2016 Bilan de l’exposition du Musée d’Art Moderne de Stockholm, Suède

Le musée d’art moderne (Moderna Museet) est un musée d’État d’art moderne et contemporain situé sur l’île de Skeppsholmen, un cadre de beauté naturelle. Ouvert en 1958, le bâtiment a été conçu par l’architecte espagnol Rafael Moneo. En 2009, le musée a ouvert une nouvelle succursale à Malmö dans le sud de la Suède, le Moderna Museet Malmö.

La passion de Moderna Museet est de servir d’intermédiaire à l’art pour les gens. Pour embrasser, défier et inspirer les gens et nous sommes animés par l’ambition de parler avec beaucoup. Moderna Museet inclusif et pour célébrer la diversité en reconnaissant que les gens arrivent de différents points de départ. Moderna Museet engage un public plus large en partageant les merveilles de l’art.

L’extraordinaire pouvoir de l’art est notre force vitale. L’art surgit et reflète son propre temps. Il permet des questions qui génèrent de nouvelles perspectives ; les artistes sont une force énorme et stimulent une créativité plus large. Moderna Museet défend l’art parce qu’il ouvre de nouvelles voies et permet une vision réflexive de l’histoire et du présent.

Moderna Museet sera une plate-forme stimulante pour les personnes et l’art, pour être un musée vibrant, ouvert et dynamique qui existe en tant qu’esprit, qui offre au public des moyens pertinents, engageants et directs de rencontrer l’art sur un pied d’égalité. Moderna Museet inspire et crée un espace pour de nouvelles idées en étant une plate-forme stimulante qui rend l’art de classe mondiale accessible à un large public. Nous établirons de nouvelles normes pour les musées d’art du monde entier.

Moderna Museet collectionne, préserve, expose et médiatise l’art moderne et contemporain. Moderna Museet gère notre patrimoine culturel sur la base des normes d’excellence les plus élevées et génère des recherches qui mènent à des collaborations et à une reconnaissance internationales de haute qualité. Moderna Museet est une institution de premier plan dans notre domaine et nous croyons au partage de nos connaissances.

La collection, la recherche, les expositions, la médiation et la communication du Moderna Museet doivent se compléter et se féconder ; ces activités ne peuvent pas être autonomes. Moderna Museet se définit sur la base des contextes dans lesquels nous sommes impliqués. Notre objectif de rendre le plus grand art accessible au plus grand nombre doit reposer sur des pratiques durables qui prennent en compte les impacts environnementaux et sociaux. Moderna Museet doit être animé par le courage d’expérimenter, d’oser repousser les limites et d’emprunter de nouvelles voies dans la manière dont nous gérons nos tâches.

Yayoi Kusama – Dans l’infini
Yayoi Kusama – In Infinity est la première grande rétrospective de l’œuvre de Kusama en Scandinavie, couvrant toute sa carrière artistique du début des années 1950 à nos jours. L’exposition présente une riche sélection de peintures, dessins et sculptures, y compris des installations spatiales et du matériel lié à la performance, en accordant une attention particulière aux œuvres de la fin des années 1980, après le retour de Kusama au Japon. C’est également la première exposition complète présentant l’intérêt de Kusama pour la mode et le design. À l’affiche, des œuvres jamais montrées auparavant, ainsi qu’une série de peintures réalisées spécialement pour Yayoi Kusama – In Infinity.

L’exposition In Infinity présente des œuvres de Yayoi Kusama de 1948 à nos jours. L’œuvre Suit (1962) de la collection du Moderna Museet a été conservée et a voyagé en prêt avec l’ensemble de la tournée de l’exposition à travers le Danemark, la Norvège, la Suède et se rendra en Finlande. Présentées avec les archives privées de Kusama, se trouvent également des découvertes passionnantes des propres archives du Moderna Museet.

La remarquable pratique artistique de Yayoi Kusama (né en 1929) fascine le public depuis plus de six décennies. Comme peu d’autres artistes, elle évolue résolument entre peinture et sculpture, entre art et design, entre Orient et Occident. Moderna Museet et ArkDes présentent maintenant Kusama dans une exposition rétrospective couvrant son œuvre, des premières études de la nature aux installations qui suspendent le temps et l’espace.

L’imagerie unique de Kusama provient des hallucinations récurrentes qui la hantent depuis son enfance. Dans ses hallucinations, le monde apparaissait comme couvert de points et de formes répétitives, comme un ciel étoilé infini. L’art, pour Kusama, est devenu une méthode pour donner forme à ces paysages intérieurs. Dans un effort pour mettre des mots sur ses expériences, Kusama parle du concept d’auto-effacement – l’idée de devenir un avec l’environnement, de dissoudre les limites du Soi et de disparaître dans un vide qui embrasse tout. Pour partager ses expériences, Kusama crée des œuvres d’art qui invitent les visiteurs à se perdre dans les filets infinis, les salles de miroirs et les milliers de pois dont elle couvre le monde.

En 1957, Yayoi Kusama quitte le Japon pour New York. Ici, au cœur de la scène artistique vibrante des années 1960, elle a créé plusieurs de ses œuvres les plus importantes. Elle a ensuite organisé des manifestations anti-guerre du Vietnam, des marches entourées d’adeptes hippies, des performances politiques et des orgies où elle a peint les corps nus des participants avec des points. En tant que femme non occidentale dans le monde de l’art exclusif et dominé par les hommes de l’époque, Kusama était un oiseau rare, mais elle a rapidement acquis une renommée et une reconnaissance. À la fin des années 1970, Kusama a quitté New York. Quelques années plus tard, elle reprend sa pratique artistique à Tokyo, réalisant des peintures et des sculptures monumentales. Yayoi Kusama travaille toujours dans son atelier tous les jours et maintenant, elle est l’une des artistes les plus appréciées au monde.

La vie elle-même – Sur la question de ce qu’elle est essentiellement ; ses matérialités, ses caractéristiques…
L’exposition Life Itself s’étend du début du 20e siècle, lorsque les artistes de l’avant-garde abstraite et parallèlement à celle-ci s’efforçaient de catégoriser l’existence, et jusqu’au monde d’aujourd’hui des objets existant dans un état quelque part entre ce que nous appelons le vivant et le non- vie. Parmi les artistes présentés dans l’exposition figurent Giovanni Anselmo, Olga Balema, Hicham Berrada, Joseph Beuys, Karl Blossfeldt, Victor Brauner, Trisha Donnelly, Pierre Huyghe, Tehching Hsieh, Josh Kline, Hilma af Klint, Helen Marten, Katja Novitskova, Philippe Parreno , Rachel Rose, Paul Thek et Rosemarie Trockel.

La vie elle-même, considérant que les tentatives de répondre à cette question par les sciences et philosophies occidentales se sont avérées insatisfaisantes. Depuis l’époque d’Aristote, la vie elle-même est restée un mystère, malgré les innombrables tentatives des scientifiques et des philosophes pour en trouver une définition. Malgré les théories avancées contemporaines sur les systèmes complexes et le potentiel vertigineux de la biologie synthétique, nous sommes toujours incapables de déterminer ce qui constitue la vie. Une tentative d’aborder la question par le biais d’une exposition d’art semble donc justifiée, ne serait-ce que pour montrer des manières de faire face à notre incapacité à trouver une réponse satisfaisante.

Klee/Aguéli
Les œuvres présentées dans cette exposition – au total 86 peintures et dessins – pourraient être résumées par les mots-clés création, forme, ange, signe et jardin. L’étonnant phénomène de germination de quelque chose du sol a fasciné les deux artistes. Si complètement ordinaire et mondain, et pourtant mystique et divin. Les peintres Paul Klee (1879-1940, Suisse) et Ivan Aguéli (1869-1917, Suède) ont vécu et travaillé à une époque où la société moderne occidentale commençait à prendre forme. Alors que trains et engins en tous genres accéléraient la vie et les déplacements, ces deux artistes ont préféré s’attarder du regard, à la recherche de la « quatrième dimension » (Aguéli), ou « d’un autre monde possible » (Klee), en étant en contact avec la nature et les objets dans leur environnement immédiat.

En 1914, Paul Klee se rend en Tunisie et découvre qu’il est peintre. La même année, Ivan Aguéli entreprend son troisième séjour en Égypte, le pays qui a façonné ses idées sur la vie et l’art. Peintre, anarchiste, soufi et voyageur, le récit de vie d’Aguéli est un roman en soi. Klee et Aguéli ne se sont jamais rencontrés, mais ils sont présentés ensemble ici, dans une exposition sur les deux artistes et leur rapport aux fondements de l’art visuel : le choix du sujet, l’acte créatif et les qualités de l’image.

Klee et Aguéli pourraient être confondus avec des réactionnaires, des excentriques ou des reclus. Mais c’est faux. Ils entretiennent un dialogue étroit avec la société moderne : tous deux sont des intellectuels et des critiques avertis, Aguéli publie des magazines et Klee enseigne à l’école d’architecture et d’art du Bauhaus. Leurs voyages, leurs observations de la nature, l’intimité de leurs petites peintures et leur lente contradiction n’étaient pas motivés par l’évasion ou la nostalgie, mais par leurs points de vue sur comment et avec quelles valeurs l’humanité devrait aborder le présent et rencontrer l’avenir.

Dans un monde qui allait être marqué par deux guerres mondiales, Paul Klee cherchait à « réaliser une heureuse association entre vision de la vie et pur artisanat d’art » et à atteindre la plus grande liberté possible par la contemplation, l’imagination et le jeu. Ivan Aguéli a cherché à fusionner l’art, la religion et la réalité, pour trouver une alternative à « l’âge sordide » occidental. Sa fascination précoce pour l’anarchisme anti-totalitaire et le mysticisme de Swedenborg a inspiré de longs séjours au Caire, sa conversion ultérieure à l’islam en 1898 et des études intenses du soufisme – la voie la plus spirituelle de l’islam, qui met l’accent sur l’amour et la proximité avec Dieu.

Cela ne fait aucune différence si nous appelons cela spiritualité, imagination ou jeu. Lorsque les deux artistes entrent en contact avec la réalité par le mouvement rythmé du pinceau sur le fond, il ne s’agit pas d’une figuration mais d’une métamorphose de l’objet vers l’immatérialité. L’exposition Klee/Aguéli raconte comment la peinture d’un jardin ou d’un bosquet de palmiers peut constituer un acte de résistance. Dans notre propre époque turbulente, c’est un rappel du grand potentiel poétique et politique qui peut être incrusté dans un petit tableau peint.

Moment – Lina Selander
Lina Selander est l’une des artistes suédoises de l’image en mouvement les plus innovantes. Lina Selander est née en 1973 à Stockholm, où elle vit et travaille toujours. Ses œuvres tournent autour des images en tant que mémoires, empreintes et représentations. Ses films et installations se concentrent souvent sur des jonctions dans l’histoire où un système ou un lieu physique s’effondre et quelque chose de nouveau commence à émerger ; le récit du cinéma mécanique cédant la place à celui de la vidéo numérique, ou un système politique ou économique plongeant dans un nouveau.

Les films et installations de Lina Selander peuvent être lus comme des compositions ou des modèles de pensée, où les idées et les conditions sont pesées et testées. Elle interroge les relations entre la mémoire et la perception, la photographie et le cinéma, le langage et l’image. Le montage précis et rythmé et l’utilisation du son créent leur propre temporalité et une forte pression intérieure. L’œuvre de Selander explore de manière récurrente une fascination pour les phénomènes et les technologies qui rendent possibles les images, permettant ainsi de documenter l’histoire. Le montage est utilisé dans les films pour juxtaposer des images, tout en entraînant une perte potentielle de contenu. L’image rencontre le texte dans un flux où le sens naît de l’apparemment sans rapport, comme des échos à travers et entre les œuvres.

Les œuvres de Selander constituent une archive dense d’observations, parfois en dialogue avec d’autres films, art ou littérature. Leurs sujets découlent souvent de jonctions historiques ou idéologiques, où un système ou un lieu physique s’effondre et quelque chose de nouveau commence à émerger. Alors que son exposition à la Biennale de Venise décrit un mouvement entre utopie et effondrement, la présentation au Moderna Museet montre trois œuvres qui explorent davantage les frontières réelles ou figuratives.

Musée d’Art Moderne de Stockholm
Le musée d’art moderne de Stockholm est une autorité administrative de l’État relevant du ministère de la Culture et a, selon ses instructions, pour mission de collecter, préserver, exposer et communiquer l’art des XXe et XXIe siècles sous toutes ses formes. Moderna Museet favorisera les contacts internationaux en collaborant avec des institutions hors de Suède sous la forme d’expositions itinérantes, et sera également responsable de la participation suédoise aux biennales d’art internationales. Le Musée moderne est également un musée central, avec une responsabilité nationale dans son domaine.

Moderna Museet est un musée d’État doté d’un mandat national pour l’art moderne et contemporain. La collection est à la pointe du genre en Europe. Le musée est un lieu de rencontre pour les gens et l’art avec une base solide dans la société et le monde en général. Avec son programme d’expositions de classe mondiale, ses projets basés sur des collections et ses activités éducatives, Moderna Museet a une présence locale substantielle et une portée internationale. Les échanges avec d’autres institutions artistiques à travers le monde sont nombreux.

Le Moderna Museet accueille depuis longtemps des artistes internationaux pour des expositions, des performances et d’autres présentations révolutionnaires, ainsi que par le biais de sa collection de renommée mondiale. Découvrez l’une des plus importantes collections d’art d’Europe du XXe siècle à nos jours, présentant des œuvres d’artistes tels que Picasso, Dali, Derkert et Matisse.

Avec une collection d’art comprenant plus de 130 000 œuvres, Moderna Museet (Musée d’art moderne) est le premier musée suédois d’art moderne et contemporain. Le Moderna Museet possède l’une des plus belles collections d’art moderne et contemporain d’Europe. Les collections contiennent des peintures, des sculptures, des photographies et des films d’art contemporains à partir de 1900, et dans le cas de photographies également à partir de 1840 environ.

En combinant des chefs-d’œuvre internationaux d’artistes tels que Warhol, Picasso et Dali avec des expositions temporaires d’artistes éminents des XXe et XXIe siècles, Moderna Museet parvient à attirer de nombreux visiteurs de retour pour une expérience artistique en constante évolution. La collection d’origine était dominée par l’art suédois et nordique, l’art américain des années 50 et 60 et le modernisme d’orientation française. monde.

Le Moderna Museet a été inauguré dans la salle d’exercice de Skeppsholmen, le 9 mai 1958. Le directeur du Musée national, Otte Sköld, a rappelé dans son discours inaugural que dès 1908 le problème de l’art local actuel au Musée national avait été pris sérieusement et l’idée d’un nouveau bâtiment pour ces collections. Peu de temps avant sa mort, Otte Sköld a vu par lui-même le musée réalisé et son engagement pour la création du nouveau musée a été décisif. Avec, entre autres, les Amis du Musée moderne, fondés en 1953, il a donné sa propre maison à la collection d’art du 20e siècle du Musée national. Les directeurs du musée Pontus Hultén et Olle Granath sont venus avec leurs contacts et initiatives pour poursuivre ces intentions dans les décennies suivantes.

Le 14 février 2004, le bâtiment du musée a été rouvert avec des festivités. En plus des réparations, l’occasion avait été saisie pour améliorer certains espaces, en partie pour faciliter les déplacements des visiteurs dans le musée, et en partie pour utiliser plus adéquatement l’espace d’entrée supérieur. Parallèlement, le profil graphique du musée a été mis à jour. Une autre nouveauté majeure lors de la réouverture a été l’introduction d’hôtes de musée – des personnes aux compétences variées, allant de sauver des vies à pouvoir parler aux visiteurs des œuvres d’art dans les expositions permanentes et temporaires. La raison de l’introduction de nouveaux hôtes était de répondre à la forte augmentation du nombre de visiteurs depuis la suppression du droit d’entrée.

En 1901, l’architecte John Smedberg a construit un magnifique bâtiment de centrale électrique sur Gasverksgatan 22. Aujourd’hui, la mission de transformer le bâtiment en un musée plus approprié a été confiée au cabinet d’architectes primé Tham & Videgård Hansson Arkitekter. Ils ont choisi d’établir une nouvelle annexe – un ajout contemporain au bâtiment historique. Et donnez à l’intérieur un ordre spatial entièrement nouveau.

Le Moderna Museet organise chaque année plusieurs grandes expositions à Stockholm et à Malmö, un certain nombre d’expositions de taille moyenne et plus petite. En 2012, le musée de Stockholm comptait environ 500 000 visiteurs et le musée de Malmö plus de 100 000 visiteurs.

La collection
Depuis sa création en 1958, le Musée est connu pour sa relation étroite avec les artistes – Marcel Duchamp, par exemple, a signé plusieurs de ses œuvres à Stockholm vers la fin de sa vie, et Andy Warhol a eu sa première exposition muséale en Europe à Musée Moderna en 1968.

La collection du Moderna Museet comprend aujourd’hui quelque 6 000 peintures, sculptures et installations, 25 000 aquarelles, dessins et gravures, 400 vidéos et films d’art et 100 000 photographies. La collection couvre des peintures, des sculptures, des installations, des films, des vidéos, des dessins et des gravures d’artistes suédois et internationaux des 20e et 21e siècles, et la photographie des années 1840 à nos jours.

Grâce à des initiatives de collecte ciblées, le Musée a réussi à augmenter l’étendue et la profondeur de sa collection. En 1963, le musée de nos souhaits a été lancé, transformant instantanément le musée en une institution artistique européenne de premier plan; le gouvernement a versé 5 millions de SEK pour l’acquisition d’œuvres emblématiques de Giacomo Balla, Francis Picabia, Kurt Schwitters, Giorgio de Chirico et bien d’autres. Il y a quelques décennies, l’exercice a été répété, mais cette fois en mettant en lumière des artistes femmes uniquement – des œuvres de Louise Bourgeois, Dorothea Tanning, Judy Chicago, Susan Hiller et d’autres ont été ajoutées à la collection.

Seule une fraction de la collection peut être exposée. Mais cela nous permet d’explorer et de reformuler le récit historique de l’art standard à travers de nouvelles perspectives et des changements constants dans l’exposition. Cela inclut Moderna Museet Malmö, avec son angle innovant sur la sélection et la présentation des œuvres de la collection depuis son ouverture en 2009.

Une grande collection d’art est le meilleur point de départ possible pour des expérimentations visuelles et intellectuelles. Le Moderna Museet, en tant que musée ouvert et vivant, réécrit constamment l’histoire standard du modernisme en réorganisant fréquemment sa collection de manière radicalement nouvelle. Depuis 2009, le musée dispose de deux sites, Stockholm et Malmö, où des sélections innovantes d’œuvres de la collection sont régulièrement présentées depuis l’ouverture. Quelques-unes des œuvres emblématiques, telles que le paysage marocain (Acanthe) d’Henri Mattisse, le monogramme de Robert Rauchenberg et la sculpture Sans titre d’Eva Hesse, sont presque toujours disponibles pour vérification.