Dans l’architecture de la première moitié du dix-neuvième siècle, la tendance néoclassique s’imposa d’abord, déjà présente dans la seconde moitié du dix-huitième siècle, mais concomitamment avec la diffusion de la sensibilité romantique et l’intérêt historique pour l’historicisme. la récupération des «styles» des époques précédentes (en particulier le Moyen Age comme berceau présumé des identités nationales), caractérisé par le préfixe «néo» (néo-roman, néo-gothique, etc.), qui sont également définis par le terme revivalisme.

Le dix-neuvième siècle est donc caractérisé par une sorte de code: l’éclectisme historiciste, où tous les goûts peuvent être simultanément présents dans l’ensemble du travail du même concepteur ou même dans le même bâtiment. C’est au moins jusqu’à la fin du siècle du mouvement Art nouveau (appelé aussi Liberté), qui fut le premier mouvement architectural non historiciste et donc moderne (modernisme).

Contexte historique
Le dix-neuvième siècle a été un siècle de grandes transformations économiques, sociales et politiques. C’est le siècle de Napoléon Bonaparte, du Congrès de Vienne, de l’affirmation de nouvelles identités nationales, de l’affirmation du libéralisme, du capitalisme, du commerce international et du développement urbain, mais aussi de la naissance des idéaux du socialisme. Il a été témoin de la soi-disant révolution industrielle, un développement extraordinaire de la science et de la technologie souligné par le positivisme.

Dans les domaines littéraire et artistique dominé le romantisme dans la première moitié du siècle, tandis que dans la seconde moitié le réalisme a été affirmé et, en peinture, l’impressionnisme. Même le dix-neuvième siècle était le siècle de Marx, Freud, Malthus, Darwin.

Périodisation
Le facteur commun dans lequel toute la spéculation architecturale et artistique du dix-neuvième siècle peut être réduite est l’historicisme, ou la récupération de la tradition, du passé dans tous les domaines. En ce sens, il est possible de dire que l’une des caractéristiques de l’architecture du dix-neuvième siècle n’était pas tant de concevoir le nouveau que de manipuler le préexistant d’une manière créative. À la lumière de cela, une périodisation rigide des styles est difficile, lorsque des architectes comme Karl Friedrich Schinkel se sont engagés dans la conception et la création d’œuvres néo-grecques, néoromanes, néo-gothiques, néo-romanes, réinterprétant toujours des motifs du passé.

De l’éclectisme historiciste, conçu comme une caractéristique architecturale du dix-neuvième siècle, qui est divisé en une série de styles, chacun étant caractérisé par ses propres invariants, certains aspects de la culture architecturale la plus complexe doivent être distingués en termes de développement temporel .

Parmi ceux-ci, le même néoclassicisme, affirmé au tournant des deux siècles, un mouvement plus large, issu de l’historicisme subséquent et bien sûr de l’Art Nouveau qui conclut non seulement la période historiciste mais toute l’évolution classiciste commencée au XVe siècle.

Plus compliqué, mais nécessaire, de distinguer une culture classiciste durable vivant en Italie avec Giuseppe Piermarini ou Koch, et en Europe avec le palladianisme, qui ne peut être défini comme néo-Renaissance, car ce n’est pas un renouveau historiciste, mais une continuation directe de la tradition classiciste, vivante à la fois au XVIIe et au XVIIIe siècle, bien que parfois minoritaire.

Néoclassicisme
Le néoclassicisme du XIXe siècle poursuit les thèmes proposés au siècle dernier, notamment le caractère fortement programmatique et «rationaliste». Les éléments archéologiques sont mentionnés avec une plus grande signification philologique, en distinguant les différentes époques.

Les caractéristiques invariantes sont: plantes bloquées en figures régulières, symétrie bilatérale en plan et en élévation, prévalence du système trilithique sur les voûtes et voûtes (essentiellement liées à la nouvelle tendance néo-gothique), compositions volumétriques favorisant le développement horizontal. Les matériaux utilisés sont la pierre, le marbre, le stuc blanc ou même coloré lorsque la polychromie de l’architecture grecque a été découverte.

Les nouveaux types de bâtiments publics
Le néoclassicisme s’exprime surtout dans la conception de grands bâtiments publics représentatifs, même avec de nouveaux types tels que: les musées, les bibliothèques et les théâtres publics.

Deux œuvres de Karl Friedrich Schinkel émergent dans ce contexte: le théâtre Schauspielhaus de Berlin et le musée Altes, également à Berlin. Le premier est conçu par Schinkel dans l’obéissance à la fonction pratique du bâtiment, plutôt que monumental. Le bâtiment est composé d’un pronaos exastyle ionique avec un fronton surmonté de statues, précédé d’un escalier d’entrée haute. Le reste du bâtiment est caractérisé par une rationalité extrême, surélevée sur une base rustique de hauteur égale à celle de l’escalier d’accès. Les espaces intérieurs sont clairement dénoncés à l’extérieur: la pièce avec une plus grande hauteur de la salle, les corps latéraux du foyer. Au sommet de chaque volume en saillie il y a un fronton qui, en tant qu’élément récurrent, unifie et ramène toute la construction au classique.

Le musée Altes est plus clairement néoclassique. La figure du plan est un rectangle allongé, avec une galerie de chaque côté pour l’affichage des statues au rez-de-chaussée et des peintures à l’étage supérieur. Au centre se trouve un réservoir rond recouvert d’un dôme dont les intrados sont clairement dérivés du Panthéon. L’extérieur du dôme n’est pas rapporté, inscrit dans un rectangle pour favoriser l’aspect longitudinal de la composition. Le front principal est disposé sur un grand côté, il a un atrium précédé de dix-huit colonnes ioniques sur une base élevée à partir de laquelle il est accessible par un escalier ouvert disposé dans l’axe à l’avant.

Le British Museum de Robert Smirke à Londres est similaire pour son goût néoclassique marqué. La façade principale est caractérisée par deux portiques internes qui s’étendent vers l’extérieur formant deux ailes saillantes et l’entrée arrière, constituée d’un pronaos surmonté d’un fronton. Pour unifier la composition articulée de la façade il y a les quarante huit colonnes ioniques qui créent également un effet de clair-obscur évocateur. À l’intérieur, la bibliothèque du roi fut construite plus tard par le frère de Smirke, Sidney. La bibliothèque est caractérisée par le toit en dôme entièrement en fonte.

Un autre travail intéressant est le St. George’s Hall à Liverpool, conçu par Harvey Lonsdale Elmes. Le bâtiment rappelle le théâtre Schinkel pour la composition volumétrique et le musée Altes pour l’autre portique. Le bâtiment est très novateur: il a la façade d’un temple mais il est laïque (il contient des salles de classe pour les réunions et pour l’administration de la justice, une salle de concert, etc.); il résume pratiquement tout le répertoire de l’architecture classique. Typiquement du XIXe siècle, la différence entre l’extérieur sobre et l’intérieur richement décoré de façon éclectique devrait être notée.

Bâtiments religieux
La production néoclassique du XIXe siècle en France trouve sa référence dans la création de la Madeleine à Paris. Le bâtiment, initialement conçu pour être une église, est ensuite changé avec l’avènement de Napoléon au Temple de la Gloire. Le concours pour la transformation a été remporté par Pierre Vignon, un élève de Claude Nicolas Ledoux, qui a créé un gigantesque temple romain d’ordre corinthien sur un sous-sol élevé. Les intérieurs ont été édités par Jacques-Marie Huvé qui, ne disposant pas d’une référence classique précise, crée une plante composée d’une série de carrés couverts de dômes, sur le modèle des installations thermales.

Le paradigme du temple romain et les anciens thermes s’inspirent de nombreuses autres églises construites en France après la chute de Napoléon. Le modèle de référence encore au XIXe siècle est le Panthéon. À cette typologie appartiennent trois œuvres italiennes de grande valeur urbaine: la Basilique de San Francesco di Paola à Naples, celle de Sant’Antonio à Trieste et celle de la Gran Madre di Dio à Turin.

L’église napolitaine, située sur la Piazza del Plebiscito, est encadrée par Murat dans le plus grand projet d’hébergement sur la grande place en face du Palais Royal. Le projet gagnant est celui de Leopoldo Laperuta qui comprenait une église au centre de la colonnade semi-elliptique. Seul ce dernier a été construit lorsque l’église a fait l’objet d’une nouvelle compétition, remportée par Pietro Bianchi. Ferdinando Ier, revenu au trône après la seconde restauration des Bourbons, voulait donner à l’édifice un plus grand sens de la monumentalité. Le porche mène au temple composé d’un rond-point avec deux chapelles sur les côtés. L’effet est acropolico, de grande valeur monumental. Le paradigme du Panthéon est décliné de manière originale, avec l’inclusion des deux dômes pour couvrir les chapelles envahies. À l’intérieur du grand dôme est soutenu par un premier ordre de colonnes et un second de piliers.

Un autre travail modelé sur le Panthéon est l’église de S. Antonio à Trieste. Le terrain sur lequel il insiste est rectangulaire, donc Pietro Nobile a conçu un corps allongé divisé en trois salles de classe. Les deux côtés sont recouverts, le centre avec un dôme. Il manque donc l’intersection directe du pronaos avec le rond-point, mais en dehors du paradigme est certainement proposé avec originalité et innovation. La caractéristique de l’œuvre, comme on l’a dit, réside dans sa valeur urbaine: l’église est située au fond du Grand Canal de Trieste. La façade du temple se reflète dans l’eau et est à la fin d’une fuite prospective obligatoire.

Un autre travail qui incorpore le modèle du Panthéon, encore plus fidèlement en dehors des deux précédents, est l’église de la Grande Mère de Dieu à Turin. inséré à l’embouchure du premier pont construit sur le Pô par les Français, avec les collines derrière lui, est exalté par son emplacement urbain. Le réservoir est significativement détaché du modèle romain, re-proposant un contraste entre les environnements concaves et convexes typiques de l’architecture baroque.

Fonctionne en Italie
Giuseppe Piermarini, un élève de Vanvitelli, a créé la Villa Reale de Monza, inspiré par le palais casertana du maître, bien que profondément simplifié dans ses formes. Un disciple de Piermarini, Leopoldo Pollack, a conçu la Villa Reale à Milan et Villa Casati à Muggiò. À Livourne, sur un projet de Pasquale Poccianti, a été construit le Cisternone de Livourne, bâtiment qui fait clairement référence à l’architecture romaine et aux travaux d’Etienne-Louis Boullée et de Claude-Nicolas Ledoux: construit comme réservoir pour le nouvel aqueduc de la ville, Il a été conçu par l’architecte comme une sorte de propylée aux banlieues du XIXe siècle, au bout d’un chemin qui aurait conduit le visiteur des sources de l’aqueduc à la ville. Enfin, nous signalons le Caffè Pedrocchi de Padoue, de Giuseppe Jappelli.

Palladianisme
La production de villas et de résidences du XIXe siècle reste fortement liée au palladianisme et à la récupération de la tradition néo-renaissance, plus que les classiques. Peu ou rien de vraiment novateur a été construit au XIXe siècle dans la typologie résidentielle.

Styles revivalist

Néogothique
Le néo-gothique présente les invariants suivants: plantes et risers non bloqués, irréductibles aux figures élémentaires, prévalence de l’asymétrie, composition clairement verticale, effets de transparence et de luminosité, reprise des arcs brisés et des voûtes ogivales, utilisation des décorations. Cependant, parfois le néogothique perd le sens du majestueux, du hors-échelle, de l’irréel, basé sur des principes tels que l’économie de la structure, la correction constructive qui sera le fondement de l’architecture du fer.

Alors que le néoclassique, en général, est mieux adapté aux environnements urbains, le néogothique, en particulier dans les types résidentiels, poursuit le but du pittoresque: adapter le bâtiment au paysage.

Analysons maintenant les principales œuvres néo-gothiques du siècle. Le renouveau néo-gothique a des affinités avec le style de la néo-Renaissance et avec l’architecture du fer.

L’église All Saints de William Butterfield à Londres est un travail important. L’église émerge dans une rue latérale, presque cachée s’il n’y avait pas la tour qui émerge du profil urbain. L’église fait partie d’une parcelle carrée. De la route mène à une petite cour sur laquelle à gauche mène au presbytère, à la droite de l’école et frontalement, du côté long, à l’église. Dehors, vous pouvez voir l’utilisation alternée de briques rouges et noires, afin d’obtenir des décorations agréables. L’intérieur de l’église est caractérisé par l’abside plate, les trois nefs couvertes par une voûte ogivale. La composition des volumes du presbytère, de l’école, de l’église et de la haute tour est organique et fonctionnelle aux besoins ecclésiastiques.

Un autre travail néogothique important est le musée de l’Université d’Oxford, conçu et construit par Thomas Deane et Benjamin Woodward. L’extérieur, caractérisé par deux ordres de fenêtres à meneaux, toit en pente et tour de façade, re-propose le caractère polychrome et minimaliste du gothique italien.

Intéressant est le hall d’entrée à trois nefs surmonté d’un toit de fer et de verre, fait avec des arcs pointus soutenus par des faisceaux de piliers en fonte. Les arcs sont percés de décorations florales, les chapiteaux à feuilles d’acanthe. La structure métallique re-propose les nervures de maçonnerie de l’architecture gothique dans le nouveau matériau. La grande transparence et luminosité est essentiellement liée au toit: l’enceinte est entourée de tous côtés par un porche de type loggias sur loggias dont le module au rez-de-chaussée est marqué par deux arcs, le premier par quatre arches, toujours au sixième aigu.

Ruskin a également collaboré au travail, en fournissant personnellement la conception des fenêtres des loges. Ruskin, un adversaire profond de l’architecture de fer, collabore à la réalisation de l’œuvre, comme il semble le voir dans les décorations naturalistes des tunnels de fer, des ornements floraux ou des traits faunistiques de l’architecture gothique traduisant et reflétant l’admiration pour la nature. La salle est également destinée à accueillir la reconstruction de squelettes d’animaux préhistoriques dont la structure osseuse est étrangement assonante à celle du métal, suggérant une suggestion d’affinité morphologique.

Un travail mineur mais résolument novateur est l’église Saint-Eugène de Louis-Auguste Boileau. L’extérieur est presque entièrement fait de briques, avec des fenêtres ogivales et trois pignons. L’intérieur, à trois nefs, est entièrement fait de fer: piliers, arcs longitudinaux et transversaux, fretworks des fenêtres, rosaces, voûtes. Boileau interprète à la lettre l’idée de Viollet-le-Duc pour laquelle les cathédrales gothiques, avec leur structure, sont le précédent direct de l’architecture squelette moderne. Cependant, Viollet-le-Duc se référait plutôt à une conception et à une méthode constructive qu’à la récupération d’éléments morphologiques.

Anatole de Baudot, élève de Viollet-le-Duc, est le premier architecte à avoir construit une église en béton armé. Malgré l’utilisation d’une technologie aussi innovante, l’architecte présentait encore une «morphologie néo-gothique».

Neogreco
Julien-David Leroy, historien de l’architecture et maître de Durand, avait publié en 1758 une belle reconstitution des Propylées d’Athènes. Le thème est rapidement repris par Carl Gotthard Langhans dans le projet de la Porte de Brandebourg à Berlin. Il a une colonnade hexastyle moderne de style grecque dorique, une composition d’éléments appelés les Propylées, bien que les proportions ne soient que doriques. La porte représente non seulement l’accès à la ville de Berlin, mais un monument qui marque l’accès au néoclassicisme allemand. Le thème est également inclus dans le projet de William Wolins pour l’entrée de Downing College à Cambridge et les propylées de Leo von Klenze sur la Königsplatz à Munich.

Le thème de la propylée est également décliné par Friedrich Gilly dans le monument à Frédéric le Grand. Le monument non réalisé comprend trois parties:

une grande enceinte divisée par des volumes fermés à quatre ouvertures, deux à colonnades rappelant les propylées et deux à arcades surmontées de toits coniques tronqués rappelant quelques barrières de Ledoux;
un autre podium-base avec deux arcs d’accès dans l’axe avec le propylaea
et enfin,

le temple dorique periptero au-dessus du podium. Dans la composition est évidente une prévalence du plein sur les vides qui sont ainsi améliorés pour leur caractère unique.
Le projet de Gilly sera repris par Schinkel et Leo von Klenze, auteur de Walhalla à Ratisbonne et élève de Gilly. Klenze remporte le projet de construction du Walhalla ou du Panthéon allemand, selon Schinkel. Le Walhalla dans la mythologie nordique est le lieu où les âmes des héros tués dans la guerre étaient rassemblées, accueillies par les Walkyries.

Ludovico di Baviera décida de faire du monument un Panthéon allemand, à l’occasion de la défaite de Napoléon à Leipzig. La construction est un temple peripteral, placé dans une position d’acropole. La défaite de Napoléon à Leipzig et l’autre subie par les légions romaines par les peuples germaniques sont respectivement sculptées dans ses deux pignons. La base haute est divisée en escaliers et terrasses. L’intérieur présente des bustes de grands Allemands: Leibniz, Schiller, Mozart, etc. ainsi qu’une frise sculptée qui raconte l’histoire de l’Allemagne.

A ne pas manquer, le temple Canoviano di Possagno, probablement conçu par le sculpteur Antonio Canova (avec la collaboration de Giannantonio Selva) pour se souvenir de sa ville natale. Le bâtiment offre encore l’accouplement du rond-point du Panthéon et du pronaos dérivé du Parthénon. Le bâtiment atteint un haut niveau de majesté, de grandeur et de solennité grandiose.

Nouveau style
Avec la campagne de Napoléon en Egypte, de nombreuses découvertes égyptiennes arrivent en Europe. L’enthousiasme pour la campagne napoléonienne et l’intérêt pour une culture différente ont conduit au développement d’un style néo-égyptien, pas seulement en France.

Style néo-renaissance
Cependant, la plupart des productions du XIXe siècle s’inspirent de la Renaissance pour diverses raisons et surtout parce que tout l’enseignement des académies des beaux-arts était axé sur l’œuvre des grands traités italiens et sur l’architecture du XVIe siècle, reste une référence esthétique idéale pour la culture européenne. À ces éléments s’ajoutait la diffusion de textes qui avaient une grande influence sur la conception des bâtiments, car ils établissaient des modèles capables de conférer une dignité historique aux besoins de la société industrielle émergente parmi eux, il convient de mentionner Palais, maison et autres édifices modernés à Rome, par Charles Percier et Pierre-François-Léonard Fontaine (1809), et Edifices de Rome moderne, par Paul Letarouilly (à partir de 1840).

L’architecture de la néo-Renaissance a en effet repris l’appareil formel de l’architecture de la Renaissance, à l’imitation de bâtiments monumentaux spécifiques, parmi les plus célèbres, quoique modernes, avec une intention intentionnellement revivaliste et une philologie prudente, en distinguant aussi les différentes phases développement de l’architecture entre les XVe et XVIe siècles et entre les différents maîtres de la Renaissance.

Les traits marquants des bâtiments néo-renaissance sont: la recherche d’un volume simple et bloqué, la présence d’une ou plusieurs cours, la présence constante de fenêtres symétriques, de tympan ou de kiosques à journaux, la présence de colonnes et pilastres, de carrés et de cadres, décorations et plus d’éléments qui exaltent les valeurs architecturales de la façade. D’autres caractéristiques sont l’utilisation de pierre de taille, en particulier pour la base et d’autres éléments décoratifs de la Renaissance.

Les œuvres de la néo-Renaissance appartiennent à tous les types de bâtiments, y compris les bâtiments d’habitation, type le plus en expansion qui cherche à conférer une dignité historique en prenant pour modèle les palais de la Renaissance dont la typologie permet également de construire des immeubles en bloc , ainsi que pour rejoindre d’autres bâtiments adjacents. Les bâtiments publics tels que les théâtres, les bibliothèques, les musées, les banques, les édifices thermaux, les églises, etc. sont également très répandus.

Le renouveau de la néo-Renaissance a été établi au milieu du siècle, en réaction aux œuvres néo-gothiques, mais importantes aussi dans la première moitié du siècle et les anticipations aussi au XVIIIe siècle (par exemple l’œuvre de Giuseppe Piermarini), sans parler du palladianisme durable, qui cependant n’avait pas un caractère revivaliste, mais qui était la suite directe d’une longue tradition.

Parmi les œuvres néo-Renaissance les plus réussies, celles du goût italien conçues à Munich par Leo von Klenze: le Palazzo Leuchtenberg (1816), inspiré par le Palazzo Farnese, le Ministère de la Guerre, conçu comme une renaissance du Palazzo Medici, et toujours le Konigsbau (1826 – 1835), modelé sur la référence du Palazzo Pitti, la Pinacothèque (1826 – 1830), peut-être l’œuvre la plus importante de Klenze, dont le modèle est encore italien, le Palazzo della Cancelleria et qui montre tous les éléments caractéristiques le style.

Sir Charles Barry a présenté la néo-Renaissance à Londres. Ses deux œuvres principales sont le Traveller’s Club, inspiré par le Palazzo Pandolfini à Florence, et le Reform Club, inspiré par le Palazzo Farnese à Rome. En particulier, pour le Reform Club, il a conçu une cour intérieure à plan carré, avec deux ordres de loges surélevées, recouverte d’une élégante voûte de fer et de verre du XIXe siècle. La référence à Antonio da Sangallo est évidente dans le motif des fenêtres, avec un cadre plat sur le premier ordre et un tympan sur le second, pour les bosses disposées sur les coins du bâtiment et la lourde corniche.

En Italie, les anticipations de nouvelles tendances se retrouvent déjà à la fin du XVIIIe et au début du XIXe siècle, mais les caractères les plus éclectiques émergent dans la seconde moitié du XIXe siècle, lors du renouveau et de l’expansion urbaine suite à l’unification du royaume d’Italie. , continuant jusqu’au début du XXe siècle, lorsque ce style a uniformisé les nouveaux bâtiments construits suivant les plans de démolition et de reconstruction de certains centres historiques. Par exemple, les marques de la Renaissance comprennent la Galleria Vittorio Emanuele II de Milan (commencée en 1865), le Palazzo delle Assicurazioni Generali (1871) et les arcades de la place de la République (1885-1895) à Florence, le Palazzo Koch à Rome ( 1880 – 1892), la Galleria Umberto I (1887 – 1890) et le Palais de la Bourse de Naples (1895-1899).

Le style s’est également développé en Europe de l’Est, notamment à Prague, au Royaume de Hongrie (Théâtre d’Opéra et Basilique Saint-Étienne à Budapest) et en Russie (par exemple le Palais Vladimirsky à Saint-Pétersbourg).

Au contraire, en France, un courant inspiré par le classicisme français s’est répandu et donc caractérisé par de grands toits de pavillon; Ce projet a été introduit dans la reconstruction de l’Hôtel de Ville à Paris, a atteint son apogée dans l’achèvement du Louvre et a également été repris en Angleterre et en Amérique.

Neobarocco
Le néo-baroque n’a jamais été configuré au XIXe siècle comme un renouveau précis, mais il devrait plutôt être considéré comme caractérisé par la grandeur, l’étonnement, la redondance; les vestiges néo-baroques loin des formes Berninienne, Borrominienne ou Guarinienne. L’architecture néo-baroque paradigmatique peut être considérée comme l’Opéra Théâtre de Jean-Louis-Charles Garnier. Le bâtiment du théâtre, en fait, est un bâtiment néo-Renaissance, inspiré plus par le XVIe siècle italien que par le français. Sa figure de plan est grossièrement inscrite dans un rectangle divisé en quatre parties: l’atrium avec l’escalier, la salle hémisphérique, la scène profonde et les coulisses du service local. Chaque environnement est caractérisé par une hauteur différente. Derrière la scène, des environnements de développement pour les demoiselles d’honneur, les fumeurs et tous les environnements que Garnier considérait comme faisant partie intégrante du spectacle. Chaque côté du rectangle a une entrée: sur le devant principal le piéton, sur le côté arrière l’accès à la scène, sur les longs côtés l’un pour les voitures et l’impériale.

La façade principale est caractérisée par un portique avec deux ordres de sept travées: au premier niveau une théorie d’arcades sur piliers, dont les deux extrémités légèrement saillantes; au niveau supérieur, il y a des colonnes jumelées supportant la trabeation monumentale qui est surmontée de tympans arqués dans les travées latérales en saillie. Comme un enrichissement de l’étage à colonnades il y a une mezzanine soutenue par des colonnes élancées qui font le géant de la commande double.

Le bâtiment est densément décoré avec l’utilisation de couleurs, la diversité des matériaux, des guirlandes, des glaçures, des tunnels, des sculptures simples ou des groupes de marbre.

Neoromanico

Neobizantino

Style géorgien

L’éclectisme historiciste comme hybridation stylistique
L’éclectisme fondamental de la culture architecturale du XIXe siècle crée aussi des épisodes et des aspects particuliers qui ne sont pas entièrement encadrés dans la subdivision en styles, donnant vie à des bâtiments qui combinent de manière éclectique des éléments d’ascendance gréco-romaine avec d’autres origines romanes, gothiques ou Renaissance.

Dans cette catégorie on peut attribuer l’église de Saint Vincent de Paul à Paris par Jacques-Ignace Hittorff. L’église a une usine de basilique à trois nefs. Le toit en treillis en bois exposé est soutenu par une double rangée de colonnes. La façade principale, précédée d’un large escalier, se caractérise par la présence d’un pronaos exastyle, mais surtout par les deux tours latérales, caractéristiques de l’architecture romane ou gothique. Cependant, les tours sont déclinées avec un langage typiquement néo-Renaissance: pilastre, cadres, fenêtres à pignon. Encore la balustrade entre les deux tours, ornée de statues, est un élément typique de la tradition de la Renaissance. Hittorff est parmi les principaux partisans de la polychromie de l’architecture grecque et sur le modèle de ces colonnes de couleurs rose, a le fascia qui sépare les deux ordres et la couleur des fermes de rouge, bleu et or.

Le thème de la tour romano-gothique implanté dans les bâtiments de la matrice classique est également répété dans la cathédrale de Copenhague par Christian Hansen, où une tour massive est insérée dans le bâtiment rectangulaire, dans l’axe avec un pronaos exastyle. L’intérieur est caractérisé par une série d’arcs sur des piliers soutenant le matroneo et un deuxième ordre de colonnes doriques soutenant la voûte de baril avec des lacunars d’inspiration romaine claire. L’intérieur a été comparé à plusieurs reprises à la bibliothèque Boullée

Urbanisme et transformations urbaines
Un important phénomène sociologique lié à l’affirmation de l’économie industrielle est la forte croissance des villes dans une bien plus grande mesure que dans les siècles précédents. Au XIXe siècle, un nouveau plan d’urbanisme a été créé, dans lequel les transports et les infrastructures en général, le commerce, l’industrie et la gestion urbaine gagnent en importance et en attention.

Parmi les principales interventions de l’urbanisme néoclassique, la première en ordre chronologique est celle de la rue de Rivoli à Paris, conçue par les architectes napoléoniens Charles Percier et Pierre-François-Léonard Fontaine et achevée sous Napoléon III. Les deux architectes, inventeurs de l’Empire Style, conçoivent une ligne droite de bâtiments continus sur portiques, dont seules les façades sont conçues, laissant derrière elles la construction des bâtiments à des particuliers. De cette façon, ils obtiennent un effet de l’unicité des fronts. Cependant, transformer radicalement la ville était le plan de la ville de Paris, du baron Haussmann.

En Angleterre, pendant la période de la régence du prince de Galles, une intervention remarquable fut celle de la construction du quartier résidentiel appartenant à la couronne dans le parc de Marylebone avec la connexion, par une nouvelle route, du parc St James. La nouvelle route a traversé une zone de logement pauvre et délabrée qui a été restaurée. Le concepteur et l’entrepreneur partiel de l’oeuvre étaient John Nash.

Dans la partie sud de Regent’s Park, Nash conçoit de longues séries de maisons mitoyennes, disposées en terrasses, afin que chacune d’entre elles puisse profiter de la vue sur le parc, qui reste au moins pour moitié au vert public. Dans la partie la plus au sud du parc, un arrangement de maisons semi-circulaires, appelé Park Crescent, mène à la rue Regent, une route reliant le parc à la résidence du régent. La nouvelle route a une ligne non-droite, les joints sont essentiellement dus à des préexistences architecturales ou à des propriétés foncières appartenant à des nobles, en particulier à des «wighs», que Nash évite d’envahir.

Un Roma a été réarrangé la Piazza del Popolo. En effet, malgré les présences monumentales telles que les Eglises jumelles de Rainaldi, l’obélisque égyptien, la Porta del Popolo, la basilique de Santa Maria del Popolo et le couvent, la place avait le caractère d’une banlieue confuse. Le premier projet de Giuseppe Valadier prévoyait la construction de deux grands bâtiments pour les casernes de manière à définir un carré trapézoïdal, avec les églises jumelles sur la base principale et la Porta del Popolo sur la plus petite. Les maisons de la place et le couvent ont été démolis. La présence des deux grands bâtiments par des casernes, cependant, aurait diminué la valeur monumentale de l’architecture dans la place et donc Valadier a décidé de mettre à jour le projet avec le remplacement des deux bâtiments avec autant de jardins bordés de grilles de fer pour définir le carré envahi de forme trapézoïdale. Bien que les jardins aient exalté les monuments de la place, ils ont contribué à rendre le carré dénudé.

A Milan, Giovanni Antolini, près du Castello Sforzesco, dessine le Foro Bonaparte (1800-1801). Antolini propose un nouveau système routier, basé sur des motifs géométriques rigides, dans le but de transformer Milan en une ville moderne et régulière, avec des routes reliant les différents pôles importants de la ville, tels que le Duomo et le Château, ainsi que de nouvelles places . Mais à cause des problèmes opérationnels et surtout des ressources économiques nécessaires, dès 1802, le projet est en fait abandonné et ne sera jamais réalisé. Néanmoins, le projet Antolini reste la preuve d’un moment de grande fermentation intellectuelle et d’expérimentation. Puis quand Luigi Canonicais, responsable de la refonte de l’usine de Milan avec des propositions alternatives pour les lignes droites, reprendra toutes les propositions, abandonnant le même forum. Canonica est également l’auteur de l’arc de triomphe du Sempione à Milan.

Dans les années entre 1850 et 1880, nous avons assisté au redéveloppement, à l’expansion et au réaménagement de diverses villes européennes telles que Paris, Barcelone, Vienne, Bruxelles et Naples.

En 1857 à Vienne, l’expansion de la Ringstrasse, conçue par Emil von Forster, a eu lieu.

Paradigmatiques étaient les interventions à Paris, sous Napoléon III, menées par le préfet Haussmann. Le plan de Paris intègre des solutions déjà identifiées par Napoléon comme la démolition de la ville, la démolition de nombreux bâtiments pour la construction de trois axes routiers droits (dont la rue de Rivoli) pour assainir l’aménagement urbain de la ville et offrir la possibilité de créer et les bâtiments privés. En plus de l’opéra, l’extension baroque du Louvre et la réalisation des Halls Centraux, caractérisés par la couverture en treillis Polonceau, sont également inclus dans le plan.