VJing o Visual jockey es una designación amplia para el rendimiento visual en tiempo real. Las características de VJing son la creación o manipulación de imágenes en tiempo real a través de la mediación tecnológica y para una audiencia, en sincronización con la música. VJing a menudo se lleva a cabo en eventos como conciertos, clubes nocturnos, festivales de música y, a veces, en combinación con otras artes escénicas. Esto da como resultado una actuación multimedia en vivo que puede incluir música, actores y bailarines. El término VJing se hizo popular en su asociación con Video Jockey de MTV, pero sus orígenes se remontan a la escena de clubes de Nueva York de los años 70. En ambas situaciones, VJing es la manipulación o selección de imágenes, de la misma manera que DJ es una selección y manipulación de audio.

Uno de los elementos clave en la práctica de VJing es la combinación en tiempo real de contenido de una «biblioteca de medios», en medios de almacenamiento como cintas VHS o DVD, archivos de video e imágenes fijas en discos duros de computadora, entrada de cámara en vivo o desde visuales generados por computadora. Además de la selección de medios, VJing implica principalmente el procesamiento en tiempo real del material visual. El término también se usa para describir el uso performativo del software generativo, aunque la palabra «se vuelve dudosa (…) ya que no se está mezclando ningún video».

Orígenes
La abreviatura VJ desarrollada en base al concepto de disc jockeys (DJ) y light jockeys (LJ). El jockey visual no debe confundirse con el video jockey. La actividad de presentador de un video jockey en programas de música de TV difiere significativamente del desempeño artístico de un jockey visual.

En los países de habla alemana, especialmente en la fortaleza VJ de Viena, se ha mantenido un debate sobre la designación de los VJ durante varios años. El término «visualista» se usa cada vez más aquí para referirse a una persona que, en el sentido más amplio, crea videoarte utilizando la técnica de un «VJ clásico», pero que actúa independientemente del evento musical. Por un lado, se hace referencia a la independencia del videoarte creado en tiempo real. Por otro lado, la mejor diferenciación conceptual del «video jockey» puro también se puede utilizar para describir las nuevas tendencias en la escena. En los últimos tiempos, la tendencia ha sido hacia la generación en vivo de contenido y el uso del mapeo de proyección. A diferencia del clásico VJ, que utiliza material existente (en forma de videoclips, animaciones, fotos, etc.) en uso en vivo, El visualista genera el material en tiempo real durante el uso. Para esto utiliza el llamado software generativo. Mediante el uso de mapeo de video y la distribución de objetos de proyección en toda la sala de exposición, el VJ moderno (o visualista) también se libera de la vista enfocada enfocada en una sola pantalla rectangular.

Historia

Antepasados
Históricamente, VJing obtiene sus referencias de formas de arte que se ocupan de la experiencia sinestésica de la visión y el sonido. Estas referencias históricas se comparten con otras formas de arte audiovisual en vivo, como Live Cinema, para incluir la cámara oscura, el panorama y el diorama, la linterna mágica, el órgano de color y los espectáculos de luz líquida.

El órgano de color es un mecanismo para hacer que los colores se correspondan con el sonido a través de medios mecánicos y electromecánicos. Bainbridge Bishop, quien contribuyó al desarrollo del órgano de color, estaba «dominado con la idea de pintar música». En un libro de 1893 que documenta su trabajo, Bishop declara: «Compré un órgano y experimenté construyendo un archivo adjunto a las teclas, que tocaría con luces de diferentes colores para corresponder con la música del instrumento».

Entre 1919 y 1927, Mary Hallock-Greenewalt, solista de piano, creó una nueva forma de arte tecnológico llamada Nourathar, que significa «esencia de la luz» en árabe. Su música ligera consistía en campos de color ambientales que producían una escala de intensidades de luz y color. «En lugar de un teclado, el Sarabet tenía una consola con controles deslizantes graduados y otros controles, más como una moderna mesa de mezclas. Las luces se podían ajustar directamente a través de los controles deslizantes, mediante el uso de un pedal, y con interruptores que funcionaban de forma individual llaves.»

En los clubes y eventos privados en la década de 1960 «la gente usaba toboganes líquidos, bolas de discoteca y proyecciones de luz sobre el humo para dar al público nuevas sensaciones. Algunos de estos experimentos estaban relacionados con la música, pero la mayoría de las veces funcionaban como decoraciones». Estos llegaron a ser conocidos como espectáculos de luz líquida. De 1965 a 1966 en San Francisco, los espectáculos visuales de colectivos de artistas como The Joshua Light Show y Brotherhood of Light acompañaron los conciertos de The Grateful Dead, inspirados por la generación Beat, en particular los Merry Pranksters, y alimentados por el » expansión de la conciencia «de las pruebas de ácido.

The Explosión de plástico inevitable, entre 1966 y 1967, organizado por Andy Warhol contribuyó a la fusión de música y visuales en un contexto de fiesta. «El proyecto Exploding Party examinó la historia de la fiesta como un formato artístico experimental, centrándose en particular en la visualización de música, también en contextos en vivo»

1970
Eventos importantes
A fines de la década de 1970, el rendimiento de video y música se integró más estrechamente. En los conciertos, algunas bandas comenzaron a tener películas / videos regulares junto con su música. El cineasta experimental Tony Potts fue considerado un miembro no oficial de The Monochrome Set por su trabajo en diseño de iluminación y realización de películas para proyecciones para espectáculos en vivo. El Departamento de Pruebas trabajó inicialmente con «Bert» Turnball como su artista visual residente, creando presentaciones de diapositivas y películas para presentaciones en vivo. La organización, el Ministerio del Poder, incluyó colaboraciones con grupos de actuación, coros tradicionales y varios activistas políticos. Las bandas industriales actuarían en contextos artísticos, así como en salas de conciertos y, a menudo, con proyecciones de video. Grupos como Cabaret Voltaire comenzaron a usar equipos de edición de video de bajo costo para crear sus propios collages basados ​​en el tiempo para sus trabajos de sonido. En sus palabras, «antes [del uso del video], tenía que hacer collages en papel, pero ahora los presenta en ritmo, tiempo de vida, en video». Los collages de películas realizados por y para grupos como Test Dept, Throbbing Gristle y Tuxedomoon de San Francisco se convirtieron en parte de sus shows en vivo.

Un ejemplo de mezcla de películas con presentaciones en vivo es el de Public Image Ltd. en el Ritz Riot en 1981. Este club, ubicado en East 9th St en Nueva York, tenía un sistema de proyección de video de última generación. Se usó para mostrar una combinación de video pregrabado y en vivo en la pantalla del club. PiL jugó detrás de esta pantalla con luces traseras proyectando sus sombras en la pantalla. Esperando un espectáculo de rock más tradicional, el público reaccionó arrojando la pantalla de proyección con botellas de cerveza y eventualmente bajando la pantalla.

Desarrollos tecnológicos
Un retiro de artistas en Owego Nueva York llamado Experimental Television Center, fundado en 1971, hizo contribuciones al desarrollo de muchos artistas al reunir el hardware experimental creado por los pioneros del videoarte: Nam June Paik, Steve Rutt y Bill Etra, y puso a disposición el equipo a artistas en un ambiente acogedor para la experimentación gratuita. Muchos de los resultados se estrenaron en el club nocturno Hurray, que rápidamente se convirtió en una nueva alternativa para los artistas de video que no podían transmitir sus producciones de vanguardia en los medios de difusión regulares. Del mismo modo, el desarrollo de videos musicales estaba ocurriendo en otras ciudades importantes de todo el mundo, proporcionando una alternativa a la televisión convencional.

Un procesador de imágenes notable es el Sandin Image Processor (1971), principalmente porque describe lo que ahora se conoce comúnmente como código abierto.

El procesador de imagen Dan Sandin, o «IP», es un procesador de video analógico con señales de video enviadas a través de módulos de procesamiento que se dirigen a un codificador de color de salida. El atributo más exclusivo de IP es su filosofía no comercial, que enfatiza el acceso público a los métodos de procesamiento y las máquinas que ayudan a generar las imágenes. La IP fue la expresión electrónica de Sandin para una cultura que «aprendería a usar máquinas de alta tecnología para el crecimiento personal, estético, religioso, intuitivo, integral y exploratorio». Este objetivo educativo se complementó con una «religión de distribución» que permitió a los artistas de video, y grupos sin fines de lucro, «sintetizar» el sintetizador de video por el costo de las piezas y el sudor y la mano de obra necesarios para construirlo. . Era el «Heathkit» de las herramientas de videoarte, con un plan de construcción completo, que incluye esquemas electrónicos e información de ensamblaje mecánico. También se incluyeron en la documentación consejos sobre soldadura, adquisición de piezas electrónicas y placas de circuito impreso, lo que aumenta las posibilidades de construir con éxito una versión funcional del sintetizador de video.

1980
Eventos importantes
En mayo de 1980, el artista / cineasta multimedia Merrill Aldighieri fue invitado a proyectar una película en el club nocturno Hurray. En este momento, los videoclips musicales no existían en gran cantidad y la instalación del video se utilizaba para presentar una película ocasional. Para llevar el papel de las imágenes al mismo nivel que la música del DJ, Merrill creó un gran conjunto de imágenes ambientales que se podían combinar en tiempo real para interpretar la música. Trabajando junto al DJ, esta colección de imágenes en bruto se mezcló en tiempo real para crear una interpretación visual continua de la música. Merrill se convirtió en el primer VJ a tiempo completo del mundo. Los fundadores de MTV vinieron a este club y Merrill les presentó el término y el papel de «VJ», inspirándolos a tener anfitriones de VJ en su canal al año siguiente.

Merrill colaboró ​​con muchos músicos en el club, especialmente con el músico electrónico Richard Bone para hacer el primer álbum de video musical ambiental titulado «Video emergente». Gracias a una subvención del Experimental Television Center, su mezcla de video y película de 16 mm tuvo la marca influyente de los únicos sintetizadores Rutt Etra y Paik. Esta película se ofreció en VHS a través de «High Times Magazine» y apareció en la programación del club. Su siguiente incursión en la audiencia de videos caseros fue en colaboración con el brazo recién formado de Sony, Sony HOME VIDEO, donde introdujo el concepto de «romper música en video» con su serie DANSPAK. Con algunas excepciones como Jim Carrol Band con Lou Reed y Man Parrish, esta serie presentaba bandas desconocidas, muchas de ellas sin firmar.

El auge de la música electrónica (especialmente en los géneros house y techno) y la cultura del club de DJ brindaron más oportunidades para que los artistas crearan visuales en vivo en los eventos. La popularidad de MTV condujo a una mayor y mejor producción de videos musicales para transmisión y VHS, y muchos clubes comenzaron a mostrar videos musicales como parte del entretenimiento y la atmósfera.

Joe Shannahan (propietario de Metro en 1989-1990) estaba pagando a artistas por contenido de video en VHS. Parte de la noche tocarían videos musicales de MTV y parte de la noche harían mezclas de artistas locales que Shanahan había encargado.

Medusa’s (un bar para todas las edades en Chicago) incorporó imágenes como parte de sus actuaciones artísticas nocturnas desde principios hasta mediados de los años 80 (1983-85). También en Chicago a mediados de los 80 se encontraba el Smart Bar, donde Metro realizaba «Video Metro» todos los sábados por la noche.

Desarrollos tecnológicos
En la década de 1980, el desarrollo de transistores relativamente baratos y tecnología de circuito integrado permitió el desarrollo de hardware de efectos de video digital a un precio al alcance de los propietarios de clubes nocturnos y VJ individuales.

Uno de los primeros sintetizadores de video distribuidos comercialmente disponible en 1981 fue el CEL Electronics Chromascope que se vendió para su uso en la escena del club nocturno en desarrollo. El Fairlight Computer Video Instrument (CVI), producido por primera vez en 1983, fue revolucionario en esta área, permitiendo la aplicación de efectos digitales complejos en tiempo real a fuentes de video. El CVI se hizo popular entre los productores de televisión y videos musicales y aparece en varios videos musicales de la época. El Commodore Amiga presentado en 1985 hizo un gran avance en la accesibilidad para las computadoras domésticas y desarrolló los primeros programas de animación por computadora para animación 2D y 3D que podrían producir resultados de transmisión en una computadora de escritorio.

1990s
Eventos importantes
Una serie de trabajos grabados comienzan a publicarse en la década de 1990 para distribuir aún más el trabajo de los VJ, como las compilaciones Xmix (a partir de 1993), las «Formas de vida» de Future Sound of London (VHS, 1994), el Desglose de telecomunicaciones de la Red de transmisión de emergencia. «(VHS, 1995),» Timber «de Coldcut and Hexstatic (VHS, 1997 y más tarde en CDRom que incluye una copia del software VJamm VJ), la compilación» Mego Videos «de obras de 1996-1998 (VHS / PAL, 1999) y la serie de televisión de 1998 de Addictive TV «Transambient» para el Canal 4 del Reino Unido (y lanzamiento en DVD).

En los Estados Unidos, la aparición de la escena rave quizás se deba al cambio de la escena VJ de clubes nocturnos a fiestas clandestinas. Desde alrededor de 1991 hasta 1994, Mark Zero hacía bucles de cine en fiestas de Chicago y fiestas en casa. Una de las primeras raves de Chicago a gran escala fue la «Revolución masiva de la víspera de Año Nuevo» en 1993, producida por la red Drop Bass de Milwaukee. Fue un evento notable ya que contó con los VJ de Optique Vid Tek (OVT) en la factura. Este evento fue seguido por Psychosis, celebrada el 3 de abril de 1993, y encabezada por Psychic TV, con imágenes de OVT Visuals. En San Francisco, Dimension 7 era un colectivo VJ que trabajaba en la escena rave de la costa oeste a principios de 1993. Entre 1996 y 1998, Dimension 7 llevó proyectores y láseres al festival Burningman,

En el Reino Unido, grupos como The Light Surgeons y Eikon estaban transformando clubes y eventos rave al combinar las viejas técnicas de espectáculos de luces líquidas con capas de proyecciones de diapositivas, películas y videos. En Bristol, surgió Children of Technology, pionero en entornos inmersivos interactivos derivados de la tesis arquitectónica del cofundador Mike Godfrey mientras estaba en la universidad durante la década de 1980. Children of Technology integró su biblioteca de texturas de animación y video CGI local con salida de la Virtual Light Machine (VLM), la creación de Jeff Minter y Dave Japp, con salida en más de 500 metros cuadrados de pantallas en capas usando video de alta potencia y proyección láser. dentro de un espectáculo de luces dedicado. Su «Ambient Theatre Lightshow» surgió por primera vez en Glastonbury 93 y también proporcionaron visuales VJ para los Shamen, que acababa de lanzar su éxito número 1. «Ebeneezer Good» en el festival. Músicos invitados participaron en el espectáculo de luces de teatro ambiental, usando el VLM, dentro de un entorno inmersivo prototipo.

Children of Technology incorporó conceptos de video interactivo en una amplia gama de proyectos, incluida la producción de espectáculos para elogios «Obsession» entre 1993 y 1995, teatro, clubes, publicidad, grandes espectáculos y eventos de televisión. Esto incluyó proyectos pioneros con grabación y rendimiento de video / sonido en 3D, y grandes proyectos arquitectónicos a fines de la década de 1990, donde muchas ideas de tecnología de medios se estaban consolidando. Otro colectivo, «Hex», trabajaba en una amplia gama de medios, desde juegos de computadora hasta exhibiciones de arte, el grupo fue pionero de muchos nuevos híbridos de medios, incluyendo interferencia audiovisual en vivo, presentaciones de audio generadas por computadora e instrumentos interactivos de colaboración. Este fue el comienzo de una tendencia que continúa hoy con muchos VJ trabajando más allá de la escena del club y la fiesta de baile en áreas como el arte de instalación.

El libro japonés «VJ2000» (Daizaburo Harada, 1999) marcó una de las primeras publicaciones dedicadas a discutir las prácticas de los VJ.

Desarrollos tecnológicos
La combinación de la emergente escena rave, junto con la tecnología de video un poco más asequible para los sistemas de entretenimiento en el hogar, hizo que los productos de consumo se utilizaran más ampliamente en la producción artística. Sin embargo, los costos de estos nuevos tipos de equipos de video todavía eran lo suficientemente altos como para ser prohibitivos para muchos artistas.

Hay tres factores principales que conducen a la proliferación de la escena VJ en la década de 2000:

laptops asequibles y más rápidas;
caída de los precios de los proyectores de video (especialmente después de la caída de las puntocom donde las compañías estaban cargando sus productos en craigslist)
la aparición de escenas rave fuertes y el crecimiento de la cultura del club a nivel internacional
Como resultado de esto, la escena VJ vio una explosión de nuevos artistas y estilos. Estas condiciones también facilitaron la aparición repentina de un movimiento menos visible (pero no obstante fuerte) de artistas que creaban visuales algorítmicos y generativos.

En esta década, la tecnología de video pasó de ser estrictamente para estudios profesionales de cine y televisión a ser accesible para el mercado prosumidor (por ejemplo, la industria de bodas, presentaciones en la iglesia, películas de bajo presupuesto y producciones de televisión comunitaria). Estos mezcladores fueron adoptados rápidamente por los VJ como el componente central de sus configuraciones de rendimiento. Esto es similar al lanzamiento de los giradiscos Technics 1200, que se comercializaron para los propietarios que desean un sistema de entretenimiento en el hogar más avanzado, pero luego fueron apropiados por músicos y entusiastas de la música para la experimentación. Inicialmente, los mezcladores de video se usaban para mezclar material de video preparado previamente de reproductores VHS y fuentes de cámaras en vivo, y luego para agregar las nuevas salidas de software de la computadora a su mezcla. Los años 90 vieron el desarrollo de una serie de mezcladores de video digital como el WJ-MX50 de Panasonic,

Los primeros sistemas de edición de escritorio, como el NewTek Video Toaster para la computadora Amiga, fueron rápidamente utilizados por los VJ que buscaban crear imágenes para la emergente escena del delirio, mientras que los desarrolladores de software comenzaron a desarrollar sistemas diseñados específicamente para imágenes en vivo como «Bitbopper de O’Wonder». «.

El primer software conocido para VJ fue Vujak, creado en 1992 y escrito para Mac por el artista Brian Kane para su uso por el grupo de videoarte del que formaba parte, Emergency Broadcast Network, aunque no se usó en presentaciones en vivo. EBN utilizó el EBN VideoSampler v2.3, desarrollado por Mark Marinello y Greg Deocampo. En el Reino Unido, los Niños de Tecnología de Bristol desarrollaron un espectáculo de luces de video inmersivo dedicado utilizando la Máquina de luz virtual (VLM) llamada AVLS o Audio-Visual-Live-System durante 1992 y 1993. La VLM fue una PC personalizada creada por el ingeniero de video Dave Japp usando chips de computadora súper raros y placas base modificadas, programados por Jeff Minter (Llamasoft & Virtual Light Co.).

El VLM se desarrolló después del anterior programa de sintetizador de luz Llamasoft de Jeff. Con VLM, los DI de músicos en vivo o DJ’s activaron los patrones algorítmicos de video en tiempo real de Jeff, y esto se mezcló en tiempo real usando mezcladores de video pansónicos con animación CGI / biblioteca de texturas personalizadas VHS y retroalimentación de video con cámara en vivo. Children of Technology desarrolló su propio sistema de «Video Light», usando proyección de video de alta potencia y baja potencia para generar efectos de haz 3D en tiempo real, simultáneamente con una enorme superficie y proyección mapeada.

El VLM fue utilizado por Shamen, The Orb, Primal Scream, Obsession, Peter Gabriel, Prince y muchos otros entre 1993 y 1996. Una versión de software del VLM se integró en la consola Jaguar de Atari, en respuesta al creciente interés de VJ. A mediados de los 90, el software de síntesis pura reactiva de audio (a diferencia de los basados ​​en clips) como Cthugha y Bomb fueron influyentes. A finales de los 90, había varios softwares VJing basados ​​en PC disponibles, incluidos programas visuales generativos como MooNSTER, Aestesis y Advanced Visualization Studio, así como reproductores de videoclips como FLxER, creado por Gianluca Del Gobbo y VJamm.

Los entornos de programación como Max / MSP, Macromedia Director y más tarde Quartz Composer comenzaron a ser utilizados por ellos mismos y también para crear programas VJing como VDMX o pixmix. Estos nuevos productos de software y los incrementos dramáticos en el poder de procesamiento de la computadora durante la década significaron que los VJ ahora llevaban regularmente las computadoras a conciertos.

2000s
Eventos importantes
El nuevo siglo ha traído nuevas dinámicas a la práctica del rendimiento visual. Ser un VJ anteriormente había significado en gran medida un proceso de autoinvención aislado de otros: el término no era ampliamente conocido. Luego, a través del aumento de la adopción de Internet, tener acceso a otros profesionales se convirtió en la norma, y ​​rápidamente se formaron comunidades virtuales. El sentido de colectivo luego se tradujo del mundo virtual a espacios físicos. Esto se hace evidente a través de los numerosos festivales que surgen en toda Europa con un fuerte enfoque en VJing.

Eventos de VJ en Europa
El festival VideA en Barcelona se desarrolló entre 2000 y 2005. AVIT, claro en sus inicios como la comunidad en línea de VJCentral.com que se autoorganiza una presencia física, tuvo su primer festival en Leeds (2002), seguido de Chicago (2003), Brighton (2003), San Francisco (2004) y Birmingham (2005), 320×240 en Croacia (2003), Contact Europe en Berlín (2003). Además, el festival Cimatics en Bruselas debe acreditarse como un evento pionero, con una primera edición del festival en 2002 completamente dedicada a VJing. En 2003, el festival finlandés de artes mediáticas PixelAche se dedicó al tema de VJing, mientras que en 2003, el Chaos Computer Club de Berlín comenzó una colaboración con los organizadores de AVIT que incluyeron VJ Camps y cadenas de congresos. LPM – Live Performers Meeting nació en Roma en 2004, con el objetivo de ofrecer un espacio de reunión real para artistas que a menudo trabajan individualmente, un lugar para conocer a otros artistas de VJ, escindir nuevos proyectos y compartir todas las experiencias, softwares, preguntas e ideas relacionadas con VJing. Desde entonces, LPM se ha convertido en uno de los principales encuentros internacionales dedicados a artistas, profesionales y entusiastas del VJing, el rendimiento de video visual y en vivo, contando su vigésima edición en 2019. También en esta época (en 2005 y 2007), los artistas del Reino Unido Addictive TV se unieron con el British Film Institute para producir Optronica, un evento cruzado que muestra actuaciones audiovisuales en el cine IMAX de Londres y BFI Southbank.

Dos festivales totalmente dedicados a VJing, Mapping Festival en Ginebra y Vision’R en París, celebraron su primera edición en 2005. A medida que surgieron estos festivales que presentaban a los VJ de manera prominente como actos principales (o todo el foco del festival), la escena del festival rave También comenzó a incluir regularmente VJ en sus alineaciones de escenario principal con diversos grados de prominencia.

Eventos VJ más allá de Europa
El festival MUTEK (2000-presente) en Montreal presentaba regularmente VJ junto con representaciones experimentales de arte sonoro, y más tarde el Festival Elektra (2008-presente) también surgió en Montreal y contó con muchas representaciones de VJ. En Perth, Australia, el Byte Me! El festival (2007) mostró el trabajo de muchos VJ del área de la Cuenca del Pacífico junto con nuevos teóricos de los medios y profesionales del diseño.

Con menos fondos, la escena estadounidense ha sido sede de más talleres y salones que festivales. Entre 2000–2006, Grant Davis (VJ Culture) y Jon Schwark de Dimension 7 produjeron «Video Salon», una reunión mensual regular importante para ayudar a establecer y educar a una comunidad VJ fuerte en San Francisco, y asistieron VJ en California y Estados Unidos. Estados Además, produjeron un «Video RIOT!» Anual (2003–2005) como una declaración política después de la Ley RAVE (Ley de reducción de la vulnerabilidad de los estadounidenses al éxtasis) de 2003; una muestra de insatisfacción por la reelección de George W. Bush en 2004; y desafiando una ordenanza de la ciudad de San Francisco que limita las reuniones públicas en 2005.

Varias batallas y competencias de VJ comenzaron a surgir durante este período de tiempo, como «SIGGRAPH VJ Battle» de Video Salon en San Diego (2003), la serie «AV Deathmatch» de Videocake en Toronto (2006) y los «Concursos de VJ» en el Mapping Festival en Ginebra (2009). Funcionaron de manera muy similar a una batalla de DJ tradicional en la que a los VJ se les daría una cantidad de tiempo establecida para mostrar sus mejores mezclas y un panel de jueces los juzgaría según varios criterios.

Desarrollos tecnológicos
La disponibilidad y la asequibilidad de la nueva tecnología a nivel del consumidor permitió que muchas más personas se involucraran en VJing. El aumento dramático en el poder de procesamiento de la computadora que se hizo disponible facilitó configuraciones más compactas, pero a menudo más complejas, a veces permitiendo que los VJ omitieran el uso de un mezclador de video, usando computadoras poderosas que ejecutan software VJ para controlar su mezcla. Sin embargo, muchos VJ continúan usando mezcladores de video con múltiples fuentes, lo que permite flexibilidad para una amplia gama de dispositivos de entrada y un nivel de seguridad contra fallas o ralentizaciones en la reproducción de video debido a la sobrecarga de la CPU de las computadoras debido a la naturaleza exigente del tiempo real procesamiento de video

Los VJ de hoy tienen una amplia variedad de productos de hardware listos para usar, que cubren todos los aspectos del rendimiento visual, incluida la reproducción de muestras de video (Korg Kaptivator), los efectos de video en tiempo real (Korg Entrancer) y la generación visual en 3D.

El uso generalizado de DVD dio la iniciativa a los reproductores de DVD que se pueden rayar.

Muchos modelos nuevos de controladores MIDI estuvieron disponibles durante la década de 2000, lo que permite a los VJ usar controladores basados ​​en perillas físicas, diales y controles deslizantes, en lugar de interactuar principalmente con la interfaz de la computadora del mouse / teclado.

También hay muchos VJ que trabajan con enfoques experimentales para trabajar con video en vivo. Los entornos de programación gráfica de código abierto (como Pure Data) a menudo se usan para crear interfaces de software personalizadas para actuaciones, o para conectar dispositivos experimentales a su computadora para procesar datos en vivo (por ejemplo, la unidad de ondas cerebrales de lectura EVA de IBVA, el microprocesador Arduino, o circuito de doblar juguetes para niños).

La segunda mitad de esta década también vio un aumento dramático en las configuraciones de visualización que se implementaron, incluidos lienzos de pantalla panorámica, múltiples proyecciones y videos mapeados en la forma arquitectónica. Este cambio ha sido subrayado por la transición de la tecnología basada en transmisión, fijada hasta esta década firmemente en las especificaciones de relación de aspecto 4×3 NTSC y PAL, a la tecnología de la industria informática, donde las diversas necesidades de presentación en la oficina, juegos inmersivos y presentación de video corporativo han llevado a diversidad y abundancia en métodos de producción. En comparación con el formato fijo ~ 640x480i de NTSC / PAL, una computadora portátil contemporánea que utiliza DVI puede generar una gran variedad de resoluciones de hasta ~ 2500px de ancho, y junto con Matrox TripleHead2Go puede alimentar tres pantallas diferentes con una imagen coordinada en todas ellas.

Operación
Los discos DVJ son DVD que contienen clips de audio / video que el DVJ puede querer reproducir. La música y el video en el disco pueden ser cualquier cosa que DVJ quiera, pero, como en el mundo de los DJ, a menudo serán estilos de música electrónica. Además del audio, que se envía al sistema de megafonía, el video se envía a un proyector de video u otro equipo de visualización. El audio y el video en el disco siempre están sincronizados, independientemente del scratch, la mezcla o cualquier otra transformación realizada por el DVJ. Fue una gran revolución en comparación con otros métodos de mezcla de audio y video, ya que estos tuvieron que ser meticulosamente programados para que el video siempre siga al audio. Esto a menudo requería la presencia de un segundo animador para asegurar el lado del video, limitando las posibilidades de improvisación por parte del DJ.

Además de los reproductores DVJ (casi todos los DJ tienen dos reproductores que les permiten reproducir sus vinilos, CD o DVD; algunos tienen reproductores adicionales para reproducir otros medios; otros incluso permiten mezclar varias fuentes), DVJing requiere el uso de un audio y video mezclador, lo que permite al DVJ elegir las fuentes de audio y video y mezclarlas. Algunos mezcladores incluso permiten que el DVJ realice algunas transformaciones simples en el video. Mientras que un mezclador de audio puede administrar ecualizadores, volúmenes, efectos y fundidos cruzados, un mezclador de audio y video también puede administrar el tono, la saturación, el brillo, la nitidez, así como otros parámetros que se pueden encontrar en televisores, por ejemplo. También le permiten realizar varios tipos de transiciones entre videoclips, como desvanecimientos, cambio instantáneo o desvanecimientos de panel.

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Los mezcladores no son nuevos en el mundo del entretenimiento en general (se encuentran con mayor frecuencia en estudios de televisión o cine), pero sí en el mundo de los DJ. La simplicidad en el uso de reproductores DVJ, con la posibilidad de que DVJ componga, ha permitido que DVJing gane miembros, principalmente DJ muy solicitados por clubes nocturnos y organizadores de fiestas. Pero, como estas tecnologías son muy recientes y tienen altos costos, DVJing sigue siendo una parte menor del mundo de los clubes; Un lugar que utiliza estas tecnologías es Liquid Basildon, incluso si están reservadas para los mejores DVJ como Sander Kleinenberg, Addictive TV, Christian S y Kel Sweeney. Obviamente, a medida que estas tecnologías se democratizan, sus precios caen y, en última instancia, pueden equipar a los animadores aficionados. Las futuras innovaciones en la mezcla de video permitirán al DVJ realizar manipulaciones de video en tiempo real, como la polarización,

Equipo
La configuración clásica del DVJ incluye dos reproductores, un mezclador de audio y un mezclador de video. El reproductor DVJ más popular es el Pioneer DVJ-1000; un reproductor de DVD con una velocidad de lectura más alta que los reproductores de DVD en la sala de estar y una memoria intermedia que permite realizar saltos o retornos en la pista en la lectura, todo asociado con un diseño que imita un tocadiscos de vinilo. Al girar la bandeja, el DVJ puede buscar rápidamente la canción; aumentar o disminuir la velocidad de reproducción (tono) para configurar la canción con otra canción; y con la opción «CDJ / Vinyl», la posibilidad de hacer movimientos hacia adelante y hacia atrás en la canción (el famoso efecto «scratch»).

Otras opciones que se benefician de la tecnología digital son, por ejemplo, bucles, fotogramas congelados, cámara lenta, pausa / reproducción instantánea (un plato giratorio requiere un poco de tiempo para comenzar o detenerse). En 2004, un famoso DJ australiano, Jarrod Fox, nacido en DJ J-red, comenzó a usar esta tecnología en un estilo turntablist. J-red trajo esta tecnología al Campeonato Mundial de la Federación Internacional de Turntablist en Praga en 2005, donde terminó primero y se convirtió en el campeón experimental mundial de la ITF, pero también en el primer DJ en incluir video en una competencia global de DJ.

Videonics es una de varias marcas que venden mezcladores de video. Estos dispositivos solo aceptan múltiples fuentes de video y las combinan de muchas maneras. Otra parte recurrente de la panoplia del DVJ es lo que se llama conmutador. Muchos reproductores digitales, CD o DVD, tienen la opción Fader-Start, que permite al fader de un mezclador pedirle al reproductor que reproduzca la pista. Con estos interruptores (el conmutador VSW-1 de la marca Pioneer DJ, por ejemplo), los efectos de scratch de video muestran el movimiento tradicional de ida y vuelta que escuchamos en audio. Otros mezcladores de audio y video también ofrecen opciones de teclas de croma, lo que le permite hacer las famosas «incrustaciones». Videonics produce varios mezcladores que ofrecen esta posibilidad.

Los DVJ pueden reproducir pistas contenidas en DVD, con un cierto color que se puede ajustar en el mezclador. El mezclador localizará este color y lo reemplazará con cualquier cosa que el DVJ pueda elegir. A menudo, el DVJ usará una cámara para filmar o fotografiar a la audiencia y superponer la imagen o el video en otra cosa para crear algo nuevo. Un ejemplo de un mezclador de alta gama es el Pioneer SVM-1000, que tiene pantallas de vista previa, interruptores, efectos de audio y video, todo combinado en un mezclador de cuatro canales. Se puede obtener una configuración estándar con un mezclador Pioneer DJM-800, un conmutador Pioneer VSW-1 y una pantalla de vista previa triple. Sin embargo, este tipo de configuración requiere el uso de una gran cantidad de discos que deben transportarse. Además, cambiar los discos desperdicia tiempo y el DVJ corre el riesgo de dañar los discos, a diferencia de una configuración con una computadora.

A diferencia de las configuraciones de componentes, los programas informáticos como OtisAV DJ, PCDJ, VirtualDJ y Serato Scratch Live ofrecen capacidades de mezcla de audio y video. La computadora mezcla el video, que luego se puede conectar a un proyector de video, eliminando la necesidad de un mezclador físico. El software transforma la computadora en una unidad todo en uno: reproductores, mezclador de audio y video y pantalla de vista previa. Los reproductores de vinilo o las plataformas giratorias se pueden usar con discos de control (código de tiempo) para controlar el software, y algunos softwares se pueden controlar con controladores MIDI, lo que permite una configuración más ligera y no tener que comprar una mesa de mezcladores y reproductores. Para usar este sistema, los DVJ extraen sus pistas de DVD, las almacenan en memorias USB, lo que significa que hay menos equipo para transportar.

Esta solución no solo es más práctica, sino que es más barata; el software y un controlador se pueden comprar por unos pocos cientos de euros y se pueden usar en cualquier computadora que sea lo suficientemente potente, mientras que los reproductores DVJ pueden alcanzar algunos miles de euros. Incluso una configuración de componentes puede ser más costosa que una configuración con computadora, software y memoria USB, especialmente si tiene una computadora lo suficientemente potente como para no tener que comprar otra. el software y un controlador se pueden comprar por unos pocos cientos de euros y se pueden usar en cualquier computadora que sea lo suficientemente potente, mientras que los reproductores DVJ pueden alcanzar algunos miles de euros.

Los sistemas que usan una computadora solo se pueden usar con computadoras potentes que incluyen las últimas tarjetas gráficas; de lo contrario, la calidad del video puede deteriorarse, existe el riesgo de latencia o incluso fallas, lo que puede poner en peligro todo el rendimiento. La configuración utilizada para codificar y leer archivos es muy importante y puede afectar su calidad, pero los métodos y estándares de calidad actuales resuelven este problema. Además, donde las unidades físicas están limitadas a la resolución SD, el software como Serato permite HD 720p, incluso 1080p (aunque esto aún no es técnicamente compatible).

El DJ usa auriculares para preparar la siguiente pista sin el conocimiento de la audiencia. Un DVJ debe hacer lo mismo con el video, que requiere varias pantallas. Con una configuración de componentes, se requiere una pantalla de video para cada reproductor, al igual que un cable divisor en Y. Con una configuración con computadora, la computadora debe tener al menos dos salidas de video: una con fuentes de video y salida de video; el otro con solo salida de video. Esto libera espacio en la cabina del DVJ, que de otro modo estaría ocupado por tres pantallas de vista previa, un controlador y una pantalla de salida. A medida que surgen mejores tecnologías, formatos y resoluciones, estos sistemas pueden actualizarse para ser compatibles con ellos,

Configuraciones técnicas comunes
Un aspecto importante de VJing es el uso de la tecnología, ya sea la reapropiación de tecnologías existentes destinadas a otros campos, o la creación de tecnologías nuevas y específicas con el fin de realizar actuaciones en vivo. La llegada del video es un momento decisivo para la formación del VJ (video jockey).

A menudo, usando un mezclador de video, los VJ mezclan y superponen varias fuentes de video en una composición de movimiento en vivo. En los últimos años, los fabricantes de instrumentos musicales electrónicos han comenzado a fabricar equipos especializados para VJing.

VJing se desarrolló inicialmente por artistas que utilizan hardware de video como cámaras de video, plataformas de video y monitores para transmitir actuaciones improvisadas con entrada en vivo desde cámaras e incluso emitir TV mezclada con elementos pregrabados. Esta tradición continúa con muchos VJ que utilizan una amplia gama de hardware y software disponibles comercialmente o personalizados para y para los VJ.

El hardware VJ se puede dividir en categorías:

El hardware de origen genera una imagen de video que puede ser manipulada por el VJ, por ejemplo, cámaras de video y sintetizadores de video.
El hardware de reproducción reproduce una transmisión de video existente desde un disco o medio de almacenamiento basado en cinta, por ejemplo, reproductores de cintas VHS y reproductores de DVD.
La mezcla de hardware permite la combinación de múltiples transmisiones de video, por ejemplo, un mezclador de video o una computadora que utiliza el software VJ.
El hardware de efectos permite agregar efectos especiales a la transmisión de video, por ejemplo, unidades de corrección de color
El hardware de salida es para mostrar la señal de video, por ejemplo, proyector de video, pantalla LED o pantalla de plasma.

Hay muchos tipos de software que un VJ puede usar en su trabajo, las herramientas tradicionales de producción de NLE como Adobe Premiere, After Effects y Final Cut Pro de Apple se usan para crear contenido para espectáculos de VJ. Los VJ utilizan un software de rendimiento especializado para reproducir y manipular videos en tiempo real.

El software de rendimiento VJ es muy diverso e incluye un software que permite que una computadora reemplace el papel de un mezclador de video analógico y produzca video a través de lienzos extendidos compuestos por múltiples pantallas o proyectores. Las pequeñas empresas que producen software VJ dedicado como Modul8 y Magic ofrecen a los VJ una interfaz sofisticada para el procesamiento en tiempo real de múltiples capas de videoclips combinados con entradas de cámara en vivo, lo que les da a los VJ una solución completa para que puedan simplemente cargar el contenido y realizar. Algunos títulos populares que surgieron durante la década de 2000 incluyen Resolume, NuVJ.

Algunos VJ prefieren desarrollar software ellos mismos específicamente para adaptarse a su propio estilo de rendimiento. Los entornos de programación gráfica como Max / MSP / Jitter, Isadora y Pure Data se han desarrollado para facilitar el desarrollo rápido de dicho software personalizado sin necesidad de años de experiencia en codificación.

Flujos de trabajo de muestra
Hay muchos tipos de configuraciones de hardware y software que un VJ puede usar para realizar.

Investigación y pensamiento reflexivo.
Varios proyectos de investigación se han dedicado a la documentación y el estudio de VJing desde el punto de vista reflexivo y teórico. Mesas redondas, charlas, presentaciones y debates son parte de festivales y conferencias relacionadas con el arte de los nuevos medios, como ISEA y Ars Electronica, por ejemplo, así como específicamente relacionadas con VJing, como es el caso del Festival Mapping. El intercambio de ideas a través del diálogo contribuyó al cambio de la discusión de cuestiones relacionadas con los aspectos prácticos de la producción a ideas más complejas y al proceso y el concepto. Los temas relacionados con VJing son, pero no exclusivamente: identidad y personalidad (individual y colectiva), el momento como arte, participación del público, autoría, redes, colaboración y narrativa. A través de proyectos colaborativos,

Publicaciones periódicas, en línea e impresas, lanzaron números especiales en VJing. Este es el caso de la revista impresa AMinima, con un número especial en Live Cinema (que presenta obras de VJ), y Vague Terrain (una revista en línea de nuevos medios), con el número The Rise of the VJ.

Proyección asistida por computadora
La computadora ha sido la herramienta elegida por los VJ desde finales de la década de 1990, incluso si otras prácticas, como el uso de diapositivas, siguen vigentes, especialmente para los apósitos que permiten, especialmente al aire libre.

Este uso masivo de la computadora ha permitido el desarrollo de grandes comunidades en la web que son el origen de muchas reflexiones sobre la escena VJ y su futuro, y que permitieron el establecimiento de varios ciclos de festivales como AVIT o Contact-Europe.

Formatos
El software permite la mayoría de los formatos, se pueden dividir en dos grandes categorías:

imágenes digitales tradicionales, que incluyen todos los tipos de codificación para imágenes y videos;
Imágenes generadas por computadora que incluyen el formato Flash, 3D pero también la generación de fractales.
El VJ puede elegir trabajar con un solo tipo de imágenes tanto como mezclándolas todas.

Software
Todo existe, desde el más simple hasta el más técnico.

Software con análisis de sonido: en su mayor parte, estos son complementos agregados al software de edición de audio que le permiten realizar un bucle aleatorio de secuencias predeterminadas o no predefinidas con detección automática de BPM.
Mezcladores de video virtuales: son software que recrea un estudio de edición virtual, más o menos técnico según el software, por lo que este software permite mezclar entre varios canales de video.
Sintetizadores visuales virtuales: son software con funciones avanzadas y técnicas, que permiten asignar ciertas funciones a ciertas teclas del teclado de la computadora para crear una especie de «teclado visual» que podría resumirse de manera simplista con «I presiono una tecla, disparo un video «.

Hardware
Allí también, los avances tecnológicos han hecho mucho y ahora podemos enchufar casi todo en una computadora y, por lo tanto, controlarlo con un teclado midi como con un joystick (joystick, en Quebec), a través de mezcladores o para montar o plataformas de CD virtuales.

Algunos programas funcionan en reproductores multimedia portátiles, por lo que ofrecen una alternativa a la computadora.

Costo y limitaciones del equipo.
El costo depende de los objetivos y los medios disponibles: el equipo de video profesional sigue siendo costoso.

Para comenzar, necesita una computadora con salida de video (preferiblemente portátil), software de imágenes (hay tantos para Mac como para Windows) y un televisor para ver el resultado.

Los proyectores de video son cada vez más asequibles, pero a menudo siguen siendo insuficientes para grandes teatros. Una solución es alquilarlos según las circunstancias. Se considera que para los espectáculos nocturnos, los proyectores pueden proporcionar entre 2.000 y 50.000 lúmenes, dependiendo del tamaño de las pantallas y la luz ambiental.

Lo ideal también es tener una videocámara y un software de edición para crear sus propios bucles.

Un paso adicional requiere adquirir una superficie de control (midi o DMX) para ordenar su software en tiempo real.

Luego llegamos al reproductor de DVD, así como a otras fuentes de video externas, mezcladores de video, efectores de video, una segunda computadora, varias cámaras de escenario, pantallas, etc.

En 2008, el presupuesto inicial era de entre 300 y 600 € para equipos nuevos y la mitad para la ocasión.

Debate recurrente
Desde el advenimiento de la computadora como herramienta de elección y el hecho, de las comunidades que ha permitido surgir, han surgido muchas reflexiones para alimentar la escena VJ y podríamos resumirlas en un solo debate, a favor o en contra de la presencia de significado en mezclas visuales.

En defensa de una profesionalización de la escena, algunos VJ colocan el significado como un punto esencial de una calidad general de mezcla, considerada en su conjunto y desde un ángulo narrativo.

Por el contrario, otros VJ defienden la idea de que, al nacer principalmente de la escena tecnológica que vacía sus composiciones de significado para dejar a todos la libertad de colocar el significado que querían, la escena VJ debe continuar en esta línea de conducción.

Finalmente, dentro del debate sobre el significado, se mezclan otros debates, algunos VJ se designan a sí mismos como Políticos-VJ con la ambición de transformar el club en un medio desde el cual reflexiones sociales y, por extensión, un tejido social más fuerte mediante el uso de bucles con una política fuerte connotación dentro de su video mix.

Colegios
Además del debate recurrente sobre la presencia de significado o no en las mezclas visuales, hay algunas «grandes écoles», cada una de las cuales lógicamente tiene software y hardware de elección, por no decir abiertamente dedicados.

VJ-DJ: nos acercamos lo más posible al enfoque de DJ: el DJ se mezcla con dos pistas, por lo que el VJ se mezcla con al menos dos fuentes (todas las fuentes son posibles, desde mezclar varios VJ para los más técnicos hasta varios grabadores de video para lo simple).
VJ-videographer artist: nos acercamos mucho más a una creación artística que al vestuario visual. Las secuencias utilizadas son originales y el servicio se basa más en la creación real de las imágenes que en la mezcla visual.
VJ-visucien: nos estamos acercando al enfoque de los actos en vivo en la música, es decir, la creación asistida por computadora en tiempo real. El servicio se basa mucho más en el concepto de tiempo real y, por lo tanto, en la adaptabilidad de la mezcla. Esto permite la interacción con otros artistas, por ejemplo, músicos, bailarines o poetas de improvisación.
Se pueden asociar mezcladores de video analógicos o basados ​​en computadora, computadoras con interfaces de control (posiblemente vinculadas en grupos) que producen video, grabadoras de video y cámaras.

Desarrollador / diseñador de VJ: usted desarrolla su propia herramienta, ya sea el diseño de hardware de mezcla o el diseño de software dedicado.
El concepto de instrumento de video se está desarrollando actualmente y observamos investigaciones sobre: ​​la modificación / alteración de generadores de video (consolas de juegos antiguas, cámaras, grabadoras de video, etc.) por cortocircuitos o flujos de corriente no planificados, controlados mediante potenciómetros, faders o Varios sensores.

El diseño de interfaces tangibles (pantallas táctiles localizadas y / o móviles + solución de software) que se pueden adaptar al video.

La construcción de instrumentos de video mecánicos, basados ​​en lámparas variables, filtros mecánicos, capas de animación y una mini cámara para garantizar la amplificación.

Independientemente de la escuela, el trabajo del VJ es un trabajo que se realiza sobre todo de antemano, tanto en la investigación como en la propia creación de las imágenes o las herramientas.

Artista e ingeniero
El VJ debe ser visto no solo como un artista, sino también como un técnico. Cualesquiera que sean los medios y las técnicas de proyección que haya elegido, es responsable del buen funcionamiento de su equipo y, por lo tanto, necesariamente capaz de repararlo lo más rápido posible. Debe ser capaz de adaptarse a varias limitaciones técnicas. También debe poder desarrollar el equipo necesario para la mezcla de video: creación de bucles de video, adquisición de video, muestreo de video, creación de animaciones, creación de imágenes fijas, manipulación de cámaras en tiempo real.

Las actuaciones de VJing se pueden encontrar en lugares tan diversos como conciertos, espectáculos, clubes nocturnos, galerías de arte, ferias, eventos, representaciones teatrales, etc. Los servicios abarcan desde representaciones artísticas efímeras y únicas hasta clips publicitarios.

Publicaciones
Las bases de datos de contenido visual y documentación promocional estuvieron disponibles en formatos de DVD y en línea a través de sitios web personales y a través de grandes bases de datos, como los «Archivos Prelinger» en Archive.org. Muchos VJ comenzaron a lanzar conjuntos de bucles de video digital en varios sitios web bajo licencia de dominio público o Creative Commons para que otros VJ los usen en sus mezclas, como la colección «Design of Signage» de Tom Bassford (2006), «79 VJ Loops» de Analog Recycling (2006). ), «Vintage Fairlight Clips» de VJzoo (2007) y «57 V.2» de Mo Selle (2007).

Comenzaron a surgir DVD promocionales y basados ​​en contenido, como los trabajos de la serie de televisión ITV1 del Reino Unido Mixmasters (2000–2005) producidos por Addictive TV, Lightrhythm Visuals (2003), Visomat Inc. (2002) y Pixdisc, todos los cuales centrado en los creadores visuales, los estilos y las técnicas de VJ. Luego fueron seguidos por NOTV, Atmospherix y otras etiquetas. Mia Makela comisarió una colección de DVD para Mediateca del Foro Caixa llamada «LIVE CINEMA» en 2007, centrada en la práctica hermana emergente del «cine en vivo». Los VJ y colectivos individuales también publicaron DVD y CD-ROM de su trabajo, incluida la mezcla de video de contrabando de Eclectic Method (2002) y «No somos VJ» de Eclectic Method (2005), así como «DVD2» de 2004. «DVD3» (2008).

Comenzaron a aparecer libros que reflexionan sobre la historia, los aspectos técnicos y los problemas teóricos, como «El libro de VJ: Inspiraciones y consejos prácticos para la representación visual en vivo» (Paul Spinrad, 2005), «VJ: Arte audiovisual y cultura VJ» (Michael Faulkner y D-Fuse, 2006), «vE-jA: Arte + Tecnología de audio y video en vivo» (Xárene Eskandar, 2006) y «VJ: Live Cinema Unraveled» (Tim Jaeger, 2006). El tema de la colaboración VJ-DJ también comenzó a convertirse en un tema de interés para aquellos que estudian en el campo de la interacción académica humano-computadora (HCI).

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