Bienal de Arte de Venecia 2019, Exposición en Giardini, Italia

La 58a exposición internacional de arte, titulada May You Live In Interesting Times, dirigida por Ralph Rugoff, tuvo lugar del 11 de mayo al 24 de noviembre de 2019. El título es una frase de invención inglesa que durante mucho tiempo se ha citado erróneamente como una antigua maldición china que invoca períodos de incertidumbre, crisis y confusión; “tiempos interesantes”, exactamente como los que vivimos hoy.

La exposición, como siempre, se lleva a cabo en los dos sitios históricos principales, el Giardini di Castello y el Arsenale, pero también incluye lugares prestigiosos en toda Venecia, donde se alojan los representantes de muchas naciones y donde se organizan exposiciones y eventos colaterales. Todos los futuros del mundo conforma un amplio y unificado recorrido expositivo que se articula desde el Pabellón Central de los Jardines hasta el Arsenal, incluyendo las participaciones de 79 países y regiones.

El título de esta Exposición expresión “tiempos interesantes” evoca la idea de tiempos desafiantes o incluso “amenazantes”, pero también podría ser simplemente una invitación a ver y considerar siempre el curso de los acontecimientos humanos en su complejidad, una invitación, por lo tanto, a que parece ser particularmente importante en tiempos en los que, con demasiada frecuencia, parece prevalecer la simplificación excesiva, generada por el conformismo o el miedo.

Que vivas en tiempos interesantes, incluye obras de arte que reflexionan sobre aspectos precarios de la existencia actual, incluidas diferentes amenazas a tradiciones, instituciones y relaciones clave del “orden de posguerra”. Pero reconozcamos de entrada que el arte no ejerce sus fuerzas en el ámbito de la política. El arte no puede detener el surgimiento de movimientos nacionalistas y gobiernos autoritarios en diferentes partes del mundo, por ejemplo, ni puede aliviar el trágico destino de los pueblos desplazados en todo el mundo.

La 58a Exposición Internacional de Arte destaca un enfoque general de la creación de arte y una visión de la función social del arte que abarca tanto el placer como el pensamiento crítico. La Exposición se centra en el trabajo de artistas que desafían los hábitos de pensamiento existentes y abren nuestras lecturas de objetos e imágenes, gestos y situaciones.

El arte de este tipo surge de la práctica de entretener múltiples perspectivas: de tener en mente nociones aparentemente contradictorias e incompatibles, y de hacer malabarismos con diversas formas de dar sentido al mundo. Los artistas que piensan de esta manera ofrecen alternativas al significado de los llamados hechos sugiriendo otras formas de conectarlos y contextualizarlos. Animados por una curiosidad ilimitada y un ingenio penetrante, su trabajo nos anima a mirar con recelo todas las categorías, conceptos y subjetividades incuestionables.

Una exposición de arte merece nuestra atención, ante todo, si pretende presentarnos el arte y los artistas como un desafío decisivo a todas las actitudes simplistas. De manera indirecta, quizás el arte pueda ser una especie de guía sobre cómo vivir y pensar en ‘tiempos interesantes’. Nos invita a considerar múltiples alternativas y miradores desconocidos, ya discernir las formas en las que el “orden” se ha convertido en la presencia simultánea de diversos órdenes.

La exposición en Giardini
La Exposición se desarrolla desde el Pabellón Central (Giardini) hasta el Arsenale e incluye 79 participantes de todo el mundo. El sitio tradicional de las exposiciones de arte de La Biennale desde la primera edición en 1895, los Giardini se elevan al borde oriental de Venecia y fueron realizados por Napoleón a principios del siglo XIX. Fue el éxito de las primeras ediciones (más de 200.000 visitantes en 1895, más de 300.000 en 1899) para desencadenar la construcción de pabellones extranjeros desde 1907, que se sumaron al Pabellón Central ya construido. El Giardini alberga ahora 29 pabellones de países extranjeros, algunos de ellos diseñados por arquitectos famosos como el Pabellón de Austria de Josef Hoffmann, el pabellón holandés de Gerrit Thomas Rietveld o el pabellón finlandés, un prefabricado con un plano trapezoidal diseñado por Alvar Aalto.

Como parte de la reorganización expositiva de las sedes de La Biennale, en 2009 el histórico Pabellón Central de Giardini se convirtió en una estructura multifuncional y versátil de 3.500 metros cuadrados, el centro de actividad permanente y punto de referencia de los otros pabellones de los jardines. Alberga espacios interiores diseñados por artistas de renombre internacional como Massimo Bartolini (Área Educativa “Sala F”), Rirkrit Tiravanija (Librería) y Tobias Rehberger (Cafetería).

La transformación del Pabellón Central en los Jardines Multifuncionales se completó en 2011 con la reorganización de los espacios expositivos y el vestíbulo de entrada. A partir de entonces, el Pabellón Central podrá disfrutar de óptimas condiciones espaciales y microclimáticas para cada uno de los diferentes y numerosos destinos, incluyendo actividades didácticas, talleres y proyectos especiales. Una parte importante del proyecto de recuperación consistió en la finalización de la restauración del Ottagonale Hall, iniciada por el Ayuntamiento de Venecia en 2006, con la restauración de las pinturas dentro de la cúpula de Galileo Chini en 1909 y la restauración de sistemas decorativos de paredes y suelos. En la terraza veneciana. El Salón, equipado con todos los servicios para la recepción del público,se convierte así en un fulcro del Pabellón en forma de atrio monumental desde el que se accede a todas las nuevas áreas funcionales.

Reflejos

Parte IV

Lara Favaretto
La práctica artística multifacética de Lara Favaretto abarca la escultura, la instalación y la acción performativa, y a menudo se expresa a través del humor negro y la irreverencia. Un ejemplo se puede encontrar en su serie Momentary Monuments (2009-en curso), que no pretenden glorificar ningún evento histórico, ni fomentar sentimientos de identificación nacional. Los monumentos de Favaretto son menos ideológicos y más tragicómicos, simplemente se pudren, colapsan y se disuelven de diferentes formas. Esto hace que el tremendo esfuerzo por construirlos sea un monumento en sí mismo, pero a la inutilidad del esfuerzo humano. La broma implícita en el trabajo de Favaretto es que incluso los objetos hechos de los materiales más estables, destinados a congelar valores e ideologías para siempre, eventualmente desaparecen.

Antoine Catala
Antoine Catala crea nuevas y divertidas relaciones entre el lenguaje y la realidad. Al explorar los problemas de comunicación, busca descubrir algunas de las formas en que el significado se transmite a través de palabras, signos, textos, emojis, especialmente a través de las plataformas de comunicación. A través de sus obras de texto e instalaciones escultóricas, llama la atención sobre cómo, a menudo sin pensarlo, nos afecta la forma en que se transmite el mensaje, más que el mensaje en sí.

En la entrada del Pabellón Central nueve grandes paneles revestidos de silicona de colores constituyen la obra It’s Over (2019). A medida que el aire sale lentamente de cada panel, se revela un texto en relieve que transmite mensajes ambiguamente tranquilizadores: “No te preocupes”, “Se acabó”, “Todo está bien”, “Tutto va bene”, “Oye, relájate”. , o una imagen de dos ositos de peluche besándose. En el Arsenale, la instalación The Heart Atrophies (2018-2019) propone el equivalente contemporáneo de un acertijo medieval, mostrando cómo los humanos siempre han estado en una relación cercana, adaptativa y flexible con los signos que los rodean.

María Loboda
La transformación continua de objetos e imágenes a través de sus trayectorias de transmisión y encuentro es el núcleo de la práctica de Maria Loboda. Las obras de Loboda provocan desconfianza en lo supuestamente evidente, pero también nos invitan a hacernos amigos de las incertidumbres que ellos, y las cosas que nos rodean, poseen. A Loboda le interesa la forma en que las imágenes se ven afectadas por los contextos en los que circulan, moldeadas por la historia de las miradas sobre ellas.

Ryoji Ikeda
La práctica del compositor y artista Ryoji Ikeda se acerca al minimalismo monumental, a menudo entrelazando composiciones acústicas escasas con imágenes que toman la forma de vastos campos de información renderizada digitalmente. Estos se integran para formar el propio lenguaje expansivo del artista, que se basa en una forma algorítmica de trabajo donde las matemáticas se utilizan como un medio para capturar y reflejar el mundo natural que nos rodea.

Haris Epaminonda
Haris Epaminonda trabaja con materiales encontrados como esculturas, cerámica, libros o fotografías, que a menudo combina para construir cuidadosamente sus instalaciones características. Estos objetos están enredados en una red de significados históricos y personales que son desconocidos para el público y, probablemente, para ella también. No es que ignore estas historias: están implícitas, ejercen su poder de manera intrínseca, mientras se inclinan suavemente hacia algo diferente a medida que se instalan en sus instalaciones. Los elige por sus qualia, sus irreductibles cualidades vivenciales, que los hacen brillar y hacerse visibles.

Nicole Eisenman
Las reverberaciones entre lo histórico y el presente, entre la publicidad y la privacidad proporcionan la fuerza detrás de las pinturas y esculturas de Nicole Eisenman. Su antena para la dinámica de la vida contemporánea la condujo a la inexorable verdad de que el mundo permanece lleno de hombres malvados impulsados ​​por el poder, la glotonería, la avaricia, la sed de sangre y su creencia en el dinero como un valor por encima de todos los demás.

En sus obras escultóricas, Eisenman representa estas fuerzas como monstruosas, distorsionadas y retorcidas, evisceradas y cancerosas. Su firme compromiso con los detalles de nuestro momento, como se aprecia en obras como Weeks on the Train (2015), Morning Studio (2016) y Dark Light (2017), los iPhones, jeans, sudaderas con capucha, laptops, gorras de béisbol y la El uso de cajones de leche como mobiliario la sitúa firmemente en la venerable tradición del realismo y las escenas de género: cuadros en los que la membrana que separa el arte de la vida se vuelve lo más porosa posible.

Augustas Serapinas
Augustas Serapinas, interesado en la creación de puntos de vista alternativos, contribuyen a una mayor diversidad, que a menudo falta en las instituciones y en el mundo del arte en general … Tiene un profundo respeto por la creatividad ‘make-do’, y su trabajo a menudo encuentra inspiración conmovedora en el día a día. Incluso en la escuela de arte en su Vilnius natal, Serapinas presionó contra los confines institucionales, encontrando un espacio oculto dentro de la Academia para usar como un estudio secreto y creando un agujero para él en una cavernosa tubería de agua que desemboca en el río Vilnelė. En 2012, su último año en la Academia de Artes de Vilnius, notó que un grupo de niños usaba el espacio público circundante como área de juego y construyó estructuras de escalada dentro de su estudio para que las descubrieran e incorporaran a sus juegos.

Cameron Jamie
Cameron Jamie ha producido trabajos en diversos medios, desde fotografías y videos hasta dibujos, cerámica, escultura y fanzines fotocopiados. Sin embargo, el trabajo que más le llamó la atención en los primeros años de su carrera fue Kranky Klaus (2002-2003), un video que documenta la tradición navideña alpina de Krampuslauf. En un pueblo rural de Austria, hombres vestidos como bestias con cuernos merodean por las calles de noche, supuestamente en busca de niños y mujeres jóvenes que se dice que han sido traviesos. Las bestias Krampus es un ritual culturalmente sancionado de coreografiado.

Michael E. Smith
Una sensación de angustia posthumana impregna las esculturas, instalaciones, videos y pinturas ocasionales de Michael E. Smith. El artista suele utilizar en su trabajo el tipo de objetos que se pueden encontrar en un basurero o, en el mejor de los casos, en una tienda de segunda mano; estos son artefactos que tienen en su superficie evidencia de haber sido usados, gastados y finalmente rotos por manos humanas. El mismo hecho de ser descartados les imbuye de un patetismo mordaz, revelándolos como no amados, impotentes y consignados a un purgatorio material en el que se niegan a degradarse o desaparecer. En otros lugares, los animales muertos reales (o partes de ellos) entran en el vocabulario escultórico de Smith, como para subrayar la calidad mortal de los objetos hechos por el hombre con los que se combinan.

Ad Minoliti
Para Ad Minoliti, la pintura metafísica es el símbolo de la utopía modernista y de todo lo que ella encontraba reprochable en ella: la represión de su idealidad, el conservadurismo de sus rígidas estructuras, e incluso su lógica binaria implícita, en referencia a la idea de Jacques Derrida de que El pensamiento occidental se basa en oposiciones dualistas como hombre-mujer, racional-emocional o naturaleza-cultura. Su esfuerzo artístico ha sido crear un espacio alternativo de representación para contrarrestar esta postura modernista. Encontró un alter-homólogo dialéctico del espacio de la pintura metafísica en el mundo imaginario de la casa de muñecas.

Una invención del siglo XVII, la casa de muñecas se creó inicialmente como una herramienta pedagógica para instruir a las niñas sobre sus roles como amas de casa, amas de casa, amasadoras de hijos y simpatizantes de los esposos, y a los niños sobre la aceptación de esta división y filosofía del trabajo. . Minoliti se apropia de la estética de la casa de muñecas y sus accesorios, la combina con imágenes modernistas que se hacen eco de Kandinsky, Picasso o Matisse, y luego la desarma, la tuerce, la cambia y la reconfigura de nuevo.

Jon Rafman
En los movimientos modernistas, ha observado Jon Rafman, prevalecían las visiones utópicas del futuro. Sin embargo, la visión posmoderna del capitalismo tardío se ha convertido en una visión distópica. Para explorar este cambio en las nociones de futuro, el trabajo de Rafman emplea la imagen en movimiento y los gráficos generados por computadora, evitando el optimismo rosado que a veces se asocia con las nuevas tecnologías.

Arthur Jafa
Durante tres décadas, Arthur Jafa ha desarrollado una práctica dinámica en medios como el cine, la escultura y la interpretación. A lo largo de su carrera, se ha dedicado a modos de expresividad específicamente negros y al desafío de cómo representar el mundo (visual, conceptual, cultural e idiomáticamente) desde la perspectiva del ser negro, en toda su alegría, horror, belleza, dolor, virtuosismo, alienación, poder y magia. Jafa reúne imágenes basadas en redes, fotografías históricas, retratos vernáculos, videos musicales, memes y secuencias de noticias virales para resaltar el absurdo y la necesidad de las imágenes en la aprehensión de la raza.

Neïl Beloufa
Neïl Beloufa, cuya práctica abarca el cine, la escultura y las instalaciones, ha pasado la mayor parte de la última década pensando en lo que está en juego cuando uno aprehende la realidad y su representación. Su práctica se niega a adoptar ninguna posición de autoridad; es a la vez agudo en la observación y discreto en lo que transmite.

El artista se aparta constantemente de sus propuestas como si le dijera al espectador: “Este es tu problema ahora, tú lo solucionas”. Por ejemplo, para ver los videos del Acuerdo Global (2018-2019), el espectador debe sentarse en estructuras que recuerdan a los equipos de un gimnasio, que son incómodas y restringen sus movimientos; Al mismo tiempo, la configuración del espacio significa que cada espectador puede observar a todos los demás observando a los demás: puede que estés viendo el video, pero alguien siempre te está mirando.

Zhanna Kadyrova
Uno de los aspectos más llamativos del arte de Zhanna Kadyrova, que incluye fotografía, video, escultura, performance e instalación, es su experimentación con formas, materiales y significado. A menudo utiliza baldosas baratas para mosaicos, combinadas con materiales de construcción pesados ​​como hormigón y cemento.

La versión de Second Hand (2014-en curso) que se exhibe en el Pabellón Central reutiliza las baldosas cerámicas de un hotel en Venecia para construir prendas de vestir y ropa de cama. Para Market (2017-en curso, exhibido en el Arsenale), un puesto de comida equipado con todo lo que necesita un comerciante ambulante, elabora salchichas y salamis a partir de hormigón y piedra natural, y modela frutas y verduras, plátanos, sandías, granadas, berenjenas, en mosaico grueso.

Ian Cheng
Ian Cheng utiliza técnicas de programación informática para crear entornos de vida definidos por sus habilidades para mutar y evolucionar. Estaba desarrollando ‘simulaciones en vivo’, ecosistemas virtuales vivos que comienzan con propiedades programadas básicas pero se dejan evolucionar por sí mismos sin control ni final del autor. Es un formato para ejercitar deliberadamente los sentimientos de confusión, ansiedad y disonancia cognitiva que acompañan a la experiencia de un cambio implacable.

La criatura más reciente de Cheng, BOB (Bolsa de creencias) (2018-2019), presentada en el Pabellón Central, es una forma de IA (inteligencia artificial) cuya personalidad, valores y cuerpo, que recuerda a una serpiente o un coral, están creciendo continuamente. . Los patrones de comportamiento y el guión de vida de BOB se alimentan de interacciones con humanos, que pueden influir en las acciones de BOB a través de una aplicación iOS. Life After BOB: First Tract (2019), presentado en el Arsenale, opera como una especie de “vista previa” de un universo narrativo centrado en BOB.

Nairy Baghramian
Nairy Baghramian fusiona formas mecánicas y antropomórficas para crear asombrosos objetos escultóricos. Su trabajo visualiza la escultura como una criatura híbrida. Ni completamente mecánicos ni completamente corpóreos, los objetos de Baghramian son difíciles de precisar. Dwindlers, una serie de apéndices de vidrio expuestos a lo largo del corredor exterior del Arsenale, obliga a preguntarse: “¿Qué es lo que estamos mirando? ¿Una colección de conductos de ventilación dañados o intestinos monstruosos? ¿Adornos decorativos o una estructura ruinosa?”.

En el Pabellón Central, muestra Maintainers (2019), un collage de elementos escultóricos interdependientes en grupos bien ensamblados (aluminio fundido en bruto presionado firmemente contra formas de cera que se apoyan en una barra de corcho y tirantes lacados). Sólido y obstinado, el collage de formas anima una tensión dinámica entre el soporte material y el ataque; sin el corcho y los tirantes lacados, la obra podría colapsar potencialmente.

Julie Mehretu
Los lienzos anteriores de Julie Mehretu se referían a mapas, diagramas arquitectónicos y cuadrículas de planificación urbana; el artista utilizó una serie de vectores y notaciones que apuntaban hacia las movilidades globales, así como las desigualdades globales. Son vertiginosamente complejos y magistrales en el uso de la escala y el espacio negativo; transmiten una sensación de velocidad. En sus últimas pinturas, abraza un tipo diferente de desorientación, produciendo obras en las que se agregan y borran trazos de aerógrafo y elementos serigrafiados, invocando una sensación de disipación y pérdida. Aunque los detalles de las pinturas subyacentes ya no están disponibles para el espectador como información pictórica, esta fuente de imágenes todavía tiene la capacidad de registrarse en un nivel emocional, estableciendo el tono para la pintura completa.

Henry Taylor
Henry Taylor, que describe su práctica pictórica como “voraz”, puebla su trabajo con una enorme diversidad de temas, desde los desamparados hasta los deslumbrantemente exitosos. Ya sea a través de retratos íntimos de familiares y amigos, o escenas grupales con influencias políticas que unen diferentes geografías e historias, el objetivo de Taylor es retratar honestamente la realidad de la experiencia negra y el funcionamiento a menudo inicuo de la vida estadounidense. Pero a pesar de su agudo ojo para la injusticia y la frecuente incorporación de referencias históricas del arte, las imágenes de Taylor no son pesadas; sus formas atrevidas y colores en bloque son inmediatos, enganchando al espectador.

Jimmie Durham
También incorporando elementos de escritura y actuación, la práctica de Jimmie Durham toma la forma de esculturas en las que diversos elementos cotidianos y materiales naturales se ensamblan en formas vívidas. El proceso de producción, lo que Durham denomina “combinaciones ilegales con objetos rechazados”, puede verse como una encarnación de la actitud subversiva que impregna sus obras.

En el Pabellón Central, Durham exhibe Black Serpentine, una gran losa de roca epónima rodeada por un marco de acero inoxidable, una masa de media tonelada desafiante en su fortaleza implacable. En el Arsenale, cada escultura, formada a partir de combinaciones de partes de muebles, materiales industriales pulidos o ropa usada, se aproxima a la escala del animal titular; sin embargo, las formas resultantes no son retratos de los seres, sino enredos poéticos que desafían la noción tradicional de la Ilustración de la separación entre humanos y naturaleza.

Rula Halawani
Las imágenes fantasmales de Rula Halawani capturan las secuelas de la violencia periódica que transformó a su país en una zona de guerra. Basándose tanto en su experiencia como fotoperiodista como en sus recuerdos de la vida bajo la ocupación israelí, Halawani busca en un paisaje ahora desconocido los rastros que se desvanecen de la Palestina histórica. A través del medio de la fotografía, las implicaciones espaciales de la ocupación se reflejan no solo a través de la representación de estructuras políticas en el entorno construido, sino más claramente en el vacío de espacios negativos e ilusiones sombrías.

Soham Gupta
En sus retratos fantasmales, Soham Gupta arroja luz sobre la vida nocturna de Calcuta, revelando cómo viven algunos de los habitantes más vulnerables de la ciudad. En su serie Angst, seguimos a estas figuras nocturnas mientras se mueven por los mundos que habitan, convirtiéndose en personajes vívidos en la imaginación del fotógrafo. Gupta piensa que sus retratos son el resultado de un proceso de colaboración, extraído de interacciones íntimas en las que él y sus sujetos se confían entre sí. El fotógrafo tiene una afinidad instintiva con los que existen al margen de la sociedad; camina entre ellos, identificándose con sus dolores y luchas.

Después de pasar tiempo con cada tema, Gupta hace relatos biográficos de sus historias. Las fotografías de Gupta imbuyen a los impotentes con una agencia expresiva. Más que una documentación de una ciudad y su gente, las fotografías son expresión de un estado psicológico enraizado en algo más esencial. Una sensación de vulnerabilidad y soledad está marcada por momentos de alegría y espontaneidad. Mientras que los gritos y los dolores de la agonía pueden ser silenciados por la imagen fotográfica, las fotografías de Gupta expresan vívidamente los diversos matices de la humanidad que solo se pueden ver durante la noche.

Lee Bul
Al crecer como hija de activistas de izquierda durante la dictadura militar de Corea del Sur, Lee Bul experimentó los efectos de un régimen represivo en un país que experimenta una rápida transformación económica y cultural. Sus primeras obras, que datan de finales de la década de 1980, fueron representaciones callejeras para las que hizo y vistió monstruosos trajes de “escultura blanda” adornados con protuberancias y vísceras colgantes. Estos fueron seguidos por sus esculturas Cyborg en cuerpos femeninos transformados en máquinas, formando híbridos incompletos que carecen de cabezas y extremidades. A su vez, la llevaron a explorar ideas de paisajes urbanos futuristas inspirados en los sueños, ideales y utopías concebidos en el manga y el anime japoneses, la bioingeniería y la arquitectura visionaria de Bruno Taut (1880-1938).

Lara Favaretto
La práctica artística multifacética de Lara Favaretto abarca la escultura, la instalación y la acción performativa, y a menudo se expresa a través del humor negro y la irreverencia. Un ejemplo se puede encontrar en su serie Momentary Monuments (2009-en curso), que no pretenden glorificar ningún evento histórico, ni fomentar sentimientos de identificación nacional. Los monumentos de Favaretto son menos ideológicos y más tragicómicos: simplemente se pudren, colapsan y se disuelven de diferentes maneras. Esto hace que el tremendo esfuerzo por construirlos sea un monumento en sí mismo, pero a la inutilidad del esfuerzo humano. La broma implícita en el trabajo de Favaretto es que incluso los objetos hechos de los materiales más estables, destinados a congelar valores e ideologías para siempre, eventualmente desaparecen.

Lawrence Abu Hamdan
Lawrence Abu Hamdan, que se describe a sí mismo como un “oído privado”, se centra en la política de la escucha, el impacto legal y religioso del sonido, la voz humana y el silencio. Su práctica se originó en la música de bricolaje, pero actualmente abarca películas, instalaciones audiovisuales y ensayos de audio en vivo, un término que prefiere a “lectura-interpretación”, ya que describe mejor el entrelazamiento de voz y contenido, y de la discurso y las condiciones en las que se pronuncia. Se ocupa de la voz humana como un material politizado, fácilmente comprensible por gobiernos o empresas de datos.

Parte V

Teresa Margolles
Teresa Margolles entrena una lente feminista sobre las brutalidades de la narcoviolencia que invaden su país de origen, México. Habiendo estudiado medicina forense y cofundadora del colectivo de artistas inspirados en el death-metal SEMEFO, Margolles ha temido a lo largo de su práctica la negligencia gubernamental, el costo social y económico de la criminalización de las drogas y las texturas, olores y restos físicos específicos.

Sun Yuan y Peng Yu
La pareja de artistas Sun Yuan y Peng Yu comenzaron su colaboración en 2000. En 2009, crearon la instalación Sun Yuan Peng Yu, un autorretrato que describe la relación y la dinámica de su alianza artística. Un círculo de humo recurrente fue dispersado persistentemente por una escoba accionada por un brazo mecánico que seguía barriendo en el aire; el humo reaparecía persistentemente, solo para disolverse cuando la escoba golpeaba de nuevo.

Para Sun y Peng, el momento del encuentro entre los dos componentes, y la disolución de uno por el otro, simbolizó un momento de creación artística conjunta en su forma de trabajar. Casi todas las instalaciones de Sun Yuan y Peng Yu están empeñadas en solicitar maravillas y tensión a los espectadores. El acto de mirar por parte de los espectadores es un elemento constitutivo de sus obras recientes, que a menudo implican la puesta en escena de espectáculos intimidantes.

Christian Marclay
Las obras de Christian Marclay están hechas a partir de objetos, imágenes y sonidos que ya existen, de los que se apropia y manipula. Sus exploraciones sobre la relación entre el sonido y la imagen lo llevaron a aplicar técnicas de muestreo a las películas de Hollywood. Creó montajes de clips para formar nuevas narrativas y proyecciones en múltiples pantallas.

Usó objetos, imágenes y sonidos encontrados, los combinó y trató de crear algo nuevo y diferente con lo que estaba disponible. Ser totalmente original y empezar de cero siempre pareció inútil. Estaba más interesado en tomar algo que existía y era parte de mi entorno, para cortarlo, torcerlo, convertirlo en algo diferente; apropiándose de él y haciéndolo suyo mediante manipulaciones y yuxtaposiciones.

Frida Orupabo
La preocupación central de Frida Orupabo es la representación del cuerpo femenino negro, especialmente en lo que se refiere a la circulación de imágenes en la cultura mediática. Combina fotografías e imágenes encontradas de su archivo personal para crear collages digitales que exploran temas de raza, género, identidad, sexualidad, la mirada y la violencia colonial. Orupabo, que es una artista autodidacta y socióloga entrenada, originalmente comenzó a cargar y transmitir sus collages en las plataformas de redes sociales como un medio para obtener material fuente e intervenir en el ciclo interminable de imágenes que construyen el cuerpo femenino negro producido por la historia del arte. colonialismo, ciencia y cultura popular.

Cyprien Gaillard
Al hacer de la entropía tanto de lo humano como de lo natural su principal preocupación, Cyprien Gaillard realiza una crítica aguda de la idea de progreso a través de sus videos, esculturas, fotografías, collages y arte público. Un observador nómada, Gaillard camina a través de entornos urbanos y paisajes naturales, buscando signos de tiempo profundo incrustados en su entorno. Trae al interior fragmentos del mundo exterior, formando yuxtaposiciones anacrónicas, combinando imágenes de destrucción y reconstrucción, renovación y degradación.

La práctica de Gaillard es una arqueología visual de la decadencia, ya sea la erosión de formas físicas o de significado social e histórico. A menudo colapsando el tiempo en su obra, Gaillard lucha contra el romanticismo de las ruinas, sugiriendo una mirada desinteresada a través de la cual se pueden entender los restos de eventos y lugares a través de un marco unificado de tiempo cíclico.

Danh Vo
El ecléctico círculo de colaboradores de Danh Vo para la Biennale Arte 2019 incluye a su novio, su sobrino, su padre y su exprofesor. En las instalaciones de Vo, la historia se encuentra con la propia biografía del artista a través de objetos simbólicos cargados como iconos culturales o imágenes religiosas dañadas, y la participación literal y metafórica de sus familiares y amigos.

Eslavos y tártaros
Fundada en 2006, Slavs and Tatars comenzó como un club de lectura y evolucionó hasta convertirse en un colectivo de artistas cuya práctica multifacética se ha mantenido, sin embargo, muy cercana al lenguaje, tanto en forma literal como figurativa. Su trabajo, que va desde esculturas e instalaciones hasta conferencias-representaciones y publicaciones, es un enfoque de investigación poco convencional sobre la riqueza y complejidad cultural del área geográfica encerrada entre dos barreras simbólicas y físicas: el antiguo Muro de Berlín y la Gran Muralla China. Esta vasta tierra es donde el Este y el Oeste chocan, fusionándose y redefiniéndose mutuamente.

Liu Wei
Las primeras obras de Liu Wei a menudo trataban de arquitectura urbana, paisajes urbanos y objetos cotidianos, y representaban varios aspectos del mundo físico empleando un esquema geométrico recurrente en pinturas e instalaciones. A lo largo de las últimas dos décadas, ha trabajado con una deslumbrante variedad de materiales, desde masticables de piel de buey hasta libros, desde dispositivos electrónicos domésticos hasta porcelana china y materiales de construcción desechados. Sus recientes instalaciones a gran escala evocan la formalidad y el esplendor de las escenografías modernistas, llenas de formas y formas geométricas.

Apichatpong Weerasethakul
Las obras de Apichatpong Weerasethakul están impregnadas de la vida social, la cultura divergente y la política tumultuosa de su Tailandia natal, mientras que las arenas transitorias del sueño, los sueños y la memoria se repiten como espacios de exploración, liberación y subversión silenciosa. Estos sujetos se abren paso en la compleja interacción de luz, sonido y pantalla de Synchronicity (2018), realizada con el artista japonés Tsuyoshi Hisakado (1981, Japón) y exhibida en el Arsenale, en cuyo entorno se da forma física a los espacios de umbral de Weerasethakul.

Dos obras en el Pabellón Central señalan un cambio significativo para Weerasethakul, quien por primera vez ha estado trabajando fuera de Tailandia, en Colombia, para su actual proyecto Memoria. La topografía de Colombia y sus cicatrices de décadas de guerra civil tienen una afinidad visceral por Weerasethakul; los traumas de la memoria colectiva forman parte del tejido de la vida cotidiana, al igual que en Nabua.

Manitas Saputra
Durante los últimos diez años, Handiwirman Saputra ha creado una serie de esculturas y pinturas enigmáticas titulada Sin raíces, sin brotes, provocadas por objetos aleatorios que ha encontrado en la vida cotidiana. El ímpetu de algunas de estas obras fue un tramo de río cerca de su casa, donde las raíces expuestas de los bosques de bambú y los árboles se enredaban con la basura doméstica. Saputra estaba intrigado no solo por las cosas que descubrió allí, sino también por las asociaciones entre ellas.

Kemang Wa Lehulere
La rica obra de Kemang Wa Lehulere anima a los visitantes a reunirse en torno a ella en una contemplación compartida. Esta noción de colectivo es clave para la práctica más amplia del artista: se convirtió en artista a finales de sus veintes, después de muchos años de experiencia como activista en Ciudad del Cabo. Estableció Gugulective en 2006, una plataforma artística para la actuación y la intervención social.

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Tanto las instalaciones expuestas en el Arsenale como en el Pabellón Central están realizadas con madera recuperada y metal de pupitres y sillas escolares. Cada elemento de estas obras se une en una red de asociaciones, referencias e historias porque para Wa Lehulere, la biografía personal y la historia colectiva son inextricables.

Gauri Gill
Viajando más lejos, Gill vio nuevas “colonias suburbanas que existían en un páramo de escombros, imitando castillos ingleses con las casas improvisadas de trabajadores migrantes a su alrededor”. Su Deadpan arquitectónico incluye vallas publicitarias de desarrolladores que venden sueños inalcanzables; exhibiciones educativas sobre edificación y construcción; palmeras falsas plantadas entre árboles reales; una diosa que preside una unidad de aire acondicionado; un nuevo edificio, cubierto con láminas rotas, en proceso de demolición en Mahatma Gandhi Road; bultos de basura pudriéndose junto a Grand Trunk Road; y rascacielos sin rasgos distintivos, en todas partes.

Michael Armitage
Ubicadas en algún lugar entre una realidad fantástica y el caos político de la vida moderna, las pinturas de Michael Armitage entrelazan múltiples hilos narrativos. Como agudo observador de dinámicas sociales complejas, subvierte los códigos convencionales de representación a través del lenguaje de la pintura narrativa. Magnificando los problemas de desigualdad e incertidumbre política, la pintoresca belleza de sus vívidos cuadros contradice una siniestra realidad en la que la colisión de suntuosos detalles y colores vibrantes proporciona una visión de las costumbres sociales y las ideologías políticas que gobiernan la vida cotidiana en Nairobi.

Jesse Darling
Las esculturas de Jesse Darling están heridas, nerviosas e inestables, pero también están llenas de vida. Hechos de materiales cotidianos de bajo costo, estos ensamblajes sin pretensiones evocan cuerpos con una intensidad inusual; también son decididamente no monumentales. Incapaz de usar la mayor parte de su brazo derecho debido a una enfermedad neurológica, Darling quedó impresionado por las ideologías heredadas y el machismo capacitado que inicialmente habían informado su comprensión de la escultura: ideas de “trabajo duro” y “el gesto”.

Khyentse Norbu
En el trabajo de Khyentse Norbu como artista y cineasta, las cuestiones filosóficas del contexto juegan un papel central. Se sugiere que la comprensión y la interpretación siempre están abiertas a cambios y que hay margen para una visión más amplia. Norbu, conocido en el mundo budista como Dzongsar Khyentse Rinpoche, es un lama tibetano y butanés, respetado por sus enseñanzas y escritos.

Alexandra Bircken
La práctica de Alexandra Bircken se basa en la forma humana. Sus obras incorporan una gama inusual de materiales, desde artículos manufacturados como silicona, medias de nailon, armas y maquinaria, hasta materiales orgánicos como lana, cuero, ramas y frutos secos. Despojados de su propósito anterior, estos se ensamblan en arreglos extraordinarios e incómodos, cada trabajo vivo con tensiones opuestas.

En el Pabellón Central, Bircken presenta seis obras que entrelazan temas de género, poder y vulnerabilidad, animal y máquina. Estas son obras que recuerdan nuestra vulnerabilidad, nuestra fisicalidad y las herramientas arrogantes que creamos para protegernos del exterior y de los demás. En el Arsenale, los artistas exhiben la instalación visceral, apocalíptica y dinámica ESKALATION (2016), una visión distópica de cómo podría ser el fin de la humanidad.

Nabuqi
Nabuqi está profundamente comprometido con la exploración de los aspectos estéticos y materiales de los objetos esculpidos; Para el artista es importante que la imitación del exterior se realice a través de un ensamblaje de objetos manufacturados cuyas cualidades originales se guarden fielmente: “Quería recuperar el estado inicial y las propiedades de los materiales, en lugar de comprometerlos con mis propias manos. Lo que significa no mostrar una obra de arte meticulosamente creada en el espacio de exposición. También quería construir un entorno que perteneciera tanto al exterior (exterior) como al interior (interior).

Todos los materiales utilizados aquí son de naturaleza decorativa, supuestamente simulando o estimulando un tipo de realidad, o alimentando una imaginación de una estética: una estética virtual, agradable y hospitalaria “. ¿Se puede percibir tal recreación de la realidad como parte de la realidad, y ¿desencadena las mismas resonancias emocionales en la audiencia como si se hubieran encontrado con lo real?

Shilpa Gupta
Shilpa Gupta trabaja en torno a la existencia física e ideológica de las fronteras, revelando sus funciones simultáneamente arbitrarias y represivas. Su práctica se basa en las zonas intersticiales entre los estados nacionales, las divisiones etno-religiosas y las estructuras de vigilancia, entre las definiciones de legal e ilegal, pertenencia y aislamiento. Las situaciones cotidianas se destilan en gestos conceptuales sucintos; como texto, acción, objeto e instalación, a través del cual Gupta aborda los imperceptibles poderes que dictan nuestra vida como ciudadanos o apátridas.

Andra Ursuţa
Compulsiones obsesivas y deseos violentos; sumisión al dominio sexual y político; la fragilidad de la existencia humana; Identidad como construcción y ficción: estos son algunos de los temas que sustentan los escenarios nihilistas y tragicómicos explorados en las esculturas e instalaciones de Andra Ursuţa. Partiendo de la paradoja y la ironía, la obra del artista se basa en hechos políticos, clichés y alegorías, así como en recuerdos personales, en un intento de exponer y romper las dinámicas de poder que perpetúan los precarios límites entre violación y banalidad, indiferencia y empatía, abyección y humor.

Christine y Margaret Wertheim
Crochet Coral Reef de Christine y Margaret Wertheim se encuentra en algún lugar entre la escultura y un dispositivo para el aprendizaje, un modelo botánico y biológico. Estos modelos tridimensionales alguna vez se hicieron de vidrio; en el proyecto de Wertheims, las formas están hechas en crochet. Hilados, hilos, alambres, cintas de video viejas, cuentas, una puntada sobre otra, todo se combina gradualmente para formar una serie de arrecifes de coral. Una elegante alianza de ciencia y arte, Crochet Coral Reef refleja la biografía de las gemelas: Margaret, entrenada como física, es una aclamada autora científica; Christine, poeta y ex pintora, es profesora de estudios críticos.

Una noche de 2005 en la sala de estar de las hermanas Wertheim, mirando las formas lanudas esparcidas sobre la mesa de café, Christine pronunció las palabras: “¡Podríamos tejer un arrecife de coral!”. Margaret publicó una invitación para unirse al proyecto en línea, y comenzaron a aparecer modelos pequeños y grandes en el correo, para combinar con los formularios que estaban haciendo las hermanas. Lo que surgió fue una propuesta expansiva: el Crochet Coral Reef como algo que toma y representa tiempo e imaginación, y una colaboración no jerárquica. Hasta la fecha, más de 10,000 participantes han tejido colectivamente más de cuarenta Satellite Reefs en diferentes ciudades y países.

Suki Seokyeong Kang
Al incorporar pintura, escultura, video y lo que el artista ha descrito como ‘activación’, la práctica multivariante de Suki Seokyeong Kang se centra en el lugar y el papel del individuo en la actualidad. Kang se basa en aspectos de la herencia cultural coreana, así como en su propia historia personal, para reinventar las estructuras ideológicas y visualizar escenarios politizados en los que las partes interesadas empoderadas pueden articular y ejercer su agencia en el espacio-tiempo del presente.

Otobong Nkanga
Haciendo referencia al movimiento (a menudo violento) y el intercambio de minerales, energía, bienes y personas, el trabajo de Otobong Nkanga es un recordatorio de que los objetos y las acciones no existen de forma aislada: siempre hay una conexión, siempre un impacto. “Ninguno de nosotros existe en un estado estático”, ha dicho el artista. “Las identidades están en constante evolución. Las identidades africanas son múltiples. Cuando miro, por ejemplo, las culturas nigeriana, senegalesa, keniana, francesa o india, no se puede hablar de una identidad específica sin hablar de los impactos coloniales y el impacto de este intercambio – del comercio y los bienes y la cultura “.

Alex Da Corte
Las obras inmersivas de Alex Da Corte dan testimonio de un acto de creación de mundos magnéticos. Coreografía una danza de objetos que significan e implican, sin ser esas cosas. Cuenta historias a través de códigos y símbolos, en los que un torbellino de cultura americana apropiada, ensamblada, escenificada y elaborada se infunde simultáneamente con referencias culturales de alta y baja reputación y hallazgos de tiendas de dólar.

En el Pabellón Central, los espectadores se convierten en gigantes al ver a las personas vivir sus vidas tranquilas dentro de las casas de The Decorated Shed (2019), una réplica exacta de una aldea estadounidense suburbana en miniatura, de la popular serie de televisión Mister Rogers ‘Neighborhood, presentada en un programa federal. mesa estilo caoba, con la adición de señalización de cadena de restaurantes corporativos. En el Arsenale, el Rubber Pencil Devil iluminado con neón, miniaturiza a los espectadores mientras se sientan en bancos y miran versiones para adultos sobredimensionadas y saturadas de programas de televisión familiares en los que una variedad de personajes interpretan una coreografía hipnóticamente lenta.

Parte VI

Halil Altındere
Halil Altındere escudriña la política de lo cotidiano en sus videos, fotografías, instalaciones y pinturas. Un agudo observador de los mecanismos sociopolíticos y su intrusión en el individuo, a menudo utiliza los mismos medios por los cuales se afirma la autoridad y la diferencia está circunscrita por las instituciones del Estado-nación. Cédulas de identidad, sellos postales, billetes de banco, portadas de periódicos, consignas militaristas y fotografías de líderes políticos se apropian para subvertir la manipulación y normalización social o política.

Procedente de origen kurdo y habiendo crecido durante el pico del conflicto turco-kurdo, Altındere aborda el abandono y el maltrato de las minorías en numerosas obras. En los últimos años, Altındere se ha comprometido con la crisis mundial de refugiados en múltiples obras, incluida Space Refugee (2016), una serie inspirada en el encuentro del artista con Muhammed Ahmed Faris, el primer y único cosmonauta de Siria, que viajó al espacio con un equipo soviético en 1987.

Yin Xiuzhen
Desde principios de la década de 1990, Yin Xiuzhen trabaja con materiales reciclados para crear esculturas ambiciosas cargadas de referencias sociales. Como reflejo del desarrollo, el consumo y la globalización excesivos que definieron en gran medida a la China posterior a 1989, en sus obras une textiles suaves con una variedad de elementos, a menudo de texturas y connotaciones drásticamente contrastantes, como maletas, fragmentos de hormigón, escombros, metales y objetos industriales.

Carol Bove
Carol Bove’s sculpture turns the clean lines of Modernism on its head. Her formal syntax is an adept language of bends, dents, torques, kinks, crumples, creases, and other folds that animate the sculptural surface. The artist has called these works “collage sculptures”, a type of activity that navigates a productive tension between the industrially formed and the merely found, between the obsolete and the newly minted.

La fricción física de su material está animada a través de una paleta de rojos, amarillos, rosas y verdes atrevidos y de colores dulces colocados en contraste dinámico con su acero áspero sin tratar. El acabado pulido de sus botes de pintura con la materialidad áspera y descolorida de sus objetos encontrados. En este modo, el color de la superficie promueve la ilusión de que sus tubos de acero están construidos con una sustancia suave y maleable. Los hábiles giros, pliegues y curvas de Bove exigen un enfoque cinestésico del espectador: obligan al cuerpo, el ojo y la mente a cambiar, moverse y circunnavegar la obra. Si estos objetos contaran una historia, sería un relato de movimiento y presión, fuerza y ​​suavidad.

Avery Singer
Las pinturas de Avery Singer exploran los límites del medio. En lugar de pintar con pinceles, utiliza SketchUp, un software de modelado en 3-D popular entre arquitectos e ingenieros, para crear composiciones digitales que luego se proyectan y retocan sobre lienzo. Al retratar rostros de género neutro y formas no sexualizadas, Singer resalta la ambigüedad de la identidad al reducir los rasgos faciales a una serie de líneas, cuadrículas y formas geométricas.

En los últimos dos años, Singer ha introducido el color en su paleta de grisallas. El Calder color caramelo (Noche del sábado) (2017), junto con un grupo de pinturas que contrastan con las imágenes apagadas y semiabstractas que se exhiben en el Pabellón Central. Mientras juega con los límites de la representación, la búsqueda continua de Singer para expandir las posibilidades de la pintura también lucha contra las teorías reductivas y los supuestos sobre el género de los artistas.

Njideka Akunyili Crosby
Las pinturas de Njideka Akunyili Crosby reflejan su experiencia como miembro de la diáspora nigeriana contemporánea, representando una identidad cultural y nacional específica que es desconocida para muchos, aunque instantáneamente reconocible para aquellos que han seguido un camino similar. Habiendo emigrado para estudiar en los Estados Unidos cuando era adolescente, Akunyili Crosby se mueve con confianza (aunque quizás no sin fricciones internalizadas) entre diversos contextos estéticos, intelectuales, económicos y políticos, y es la colisión y desalineación de estos contextos lo que le da a sus pinturas su tensión y conmoción.

La artista pinta retratos e interiores domésticos que suelen presentarla a ella misma y a su familia. Estas escenas son a la vez planas e ilimitadamente profundas, con ventanas y puertas que se abren a otros espacios, mientras que los espacios descritos en estas imágenes son indeterminados; ciertos detalles, como un radiador de hierro fundido, por ejemplo, indican un clima frío (como Nueva York, donde el artista vivió durante un tiempo), mientras que otros, como una lámpara de parafina colocada sobre una mesa, están extraídos de Akunyili Crosby. recuerdos de Nigeria.

Anthony Hernández
El trabajo fotográfico de Anthony Hernandez es duro y nada sentimental. Durante las últimas tres décadas, una pregunta frecuente ha preocupado al fotógrafo: ¿cómo imaginar las ruinas contemporáneas de la ciudad y el duro impacto de la vida urbana en sus ciudadanos menos favorecidos? Hernández ha abordado esta cuestión centrándose en lo que el fotógrafo Lewis Baltz ha llamado “los paisajes de los derrotados”: campamentos para personas sin hogar, oficinas de desempleo, patios de demolición de automóviles, marquesinas de autobuses y otros espacios abandonados que se encuentran en las afueras de la ciudad. Ni romántico ni nostálgico, el trabajo de Hernández ha detallado los sitios y espacios donde la promesa de felicidad del capitalismo se ha agriado.

Zanele Muholi
Conocida por el trabajo Faces and Phases (2006-en curso), un archivo en evolución de retratos de lesbianas negras sudafricanas, Zanele Muholi es una fotógrafa que trabaja ferozmente contra el silenciamiento y la invisibilidad. Prefiriendo ser referida como una “activista visual” en lugar de una artista, Muholi es cofundadora del Foro para el Empoderamiento de las Mujeres, así como de Inkanyiso, una plataforma para el activismo queer y visual.

La importancia de la autorrepresentación es fundamental para Somnyama Ngonyama, Hail the Dark Lioness (2012-en curso), una serie de autorretratos sin complejos que el artista tiene la intención de construir en 365 imágenes de un año en la vida de una lesbiana negra en el sur. África. La serie incluye obras en las que el artista se encuentra de manera desafiante o directa con la mirada del espectador, a la vista en el Arsenale, y grabados en gelatina de plata más pequeños donde Muholi la evita y frustra, a la vista en el Pabellón Central.

Stan Douglas
Las películas, los videos, las fotografías y las instalaciones cinematográficas de Stan Douglas a menudo se refieren a lo que él llama “historias especulativas”, que representan momentos cruciales en los que los acontecimientos podrían haber tomado un rumbo muy diferente. Douglas considera que las fotografías son “como películas sin imágenes en movimiento” y las crea de la misma manera que una escena de una película. Recrea eventos particulares, sometiéndolos a un largo proceso de investigación antes de volver a escenificarlos con decorados, actores y una iluminación meticulosa.

Korakrit Arunanondchai
Trabajando entre performance, video e instalación, Korakrit Arunanondchai crea una zona en la que la familia, la superstición, la espiritualidad, la historia, la política y el arte se entrelazan. Su serie interconectada con la historia en una sala llena de personas con nombres divertidos comenzó en 2013. El personaje central recurrente, un pintor tailandés ficticio, se representa en situaciones que reflejan la interacción entre las creencias tradicionales, el entorno natural y los avances en la tecnología. política y cultura de una Tailandia cambiante.

La instalación escultórica presentada en el Pabellón Central es una serie de formas arbóreas ‘post-naturales’, mientras que el Arsenale alberga una instalación de tres pantallas realizada con Alex Gvojic (1984, EE. UU.). Las galerías se visten como espacios de potencial y encuentro. Recientemente, ha construido escenarios de bosque asombrosos: el hábitat de criaturas parecidas a ratas que podrían sobrevivir al Antropoceno.

Ed Atkins
Ed Atkins hace todo tipo de circunvoluciones del autorretrato. Escribe profecías elípticas e íntimas incómodamente, dibuja caricaturas horribles y hace videos realistas generados por computadora que a menudo presentan figuras masculinas en medio de crisis psíquicas inexplicables. En el Arsenale, la instalación Old Food (2017-2019) está cargada de historicidad, melancolía y estupidez. Aquí, Atkins ha expandido su terreno emo, templando la figuración autobiográfica que afecta con cuestiones y citas más amplias.

Los dibujos que constituyen Bloom (numerados del uno al diez y mostrados en el Pabellón Central) muestran tarántulas desembarcando manos vacilantes o posándose sobre un pie posado, cada una con la cabeza encogida de Ed Atkins donde debería estar el abdomen de las arañas. Envuelto en pelos arácnidos, el rostro de Atkins rompe la cuarta pared y nos mira boquiabierto, con una expresión ambivalente y cuestionablemente consciente.

Gabriel Rico
Como coleccionista de objetos culturales desechados, ontólogo autoproclamado, arquitecto de formación e investigador de la experiencia humana con afinidad por los animales, se podría decir que Gabriel Rico tiene “ojos hambrientos”. Su cuestionamiento, exploración y recopilación conduce a un enfoque post-surrealista / Arte povera que extrae una variedad de materiales, desde taxidermia y objetos naturales hasta formas de neón y otros restos de artículos hechos por el hombre. Esto da como resultado esculturas que invitan a la reflexión que abordan la relación entre el medio ambiente, la arquitectura y las futuras ruinas de la civilización.

En todo el trabajo de Rico, la belleza de la historia se encuentra en los detalles. Los componentes reflejan los desafíos que enfrenta una ubicación específica, México, y al mismo tiempo resuenan con nuestras preocupaciones globales compartidas. Rico considera la fragilidad del espacio, tanto formal como filosóficamente, presentando el momento precario que es ahora.

Anicka Yi
Demarcaciones desestabilizadoras entre lo orgánico y lo sintético, ciencia y ficción, humano y no humano, las creaciones proteicas de Anicka Yi están sustentadas por lo que el artista describe como la “biopolítica de los sentidos”. El nuevo cuerpo de trabajo de Yi se centra en investigaciones recientes sobre “biologizar la máquina” mientras se enfoca en el sensorium de la máquina y contempla cómo se pueden establecer nuevos canales de comunicación entre entidades de inteligencia artificial (IA) y formas de vida orgánicas.

Kahlil Joseph
Navegando sin problemas las aguas entre la corriente principal y el museo, la práctica híbrida del artista y cineasta Kahlil Joseph abarca el cine, las artes visuales y los medios culturales. Sus películas absorbentes y sus videoinstalaciones inmersivas mezclan cualquier dicotomía entre alta y baja cultura, entre cine y arte contemporáneo.

Andreas Lolis
Andreas Lolis crea objetos trampantojos en mármol. En los últimos años, ha creado una serie de esculturas en el suelo que imitan objetos efímeros que ha visto en las esquinas de las calles o en los bancos de los parques: bolsas de basura hiperrealistas, cajas de cartón y cajas de madera. Muchas de estas esculturas presentan signos de aparente desgaste: sus superficies están aplastadas o manchadas, astilladas o rotas. Al reproducir los detritos en un medio de alto nivel clásico, perturba intencionalmente los sistemas convencionales de valor y estatus. Lolis, que ha trabajado exclusivamente con mármol a lo largo de su carrera, ha descrito su relación con el material como devocional. Su intensa atención al detalle significa que cada objeto de tamaño natural es capaz de engañar al ojo casi por completo.

Tomás Saraceno
La investigación de Tomás Saraceno se nutre de innumerables mundos. Su Sociedad Arachnophilia, Aerocene Foundation, proyectos comunitarios e instalaciones interactivas exploran formas sostenibles de habitar el medio ambiente mediante un puente entre disciplinas (arte, arquitectura, ciencias naturales, astrofísica, filosofía, antropología, ingeniería) y sensibilidades.

En todos estos proyectos, Saraceno se involucra con las formas de vida que existen a nuestro alrededor y, en una era de agitación ecológica, nos anima a sintonizar nuestras perspectivas con otras especies y sistemas, ya sea a nivel micro o macro, desde colonias de arañas hasta gravitacionales. olas, y comprometerse con formas híbridas y alternativas de habitar nuestro planeta compartido.

María Loboda
La transformación continua de objetos e imágenes a través de sus trayectorias de transmisión y encuentro es el núcleo de la práctica de Maria Loboda. Las obras de Loboda provocan desconfianza en lo supuestamente evidente, pero también nos invitan a hacernos amigos de las incertidumbres que ellos, y las cosas que nos rodean, poseen. A Loboda le interesa la forma en que las imágenes se ven afectadas por los contextos en los que circulan, moldeadas por la historia de las miradas sobre ellas.

Tarek Atoui
Uniendo la música y el arte contemporáneo, la práctica de Tarek Atoui expande las nociones de escucha a través de interpretaciones sonoras participativas y colaborativas. Influenciado por el legado de formas abiertas presentado por artistas en la década de 1960, que amplió la comprensión de la música y la acercó al ámbito de las artes visuales, Atoui concibe y coordina entornos complejos para cultivar el sonido. A través de sus instalaciones, performances y colaboraciones, rompe las nociones esperadas de performance, tanto para el intérprete como para el público, sugiriendo formas multimodales de experiencia: visual, auditiva y somática.

Anthea Hamilton
Una sensación de distanciamiento recorre el trabajo de Anthea Hamilton. Las referencias vintage de la cultura popular, la moda y el diseño se abren a entornos inmersivos y objetos extraños, sus significados originales vaciados y transformados dentro de sus esculturas e instalaciones. Las distancias temporales del arte y la cultura de décadas pasadas pueden ser engañosas: el paso del tiempo puede hacer que ciertas referencias sean festivas, kitsch e incluso neutrales.

Dentro del trabajo de Hamilton, se reconsideran los elementos benignos de la moda y el diseño. En trabajos anteriores, ha tomado prestado de diseñadores históricos, celebridades y tendencias de moda icónicas para amplificar sus implicaciones y también darles la vuelta. Las provocaciones surgen a través de la repetición y el despliegue del vacío y la superficie. Los resultados son casi claustrofóbicos, opresivos en los deseos que revelan las transformaciones de Hamilton.

Jeppe Hein
Los bancos sociales modificados de Jeppe Hein fomentan la exploración y la experimentación a través de una variedad de actividades, desde el juego hasta el descanso. Son la contrarreacción a cualquier herramienta arquitectónica que dicta el movimiento de los cuerpos en el espacio. Para los Giardini, el artista ha producido un conjunto de cuatro bancos que parecen surgir de las lagunas cian, dando vueltas en el aire como vías de tren de juguete. Ubicados en el césped entre los pabellones brasileño, polaco y rumano, los Bancos Sociales Modificados para Venecia (2019) crean un espacio para la interacción social e invitan a la desaceleración.

Otras facilidades

Pabellones nacionales en los Giardini
Junto al actual Pabellón Central, cuyo primer núcleo se construyó en 1894 y desde entonces ampliado y restaurado varias veces, en el gran parque se construyeron 29 pabellones, construidos en diversas ocasiones por naciones expositoras. Encerrados por el entorno verde del parque, los pabellones representan una antología de gran valor en la arquitectura del siglo XX, por el nombre de muchos ejecutivos, incluidos Aalto, Hoffmann, Rietveld, Scarpa y Stirling.

Biblioteca de la Bienal
La Biblioteca de la Biennale desde 2009 es una parte integral del Pabellón Central de Giardini. La restauración se completó en 2010 con la apertura de la gran sala de lectura, rodeada de una galería de dos niveles sobre la que se disponen más de 800 metros de estanterías. La sala de lectura también se utiliza para conferencias y talleres.

La Biblioteca está especializada en arte contemporáneo, con especial foco en la documentación y profundización de las actividades de la Fundación, conservando todos los catálogos de actividades de la Bienal y recopilando material bibliográfico relacionado con las disciplinas de arquitectura, artes visuales, cine, danza, fotografía, música, teatro. . Gracias a su patrimonio de libros de más de 151.000 volúmenes y 3.000 publicaciones periódicas, es una de las principales bibliotecas de arte contemporáneo de Italia.

El patrimonio de la biblioteca, proveniente del archivo de libros de ASAC, se desarrolla y actualiza constantemente a través de compras, donaciones y, sobre todo, intercambios con las principales instituciones de producción, investigación y preservación de las artes contemporáneas, nacionales e internacionales. Desde 2009, a través del Pabellón del Libro, la Biblioteca también acoge y adquiere volúmenes donados por artistas y arquitectos que participan en exposiciones de arte y exposiciones de arquitectura. Los libros recogidos gracias a este proyecto realizado por la Fundación La Biennale son el resultado de una colaboración constante con los directores de la exposición de arte y arquitectura.

Librería
Diseñada por el artista Rirkrit Tiravanija, la biblioteca de Giardini es un espacio pequeño y práctico sin detalles y decoraciones redundantes.

Cafetería
Diseñada por Tobias Rehberger y pintada según el particular estilo pictórico Razzle Dazzle (utilizado especialmente en los buques de guerra durante la Primera Guerra Mundial), la cafetería es un lugar para sentarse a encontrar un refresco y donde dejarnos (agradablemente) desorientarnos. tejen formas geométricas de colores contrastantes que se interrumpen y se cruzan, creando un patrón óptico complejo y vivo.

Una cafetería-obra de arte, cuyo diseño para la creación de Was du liebst, bringt dich auch zum Weinen otorgó a Rehberger un León de Oro al mejor artista en La Biennale Arte 2009.

Bienal de Venecia 2019
La 58a Bienal de Venecia fue una exposición internacional de arte contemporáneo celebrada entre mayo y noviembre de 2019. La Bienal de Venecia se lleva a cabo cada dos años en Venecia, Italia. El director artístico Ralph Rugoff fue el comisario de su exposición central, May You Live in Interesting Times, y 90 países contribuyeron con pabellones nacionales.

La Bienal de Venecia es una exposición bienal de arte internacional que se celebra en Venecia, Italia. A menudo descrita como “las Olimpiadas del mundo del arte”, la participación en la Bienal es un evento prestigioso para artistas contemporáneos. El festival se ha convertido en una constelación de espectáculos: una exposición central comisariada por el director artístico de ese año, pabellones nacionales organizados por naciones individuales y exposiciones independientes en toda Venecia. La organización matriz de la Bienal también organiza festivales regulares en otras artes: arquitectura, danza, cine, música y teatro.

Fuera de la exposición internacional central, las naciones individuales producen sus propios espectáculos, conocidos como pabellones, como su representación nacional. Las naciones que poseen sus pabellones, como las 30 ubicadas en el Giardini, también son responsables de sus propios costos de mantenimiento y construcción. Las naciones sin edificios dedicados crean pabellones en el Arsenal de Venecia y palacios en toda la ciudad.

La Biennale di Venezia fue fundada en 1895. Paolo Baratta ha sido su presidente desde 2008, y antes de 1998 a 2001. La Biennale, que se encuentra a la vanguardia de la investigación y promoción de las nuevas tendencias del arte contemporáneo, organiza exposiciones, festivales e investigaciones. en todos sus sectores específicos: Artes (1895), Arquitectura (1980), Cine (1932), Danza (1999), Música (1930) y Teatro (1934). Sus actividades están documentadas en el Archivo Histórico de Arte Contemporáneo (ASAC) que recientemente ha sido completamente renovado.

En todos los sectores ha habido más oportunidades de investigación y producción dirigidas a la generación más joven de artistas, en contacto directo con profesores de renombre; esto se ha vuelto más sistemático y continuo a través del proyecto internacional Biennale College, que ahora se ejecuta en las secciones de Danza, Teatro, Música y Cine.

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