Sala VIP, Centro Nacional del Traje de Escena

La escenografía original revela la vida del traje antes de su entrada en el escenario. Desembalaje, guarnición, maquillaje y embarque. Los conjuntos de algunos musicales icónicos se evocan en forma de guiños extravagantes en un curso alegre, y por supuesto, musical. La exposición se abre con el vestuario de cinco comedias musicales directamente desde Broadway. Los “orígenes” del musical son así honrados con el vestuario de “Anything Goes”, “Cats”, “Pal Joey”, “Holiday Inn” y “A Chorus Line” prestados por Roundabout Theatre Company y The Shubert Archive in New York

Sala 1: El rey y yo.
El folleto de Oscar Hammerstein II. La música de Richard Rodgers. Dirigida por Lee Blakeley, sets de Jean-Marc Puissant, vestuario de Sue Blane, coreografía de Peggy Hickey, luces de Rick Fisher. Théâtre du Châtelet, 2014. En 1862, Anna Leonowens llegó a Bangkok, Siam, con su hijo Louis para hacerse cargo de la maestra de inglés para los hijos del rey Mongkut. La primera película basada en la historia real de Anna Leonowens sale en 1946 con Rex Harrison interpretando el papel del rey que se niega a jugar en la versión “musical” en 1951 porque tiene que cantar. Es un artista joven con el nombre de Yul Brynner, casi desconocido para el público, ¡quien es elegido! ¡Interpretará al rey más de 4000 veces! En cuanto a la suntuosa producción del Théâtre du Châtelet, no tenía nada que envidiar a Broadway o a los más grandes teatros de ópera. En este “King and I” presentado en París, el puntaje original incluso se usó, que ya no es el caso en ninguna parte porque el espectáculo dura tres horas y quince minutos.
El traje de Sue Blane para el papel de Kralahome en “The King and I”, un musical dirigido por Lee Blakeley, Théâtre du Châtelet, París, 2014.

Abrigo largo en otomano dorado con motivos morados, plastrón dorado bordado, pantalón holgado con lamé dorado estampado, cinturón de seda burdeos y dorado, tocado de lamé con estampado dorado y violeta, zapatillas doradas y detalle.

Traje de Sue Blane usado por Lambert Wilson para el papel de King of Siam en “The King and I”. Musical dirigido por Lee Blakeley, Théâtre du Châtelet, París, 2014.

Chaqueta de terciopelo rojo con aplicaciones de sari y adornos dorados, pantalones de lamé rojo y dorado, cinturón de velo rojo reluciente y adornado con medallones de metal dorado, tocado de bordado dorado en bolso de terciopelo rojo, par de gafas con montura metálica y detalle.

Disfraz de Sue Blane para el papel de bailarina en “El rey y yo”. Musical dirigido por Lee Blakeley, Théâtre du Châtelet, París, 2014.

Bustier de lentejuelas doradas, falda de gasa color crema adornada con lamé de oro, capa a juego, gorra con forma de pagoda dorada, par de pendientes de oro.

Sala 2: En el bosque.
Folleto de James Lapine. La música de Stephen Sondheim. Dirigida por Lee Blakeley, ambientada por Alex Eales, vestuario de Mark Bouman, coreografía de Lorena Randi, luces de Olivier Fenwick. Théâtre du Châtelet, 2014. Creado en 1987 en Broadway, “Into the Woods” enreda los destinos de personajes famosos de cuentos de hadas con otra historia que vincula todo, la de una pareja víctima de la maldición de una bruja. Se reunirán en el bosque para realizar sus sueños. Los primeros espectáculos de “musicales” se inspiraron en la cultura popular al elegir historias como Peter Pan, el Mago de Oz, etc.
El disfraz de Mark Bouman para el papel del lobo en “Into the Woods”. Musical dirigido por Lee Blakeley, Théâtre du Châtelet, París, 2014.

Jerkin, kit y bragas en cuero y con tachuelas de lana marrón, máscara de lobo de piel sintética, guantes de cuero con garras, polainas de piel sintética y zapatillas con garras.

El disfraz de Mark Bouman para el papel de Caperucita Roja en “Into the Woods”. Musical dirigido por Lee Blakeley, Théâtre du Châtelet, París, 2014.

Vestido blanco anglaise de broderie y cintas de terciopelo rojo, capa de terciopelo de algodón rojo adornada con adornos florales y forrada con tafetán a cuadros rojo y azul.

Sala 3: Grasa
Folleto y música de Jim Jacobs y Warren Casey. Dirigido y coreografiado por Martin Michel, vestuario de Arno Bremers, escenografía de Eric van der Palen. Mogador Theatre, 2017. “Grease” se estrenó en Chicago en 1971 y luego en un teatro fuera de Broadway en febrero de 1972, luego en Broadway y finalmente se adaptó al cine en 1978. La historia tiene lugar en 1959 en una escuela secundaria, evocando al estudiante Juventud de dos autores Jim Jacobs y Warren Casey.
Disfraz de Arno Bremers para el papel de Danny en “Grease”. Musical dirigido por Martin Michel, Teatro Mogador Stage Entertainment France, París, 2017.

Camiseta blanca, cuero negro perfecto, blue jeans, cinturón negro, azul converse, lentes de sol.

Disfraz de Arno Bremers para el papel de Frenchy en “Grease”. Musical dirigido por Martin Michel, Theatre Mogador / Stage Entertainment France, París, 2017.

Chaqueta en tejido sintético rosa y lamé con inscripción en la espalda “Pink Lady”, chaleco de malla de color salmón, camiseta rosa, falda rosa, naranja fucsia, enagua blanca, cinturón fucsia.

Sala 4 de la exposición “Musicales”.
Esta sala presenta producciones de obras francesas: “Los miserables” (1980 y 1985), “Notre-Dame de Paris” (1998), “Los paraguas de Cherburgo” (película de 1964) y “El fantasma de la ópera” (1986). ). “Notre-Dame de Paris” es el espectáculo que contribuyó al renacimiento de un nuevo género francés: el espectáculo musical. A diferencia de la “comedia musical”, el público primero descubre las canciones emitiéndolas en la radio. Luego, de acuerdo con su éxito, el espectáculo subió al escenario con los medios de espectáculos reales.
Traje de Fred Sathal para la producción original de 1998, para el papel de Esmeralda en “Notre-Dame de Paris”. Comedia musical dirigida por Gilles Maheu, producción coreana, 2003.

Vestido caqui verde de encaje elástico cosido en patchwork y decorado con lentejuelas.

Traje de Fred Sathal para la producción original de 1998, para el papel de Quasimodo en “Notre-Dame de Paris”. Comedia musical dirigida por Gilles Maheu, producción coreana, 2003.

Túnica grande con parte trasera en la espalda y pantalones en jersey de algodón teñido de color rojo, ribetes parcheados y zapatos a juego.

Sala 5: Un poco de música nocturna.
El folleto de Hugh Wheeler. La música de Stephen Sondheim. Dirigida por Lee Blakeley, sets de Rae Smith, trajes de Jo van Schuppen, coreografía de Andrew George, luces de Jenny Cane. Théâtre du Châtelet, 2010. En 1973, “A Little Night Music” realizó sus primeras actuaciones en Broadway, inspiradas en la película de Ingmar Bergman, Smiles of a Summer Night (1955). Durante una noche de verano sueca, somos testigos de los reveses de tres generaciones con intrigas románticas y bromas sentimentales que se suceden: un marivaudage en la gran burguesía.
Traje de Jo van Schuppen usado por Lambert Wilson para el papel de Fredrik Egerman en “A Little Night Music”. Musical dirigido por Lee Blakeley, Théâtre du Châtelet, París, 2010.

El traje de Jo van Schuppen usado por Leslie Caron para el papel de Madame Armfeldt en “A Little Night Music”. Musical dirigido por Lee Blakeley, Théâtre du Châtelet, París, 2010.

Vestido de estilo de principios del siglo XX en terciopelo forrado de terciopelo verde, cinturón adornado con una hortensia, gorro de sisal verde con flores de plumas.

El traje de Jo van Schuppen usado por Leslie Caron para el papel de Madame Armfeldt en “A Little Night Music”. Musical dirigido por Lee Blakeley, Théâtre du Châtelet, París, 2010.

Vestido de principios del siglo XX en satén púrpura cubierto con encaje, satén y cinturón de terciopelo adornado con una flor, guantes de encaje negro, collar de perlas blancas, anillos con perlas púrpuras y perlas multicolores.

Sala 6: calle 42
Folleto de Michael Stewart y Mark Bramble. Harry Warren Music. Escenografía y coreografía de Stephen Mear, sets y trajes de Peter McKintosh, luces de Chris Davey. Théâtre du Châtelet, 2016. “42nd Street” es una adaptación teatral de una película musical de 1933. No fue hasta 1980 cuando se creó el espectáculo de Broadway con una adición de canciones del álbum de Al. Dubin. La historia es la de un bailarín joven e ingenuo que quiere irrumpir en Broadway, pero también una historia detrás de la escena de un espectáculo. Sobre un fondo de romance y sueño americano, la historia es sobre todo un pretexto para vincular grifos y canciones.
Traje a Peter McKintosh para el papel de Billy Lawlor en “42nd Street”. Musical dirigido y coreografiado por Stephen Mear, Théâtre du Châtelet, París, 2016.

Pantalón y pantalón verde estampado en relieve, chaleco de tafetán con cordones de oro verde, camisa de algodón negro, mariposa de lentejuelas doradas, sombrero de copa en tafetán y lamé verde, zapatos de cuero negro.

Sala 7: Cabaret.
Cuadernillo de Joe Masteroff. Música de John Kander. Dirigidos por Rob Marshall y Sam Mendes, conjuntos de Robert Brill, trajes de William Ivey Long, coreografía de Rob Marshall. Roundabout Theatre Company, 2014. “Cabaret” es el musical que marca el comienzo de una nueva era en Broadway y allana el camino para más conversaciones de “protesta” como Hair en 1967 que denuncian la guerra en Vietnam. “Cabaret” tiene un gran éxito con 1165 presentaciones y ocho premios Tony. La película de Bob Fosse en 1972, con Liza Minnelli, la convertirá en una obra de culto y azufre. La versión de Roundabout Theatre Company en 1998 fue un éxito (2,377 actuaciones de estreno en Broadway).

Sala 8: Cándida
Folleto de Lillian Hellman. Leonard Bernstein Música. Dirigida por Robert Carsen, conjuntos de Michel Levine, vestuario de Buki Shiff, coreografía de Rob Ashford, luces de Robert Carsen y Peter Van Praet. Theatre du Chatelet, 2006. Basado en el cuento filosófico del mismo nombre de Voltaire, “Candide” es una opereta cómica estrenada en Broadway en 1956 con un libreto de Lillian Hellman y una música de Leonard Bernstein. El “musical” fue revisado por Hugh Wheeler en 1973. En el estreno de “Candide” en Broadway, el 1 de diciembre de 1956, la apertura escrita por Bernstein fue tan exitosa que el espectáculo se detuvo para permitir que el público continuara aplaudiendo violentamente. Esta apertura sigue siendo una de las más bellas jamás escritas para Broadway.

Sala 9: Follies
Cuaderno de James Goldman. La música de Stephen Sondheim. Dirigida por Olivier Bénézech, sets de Valérie Jung, vestuario de Frédéric Olivier, coreografía de Caroline Roëlands, luces de Marc-Antoine Vellutini, video creaciones de Gilles Papain. Opéra de Toulon, 2013. Creada en Broadway en 1971, “Follies” es la historia de los miembros de una compañía de ex chicas de una revista de Broadway que se encuentra 30 años después antes de la destrucción de su antiguo teatro. Traerá de vuelta la nostalgia, los viejos amores, el miedo al envejecimiento, los celos … El título de este musical es un homenaje a los “Follies” de Florenz Ziegfeld, que lanza, a partir de 1907, las críticas más bellas e impresionantes del mundo. Por el parisino “Folies Bergère”.
Traje de Frédéric Olivier para el papel de bailarina en “Follies”. Comedia musical organizada por Olivier Bénézech, producción de la Ópera de Toulon, 2013.

Chaqueta de punto negra con cuello de lentejuelas negro, sujetador negro con dobladillo fruncido, falda de lentejuelas con lentejuelas negras, puños de lentejuelas plateados, cuello de gargantilla con brillo plateado, sombrero de copa negro con trenza dorada brillante.

Traje de Frédéric Olivier usado por Nicole Croisille para el papel de Carlotta en “Follies”. Comedia musical organizada por Olivier Bénézech, producción de la Ópera de Toulon, 2013.

Vestido largo de satén rosa adornado con lentejuelas, gran collar de cuentas de fantasía, montado en el marco.

Sala 10: My Fair Lady
Alan Jay Lerner folleto. La música de Frederick Loewe. Dirigida por Robert Carsen, ambientada por Tim Hatley, vestuario de Anthony Powell, coreografía de Lynne Page, luces de Adam Silverman, dramaturgia de Ian Burton. Théâtre du Châtelet, 2010 y 2013. Creada en 1956 en Nueva York con Julie Andrews, My Fair Lady apareció en la pantalla en 1964 con Audrey Hepburn. Llamado “musical perfecto”, corresponde, con West Side Story, a la cima de la “edad de oro” de Broadway. My Fair Lady relata el encuentro entre Eliza Doolittle, una joven florista y Henry Higgins, profesor de fonética. Tras una apuesta con uno de sus amigos, Higgins recogerá a la joven y la convertirá en una duquesa.
Disfraz de Anthony Powell para el papel de Eliza Doolittle para las carreras de Ascot en “My Fair Lady”. Comedia musical organizada por Robert Carsen, Théâtre du Châtelet, París, 2010 – 2013.

Vestido con volantes y cinturón drapeado en organza de seda cruda con lunares rojos, crin de caballo y organza cruda con lunares rojos.

Disfraz de Anthony Powell para el papel de Eliza Doolittle para el baile en “My Fair Lady”. Comedia musical organizada por Robert Carsen, Théâtre du Châtelet, París, 2010 – 2013.

Capa larga en terciopelo negro forrada de pelaje blanco.

Sala 11: El sonido de la música.
Libro de Howard Lindsay y Russel Crouse. La música de Richard Rodgers. Dirigida por Emilio Sagi, sets de Daniel Bianco, vestuario de Jesús Ruiz, coreografía de Miles, luces de Caetano Vilela. Théâtre du Châtelet, 2009. En Salzburgo, Austria, justo antes de la Segunda Guerra Mundial, Maria Rainer entró al convento pero no tenía vocación. Ella se convierte en institutriz de los siete hijos del capitán von Trapp. Se enamoraron y se casaron. La familia disfrutará de un festival de canto en Karlzberg para escapar de Austria y escapar de los nazis. Este musical está inspirado en una historia real.
Traje de Jesús Ruiz para el papel de la baronesa Elsa Schraeder en “El sonido de la música”. Comedia musical dirigida por Emilio Sagi, Théâtre du Châtelet, París, 2009-2011.

Pulpa de tul sin tirantes bordada con lentejuelas doradas, falda larga de pulpa de satén, boa de plumas de avestruz, guantes de satén de coral, pulseras de strass.

Traje de Jesús Ruiz para el papel de Friedrich von Trapp en “El sonido de la música”. Comedia musical dirigida por Emilio Sagi, Théâtre du Châtelet, París, 2009 y 2011.

Camisa blanca de algodón, bragas “austriacas” en telas de “cortina”, fondo azul con motivos en rojo y dorado.

Sala 12: Cantando bajo la lluvia.
El folleto de Ian Burton. Música de Arthur Freed y Nacio Herb Brown. Dirigida por Robert Carsen, ambientada por Tim Hatley, vestuario de Anthony Powell, coreografía de Stephen Mear, luces de Robert Carsen y Giuseppe Di Iorio. Théâtre du Châtelet, 2015. En el momento de la llegada del cine hablante, un par de estrellas de cine mudas, Don Lockwood y Lina Lamont, deben aprender a hablar y tocar comedia. Lina, con la voz de un sonajero, es doblada por Kathy Selden, de quien Lockwood se enamoró. Pero Lina no quiere dejar su lugar … La producción del Théâtre du Châtelet hace referencia al cine mudo de los años 20 y 30 al ofrecer trajes en blanco y negro.
Disfraz de Anthony Powell para el papel de Lina Lamont en “Cantando bajo la lluvia”. Comedia musical organizada por Robert Carsen, Théâtre du Châtelet, París 2015-2017.

Vestido estilo cesta del siglo XVIII, hecho de lamé plateado de moda cubierto con tul negro bordado, encaje blanco, tul plateado atractivo, collar de strass, collar de perlas blanco.

Disfraz de Anthony Powell para el papel de Kathy Selden en “Cantando bajo la lluvia”. Comedia musical organizada por Robert Carsen, Théâtre du Châtelet, París 2015-2017.

Cuerpo de lycra con bordado de lentejuelas plateadas y pedrería, falda iridiscente de tul blanco y plumas, tocado alto de plumas de avestruz blanco y lentejuelas plateadas, zapatos “salomé” de color gris claro.

Disfraz de Anthony Powell para el papel de Lina Lamont en “Cantando bajo la lluvia”. Comedia musical organizada por Robert Carsen, Théâtre du Châtelet, París 2015-2017.

Vestido estilo años 1930 en lentejuelas plateadas y negras, abrigo de piel de imitación blanco adornado con pedrería de plata, funda negra y pedrería de plata, diadema con cuentas, lentejuelas negras y pedrería, collares de pedrería.

Sala 13: calle 42
Folleto de Michael Stewart y Mark Bramble. Harry Warren Music. Escenografía y coreografía de Stephen Mear, sets y trajes de Peter McKintosh, luces de Chris Davey. Théâtre du Châtelet, 2016. Para el comienzo del espectáculo, Gower Champion tiene una gran idea: el telón del escenario se eleva sesenta centímetros y revela docenas de patas que inician una serie de palmas. Luego, el telón se levanta por completo y hay una audición para “Pretty Lady”, ¡con no menos de treinta y seis niñas y niños! Los escenógrafos de la exposición abordaron esta idea en esta sala que simboliza el comienzo del espectáculo.

Los trajes presentados son los de la producción Théâtre du Châtelet (2016), recreada por Stephen Mear, quien fue bailarín en la producción original de Londres. La producción fue suntuosa y llamativa; Uno de los mayores éxitos del Châtelet. El cliente, Peter McKintosh, señala que se inspiró en las imágenes de Nueva York a principios de la década de 1930, cuando la ciudad estaba cambiando, durante la Gran Depresión. Sigue una avalancha de magníficos trajes y decoraciones Art Deco.

Traje a Peter McKintosh para el papel de bailarín en “42nd Street”. Musical dirigido y coreografiado por Stephen Mear, Théâtre du Châtelet, París, 2016.

Broche vestido blanco y plateado, aplicación de patrón blanco, hileras de perlas, peluca alta de tul y crin blanca, piedra roja fantasía.

Disfraz de Peter McKintosh para el papel de bailarín en “42nd Street”. Musical dirigido y coreografiado por Stephen Mear, Théâtre du Châtelet, París, 2016.

Chaqueta corta de satén con lunares plateados, puños negros y puños con lunares plateados, chaleco negro con lunares plateados, camisa blanca, pajarita negra con lentejuelas, pantalón negro plateado con un baguette.

Traje a Peter McKintosh para el papel de bailarín en “42nd Street”. Musical dirigido y coreografiado por Stephen Mear, Théâtre du Châtelet, París, 2016.

Body de raso dorado con lunares plateados, espalda negra con lunares plateados, enagua dorada con lunares plateados, zapatos dorados.

Centro Nacional de Traje de Escenario
El Centro Nacional del Traje de Escena (CNCS), es un museo francés dedicado a los trajes y juegos de escenario.

Fue inaugurado el 1 de julio de 2006 en Moulins, Allier por Renaud Donnedieu de Vabres, el ministro de Cultura, Pierre-André Périssol, alcalde de Moulins y Christian Lacroix, modista y presidente de la junta. La directora actual es Delphine Pinasa, cuyo retrato se exhibe en el museo.

El Centro Nacional de Trajes de Escenario es la primera estructura de preservación, en Francia o en el extranjero, que se dedica por completo al patrimonio material de los teatros.
Su misión es la conservación, el estudio y la valorización de una colección de patrimonio de 10.000 trajes de teatro, ópera y ballet, además de escenarios pintados, proporcionados por las tres instituciones fundadoras del centro, la Biblioteca Nacional de Francia, la Comédie-Française y la Ópera Nacional de París. El centro también ha recibido numerosas donaciones de artistas y teatros.

Colecciones
Compuestas por alrededor de 10 000 disfraces y elementos de escenografía desde mediados del siglo XIX hasta nuestros días, las colecciones provienen de teatros, óperas, ballets como la Ópera nacional de París, la Comédie-Française y la Biblioteca Nacional de Francia.

El museo tiene una colección de trajes de Rudolf Nureyev, tal como lo solicitó su voluntad de ser un “lugar de memoria”. Nureyev, que ha sido el director del Ballet de la Ópera de París, había deseado que su colección fuera colocada en un museo en París, pero no se pudieron encontrar las ubicaciones adecuadas. Por lo tanto, su colección se colocó en el museo en este museo de la región de Auvernia, que es de aproximadamente 3 horas en tren desde París. Es “una colección permanente que ofrece a los visitantes un sentido de su exuberante, vagabunda personalidad y pasión por todo lo que era raro y hermoso”. La colección tiene artefactos históricos de la carrera de Nureyev, que incluyen material de fotografía y cine, además de 70 disfraces.

Trajes de escenario
Varias compañías teatrales y teatros, incluyendo la Comédie Française y la Ópera de París, envían sus trajes al museo después de su espectáculo final. En el museo están disponibles para ser expuestos y conservados. También están disponibles para investigadores y estudiantes para su estudio.

Las colecciones: la memoria de instituciones y artistas legendarios.
Incluso si los trajes escénicos representaban un patrimonio más importante en términos de gastos y bienes para los teatros, nunca había habido una política real de protegerlos hasta la creación del centro. Son testigos de la creatividad de los diseñadores de vestuario que los dibujaron y del know-how de los talleres que los hicieron. Llevan en ellos las huellas de los artistas que los realzaron en el escenario.

Los trajes más antiguos datan del siglo XVIII. Son prendas auténticas (con faldas y chalecos masculinos) que la Comédie-Française regaló o compró después de la Revolución Francesa para usarlas en un repertorio de inspiración del siglo XVIII (Marivaux, Beaumarchais …). Además de estas piezas excepcionales, la colección incluye en su mayoría disfraces de producciones creadas desde la segunda mitad del siglo XIX. El proyecto se originó en 1995 cuando el Ministerio de Cultura y Comunicación solicitó a las principales instituciones nacionales, la Biblioteca Nacional de Francia (Departamento de Artes Escénicas), la Comédie-Française y la Ópera Nacional de París que constituyeran la primera colección compuesta por 8500 trajes para La apertura de los CNCS.

La colección provista por la Biblioteca Nacional de Francia refleja la riqueza y variedad de la colección del Departamento de Performing Art. Incluye los trajes de la tropa Renaud-Barrault, el Théâtre de l’Atelier bajo la dirección de Charles Dullin, el Théâtre du Campagnol dirigido por Jean-Claude Penchenat, además de los trajes de Philippe Guillotel para los Juegos Olímpicos de Albertville dramatizados por Philippe Decouflé, en 1992.

La colección de la Comédie-Française abarca tres siglos de historia de este gran teatro. Los trajes se hicieron en talleres de costura de renombre, especialmente para la ropa histórica. Ciertos fueron creados por Suzanne Lalique, Lila de Nobili o Thierry Mugler y usados ​​por Sarah Bernhardt, Mounet-Sully o Jean Marais …

La colección de la Ópera Nacional de París incluye 5000 trajes de ópera y ballet que abarcan un período de ciento cincuenta años a partir de 1872, con trajes diseñados por Bakst, Benois, Derain, Cocteau … La mayoría de ellos se realizaron en los talleres de costura de La ópera y usada por todas las grandes estrellas, Serge Lifar, Yvette Chauviré, Maria Callas, Rudolf Nureyev, Régine Crespin, Luciano Pavarotti …

El CNCS alberga una excepcional colección de alrededor de 2000 dibujos y modelos de trajes creados por Christian Lacroix para teatro (ópera, danza y teatro). El diseñador de moda Frank Sorbier también ha donado sus modelos de vestuario para dos óperas, Traviata y The Tales of Hoffmann.

Una colección de elementos de escenografía.
El Centro Nacional de Trajes Escénicos y Escenografía alberga una colección de lienzos pintados, elementos decorativos y maquinaria escénica (chasis, equipos de elevación, mástiles, materiales prácticos, herramientas) que datan de mediados del siglo XX. En esta continuidad, varias tropas de danza contemporánea han legado algunos de sus escenarios junto con sus donaciones de disfraces.