelles du deuxième voyage d’Albrecht Dürer en Italie témoignent de la confiance de l’artiste dans l’impression visuelle. Il peint des montagnes lointaines en bleu clair, bien qu’en vérité (c’est-à-dire à proximité) elles aient les couleurs de la forêt, de la pierre ou de la neige.

Les peintres baroques hollandais en particulier classent constamment leurs paysages du chaud au froid. Ils utilisent du brun chaud, du rouge et du jaune au premier plan, un bleu acier froid à l’arrière-plan et des dégradés verts au milieu entre les deux.

Les peintres romantiques opposent la sensation et l’expérience intériorisée de la nature à la sobriété et à la rigueur du classicisme. Ils se tournent de plus en plus vers la peinture de paysage. La perspective aérienne joue un rôle majeur dans la représentation du sentiment de solitude et du désir de distance.

Depuis la Renaissance, la perspective aérienne, couleur et centrale est restée incontestée jusqu’à l’impressionnisme. Depuis lors, les artistes ont également utilisé des perspectives multi-perspectives et perspectives.

Perspective aérienne
Professeur de peinture de paysage à la fin du XVIIIe siècle, PH Valenciennes baisse le rendu de l’espace ou de la perspective, la perspective linéaire, qui détermine les lignes et la perspective aérienne, qui détermine la couleur. Il suit une coutume bien établie depuis Girard Desargues, qui avait ainsi divisé son traité de 1648. En 1732, Le Dictionnaire de Thomas Corneille résume: “En plus de la perspective linéaire ou linéaire qui enseigne, comme nous l’avons dit, les lignes inférieures, les peintres observer la perspective aérienne, qui consiste à réduire les teintes et les couleurs, en fonction de la distance plus ou moins éloignée des objets “.

La perspective de l’apparence a été redécouverte à différents moments, les fresques de Pompéi montrent qu’elles étaient utilisées dans l’Antiquité.

Au XIXe siècle, les artistes de l’école de Barbizon et des courants suivants intéressés par les paysages et les effets d’éclairage pratiquent avec diligence la perspective aérienne. Dans le même temps, l’effet de la distance sur les formes et les couleurs a fait l’objet d’une enquête scientifique. En 1791, Watelet considère que la perspective aérienne “n’est pas soumise à des principes rigoureusement démontrés” et que “c’est avant tout par l’observation que l’artiste apprendra les lois de la perspective aérienne”. La primauté de l’observation humaine reste une base de l’art, siècle, von Brücke et Helmholtz abordent le sujet d’un point de vue scientifique dans les Principes Scientifiques des Beaux-Arts. Plusieurs autres scientifiques comme Rayleigh fourniront des études scientifiques sur la diffusion de la lumière dans l’atmosphère, responsable de la couleur du ciel.

Un artiste peut appliquer une perspective à la fois linéaire et aérienne à la même peinture, ainsi qu’en utilisant l’un ou l’autre. Les peintres français du XVIIIe siècle, comme les peintres chinois classiques, étaient très attentifs à la perspective aérienne.

Perspective chromatique
Pour certains enseignements artistiques, la distance est marquée par des couleurs bleutées. Dans de nombreux tableaux comme La Vierge des rochers ou La Joconde, Léonard de Vinci peint le lointain plus bleu que les plans rapprochés.

Goethe déclare: «Il est certain que la perspective atmosphérique dépend de la doctrine des environnements troublés. Le ciel et les objets éloignés, les ombres proches nous semblent bleus; les objets brillants et resplendissants nous offrent des nuances qui peuvent varier du jaune au rouge pourpre; dans de nombreux cas, les couleurs sont telles pour nos yeux, qu’un paysage incolore, grâce aux conditions bien observées du clair et de l’obscur, peut nous apparaître fortement coloré “. C’est ce que conteste Valenciennes:” Il n’y a pas, sur les objets de la Nature, de couleur fugace, ni qui avance plus qu’un autre, si ce n’est celui qui participe le plus à la couleur aérienne (…) Reste un objet dont la couleur est rouge, placé à une très grande distance de notre œil, à cette distance, malgré sa couleur forte et décidée: en vérité, cette couleur est extrêmement affaiblie par l’interposition des vapeurs terrestres qui se trouvent entre cet objet et notre œil, et qui établissent une très grande différence entre cette couleur et la même qui serait placée sur le devant de l’image. C’est en faisant plus ou moins sentir cette vapeur, que nous avançons ou rétractons l’objet ».

Il n’en demeure pas moins que la psychologie expérimentale reconnaît les couleurs saillantes et éphémères. Si un disque coloré est placé sur un fond gris, le sujet l’identifie comme un point sur le fond, s’il est rouge ou rose, mais comme un trou vers un autre fond, s’il est bleu. Il y a une certaine habileté pour l’artiste à utiliser cet effet, peignant en bleu les creux et les lointains. L’art moderne, après Cézanne, fera de cette propriété une base de composition, allant de la modélisation à la modulation.

Annexes
La perspective aérienne et la perspective atmosphérique sont interchangeables, le premier étant plus fréquemment dans la source du 17ème siècle, tandis que certains auteurs comme le savant Hermann von Helmholtz préfèrent le second attesté seulement au 19ème siècle. L’expression légèrement plus lourde a l’avantage d’éviter toute ambiguïté. A la fin du XVIIIe siècle, les processus de perspective linéaire sont enseignés pour peindre des tableaux verticaux. Les principes sont les mêmes, mais les méthodes diffèrent pour les plafonds peints. Ces derniers représentent souvent des créatures célestes, spirituelles ou divines. La perspective aérienne n’a rien à voir avec ces êtres aériens.

La perspective chromatique est la partie du sujet qui concerne l’affaiblissement des couleurs et le bleu dominant des fonds, à l’exclusion de la diminution du contraste et de la confusion des contours: “La perspective aérienne est composée de la perspective du clair-foncé, et perspective ou couleurs chromatiques “.