Photographie abstraite

La photographie abstraite, parfois appelée photographie non objective, expérimentale, conceptuelle ou concrète, est un moyen de représenter une image visuelle qui n’a pas d’association immédiate avec le monde des objets et qui a été créée grâce à l’utilisation d’équipements, de processus ou de matériaux photographiques. . Une photographie abstraite peut isoler un fragment d’une scène naturelle afin de retirer son contexte inhérent au spectateur, elle peut être volontairement mise en scène pour créer une apparence apparemment irréelle à partir d’objets réels, ou elle peut impliquer l’utilisation de la couleur, de la lumière, de l’ombre, texture, forme et / ou forme pour transmettre une sensation, une sensation ou une impression. L’image peut être produite en utilisant un équipement photographique traditionnel comme un appareil photo, une chambre noire ou un ordinateur, ou elle peut être créée sans utiliser d’appareil photo en manipulant directement un film, du papier ou d’autres supports photographiques,

Définir la photographie abstraite
Il n’y a pas de définition couramment utilisée du terme “photographie abstraite”. Les livres et articles sur le sujet comprennent tout, d’une image complètement figurative d’un sujet abstrait, comme les photographies de peinture écaillée d’Aaron Siskind, à des images entièrement non figuratives créées sans appareil photo ni film, comme les gravures et les livres fabriqués par Marco Breuer. Le terme est à la fois inclusif d’un large éventail de représentations visuelles et explicite dans sa catégorisation d’un type de photographie qui est visiblement ambigu par sa nature même.

De nombreux photographes, critiques, historiens de l’art et autres ont écrit ou parlé de la photographie abstraite sans tenter de formaliser un sens spécifique. En 1916, Alvin Langdon Coburn a proposé qu’une exposition soit organisée avec le titre “Photographie abstraite”, pour laquelle le formulaire d’inscription indiquerait clairement “qu’aucune œuvre ne sera admise dans laquelle l’intérêt du sujet est supérieur à l’appréciation de l’extraordinaire . ” L’exposition proposée n’a pas eu lieu, mais Coburn a ensuite créé des photographies distinctement abstraites.

Le photographe et professeur de psychologie John Suler, dans son essai Psychologie photographique: image et psyché, a déclaré qu’une photographie abstraite s’éloigne de ce qui est réaliste ou littéral. Elle s’éloigne des apparences naturelles et des sujets reconnaissables dans le monde réel. Certaines personnes dire même qu’il s’écarte du vrai sens, de l’existence et de la réalité elle-même. Il se démarque du tout concret avec son but au lieu de dépendre de la signification conceptuelle et de la forme intrinsèque …. Voici le test acide: si vous regardez une photo et il y a un une voix à l’intérieur de vous qui dit “Qu’est-ce que c’est?”… .Eh bien, c’est parti. C’est une photographie abstraite. ”

Barbara Kasten, également photographe et professeur, a écrit que «la photographie abstraite remet en question notre vision populaire de la photographie en tant qu’image objective de la réalité en réaffirmant sa nature construite … Libérée de son devoir de représenter, la photographie abstraite continue d’être un genre fourre-tout pour le mélange des médiums et des disciplines. C’est une arène pour tester la photographie. ”

Le photographe et théoricien de la photographie allemand Gottfried Jäger a utilisé le terme “photographie concrète”, en utilisant le terme “art concret”, pour décrire un type particulier de photographie abstraite. Il a dit:

“La photographie concrète ne représente pas le visible (comme la photographie réaliste ou documentaire);
Il ne représente pas le non visible (comme la photographie mise en scène et illustrative);
Elle ne recourt pas à des vues (comme la photographie analytique, conceptuelle, démonstrative).
Au lieu de cela, il établit la visibilité. Il est seulement visible, le seul visible.
De cette façon, il abandonne son caractère médiatique et acquiert le caractère d’objet. ”

Plus récemment, l’artiste conceptuel Mel Bochner a écrit à la main une citation de l’Encyclopædia Britannica qui disait que “la photographie ne peut pas enregistrer des idées abstraites”. sur une carte de note, puis photographié et imprimé en utilisant six processus photographiques différents. Il a transformé les mots, le concept et la visualisation du concept en art lui-même et, ce faisant, a créé une œuvre qui présente encore un autre type de photographie abstraite, sans jamais définir le terme lui-même.

Histoire

19ème siècle
Certaines des premières images de ce que l’on peut appeler la photographie abstraite sont apparues au cours de la première décennie après l’invention du métier. En 1842, John William Draper a créé des images avec un spectroscope, qui a dispersé les rayons lumineux dans un motif visible alors non enregistré auparavant. Les tirages qu’il a réalisés n’ont aucune référence à la réalité du monde visible que d’autres photographes ont ensuite enregistrés, et ils ont démontré la capacité sans précédent de la photographie à transformer ce qui était auparavant invisible en une présence tangible. Draper considérait ses images comme des documents scientifiques plutôt que de l’art, mais leur qualité artistique est aujourd’hui appréciée pour leur statut révolutionnaire et leur individualité intrinsèque.

Une autre ancienne photographe, Anna Atkins en Angleterre, a produit un livre auto-publié de photogrammes réalisés en plaçant des algues séchées directement sur du papier cyanotype. Destinées à une étude scientifique, les images blanc sur bleu ont une qualité abstraite éthérée en raison de l’imagerie négative et du manque de contexte naturel pour les plantes.

La découverte des rayons X en 1895 et de la radioactivité en 1896 a suscité une grande fascination du public pour des choses qui étaient auparavant invisibles ou invisibles. En réponse, les photographes ont commencé à explorer comment ils pouvaient capturer ce qui ne pouvait pas être vu par une vision humaine normale.

À peu près à la même époque, l’auteur et artiste suédois August Strindberg a expérimenté en soumettant les solutions salines sur des plaques photographiques au chaud et au froid. Les images qu’il a produites avec ces expériences étaient des rendus indéfinis de ce qui ne pourrait pas être vu autrement et étaient complètement abstraites dans leur présentation.

Au tournant du siècle, Louis Darget en France a tenté de capturer des images de processus mentaux en appuyant des plaques non exposées sur le front des assistants et en les exhortant à projeter des images de leur esprit sur les plaques. Les photographies qu’il a produites étaient floues et indéfinies, mais Darget était convaincu que ce qu’il appelait des «vibrations de pensée» ne se distinguait pas des rayons lumineux.

20ième siècle
Au cours de la première décennie du XXe siècle, une vague d’exploration artistique a accéléré la transition de la peinture et de la sculpture de l’impressionnisme et du post-impressionnisme au cubisme et au futurisme. À partir de 1903, une série d’expositions d’art annuelles à Paris, appelées Salon d’Automne, a présenté au public une vision radicale d’artistes comme Cézanne, Picasso, Marcel Duchamp, Francis Picabia, František Kupka et Albert Gleizes. Jean Metzinger. Une décennie plus tard, l’Armory Show de New York a créé un scandale en montrant des œuvres complètement abstraites de Kandinsky, Braque, Duchamp, Robert Delaunay et d’autres.

L’intérêt et parfois la répulsion du public pour l’art abstrait ont été dûment notés par certains des photographes les plus créatifs de l’époque. En 1910, à New York, Alfred Stieglitz a commencé à montrer des peintres abstraits comme Marsden Hartley et Arthur Dove dans sa 291 galerie d’art, qui n’avait auparavant exposé que de la photographie picturale. Des photographes comme Stieglitz, Paul Strand et Edward Steichen ont tous expérimenté des sujets représentatifs photographiés dans des compositions abstraites.

Les premières images exposées publiquement qui sont maintenant reconnues comme des photographies abstraites étaient une série intitulée Symmetrical Patterns from Natural Forms, présentée par Erwin Quedenfeldt à Cologne en 1914. Deux ans plus tard, Alvin Langdon Coburn a commencé à expérimenter avec une série qu’il a appelée Vortographs. Au cours d’une période de six semaines en 1917, il a pris environ deux douzaines de photographies avec un appareil photo équipé d’un prisme à multiples facettes. Les images résultantes étaient volontairement sans rapport avec les réalités qu’il avait vues et avec ses portraits et paysages urbains précédents. Il a écrit: “Pourquoi la caméra ne devrait-elle pas se débarrasser des entraves des représentations contemporaines …? Pourquoi, je vous le demande sincèrement, devons-nous continuer à faire de petites expositions banales …?”

Dans les années 1920 et 1930, le nombre de photographes ayant exploré l’imagerie abstraite a considérablement augmenté. En Europe, Prague est devenue un centre de photographie d’avant-garde, avec František Drtikol, Jaroslav Rössler, Josef Sudek et Jaromír Funke créant tous des photographies influencées par le cubisme et le futurisme. Les images de Rössler, en particulier, sont allées au-delà de l’abstraction figurative vers de pures abstractions de lumière et d’ombre.

En Allemagne et plus tard aux États-Unis, László Moholy-Nagy, un chef de file de l’école de modernisme du Bauhaus, a expérimenté les qualités abstraites du photogramme. Il a dit que “les possibilités les plus étonnantes restent à découvrir dans la matière première de la photographie” et que les photographes “doivent apprendre à rechercher, non pas le” tableau “, pas l’esthétique de la tradition, mais l’instrument d’expression idéal, véhicule suffisant pour l’éducation. ”

Certains photographes à cette époque ont également repoussé les limites de l’imagerie conventionnelle en incorporant les visions du surréalisme ou du futurisme dans leur travail. Man Ray, Maurice Tabard, André Kertész, Curtis Moffat et Filippo Masoero étaient parmi les artistes les plus connus qui ont produit des images surprenantes qui remettaient en question la réalité et la perspective.

Pendant et après des photographes de la Seconde Guerre mondiale tels que Minor White, Aaron Siskind, Henry Holmes Smith et Lotte Jacobi ont exploré des compositions d’objets trouvés d’une manière qui démontrait que même notre monde naturel avait des éléments d’abstraction intégrés.

Frederick Sommer a innové en 1950 en photographiant des objets trouvés volontairement réarrangés, ce qui a donné des images ambiguës qui pourraient être largement interprétées. Il a choisi de nommer une image énigmatique particulière Le Bois Sacré, après l’essai de TS Eliot sur la critique et le sens.

Les années 1960 ont été marquées par des explorations décomplexées des limites des médias photographiques de l’époque, à commencer par des photographes qui ont assemblé ou réassemblé leurs propres images et / ou trouvé des images, comme Ray K.Mesker, Robert Heinecken et Walter Chappell.

Au milieu des années 1970, Josef H. Neumann a développé des chimiogrammes, qui sont à la fois des produits de traitement photographique et de peinture sur papier photographique. Avant la propagation des ordinateurs et l’utilisation de logiciels de traitement d’image, le processus de création de chimiogrammes peut être considéré comme une forme précoce de post-production analogique, dans laquelle l’image d’origine est modifiée après le processus d’agrandissement. Contrairement aux œuvres de post-production numérique, chaque chimiogramme est une pièce unique.

À partir de la fin des années 1970, les photographes ont repoussé les limites de l’échelle et de la surface dans ce qui était alors un support photographique traditionnel qui devait être développé dans une chambre noire. Inspirée par le travail de Moholy-Nagy, Susan Rankaitis a d’abord commencé à intégrer des images trouvées de manuels scientifiques dans des photogrammes à grande échelle, la création a été appelée “un palimpseste qui doit être exploré presque comme une fouille archéologique”. Plus tard, elle a produit d’énormes constructions de galeries interactives qui ont élargi les notions physiques et conceptuelles de ce que pourrait être une photographie. Son travail aurait «imité la fragmentation de l’esprit contemporain».

Dans les années 1990, une nouvelle vague de photographes explorait les possibilités d’utiliser des ordinateurs pour créer de nouvelles façons de créer des photographies. Des photographes tels que Thomas Ruff, Barbara Kasten, Tom Friedman et Carel Balth créaient des œuvres combinant photographie, sculpture, gravure et images générées par ordinateur.

21e siècle
Une fois que les ordinateurs et les logiciels de photographie sont devenus largement disponibles, les frontières de la photographie abstraite ont été étendues au-delà des limites du film et de la chimie dans des dimensions presque illimitées. Toutes les frontières qui restaient entre les artistes purs et les photographes purs ont été éliminées par des individus qui travaillaient exclusivement dans la photographie mais ne produisaient que des images générées par ordinateur. Gaston Bertin, Penelope Umbrico, Ard Bodewes, Ellen Carey, Nicki Stager, Shirine Gill, Wolfgang Tillmans, Harvey Lloyd et Adam Broomberg & Oliver Chanarin comptent parmi les plus connus de la génération du début du XXIe siècle.