El Museo Victoria y Albert de Londres (V & A), es el mayor museo de artes decorativas y diseño del mundo, que alberga una colección permanente de más de 4,5 millones de objetos. Como el museo más importante del mundo de arte y diseño, el V & A enriquece la vida de las personas al promover la práctica del diseño y aumentar el conocimiento, la comprensión y el disfrute del mundo diseñado.
El V & A está situado en el distrito de Brompton de la ciudad real de Kensington y Chelsea, en un área que se ha conocido como «Albertopolis» debido a su asociación con el príncipe Albert, el monumento a Albert y las principales instituciones culturales con las que fue asociado. Estos incluyen el Museo de Historia Natural, el Museo de la Ciencia y el Royal Albert Hall. El museo es un organismo público no departamental patrocinado por el Departamento de Cultura, Medios de Comunicación y Deporte. Al igual que otros museos nacionales británicos, la entrada al museo ha estado libre desde 2001.
El V & A cubre 12,5 acres y 145 galerías. Su colección abarca 5.000 años de arte, desde la antigüedad hasta nuestros días, de las culturas de Europa, América del Norte, Asia y África del Norte. Las tenencias de cerámica, vidrio, textiles, trajes, plata, ferretería, joyería, muebles, objetos medievales, escultura, grabados y grabados, dibujos y fotografías están entre las más grandes y completas del mundo.
El museo posee la colección más grande del mundo de la escultura post-clásica, con las tenencias de los artículos renacentistas italianos que son los más grandes fuera de Italia. Los departamentos de Asia incluyen el arte de Asia meridional, China, Japón, Corea y el mundo islámico. Las colecciones del este de Asia se encuentran entre las mejores de Europa, con fortalezas particulares en cerámica y metalistería, mientras que la colección islámica está entre las más grandes del mundo occidental. En general, es uno de los museos más grandes del mundo.
Colecciones:
El Victoria & Albert Museum está dividido en cuatro departamentos de colecciones: 1) Asia; 2) Muebles, Textiles y Moda; 3) Escultura, Metalistería, Cerámica y Vidrio; y, 4) Palabra e Imagen. Los conservadores del museo cuidan de los objetos de la colección y proporcionan acceso a objetos que no están expuestos al público ya los estudiosos.
Los departamentos de recolección se dividen en dieciséis áreas de visualización, cuyos números de colección combinados superan los 6,5 millones de objetos, no todos los elementos se muestran o almacenan en el V & A. Hay un repositorio en Blythe House, West Kensington, así como instituciones anexas administradas por el V & A, también el Museo presta exposiciones a otras instituciones. A continuación se enumeran cada una de las colecciones en pantalla y el número de objetos dentro de la colección.
El museo cuenta con 145 galerías, pero dada la vasta extensión de las colecciones, sólo un pequeño porcentaje se exhibe. Muchas adquisiciones han sido posibles sólo con la ayuda del Fondo Nacional de Colecciones de Arte.
Arquitectura:
En 2004, el V & A junto al Real Instituto de Arquitectos Británicos abrió la primera galería permanente en el Reino Unido que cubre la historia de la arquitectura con exhibiciones usando modelos, fotografías, elementos de edificios y dibujos originales. Con la inauguración de la nueva galería, la Colección RIBA de Dibujos y Archivos ha sido trasladada al museo, uniéndose a la ya extensa colección de la V & A. Con más de 600.000 dibujos, más de 750.000 papeles y parafernalia, y más de 700.000 fotografías de todo el mundo, forman el recurso arquitectónico más completo del mundo.
No sólo están representados los grandes arquitectos británicos de los últimos cuatrocientos años, sino que muchos dibujos de arquitectos europeos (especialmente italianos) y estadounidenses se encuentran en la colección. Las posesiones del RIBA de más de 330 dibujos de Andrea Palladio son las más grandes del mundo, otros europeos bien representados son Jacques Gentilhatre y Antonio Visentini. Los arquitectos británicos cuyos dibujos, y en algunos casos los modelos de sus edificios, en la colección, incluyen: Inigo Jones, Sir Christopher Wren, Sir John Vanbrugh, Nicholas Hawksmoor, William Kent, James Gibbs, Henry Nash, John Nash, Sir John Soane, Sir Charles Barry, Charles Robert Cockerell, Augustus Welby Northmore Pugin, Sir George Gilbert Scott, John Loughborough Pearson, George Edmund Street, Richard Norman Shaw, Alfred Waterhouse, Sir Edwin Lutyens, Charles Rennie Mackintosh , Charles Holden, Frank Hoar, señor Richard Rogers, señor Norman Foster, sir Nicholas Grimshaw, Zaha Hadid y Alick Horsnell.
Además de las habitaciones de época, la colección incluye partes de edificios, por ejemplo, las dos principales historias de la fachada de la casa de sir Paul Pindar, fechada en 1600, de Bishopsgate, con elaborados trabajos de madera y ventanas con plomo, rara superviviente del Gran Fuego de Londres, hay un portal de ladrillos de una casa de Londres del período de la Restauración Inglés y una chimenea de la galería de la casa de Northumberland. Los ejemplos europeos incluyen una ventana del dormer fechada 1523-35 del castillo de Montal. Hay varios ejemplos de edificios renacentistas italianos, incluyendo portales, chimeneas, balcones y un buffet de piedra que solía tener una fuente construida. La galería de arquitectura principal tiene una serie de pilares de varios edificios y períodos diferentes, por ejemplo, una columna de la Alhambra. Ejemplos que cubren Asia se encuentran en las galerías relacionadas con esos países, así como modelos y fotografías en la galería principal de la arquitectura.
Asia:
La colección V & As de Arte de Asia cuenta con más de 160.000 objetos, uno de los más grandes en existencia. Tiene una de las colecciones de arte chino más completas e importantes del mundo, mientras que la colección de arte del sur de Asia es la más importante en Occidente. La cobertura de los museos incluye artículos del sur y sudeste de Asia, los reinos del Himalaya, China, el Lejano Oriente y el mundo islámico.
Arte islámico:
El V & A contiene más de 19.000 artículos del mundo islámico, que van desde el período islámico temprano (siglo VII) hasta principios del siglo XX. La Galería Jameel de Arte Islámico, inaugurada en 2006, alberga una exposición representativa de 400 objetos, destacando la Alfombra Ardabil, pieza central de la galería. Las exposiciones de esta galería cubren objetos de España, África del Norte, Oriente Medio, Asia Central y Afganistán. Una obra maestra del arte islámico es una torre de cristal de roca del siglo X. Muchos ejemplos de Qur’āns con la caligrafía exquisita que datan de varios períodos están en la exhibición. Un minbar del siglo XV de una mezquita de El Cairo con el marfil que forma patrones geométricos complejos embutidos en madera es uno de los objetos más grandes en la exhibición. Amplios ejemplos de cerámica especialmente cerámica de Iznik, cristalería incluyendo lámparas del siglo XIV de mezquitas y metalistería están en exhibición. La colección de alfombras y alfombras de Oriente Medio y Persia está entre las mejores del mundo, muchas fueron parte del Salting Bequest de 1909. Ejemplos de trabajo de azulejos de varios edificios incluyendo una chimenea de 1731 de Estambul hecha de azulejos azules y blancos intrincadamente decorados y los azulejos de la turquesa del exterior de edificios de Samarkand también se exhiben.
Asia del Sur:
Las colecciones del Museo del Sur y del Sudeste Asiático son las más completas e importantes en Occidente, con cerca de 60.000 objetos, entre ellos unos 10.000 textiles y 6000 pinturas, la gama de la colección es inmensa. La galería Jawaharlal Nehru del arte indio, inaugurada en 1991, contiene arte desde 500 aC hasta el siglo XIX. Hay una extensa colección de escultura, principalmente de carácter religioso, hindú, budista y jainista. La galería está ricamente dotada de arte del Imperio Mughal y las Marathas, incluyendo bellos retratos de los emperadores y otras pinturas y dibujos, copas de vino de jade y cucharas de oro con esmeraldas, diamantes y rubíes, también a partir de este período son partes de edificios como como jaali y pilares. La India fue un gran productor de textiles, de algodón teñido chintz, muselina a ricos bordados de trabajo con hilo de oro y plata, lentejuelas de colores y cuentas se muestra, al igual que las alfombras de Agra y Lahore. También se muestran ejemplos de ropa.
En 1879-80 las colecciones del Museo India de la India de las Indias Orientales fueron entregadas al V & A y al British Museum. La mayor parte de los artículos fueron saqueados durante la rebelión india de 1857 por las fuerzas británicas y tomados de la India. Algunos de los ejemplos son ‘Tigre de Tipu’, un autómata y un órgano mecánico hecho en Mysore alrededor de 1795. Representa un tigre que mauling a un soldado o al oficial de la compañía británica de las Indias Orientales. Se nombra después del gobernante de Mysore que lo comisionó, Tipu Sultan.
La copa del vino de Shah Jahan era un artículo que fue saqueado durante la rebelión india de 1857 y la caída del imperio de Mughal a las fuerzas británicas invasoras. Originalmente era una propiedad de Mughal y se mantuvo en el Fuerte Rojo en Delhi. Hasta ahora no ha habido movimientos por el museo para catalogar y restituir todos los artículos robados a la India.
Este de Asia:
Las colecciones del Lejano Oriente incluyen más de 70.000 obras de arte de los países de Asia Oriental: China, Japón y Corea. La galería de T. T. Tsui del arte chino se abrió en 1991, exhibiendo una colección representativa del V & de aproximadamente 16.000 objetos de China, fechando a partir del 4to milenio AC hasta el día de hoy. Aunque la mayoría de las obras de arte en la fecha de visualización de las dinastías Ming y Qing, hay exquisitos ejemplos de objetos que datan de la dinastía Tang y períodos anteriores. Cabe destacar que una cabeza de bronce de un metro de altura del Buda dató del año 700 dC y uno de los elementos más antiguos de una cabeza de caballo de jade de 2.000 años de edad de un entierro, otras esculturas incluyen guardianes de tumba de tamaño natural. Se muestran ejemplos clásicos de fabricación china que incluyen laca, seda, porcelana, jade y esmalte cloisonné. Dos retratos ancestrales grandes de un marido y de una esposa pintados en acuarela en la fecha de la seda del siglo XVIII. Hay una tabla china única de los lacquerware, hecha en los talleres imperiales durante el reinado del emperador de Xuande en la dinastía de Ming. También se muestran ejemplos de ropa. Uno de los objetos más grandes es una cama de mediados del siglo XVII. También se muestra el trabajo de los diseñadores chinos contemporáneos.
La galería de arte japonés Toshiba abrió en diciembre de 1986. La mayoría de las exposiciones datan de 1550 a 1900, pero una de las piezas más antiguas exhibidas es la escultura del siglo XIII de Amida Nyorai. Ejemplos de la armadura japonesa clásica a partir de mediados del siglo XIX, hojas de acero de la espada (Katana), Inrō, laca incluyendo el pecho de Mazarin datado de c1640 es una de las mejores piezas supervivientes de Kyoto, porcelana incluyendo Imari, Netsuke, Ando Hiroshige, las obras gráficas incluyen libros impresos, así como algunas pinturas, rollos y pantallas, textiles y vestidos incluyendo kimonos son algunos de los objetos en exhibición. Uno de los objetos más finos exhibidos es el quemador de incienso de bronce de Suzuki Chokichi (koro) fechado 1875, colocándose sobre a 2.25 metros de alto y 1.25 metros de diámetro es también uno de los ejemplos más grandes hechos. El museo también tiene algunas piezas cloisonné de la compañía de producción de arte japonesa, Ando Cloisonné.
Las galerías más pequeñas cubren Corea, los reinos del Himalaya y el sudeste asiático. Entre las exposiciones coreanas figuran la cerámica verde esmaltada, los bordados de seda de las ropas de los funcionarios y las brillantes cajas incrustadas de nácar hechas entre el año 500 dC y 2000. Los elementos del Himalaya incluyen importantes esculturas nepalesas de bronce temprano, repoussé y bordado. El arte tibetano del siglo XIV al siglo XIX está representado por notables imágenes religiosas de los siglos XIV y XV en madera y bronce, pinturas de desplazamiento y objetos rituales. Arte de Tailandia, Birmania, Camboya, Indonesia y Sri Lanka en oro, plata, bronce, piedra, terracota y marfil representa estas culturas ricas y complejas, las exposiciones abarcan los siglos 6 a 19. Las esculturas refinadas hindúes y budistas reflejan la influencia de la India; los artículos en la demostración incluyen las cortadoras del betel-tuerca, los peines de marfil y los ganchos del palanquin de bronce.
Libros:
El museo alberga la Biblioteca Nacional de Arte, una biblioteca pública que contiene más de 750.000 libros, fotografías, dibujos, pinturas y grabados. Es una de las bibliotecas más grandes del mundo dedicadas al estudio de las artes plásticas y decorativas. La biblioteca abarca todas las áreas y períodos de las colecciones del museo con colecciones especiales que abarcan manuscritos iluminados, libros raros y cartas y archivos de artistas.
La Biblioteca consta de tres grandes salas públicas, con alrededor de un centenar de mesas de estudio individuales. Éstos son el cuarto del oeste, la sala del centro y la sala de lectura. La sala central contiene ‘material de colección especial’.
Uno de los grandes tesoros de la biblioteca es el Codex Forster, algunos de los libros de Leonardo da Vinci. El Codex consta de tres manuscritos encuadernados en pergamino, Forster I, Forster II y Forster III, de tamaño bastante pequeño, fechados entre 1490 y 1505. Su contenido incluye una gran colección de bocetos y referencias a la escultura ecuestre encargada por el Duque de Milán Ludovico Sforza para conmemorar a su padre Francesco Sforza. Estos fueron legados con más de 18.000 libros al museo en 1876 por John Forster. El reverendo Alexander Dyce fue otro de los benefactores de la biblioteca, dejando más de 14.000 libros en el museo en 1869. Entre los libros que recopiló se encuentran las primeras ediciones en griego y latín de los poetas y dramaturgos Esquilo, Aristóteles, Homero, Tito Livio, Ovidio, Pindar, Sófocles y Virgilio. Entre los autores más recientes se encuentran Giovanni Boccaccio, Dante, Racine, Rabelais y Molière.
Los escritores cuyos papeles están en la biblioteca son tan diversos como Charles Dickens y Beatrix Potter. Los manuscritos iluminados en la biblioteca que datan de los siglos 12 al 16 incluyen: el Salterio Eadwine, Canterbury; Libro de bolsillo de horas, Reims; Misal de la Abadía Real de Saint Denis, París; el Libro de las Horas de Simon Marmion, Brujas; 1524 Carta iluminada por Lucas Horenbout, Londres; el manuscrito Armagnac del juicio y rehabilitación de Juana de Arco, Rouen. también el período victoriano es representado por William Morris.
La Biblioteca Nacional de Arte (también llamada Departamento de Word e Imagen) en el catálogo de colecciones del Museo Victoria y Albert solía guardarse en diferentes formatos, incluyendo catálogos de exposiciones impresas y catálogos de tarjetas. Se utilizó un sistema informático llamado sistema de catalogación MODES de los años 80 a los 90, pero los archivos electrónicos no estaban disponibles para los usuarios de la biblioteca. Todo el material de archivo en la Biblioteca Nacional de Arte utiliza la descripción de archivo codificada (EAD). El Victoria and Albert Museum tiene un sistema informático, pero la mayoría de los artículos de la colección, a menos que los nuevos fueron incorporados a la colección, probablemente no aparecen en el sistema informático. Hay una característica en el Web site del museo de Victoria y del Albert llamado «busca las colecciones,» pero no todo se enumera allí.
La Biblioteca Nacional de Arte también incluye una colección de cómics y arte cómico. Partes notables de la colección incluyen el Krazy Kat Arkive, que comprende 4.200 tebeos, y la colección de Rakoff, que comprende 17.000 artículos recogidos por el escritor y redactor Ian Rakoff.
El Departamento de Palabra e Imagen del Museo Victoria y Albert estaba bajo la misma presión que se sentía en los archivos de todo el mundo, para digitalizar su colección. Un proyecto de digitalización a gran escala comenzó en 2007 en ese departamento. Ese proyecto se tituló el Proyecto de Fábrica para hacer referencia a Andy Warhol y para crear una fábrica para digitalizar completamente la colección. El primer paso del Proyecto de Fábrica fue tomar fotografías usando cámaras digitales. El Departamento de Word e Imagen tenía una colección de fotos antiguas, pero estaban en blanco y negro y en condiciones variantes, por lo que se dispararon nuevas fotos. Estas nuevas fotografías serán accesibles a los investigadores del sitio web del Museo Victoria y Albert. 15.000 imágenes fueron tomadas durante el primer año del Proyecto de Fábrica, incluyendo dibujos, acuarelas, arte generado por computadora, fotografías, carteles y grabados en madera. El segundo paso del Proyecto de Fábrica es catalogar todo. El tercer paso del proyecto de fábrica es auditar la colección. Todos los artículos que fueron fotografiados y catalogados, deben ser auditados para asegurarse de que todo lo que aparece en la colección fue encontrado físicamente durante la creación del Proyecto de Fábrica. El cuarto objetivo del Proyecto de Fábrica es la conservación, lo que significa llevar a cabo algunos procedimientos básicos prevenibles a los elementos del departamento. Hay una función «Buscar las colecciones» en el sitio web de Victoria y Albert. El principal ímpetu detrás del proyecto de digitalización a gran escala denominado Proyecto Fábrica fue la enumeración de más artículos en las colecciones de esas bases de datos informáticas.
Galerías británicas:
Estas quince galerías -que se inauguraron en noviembre de 2001- contienen alrededor de 4.000 artículos. Las presentaciones en estas galerías se basan en tres temas principales: «Estilo», «Quién dirigió el gusto» y «Qué era nuevo». El período cubierto es 1500 a 1900, con las galerías divididas en tres subdivisiones principales:
Tudor y Stuart Gran Bretaña, 1500-1714, que cubre los estilos renacentista, isabelino, jacobeo, restauración y barroco
Gran Bretaña georgiana, 1714-1837, cubriendo el palladianismo, el rococó, el chinoiserie, el neoclasicismo, la regencia, la influencia de los estilos chino, indio y egipcio, y el renacimiento gótico temprano
Victorian Britain, 1837-1901, cubriendo las fases posteriores del renacimiento gótico, las influencias francesas, los renacimientos clásicos y renacentistas, el esteticismo, el estilo japonés, la influencia continua de China, la India y el mundo islámico, el movimiento Artes y Oficios y el escocés Colegio.
No sólo el trabajo de artistas y artesanos británicos está en exhibición, sino también el trabajo producido por artistas europeos que fue comprado o encargado por los patrones británicos, así como las importaciones de Asia, incluyendo porcelana, tela y papel tapiz. Los diseñadores y artistas que trabajan en las galerías son Gian Lorenzo Bernini, Grinling Gibbons, Daniel Marot, Louis Laguerre, Antonio Verrio, Sir James Thornhill, William Kent, Robert Adam, Josiah Wedgwood, Matthew Boulton, Canova, Thomas Chippendale, Pugin , William Morris. Los patrocinadores que han influido en el gusto también están representados por obras de arte de sus colecciones, entre ellas: Horace Walpole (una gran influencia en el renacimiento gótico), William Thomas Beckford y Thomas Hope.
Las galerías muestran una serie de reconstrucciones completas y parciales de salas de época, desde edificios demolidos, incluyendo:
El salón de 2 Henrietta Street, Londres, de 1727 a 1728, diseñado por James Gibbs
El cuarto de la música de la casa de Norfolk, cuadrado de St James, Londres, 1756, diseñado por Matthew Brettingham y Giovanni Battista Borra
Una sección de una pared del salón de cristal de la casa de Northumberland, fechada 1773-75, diseñado por Roberto Adán
Algunos de los trabajos más notables exhibidos en las galerías incluyen:
Busto coloreado de terracota de Henry VIII de Pietro Torrigiani, fechado 1509-11
El escritorio de Enrique VIII, fechado en 1525, hecho de nogal y roble, forrado con cuero y pintado y dorado con el escudo del rey
Las galerías también vinculan el diseño con las tendencias más amplias de la cultura británica. Por ejemplo, el diseño en el período de Tudor fue influenciado por la extensión de los libros impresos y del trabajo de los artistas y de los artesanos europeos empleados en Gran Bretaña. En el período de Stuart, el aumento del comercio, especialmente con Asia, permitió un acceso más amplio a lujos como alfombras, muebles lacados, sedas y porcelana. En la era georgiana se hacía cada vez más hincapié en el entretenimiento y el ocio. Por ejemplo, el aumento en el consumo de té llevó a la producción de parafernalia para el té, como China y caddies. Los estilos europeos vistos en el Gran Tour también influyeron en el gusto. A medida que avanzaba la Revolución Industrial, el crecimiento de la producción masiva produjo empresarios como Josiah Wedgwood, Matthew Boulton y Eleanor Coade. En la era victoriana, las nuevas tecnologías y maquinaria tuvieron un efecto significativo en la fabricación, y por primera vez desde la reforma, las iglesias anglicana y católica romana tuvieron un efecto importante en el arte y el diseño, como el renacimiento gótico. Hay una gran pantalla en la Gran Exposición que, entre otras cosas, llevó a la fundación de la V & A. A finales del siglo XIX, el creciente contragolpe contra la industrialización, liderado por John Ruskin, contribuyó al movimiento de Artes y Oficios.
Canchas de reparto:
Artículo principal: Tribunales Moldeados (Victoria and Albert Museum)
Una de las partes más dramáticas del museo es el Cast tribunales en el ala de la escultura, que comprende dos grandes salas de dos pisos de alta iluminación cubierta de cientos de escayolas de yeso de esculturas, frisos y tumbas. Una de ellas está dominada por una réplica a escala real de la Columna de Trajano, cortada a la mitad para encajar bajo el techo. El otro incluye reproducciones de varias obras de la escultura y arquitectura del Renacimiento italiano, incluyendo una réplica de tamaño completo del David de Miguel Ángel. También se incluyen réplicas de dos anteriores Davids de Donatello y Verrocchio, aunque por razones de conservación la réplica de Verrocchio se muestra en una vitrina.
Las dos cortes están divididas por corredores en ambos pisos, y las divisiones que solían bordear el corredor superior (la galería de esculturas de Gilbert Bayes) fueron removidas en 2004 para permitir que los tribunales fueran vistos desde arriba.
Cerámica y vidrio:
Esta es la colección de cerámica y vidrio más grande y completa del mundo, con más de 80.000 objetos de todo el mundo. Cada continente poblado está representado. Aparte de las muchas piezas de las Galerías Primarias de la planta baja, gran parte de la planta superior está dedicada a las galerías de cerámica de todos los períodos cubiertos, que incluyen vitrinas con una selección representativa, pero también acumulado «almacenamiento visible» muestra de la reserva colección.
Bien representado en la colección es la porcelana Meissen, desde la primera fábrica en Europa para descubrir el método chino de la fabricación de porcelana. Entre los mejores ejemplos están el buitre Meissen de 1731 y el servicio de cena Möllendorff, diseñado en 1762 por Federico II el Grande. Las cerámicas de la Manufacture nationale de Sèvres son extensas, sobre todo de los siglos XVIII y XIX. La colección de porcelana británica del siglo XVIII es la más grande y fina del mundo. Los ejemplos de cada fábrica son representados, las colecciones de porcelana de Chelsea y la porcelana de Worcester que es especialmente fina. También están representadas todas las grandes fábricas británicas del siglo XIX. Un gran impulso a las colecciones fue el Salting Bequest hecho en 1909, que enriqueció el museo de las existencias de cerámica china y japonesa. Este legado forma parte de la mejor colección de cerámica y porcelana de Asia Oriental en el mundo, incluyendo la cerámica Kakiemon.
Muchos ceramistas famosos, como Josiah Wedgwood, William De Morgan y Bernard Leach, así como Mintons y Royal Doulton están representados en la colección. Hay una extensa colección de Delftware producida en Gran Bretaña y Holanda, que incluye una pirámide de flores alrededor de 1695 de más de un metro de altura. Bernard Palissy tiene varios ejemplos de su trabajo en la colección, incluyendo platos, jarras y candelabros. Los objetos más grandes de la colección son una serie de estufas de cerámica elaboradamente ornamentadas de los siglos XVI y XVII, hechas en Alemania y Suiza. Hay una colección incomparable de mayólica italiana y lustreware de España. La colección de cerámica Iznik de Turquía es la más grande del mundo.
La colección de vidrio cubre 4000 años de fabricación de vidrio, y tiene más de 6000 artículos de África, Gran Bretaña, Europa, América y Asia. Los cristales más antiguos en la exhibición provienen del Antiguo Egipto y continúan a través de la Antigüedad Romana, Medieval, renacentista que abarca áreas tales como vidrio veneciano y vidrio bohemio y períodos más recientes, incluyendo el cristal de Arte Nouveau de Louis Comfort Tiffany y Émile Gallé. representado por varios ejemplos de René Lalique. Hay muchos ejemplos de candelabros de cristal Inglés tanto, que se muestra en las galerías británicas y extranjeros por ejemplo veneciano (atribuido a Giuseppe Briati) fechado c1750 están en la colección. La colección del vidrio manchado es posiblemente la más fina del mundo, cubriendo los períodos medievales a los modernos, y cubriendo Europa así como Gran Bretaña. Varios ejemplos del vidrio heráldico inglés del siglo XVI se exhiben en las galerías británicas. Muchos diseñadores famosos del vitral se representan en la colección incluyendo, del siglo XIX: Dante Gabriel Rossetti, Edward Burne-Jones y William Morris. También hay un ejemplo del trabajo de Frank Lloyd Wright en la colección. Los diseñadores del siglo XX incluyen a Harry Clarke, John Piper, Patrick Reyntiens, Verónica Whall y Brian Clarke.
La galería principal fue rediseñada en 1994, la balaustrada de vidrio de la escalera y el entrepiso son obra de Danny Lane, la galería de cristal contemporáneo inaugurada en 2004 y la sagrada galería de plata y vitrales en 2005. En esta última galería el vitral es exhibido junto a la plata que comienza en el siglo XII y que continúa al presente. Algunos de los vitrales más destacados, datados de 1243-48 viene de la Sainte-Chapelle, se muestra junto con otros ejemplos en las nuevas galerías Medieval y Renacimiento. El importante vaso de cristal del siglo XIII conocido como la suerte de Edenhall también se muestra en estas galerías. Ejemplos de vitrales británicos se muestran en las galerías británicas. Uno de los objetos más espectaculares de la colección es la araña de Dale Chihuly en la rotonda de la entrada principal del Museo.
Contemporáneo:
Estas galerías están dedicadas a exposiciones temporales que muestran las tendencias de las últimas décadas y lo último en diseño y moda.
Impresiones y dibujos:
Las impresiones y dibujos de los más de 750.000 artículos de la colección se pueden ver a petición en la sala de impresión, la «Sala de Estudio de Impresiones y Dibujos»; reservar una cita es necesario. La colección de dibujos incluye más de 10.000 obras maestras británicas y 2.000, incluyendo obras de: Dürer, Giovanni Benedetto Castiglione, Bernardo Buontalenti, Rembrandt, Antonio Verrio, Paul Sandby, John Russell, Angelica Kauffman, John Flaxman, Hugh Douglas Hamilton, Thomas Rowlandson , Edwin Henry Landseer, Lord Federico Leighton, Sir Samuel Luke Fildes y Aubrey Beardsley. Entre los artistas británicos modernos representados en la colección se encuentran: Paul Nash, Percy Wyndham Lewis, Eric Gill, Stanley Spencer, John Piper, Robert Priseman, Graham Sutherland, Lucian Freud y David Hockney.
La colección de la impresión tiene más de 500.000 artículos, cubriendo: los carteles, las tarjetas de felicitaciones, las placas del libro, así como una colección comprensiva de viejas impresiones maestras del renacimiento a la actualidad, incluyendo las obras de Rembrandt, de William Hogarth, de Giovanni Battista Piranesi, Karl Friedrich Schinkel, Henri Matisse y Sir William Nicholson.
Moda:
La colección de disfraces es la más completa en Gran Bretaña, con más de 14.000 trajes más accesorios, que datan principalmente de 1600 hasta el presente. Bocetos de disfraces, cuadernos de diseño y otros trabajos en papel suelen ser llevados a cabo por el departamento de Word e Imagen. Debido a que la ropa cotidiana de eras anteriores no ha sobrevivido generalmente, la colección está dominada por ropa de moda hecha para ocasiones especiales. Uno de los primeros regalos significativos del traje vino en 1913 cuando el V & A recibió la colección de Talbot Hughes que contenía 1.442 trajes y artículos como regalo de Harrods que seguía su exhibición en el almacén grande cercano.
Algunos de los objetos más antiguos de la colección son las vestimentas medievales, especialmente el Opus Anglicanum. Uno de los artículos más importantes en la colección es el juego de la boda de James II de Inglaterra, que se exhibe en las galerías británicas.
En 1971, Cecil Beaton comisarió una exposición de 1.200 vestidos y accesorios de alta costura del siglo XX, incluyendo vestidos usados por personalidades líderes como Patricia López-Willshaw, Gloria Guinness y Lee Radziwill, y actrices como Audrey Hepburn y Ruth Ford. Después de la exposición, Beaton donó la mayor parte de las exhibiciones al museo en los nombres de sus dueños anteriores.
En 1999, V & A comenzó una serie de eventos de pasarela en vivo en el museo titulado Fashion in Motion con artículos de colecciones de moda históricamente importantes. El primer espectáculo ofreció a Alexander McQueen en junio de 1999. Desde entonces, el museo ha recibido las reconstrucciones de los varios demostraciones del diseñador cada año incluyendo a Ana Sui, a Tristan Webber, a Elspeth Gibson, a Chunghie Lee, a Jean Paul Gaultier, a Missoni, a Gianfranco Ferré, a Christian Lacroix, a Kenzo y Kansai Yamamoto entre otros.
En 2002, el Museo adquirió la colección Costiff de 178 trajes de Vivienne Westwood. Otros diseñadores famosos con trabajo en la colección incluyen a Coco Chanel, a Hubert de Givenchy, a Christian Dior, a Cristóbal Balenciaga, a Yves Saint Laurent, a Guy Laroche, a Irene Galitzine, a Mila Schön, a Valentino Garavani, a Norman Norell, a Norman Hartnell, Mary Quant, Christian Lacroix, Jean Muir y Pierre Cardin. El museo continúa adquiriendo ejemplos de moda moderna para agregar a la colección.
El V & A dirige un programa de conservación de textiles y vestidos. Por ejemplo, en 2008 un importante pero pesadamente ensuciado, distorsionado y dañado agua 1954 Dior equipo llamado Zemire fue restaurado a la condición de displayable para la Exposición de Oro de la Costura.
Mueble:
En noviembre de 2012, el Museo abrió su primera galería dedicada exclusivamente a los muebles. Antes de esta fecha, los muebles habían sido exhibidos como parte de un contexto de mayor período, en lugar de aislados para mostrar sus méritos de diseño y construcción. Entre los diseñadores presentados en la nueva galería están Ron Arad, John Henry Belter, Joe Colombo, Eileen Gray, Verner Panton, Thonet y Frank Lloyd Wright.
La colección de muebles, mientras que cubre Europa y América de la Edad Media hasta la actualidad, es predominantemente británico, que data entre 1700 y 1900. Muchos de los mejores ejemplos se muestran en las galerías británicas, incluyendo piezas de Chippendale, Adam, Morris y Mackintosh . Uno de los artículos más viejos es una pierna de la silla de Egipto medio fechada a 200-395AD.
La colección de Muebles y Carpintería también incluye habitaciones completas, instrumentos musicales y relojes. Entre las habitaciones que posee el Museo se encuentran el Boudoir de Madame de Sévilly (París, 1781-82) de Claude Nicolas Ledoux, con paneles pintados por Jean Simeon Rousseau de la Rottière; y la Oficina Kaufmann de Frank Lloyd Wright, diseñada y construida entre 1934 y 1937 para el dueño de un almacén grande de Pittsburgh.
La colección incluye las piezas de Guillermo Kent, de Henry Flitcroft, de la cerradura de Matthias, de James Estuardo, de las cámaras de Guillermo, de James Guillermo, de James Wyatt, de Thomas Hopper, de Charles Heathcote Tatham, de Pugin, de Guillermo Burges, de Charles Voysey, de Charles Robert Ashbee, de Baillie Scott, de Edwin Lutyens , Edward Maufe, Wells Coates y Robin Day. El museo también alberga la colección nacional de papel tapiz, que es atendida por el departamento de Impresiones, Dibujos y Pinturas.
La colección Soulages de objetos renacentistas italianos y franceses fue adquirida entre 1859 y 1865, e incluye varios cassones. La colección de John Jones del arte y del mobiliario franceses del siglo XVIII fue dejada al museo en 1882, valorada entonces en £ 250.000. Una de las piezas más importantes de esta colección es una cómoda de marquetería por el ébéniste Jean Henri Riesener de c1780. Otros muebles firmados de la colección incluyen una mesa de Jean-François Oeben, un par de pedestales con incrustaciones de latón de André Charles Boulle, una cómoda de Bernard Vanrisamburgh y una mesa de trabajo de Martin Carlin. Otros ébénistes del siglo XVIII representados en la colección del Museo incluyen a Adam Weisweiler, David Roentgen, Gilles Joubert y Pierre Langlois. En 1901, Sir George Donaldson donó varias piezas de muebles de arte Nouveau al museo, que había adquirido el año anterior en la Exposition Universelle de París. Esto fue criticado en ese entonces, con el resultado que el museo dejó de recoger artículos contemporáneos y no lo hizo otra vez hasta los años 60. En 1986 la señora T. R. P. Hole legó la colección Lady Abingdon de muebles del Imperio Francés.
Hay un conjunto de hermosas puertas con incrustaciones, fechado en 1580 desde el Ayuntamiento de Amberes, atribuido a Hans Vredeman de Vries. Una de las piezas más finas del mobiliario continental de la colección es el Rococo Augustus Rex Bureau Gabinete de fecha c1750 de Alemania, con marquetería especialmente fina y monturas ormolu. Una de las piezas más grandiosas del mobiliario del siglo XIX es el gabinete francés muy elaborado de 1861-1867 hecho por M. Fourdinois, hecho de ébano incrustado de caja, cal, acebo, pera, nogal y madera de caoba, así como mármol con tallas doradas . Los muebles diseñados por Ernest Gimson, Edward William Godwin, Charles Voysey, Adolf Loos y Otto Wagner se encuentran entre los ejemplos del siglo XIX y principios del siglo XX en la colección. El trabajo de modernistas en la colección incluye Le Corbusier, Marcel Breuer, Charles y Ray Eames, y Giò Ponti.
Uno de los relojes más antiguos de la colección es un reloj astronómico de 1588 por Francis Nowe. Uno de los más grandes es James Markwick el reloj del longcase del más joven de 1725, casi 3 metros de altura y japanned. Otros fabricantes de relojes con trabajo en la colección son: Thomas Tompion, Benjamin Lewis Vulliamy, John Ellicott y William Carpenter.
Joyería:
La colección de joyas, que contiene más de 6000 artículos, es una de las colecciones más finas y completas de joyas del mundo e incluye obras que datan del Antiguo Egipto hasta la actualidad, así como diseños de joyas en papel. El museo posee piezas de prestigiosos joyeros Cartier, Jean Schlumberger, Peter Carl Fabergé, Andrew Grima, Hemmerle y Lalique. Otros elementos de la colección incluyen adornos de diamantes vestido para Catalina la Grande, broches de pulsera pertenecientes a Marie Antonieta, y el collar de esmeralda Beauharnais presentado por Napoleón a su hija adoptiva Hortense de Beauharnais en 1806. El museo también recoge joyas internacionales de diseño de diseñadores tales como Gijs Bakker, Onno Boekhoudt, Chang de Peter, Flockinger de Gerda, Lucy Sarneel, Dorothea Prühl y Wendy Ramshaw, y joyería tradicional africana y asiática. Los legados más importantes son la colección del reverendo Chauncy Hare Townshend de 154 gemas legadas en 1869, el regalo de la señora Cory en 1951 de grandes joyas de diamantes de los siglos XVIII y XIX y el regalo de Joan Evans de Joan Evans en 1977 de más de 800 joyas de la Edad Media a principios del siglo XIX. Una nueva galería de joyas, financiada por William y Judith Bollinger, abrió sus puertas el 24 de mayo de 2008.
Metalistería:
Esta colección de más de 45.000 artículos cubre hierro decorativo, tanto forjado y fundido, bronce, cubiertos, armas y armaduras, peltre, latón y esmaltes (incluyendo muchos ejemplos de esmalte Limoges). La principal galería de trabajos de hierro fue rediseñada en 1995.
Hay más de 10.000 objetos hechos de plata o oro en la colección, la exhibición (alrededor del 15% de la colección) se divide en secular y sagrado que abarca tanto cristianas (católicas romanas, anglicanas y ortodoxas griegas) y vasijas y artículos litúrgicos judíos. La galería de plata principal se divide en estas áreas: plata británica pre-1800; Plata británica 1800 a 1900; modernista a la plata contemporánea; Plata europea. La colección incluye la primera pieza conocida de plata inglesa con un sello de fecha, un vaso de plata dorado con fecha de 1496-97. Silversmiths ‘, cuyo trabajo está representado en la colección incluyen Paul de Lamerie y Paul Storr, cuyo Castlereagh Inkstand de 1817-19 es una de sus mejores obras. La principal galería de trabajos de hierro cubre el hierro forjado y el hierro fundido europeo desde el período medieval hasta principios del siglo XX. El maestro de la herrería Jean Tijou está representado por dos ejemplos de su obra y diseños en papel. Uno de los artículos más grandes es la pantalla de Hereford, que pesa casi 8 toneladas, 10.5 metros de altura y 11 metros de ancho, diseñado por Sir George Gilbert Scott en 1862 para el presbiterio en la catedral de Hereford, de la cual fue quitado en 1967. Fue hecho por Skidmore & Company. Su estructura de madera y hierro fundido se embellece con hierro forjado, latón bruñido y cobre. Gran parte del cobre y la herrería se pintan en una amplia gama de colores. Los arcos y las columnas están decoradas con cuarzo pulido y paneles de mosaico.
Uno de los artículos más raros en la colección es el candelabro de Gloucester de 58 cm de alto, fechado a c1110, hecho de bronce dorado; con ramas muy elaboradas e intrincadas entrelazadas que contienen pequeñas figuras e inscripciones, es un tour de force de fundición de bronce. También de importancia es el ataúd de la cáscara de tintura fechado c1180 para contener las reliquias de St Thomas Becket, hechas del cobre dorado, con las escenas esmaltadas del martyrdom del santo. Otro punto culminante es el 1351 Reichenau Crozier. El Burghley Nef, una bodega de sal, francesa, de 1527 a 28, utiliza una concha de nautilus para formar el casco de un buque, que descansa sobre la cola de una sirena parcelgilt, que descansa sobre un zócalo dorado hexagonal sobre seis garras y pies de baloncesto. Ambos mástiles tienen velas principal y superior, y las batas de batalla almenadas están hechas de oro. Estos artículos se exhiben en las nuevas galerías medievales y renacentistas.
Instrumentos musicales:
Los instrumentos musicales son clasificados como muebles por el museo, aunque los instrumentos asiáticos son sostenidos por sus departamentos relevantes.
Entre los instrumentos más importantes pertenecientes al museo están un violín de Antonio Stradivari fechado en 1699, un oboe que perteneció a Gioachino Rossini, y una espinilla enjoyada de 1571 hecha por Annibale Rossi. La colección también incluye un c. 1570 virginal dijo haber pertenecido a Elizabeth I, y finales del siglo XIX pianos diseñados por Edward Burne-Jones, y Baillie Scott.
La galería de instrumentos musicales cerró el 25 de febrero de 2010, una decisión que fue muy controvertida. Una petición en línea de más de 5.100 nombres en el sitio web del Parlamento llevó a Chris Smith pidiendo al Parlamento sobre el futuro de la colección. La respuesta, de Bryan Davies, fue que el museo tenía la intención de preservar y cuidar la colección y mantenerla a disposición del público, con artículos redistribuidos a las Galerías Británicas, las Galerías Medievales y Renacentistas y las nuevas galerías previstas para Muebles y Europa 1600-1800, y que el Museo Horniman y otras instituciones eran posibles candidatos para préstamos de material para asegurar que los instrumentos permanecieran públicamente visibles. El Horniman fue sede de una exposición conjunta con el V & A de instrumentos musicales, y tiene el préstamo de 35 instrumentos del museo.
Pinturas (y miniaturas):
La colección incluye cerca de 1130 pinturas al óleo británicas y 650 europeas, 6800 acuarelas británicas, pasteles y 2000 miniaturas, para las cuales el museo lleva a cabo la colección nacional. También en préstamo al museo, de Su Majestad la Reina Isabel II, están los Cuadernos de Rafael: los siete sobrevivieron (hubo diez) diseños a gran escala para tapices de la Capilla Sixtina, de las vidas de Pedro y Pablo de los Evangelios y la Hechos de los Apóstoles. También hay un fresco de Pietro Perugino fechado 1522 de la iglesia de Castello en Fontignano (Perugia) y es una de las últimas obras del pintor. Uno de los objetos más grandes en la colección es el tempera español en la madera, 670 x 486 cm, retablo de St George, c. 1400, compuesto por numerosas escenas y pintado por Andrés Marzal De Sax en Valencia.
Los artistas británicos del siglo XIX están bien representados. John Constable y J. M. W. Turner están representados por pinturas al óleo, acuarelas y dibujos. Uno de los objetos más inusuales en exhibición es el showbox experimental de Thomas Gainsborough con sus paisajes iluminados por la luz de fondo, que él pintó en el vidrio, que permitió que fueran cambiados como diapositivas. Otros pintores de paisajes con obras en exhibición incluyen Philip James de Loutherbourg, Peter De Wint y John Ward.
En 1857 John Sheepshanks donó 233 pinturas, principalmente de artistas británicos contemporáneos, y un número similar de dibujos al museo con la intención de formar una «Galería Nacional de Arte Británico», un papel que desde entonces tomó Tate Britain; artistas representados son Guillermo Blake, James Barry, Henry Fuseli, sir Edwin Henry Landseer, sir David Wilkie, Guillermo Mulready, Guillermo Powell Frith, Millais y Hippolyte Delaroche. Aunque algunas de las obras de Constable llegaron al museo con el legado de Sheepshanks, la mayoría de las obras del artista fueron donadas por su hija Isabel en 1888, incluyendo el gran número de bocetos en aceite, siendo el más significativo el boceto de 1821 Hay Wain. Otros artistas con obras de la colección son: Bernardino Fungai, Marcus Gheeraerts el Joven, Domenico di Pace Beccafumi, Fioravante Ferramola, Jan Brueghel el Viejo, Anthony van Dyck, Ludovico Carracci, Antonio Verrio, Giovanni Battista Tiepolo, Domenico Tiepolo, Canaletto, Francis Hayman, Pompeo Batoni, Benjamin West, Paul Sandby, Richard Wilson, William Etty, Henry Fuseli, Sir Thomas Lawrence, James Barry, Francis Danby, Richard Parkes Bonington y Alphonse Legros.
La colección de 100 acuarelas británicas de Richard Ellison fue dada por su viuda en 1860 y 1873 para «promover la fundación de la colección nacional de pinturas del color del agua». Más de 500 pinturas al óleo británicas y europeas, acuarelas y miniaturas y 3000 dibujos y grabados fueron legados en 1868-9 por los clérigos Chauncey Hare Townshend y Alexander Dyce.
Varias pinturas francesas entraron en la colección como parte de las 260 pinturas y miniaturas (no todas las obras eran francesas, por ejemplo la Virgen y el Niño de Carlo Crivelli) que formaron parte del legado de Jones de 1882 y como tal se muestran en las galerías de arte continental 1600-1800, el retrato de François, el duque de Alençon de François Clouet, el de Gaspard Dughet y las obras de François Boucher, entre ellas su retrato de Madame de Pompadour de 1758, Jean François de Troy, Jean-Baptiste Pater y sus contemporáneos.
Otro gran benefactor victoriano fue Constantino Alexander Ionides, quien dejó 82 pinturas al óleo en el museo en 1901, incluyendo obras de Botticelli, Tintoretto, Adriaen Brouwer, Jean-Baptiste-Camille Corot, Gustave Courbet, Eugène Delacroix, Théodore Rousseau, Edgar Degas, Jean -François Millet, Dante Gabriel Rossetti, Edward Burne-Jones, más acuarelas y más de mil dibujos e impresiones
El Salting Bequest de 1909 incluyó, entre otras obras, acuarelas de J. M. W. Turner. Otros acuarelistas incluyen: William Gilpin, Thomas Rowlandson, William Blake, John Sell Cotman, Paul Sandby, William Mulready, Edward Lear, James Abbott McNeill Whistler y Paul Cézanne.
Hay una copia de la Escuela de Atenas de Raphael de más de 4 metros por 8 metros de tamaño, fechada en 1755 por Anton Raphael Mengs en exhibición en el este Cast Tribunal.
Los miniaturistas representados en la colección incluyen a Jean Bourdichon, a Hans Holbein el más joven, a Nicholas Hilliard, a Isaac Oliver, a Peter Oliver, a Jean Petitot, a Alexander Cooper, a Samuel Cooper, a Thomas Flatman, a Rosalba Carriera, a Christian Friedrich Zincke, a George Engleheart, a John Smart, a Richard Cosway & William Charles Ross.
Escultura:
La colección de esculturas en el V & A es la celebración más completa de la escultura europea post-clásica en el mundo. Hay aproximadamente 22.000 objetos en la colección que cubren el período desde el año 400 hasta 1914. Esto abarca, entre otros períodos, esculturas de marfil bizantino y anglosajón, estatuas y tallas medievales británicas, francesas y españolas, el Renacimiento, el Barroco, el Neoclásico, Victoriano y Art Nouveau. Todos los usos de la escultura están representados, desde la tumba y el monumento, hasta el retrato, alegóricos, religiosos, míticos, estatuas para jardines incluyendo fuentes, así como decoraciones arquitectónicas. Los materiales utilizados incluyen mármol, alabastro, piedra, terracota, madera (historia de la talla de madera), marfil, gesso, yeso, bronce, plomo y cerámica.
La colección de la escultura italiana, medieval, renacentista, barroca y neoclásica (original y en molde) es inigualable fuera de Italia. Incluye Las Tres Gracias de Canova, que el museo posee conjuntamente con las Galerías Nacionales de Escocia. Los escultores italianos que trabajan en el museo son: Bartolomeo Bon, Bartolomeo Bellano, Luca della Robbia, Giovanni Pisano, Donatello, Agostino di Duccio, Andrea Riccio, Antonio Rossellino, Andrea del Verrocchio, Antonio Lombardo, Jacopo Alari Bonacolsi, Andrea della Robbie, Michelozzo di Bartolomeo, Miguel Ángel (representado por un modelo de cera a mano alzada y moldes de sus esculturas más famosas), Jacopo Sansovino, Alessandro Algardi, Antonio Calcagni, Benvenuto Cellini, Agostino Busti, Bartolomeo Ammannati, Giacomo della Porta, Giambologna (Sansón y filisteos), Massimiliano Soldani Benzi, Antonio (Neumón y Tritón, 1622-16), Giovanni Battista Foggini, Vincenzo Foggini (Sansón y los Filisteos) Corradini, Andrea Brustolon, Giovanni Battista Piranesi, Innocenzo Spinazzi, Canova, Carlo Marochetti y Raffaelle Monti. Una escultura inusual es la antigua estatua romana de Narciso restaurado por Valerio Cioli c1564 con yeso. Hay varios bronzes a pequeña escala de Donatello, Alessandro Vittoria, Tiziano Aspetti y Francesco Fanelli en la colección. El mayor objeto de Italia es la capilla del capellán de Santa Chiara Florencia de 1493-1500, diseñado por Giuliano da Sangallo es 11,1 metros de altura por 5,4 metros cuadrados, que incluye un gran tabernáculo esculpido de Antonio Rossellino y decoración de terracota de colores.
Rodin está representado por más de 20 obras en la colección del museo, por lo que es una de las mayores colecciones de la obra del escultor fuera de Francia; estos fueron dados al museo por el escultor en 1914, como reconocimiento del apoyo de Gran Bretaña a Francia en la Primera Guerra Mundial, aunque la estatua de San Juan Bautista se había comprado en 1902 por la suscripción pública. Otros escultores franceses que trabajan en la colección son Hubert Le Sueur, François Girardon, Michel Clodion, Jean-Antoine Houdon, Jean-Baptiste Carpeaux y Jules Dalou.
Hay también varias obras del renacimiento de los escultores del norte de Europa en la colección incluyendo el trabajo cerca: Veit Stoss, Tilman Riemenschneider, Hendrick de Keyser, enero van Schayck, Hans Daucher y Peter Flötner. Las obras barrocas de la misma área incluyen la obra de Adriaen de Vries y Sébastien Slodtz. Los escultores españoles con trabajo en la colección incluyen Alonso Berruguete y Luisa Roldán representada por su Virgen con Niño con San Diego de Alcalá c. 1695.
Los escultores británicos y europeos que se basaron en Gran Bretaña y cuyo trabajo está en la colección incluyen Nicholas Stone, Caius Gabriel Cibber, Grinling Gibbons, John Michael Rysbrack, Louis-François Roubiliac, Peter Scheemakers, Sir Henry Cheere, Agostino Carlini, Thomas Banks, Joseph Nollekens, Joseph Wilton, John Flaxman, Sir Francis Chantrey, John Gibson, Edward Hodges Baily, Lord Leighton, Alfred Stevens, Thomas Brock, Alfred Gilbert, George Frampton y Eric Gill. Una muestra de algunos de estos trabajos de los escultores se exhibe en las galerías británicas.
Con la apertura de las galerías de escultura Dorothy y Michael Hintze en 2006 se decidió extender la cronología de las obras expuestas hasta 1950; esto ha implicado préstamos de otros museos, incluyendo Tate Britain, por lo que las obras de Henry Moore y Jacob Epstein junto con otros de sus contemporáneos están ahora a la vista. Estas galerías se concentran en obras fechadas entre 1600 y 1950 por escultores británicos, obras de escultores continentales que trabajaban en Gran Bretaña y obras compradas por mecenas británicos de los escultores continentales, como el Teseo de Canova y el Minotauro. Las galerías con vistas al jardín se organizan por tema, escultura tumba, retrato, escultura de jardín y la mitología. Luego hay una sección que cubre escultura de finales del siglo XIX y principios del siglo XX, esto incluye obras de Rodin y otros escultores franceses como Dalou que pasó varios años en Gran Bretaña donde enseñó escultura.
En la galería Gilbert Bayes se exponen obras de menor escala, que abarcan la escultura de alabastro inglés medieval, bronces, esculturas de madera y demostraciones de diversas técnicas, como la fundición de bronce con fundición de cera perdida.
La mayor parte de la escultura medieval y renacentista se exhibe en las nuevas galerías medievales y del renacimiento (abierto diciembre de 2009).
Uno de los objetos más grandes de la colección es el loft de s-Hertogenbosch, de los Países Bajos, datado de 1610-13, que es tanto una obra de arquitectura como escultura, 10,4 metros de ancho, 7,8 metros de altura, el marco arquitectónico es de varios mármoles de colores como columnas, arcos y balaustradas, contra los cuales se encuentran estatuas y bajorrelieves y otras tallas en alabastro, obra del escultor Conrad van Norenberch.
Textiles:
La colección de textiles se compone de más de 53.000 ejemplos, principalmente europeos occidentales aunque todos los continentes poblados están representados, que datan desde el siglo I dC hasta el presente, esta es la mayor colección de este tipo en el mundo. Las técnicas representadas incluyen tejido, impresión, bordado acolchado, encajes, tapices y alfombras. Se clasifican por técnica, países de origen y fecha de producción. Las colecciones están bien representadas en estas áreas: sedas tempranas del Oriente Próximo, encajes, tapices europeos y bordados de iglesias medievales inglesas.
La colección del tapiz incluye un fragmento del paño de St Gereon, el tapiz europeo superviviente conocido más viejo. Un punto culminante de la colección son los cuatro tapices de la caza de Devonshire, muy raros tapices del siglo XV, tejidos en los Países Bajos, representando la caza de varios animales; no sólo su edad sino su tamaño hacen estos únicos. Los dos principales centros ingleses de tejido de tapicería de los siglos XVI y XVII respectivamente, Sheldon & Mortlake están representados en la colección por varios ejemplos. También se incluyen los tapices del taller de John Vanderbank, que fue la principal fábrica de tapices Inglés a finales del siglo 17 y principios del siglo XVIII. Algunos de los mejores tapices son ejemplos del taller de los Gobelins, incluyendo un conjunto de «Jason y los argonautas» que data de la década de 1750. Otros centros continentales de tapicería que tejen con el trabajo en la colección incluyen Bruselas, Tournai, Beauvais, Estrasburgo y Florencia.
Uno de los primeros ejemplos sobrevivientes de acolchado europeo, la edredón siciliana Tristan de finales del siglo XIV, también está en manos de la colección. La colección tiene numerosos ejemplos de varios tipos de textiles diseñados por William Morris, incluyendo, bordados, telas tejidas, tapices (incluyendo el tapiz «The Forest» de 1887), alfombras y alfombras, así como libros patrón y diseños de papel. El período art déco está cubierto por alfombras y tejidos diseñados por Marion Dorn. Del mismo período hay una alfombra diseñada por Serge Chermayeff.
La colección también incluye los colgantes de Oxburgh, que fueron hechos por Maria, reina de Scots y Bess de Hardwick. Sin embargo, los Hangings de Oxburgh están en préstamo permanente a largo plazo en Oxburgh Hall.
Teatro y actuación:
Las galerías de V & A Theatre & Performance, antes Museo del Teatro, se inauguraron en marzo de 2009. Las colecciones son almacenadas por el V & A, y están disponibles para la investigación, exposiciones y otros espectáculos. Ellos llevan a cabo la colección nacional más grande del Reino Unido del material sobre funcionamiento vivo en el Reino Unido desde el día de Shakespeare, cubriendo el drama, la danza, el teatro musical, el circo, el pasillo de la música, el rock y el estallido, y la mayoría de otras formas de entretenimiento vivo. Los tipos de artículos exhibidos incluyen trajes, modelos del sistema, pelucas, libros pronto, y carteles.
Exposiciones:
El V & A tiene grandes galerías dedicadas a exposiciones temporales. Un año típico verá más de una docena de diferentes exposiciones en escena, cubriendo todas las áreas de las colecciones.