Action painting

peinture à l’action, parfois appelée « abstraction gestuelle », est un style de peinture où la peinture est spontanément dribblé, éclaboussé ou tachées sur la toile, au lieu d’être appliqué avec soin. Le travail résultant souligne souvent l’acte physique de peindre lui-même comme un aspect essentiel du travail fini ou préoccupation de son artiste.

Il est essentiel de comprendre ce mouvement, aussi comprendre dans quel contexte historique, il a été atteint. Un produit de l’insurrection artistique d’après-guerre, il a développé à une époque où la mécanique quantique et la psychanalyse ont commencé à se développer et changer toute la compréhension du monde et de la conscience de soi de la civilisation occidentale.

L’art antérieur de Kandinsky et Mondrian avait essayé de se détourner de dépeignant des objets et au lieu essayé de pincer et taquiner les émotions du spectateur. Art Action approprié cette tentative et a développé, en utilisant les idées de Freud sur l’inconscient comme fondement principal. Les peintures de l’action Les artistes ne veulent pas représenter un objet quelconque et n’ont pas été créé pour stimuler l’émotion. Au contraire, ils ont été créés pour toucher des observateurs au plus profond de leur subconscient. Il a été créé par l’artiste en peignant « inconsciemment »

Contexte
Le style était très répandu des années 1940 jusqu’au début des années 1960, et est étroitement associée à l’expressionnisme abstrait (certains critiques ont utilisé les termes « action painting » et « expressionnisme abstrait » de façon interchangeable). Une comparaison est souvent faite entre la peinture à l’action américaine et le tachisme français.

Le terme a été inventé par le critique américain Harold Rosenberg en 1952, dans son essai « Les peintres américains d’action », et a marqué un changement majeur dans la perspective esthétique New York Écolepeintres et critiques. SelonRosenberg la toile était « une arène où agir ». Alors que expressionnistes abstraits tels que Jackson Pollock, Franz Kline et Willem de Kooning avaient longtemps été ouvertement leur point de vue d’un tableau comme une arène au sein de laquelle se réconcilier avec l’acte de création, les critiques antérieures sympathiques à leur cause, comme Clement Greenberg, mis l’accent sur leurs œuvres « de objectness. » Pour Greenberg, il était l’aspect physique des surfaces coagulé et agglomérée huile des peintures qui était la clé pour les comprendre. « Certaines des étiquettes qui s’attachaient à l’expressionnisme abstrait, comme « Informel » et « Action Painting, » sans aucun doute implicite ce, on a cru comprendre que ce qui a été impliqué était un tout à fait nouveau genre d’art qui était pas d’art plus aucune accepté sens. Ce fut, bien sûr, absurde « . – Clement Greenberg,  »

RosenbergLa critique de » déplacé l’accent de l’objet à la lutte elle-même, avec la peinture finie étant seulement la manifestation physique, une sorte de résidu, de l’œuvre réelle de l’art, qui était dans l’acte ou le processus de la création de la peinture. La recherche récente a tendance à mettre le Wolfgang Paalen exil surréaliste dans la position de l’artiste et théoricienne qui a utilisé le terme « action » d’abord dans ce sens et a favorisé la théorie de la lutte subjective avec elle. Dans sa théorie de l’espace de possibilité dépendant du spectateur, dans lequel l’artiste « agit » comme dans un rituel extatique, Paalen considère les idées de la mécanique quantique, ainsi que des interprétations idiosyncrasiques de la vision totémique et la structure spatiale de la peinture native-indienne de Colombie britannique. Son long essai Totem Art (1943) a eu une influence considérable sur des artistes tels que Martha Graham, Isamu Noguchi, Jackson Pollock, Mark Rothko et Barnett Newman; Paalen décrit une vision très artistique de l’art totémique dans le cadre d’un rituel « action » avec des liens psychiques à mémoire génétique et le culte des ancêtres matrilinéaires.

Au cours des deux prochaines décennies, la redéfinition de Rosenberg de l’art comme un acte plutôt que d’un objet, comme un processus plutôt qu’un produit, a exercé une influence, et jeté les bases d’un certain nombre de grands mouvements d’art, de happenings et Fluxus à conceptuel, l’art de la performance , l’art d’installation et de la Terre art.

Contexte historique
Il est essentiel pour la compréhension de la peinture d’action pour le placer dans son contexte historique. [Citation nécessaire] Un produit de la résurgence artistique après la Seconde Guerre mondiale de l’expressionnisme en Amérique et plus particulièrement New York, l’action painting développée à une époque où quantique la mécanique et de la psychanalyse commençaient à se développer et changeaient la perception des gens du monde physique et psychologique; et la compréhension de la civilisation du monde à travers la conscience de soi accrue et la sensibilisation.

L’art précédent de Kandinsky et Mondrian s’était libéré de la représentation des objets et au lieu essayé d’évoquer, l’adresse et délimiter, par le sens esthétique, des émotions et des sentiments au sein du spectateur. Action painting a un peu plus loin, utilisant à la fois Jung et les idées de Freud de l’inconscient comme ses fondements sous-jacents. Les tableaux des peintres d’action ne sont pas destinés à représenter des objets en soi ou même des émotions spécifiques. Au contraire, ils étaient destinés à toucher l’observateur profond dans l’esprit subconscient, évoquant un sentiment de PrimeVal et en appuyant sur le sens collectif d’un langage visuel par excellence. Cela a été fait par la peinture de l’artiste « inconsciemment » et spontanément, créant une arène puissante d’émotion brute et de l’action, dans le moment. peinture à l’action a été clairement influencé par l’accent sur surréaliste automatisme (aussi) influencée par la psychanalyse a réclamé un accès plus direct à l’esprit subconscient. exposants importants de ce concept de la création artistique étaient les peintres Joan Miró et André Masson. Cependant , les peintres d’action ont pris tout ce que les Surréalistes avaient fait un pas de plus.

exposants proéminents
Le peintre JacksonPollock peint en versant des peintures et des couleurs sur de grands supports (gouttes), créant des textures de couleurs différentes. Il a supprimé la photo avec le chevalet, parce qu’il a dit que la diffusion de la toile sur le sol, il était plus facile pour lui de faire demi-tour et se sentait plus partie intégrante de la peinture. D’autres peintres américains ont préféré appeler leur art l’expressionnisme abstrait. Parmi ces artistes Willem de Kooning, principalement figurative, Franz Kline et Mark Rothko. Un autre grand peintre de la peinture d’action est William Congdon qui a pu saisir la pleine puissance de l’Action Painting, mais bientôt mûri son propre style.

L’acte inconscient
Cette activité spontanée a été l’action du peintre, appelé goutte à goutte. Le peintre laisserait couler la peinture sur les toiles, souvent simplement danser autour, ou même debout sur des toiles, et en laissant simplement la chute de couleur où le subconscient mental veut, laissant alors la partie inconsciente de la psyché s’exprimer.

Par exemple, les mégots de cigarettes peuvent souvent être trouvées dans les peintures de Jackson Pollock. Quand il a créé ses peintures, il se laissa tomber dans un état de transe dans lequel aucun acte conscient était de se manifester; s’il avait l’impulsion instinctive de jeter la cigarette sur le sol, il l’a fait, s’il y avait un trottoir ou d’une toile devant ses pieds. Ce qu’ils essayaient de dépeindre le peintre d’action était la suivante: une action spontanée complètement exécutée sans y penser. Ainsi, on pense à l’acte dont on peut reconnaître les manifestations comme un acte inconscient.

Les Nouvelles Reynolds, dans un titre 1959, se référant à une œuvre de Pollock, a écrit: « Ce n’est pas l’art, c’est une mauvaise blague. »

Action painting ne montre pas ou exprimer une réalité objective ou subjective, mais il libère une tension accumulée dans l’artiste en grande quantité. Il est une action non conçue et non prévue dans les modes d’exécution et dans les effets finaux. Exprime le malaise de l’artiste dans une société de bien-être où tout est conçu; il est une réaction violente par l’artiste-intellectuel contre l’artiste-technicien.