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Arquitectura visionaria

La arquitectura visionaria es el nombre dado a la arquitectura que existe solo en el papel o que tiene cualidades visionarias. Si bien el término «visionario» sugiere la idea de una noción idealista, impracticable o utópica, también representa una imagen mental producida por la imaginación. Estos dibujos arquitectónicos en papel permiten comprender la percepción inusual de los mundos que son imposibles de visitar todos los días, excepto a través de la dramatización visual del entorno diseñado e imaginativo. También hay dos significados que se derivan tanto de los términos «imaginación» e «imaginario», que significan poco realistas e imposibles, y el otro la capacidad de tratar creativamente con una realidad no vista. Un precedente significativo que se adhiere al concepto de arquitectura visionaria es el arquitecto del siglo XVIII Giovanni Piranesi, quien también tuvo que pensar dos veces sobre la diferencia en el significado de los dos términos. Los títulos de sus conocidas obras de grabado en prisión tenían dos versiones. El primero fue ‘prisiones imaginarias’ y el final como ‘prisiones de la imaginación’.

Condiciones de ocurrencia
En los períodos complicados o críticos del desarrollo de la arquitectura de distribución son las búsquedas teóricas y la llamada «arquitectura de papel». Por un lado, su desarrollo provoca una reducción significativa en la construcción real, por el otro, la presencia de arquitectos activos, privados de las posibilidades de la construcción práctica. Un período tan difícil fue el siglo XV en Italia, que contribuyó al trabajo teórico de teóricos de la arquitectura tan conocidos como Alberti Leon-Battista o Filaret. Leonardo da Vinci, que no tuvo la suerte de llevar a cabo ninguno de sus propios diseños arquitectónicos, hizo sus intentos en la construcción de piedra en el nivel 2. En una minoría, se dio cuenta de su potencial arquitectónico y Raphael Santi, mejor conocido como el autor de la murales en el Vaticano y cuadros de caballete con Madonnas idealizadas. Bastantes edificios prácticamente construidos en la obra creativa de Michelangelo Buonarroti, aunque los hallazgos del maestro en el campo del diseño arquitectónico fueron interesantes tanto para los contemporáneos como para los descendientes creativos del artista, porque fueron estudiados durante siglos tras la muerte de el artista.

La situación en Italia y Francia del siglo XVIII
Los fenómenos de crisis son característicos de la arquitectura europea occidental del siglo XVIII, especialmente en Italia y Francia, reconocidos centros de arte.

La forma acelerada y extremadamente fructífera de desarrollar las artes en Italia durante los quinientos años anteriores ha ido cambiando en el siglo XVIII a una desaceleración, y se caracteriza por la transición de la iniciativa artística a nuevos centros artísticos en Inglaterra, Francia, Austria, incluso en el Imperio ruso. Especialmente agudos, los fenómenos de crisis se han ganado en la arquitectura italiana, donde los edificios anteriores se están completando lentamente (Palacio de Caserta, Archipiélago Luigi Vanquitelli, escaleras españolas y la nueva fachada del Palazzo Trevi en Roma), y varios arquitectos italianos tienen tan poco práctica arquitectónica que emigra a otros países (Giovanni Maria Fontana, Domenico Trezzini, Nicola Michetti, Giacomo Quarenghi, Filippo Juvarra Alessandro Galilee, Giuseppe Yappelli, Francesco Kamporezi, nyzna arquitectos menores), o esfuerzos de gasto en arquitectura de papel (Pi anezi).

La situación en la práctica arquitectónica de Francia era bastante difícil en comparación con el desarrollo fructífero de la pintura, el teatro, las artes y la artesanía francesa o las artes gráficas. El declive de la construcción en el territorio de Francia se vio facilitado tanto por los fenómenos de crisis en la vida sociopolítica como por los trágicos juicios de la cultura nacional francesa durante la Revolución Francesa de 1789-1793 y durante las aventuras militares napoleónicas. En la sección de arquitectura de papel involuntariamente se aprobaron proyectos de diversas estructuras (privadas o estatales), cuando su implementación se suspendió por diversos motivos y nunca se recuperó.

La finalización de la transición del barroco al clasicismo, la presencia de un ejército de arquitectos talentosos e instituciones relevantes (la Real Academia de Arquitectura, el Premio de Arquitectos de Roma para pasantías en Roma), al tiempo que redujeron la construcción real, condujeron al desarrollo sin precedentes de arquitectura de papel en Francia.

La Academia de Arquitectura de Francia ha alentado consistentemente a sus propios estudiantes a crear proyectos de fantasía condicional de algunos palacios privados, Colegios de todas las Ciencias, Puertas Triunfantes y otros similares. La idea exacta de ellos está dada por los proyectos de Colleges of All Sciences, que en un momento crearon los estudiantes de la Academia: el francés M.-J. Peir y el ruso II Starov. Sus planos de planta increíblemente bellos de edificios gigantescos con varios pasillos redondos u ovales, fachadas arqueadas, escalones espectaculares y pórticos. Los edificios están injustificadamente decorados con cúpulas, largas columnatas, monumentos escultóricos como las antiguas esculturas romanas y decorativas en columnas de parapeto, como en las columnas del Vaticano Lorenzo Bernini. Ni la mitad, ni una cuarta parte de la implementación de un edificio así no sería suficiente dinero, por lo que son casas de labor y largas en la construcción. Éstos eran lujosos químicos arquitectónicos, utopías arquitectónicas, talleres, profesionales, francamente hermosos e irreales. El verdadero maestro de tales utopías arquitectónicas fue el talentoso estudiante de la Real Academia de Arquitectura, el ruso Vasily Ivanovich Bazhenov. Durante años, el esplendor y la utopía en sus propios proyectos fueron privados, y el segundo alumno de la Real Academia de Arquitectura – el ruso Ivan Ivanovich Starov, cuyo talento no tenía la fantasía inflamatoria de Bazhenov.

Varios arquitectos franceses aplican tanto a la arquitectura en papel como a la teoría arquitectónica. La combinación fantástica de elementos de la arcaica griega y la era de la arquitectura romana antigua con altos techos franceses es inherente a los diseños y construcciones reales de Claude-Nicolas Ledu, quien igualmente tercamente buscó crear edificios ceremoniales e industriales, y no prestigiosos (alguaciles urbanos y costumbres, un teatro en Besançon, Prisión, Royal Solomon en Ark-e-Senan). Los proyectos visionarios de Ledu en el último período de la creatividad alcanzan el nivel de las abstracciones, seguidas e inspiradas por el trabajo del imperio de los arquitectos e incluso del posmodernismo. Una composición elegante y profesional fue creada por el arquitecto Charles de Vaya, con una decoración prudente y no sujeta a las abstracciones frías de Claude-Nicolas Ledu.

La situación en Alemania
La crisis también ocurrió en la práctica arquitectónica de Alemania. Un conglomerado de diferentes desarrollos culturales y creencias religiosas de los principados (tierras), Alemania tenía una serie de centros artísticos locales, bastante desarrollados (como en Baviera) o francamente atrasados ​​(Mecklenburg).

A los arquitectos olvidados del barroco alemán y checo de la primera ola pertenecen a Abraham Leitner (cfr 1639-1701). Alemán de origen, él es uno de los primeros no italianos en los sitios de construcción de Praga. Fue Leitner quien trabajó con el italiano Francesco Karatti en la construcción del Palacio Cherninsky. Pero Abraham Leitner también fue un diseñador interesante. Muestras conservadas de sus decisiones de diseño de finales del siglo XVII, donde presentó una serie de proyectos de pequeños edificios rodeados de jardines barrocos o marcos barrocos. La forma acompañada o inusual del edificio Leitner, orgánicamente vinculada al entorno del parque, se convertirá en los predecesores de los pabellones del parque Rococó. El arquitecto italo-ruso Antonio Rinaldi (1710? -1794), uno de los mejores maestros de la era rococó, disfrutó y plantó tal contemplación repetidamente.

Todos los signos del Barroco italiano (monumentalidad, majestuosidad, escala y hábil uso del entorno natural) conservaron los edificios sagrados de las tierras de Alemania que no rompieron el contacto con la Roma papal y la fe católica (monasterio Ettal, Baviera). , Monasterio Banz, Alta Franconia, Basílica Waldassassen, monasterio en Ottoboiren). En el siglo XVIII fueron acompañados por magníficas residencias de los príncipes de la iglesia y gobernantes seculares: Zwinger en Dresde, el palacio del arzobispo en Würzburg, el palacio del Markraf Carl Wilhelm en Karlsruhe, el conjunto de edificios de Wilhelmshoe, Kassel . Estos son los conjuntos reales de los edificios principales, representativos y maestros, creados en un solo estilo, conjuntos que se asemejan a algunas ciudades pequeñas.

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Entre los artistas más conocidos de la arquitectura de la tierra alemana se encuentran Johann David Steingrupber (1702-1787), que trabajó en la construcción de palacios en Mannheim y Rasthat, en el Principado de Ansbach. Se vio obligado a finalizar la construcción ya iniciada y su propia experiencia del arquitecto descrita en los trabajos teóricos «Architectture Civile» (impresa aproximadamente en 1748) y el libro «Curso práctico de arquitectura civil» (1763) La contención entre los arquitectos y la búsqueda de una nueva expresividad (ideológica y formal) de los edificios llevó a los artistas a converger los planos de las estructuras arquitectónicas y las letras latinas. Así que Anton Glonner, un contemporáneo de Johann David Steingrüber, propuso un borrador de un nuevo Colegio e iglesia para los jesuitas en la forma del monograma de Cristo – «IHS». Talentoso, con erudición avanzada, Steingrück fue más allá y creó una serie de proyectos de los palacios principescos, cuyos planos subterráneos son varias letras latinas, cuyo campo vacío interior está diseñado como una serie de pasillos, espacios de vida, corredores y escalones en espiral . Esquema de las letras: los muros exteriores de los edificios del palacio, diseñados y decorados como los edificios usuales de entonces, con ventanas, portales, cornisas interurbanas, parapetos, decorados con esculturas, rzalitas. Los proyectos publicados en 1773 no son más que una arquitectura de papel interesante. Por lo tanto, la letra «E» es un complejo residencial de tres pisos, donde la letra «E» del medio está diseñada como una capilla con una cúpula. Las cartas son tan exitosas que algunas podrían realizarse completamente, por ejemplo, las letras «N» o «X», el plan de este último se asemejaba un tanto al plan del palacio de caza de Stupinigi Filippo Yuvari. Incluso la letra «S», magistralmente presentada por Steingrüber como un palacio de príncipe inesperado con dos cúpulas, fue superada magistralmente. Por supuesto, la fracción de las estructuras de las letras despertó la sorpresa como algo exótico, como una maldición y un juego de contenido, un ensayo digno de un gabinete de curiosidades, y no una reproducción real. Los proyectos de los edificios en forma de las cartas de Johann David Steingrüber (con detalles fachadas elaboradas) – el tema del estudio de los estudiantes contemporáneos – arquitectos, historiadores del arte y coleccionistas.

Archivista de papel Vasyl Bazhenov
La tendencia a decisiones de planificación inusuales, decoración de fantasía y alto carácter decorativo fue la arquitectura en papel de Bazhenov. Particularmente fuertes estas características de talento y la manera creativa del artista apareció en el período inicial y medio de la obra del arquitecto (el llamado proyecto del Instituto Smolny, el proyecto de la fuente con la columnata, el proyecto del palacio de MI Vorontsov para Moscú, el proyecto del palacio en el pueblo Bulatnikovo). Bastante justificadas en las estructuras temporales falsas (cuento de hadas, tipo enmascarado) del campo Khodynskoy, estas propiedades de los proyectos de Bazhenov se convirtieron en un obstáculo para su implementación, exigiendo simplificaciones y revisiones realistas. Extremadamente fue la estimación de sus estructuras, lo que limitó en gran medida su aplicación, y el círculo de clientes del arquitecto (ex canciller M. Vorontsov, rico PA Demidov, emperatriz Catalina II). No es de extrañar que, después de Bazhenov, quedaran tan pocos edificios reales, mientras que sus contemporáneos menos dotados tuvieron carreras arquitectónicas exitosas (Ivanov Starov, Karl Ivan Blagn, Matvey Fyodorovich Kazakov, Giacomo Quarenghi).

En el siglo 20
La historia del siglo XX es rica en eventos que han dado forma al mundo moderno. Estas incluyen dos guerras mundiales, el surgimiento de regímenes totalitarios comunistas y fascistas, la división del mundo en dos bandos y la guerra fría entre ellos, el colapso de los imperios coloniales y la formación de nuevos estados independientes.

La revolución verde en los años 40 y 70 del siglo 20, junto con el éxito de la medicina, ha llevado a un rápido aumento en la población de la Tierra y la esperanza de vida de las personas.

El siglo XX es la era de la revolución tecnológica y una serie de inventos revolucionarios, en particular: aeronáutica, cohetería, energía nuclear, armas atómicas, tecnología espacial, radio y televisión, teléfonos móviles, computadoras, Internet, antibióticos, nanotecnologías, criotécnica , y similares. Además, el siglo XX es rico en descubrimientos científicos fatídicos en varios campos: ingeniería genética, teoría de la relatividad, clonación, superconductividad, cosmogonía, cosmología y otros.

El final del siglo es el período de la sociedad de la información y la globalización y, al mismo tiempo, el agravamiento de los problemas mundiales de la humanidad, para decidir qué humanidad debería ser en el próximo siglo XXI: superpoblación, agotamiento de los recursos, calentamiento global , degradación del medio ambiente y otros.

La situación en la arquitectura también fue complicada. Dos guerras mundiales condujeron a la destrucción de algunos monumentos arquitectónicos excepcionales, así como a la desaparición de ciudades enteras (Murmansk, Guernica, Varsovia, Stalingrado, Königsberg, Minsk, Dresde), miles de pueblos y ciudades . Quizás de ninguna manera las tendencias en la industria de la construcción, como en la arquitectura del papel, se reflejaron tan mal. Los arquitectos, que carecían de posibilidades reales de construcción durante los años de guerra, en el período de entreguerras crearon una serie de proyectos vertiginosos como estructuras individuales únicas, así como ciudades enteras. En 1920, el arquitecto Noah Abramovich Troitsky diseñó un estadio bajo techo para 15,000 espectadores, usando los términos del término de los grabados … Giovanni Battista Piranesi. El arquitecto español Santiago Calatrava construye a fines del siglo XX un complejo de instalaciones recreativas (Pueblos de las Artes y las Ciencias) en Valencia que se asemeja a naves espaciales de extranjeros (inicio de construcción en 1996) y no está relacionado con ninguna tradición nacional.

Entre estas fechas, una serie de proyectos futurológicos de nuevas ciudades en el campo de la arquitectura de papel, que se convirtió en la etapa completa del desarrollo de la arquitectura del siglo 20.

Le Corbusier propuso destruir el París medieval y construir el área liberada con los mismos rascacielos (Plan Vuazen, 1925)
El arquitecto Bunhem creó un boceto de la ciudad en forma de un acueducto gigante (1926)
Japonés N. Kurokava – dio el proyecto «Ciudad espiral» con rascacielos en forma de espirales (1962)
Frenchman Friedman – proyecto de la ciudad sobre la superficie del agua de Gibraltar a África (1963)
U. Katawolos, un arquitecto de los Estados Unidos, propuso utilizar las últimas tecnologías químicas: hacer un bloque químico gigantesco, en el medio de los cuales los propios habitantes cortan sus propias instalaciones a su propia discreción (!). El proyecto ignoró las tradiciones de construcción existentes, y la delineación de las sociedades capitalistas por estado y la propiedad privada de la tierra, los recursos, el agua y la energía (aire aún no privatizado).
En el siglo 20. Se crean proyectos de ciudades subterráneas, aéreas y aéreas, ciudades bajo un solo techo en las duras condiciones del Ártico o del Sahara, mecanismos de puentes peatonales, ciudades sobre los canales marinos y ciudades artificiales en órbita de la Tierra.
Actualmente, la arquitectura de papel es capaz de cambiar a nuevos medios (electrónicos) y extender su existencia en el nuevo entorno.

Crítica del diseño ‘Irracional’
Hay dos percepciones diferentes en relación con el trabajo de la imaginación y la arquitectura visionaria. Una posición es que no hay edificios no edificables, solo edificios no construidos, y la otra es la creencia de que algunos dibujos arquitectónicos visionarios son imposibles de ser habitados por el humano. En ausencia de una comprensión clara de una idea de control, como individuo, cada diseño resulta ser altamente arbitrario, y es este aspecto el que hace que los diseños parezcan imposibles. La arquitectura conceptual, o arquitectura basada en el acto de la imaginación y la visión, disocia la naturaleza física del diseño arquitectónico. Sin embargo, es la idea y la creencia de que estos dibujos e imágenes son capaces de retratar el verdadero significado de la arquitectura y el diseño que connota la importancia de las obras de la arquitectura visionaria. La historia completa de la arquitectura debe incluir tanto el entorno construido como el no construido.

Herramienta de escala
Los arquitectos son capaces de imaginar, ver y definir un objeto distante que de hecho es un edificio a través del proceso de fabricación de modelos, ampliándolos hacia arriba y hacia abajo, ascendiendo de lo abstracto a lo concreto. En lugar de crear físicamente el diseño de un edificio en su escala y forma completas, las múltiples transiciones ascendentes y descendentes en el tamaño de escala de los modelos permiten que el diseño del edificio que está en el papel emerja, se vuelva visible y represente el material como real, trayendo el edificio en la existencia La naturaleza visionaria del movimiento del siglo XVIII no residía tanto en este formalismo radical como en las extrañas concepciones en que se complacían los arquitectos, y su deleite en proyectos de gran envergadura. Estos modelos a escala fueron considerados utópicos y fantásticos en el diseño, donde la sensación de fantasía se ve reforzada por los significados simbólicos que se logran haciendo que toda la forma del edificio hable.

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