La 57a exposición internacional de arte, titulada Viva Arte Viva, comisariada por Christine Macel y organizada por Paolo Baratta, se llevó a cabo del 13 de mayo al 26 de noviembre de 2017. La Bienal se presenta como un lugar dedicado al diálogo abierto entre artistas, y entre artistas y el público. El tema de este año dedicado a celebrar y casi agradecer la existencia misma del arte y los artistas, cuyos mundos amplían nuestra perspectiva y el espacio de nuestra existencia.

La exposición se llevó a cabo en los pabellones históricos del Giardini, en el Arsenale y en el centro de la ciudad de Venecia, con la participación de 86 países y regiones. 23 Eventos Colaterales, promovidos por instituciones sin ánimo de lucro nacionales e internacionales, presentan sus exposiciones e iniciativas en Venecia durante la 57ª Exposición.

La Exposición Viva Arte Viva ofrece un recorrido que se desarrolla a lo largo de nueve capítulos o familias de artistas, comenzando con dos reinos introductorios en el Pabellón Central en el Giardini, seguidos de siete reinos más que se encuentran en el Arsenale y el Giardino delle Vergini. . Hay 120 artistas invitados de 51 países; 103 de ellos participan por primera vez.

En un mundo lleno de conflictos y conmociones, el arte da testimonio de la parte más preciosa de lo que nos hace humanos. El arte es el terreno último para la reflexión, la expresión individual, la libertad y para las cuestiones fundamentales. El arte es el último bastión, un jardín para cultivar más allá de las tendencias y los intereses personales. Se erige como una alternativa inequívoca al individualismo y la indiferencia.

Viva Arte Viva
Viva Arte Viva es una Exposición inspirada en el humanismo. Este tipo de humanismo no se centra en un ideal artístico a seguir ni se caracteriza por la celebración de la humanidad como seres que pueden dominar su entorno. En todo caso, este humanismo, a través del arte, celebra la capacidad de la humanidad para evitar ser dominada por los poderes que gobiernan los asuntos mundiales. En este tipo de humanismo, el acto artístico es contemporáneamente un acto de resistencia, de liberación y de generosidad.

Viva Arte Viva es una exclamación, un grito apasionado por el arte y el estado del artista. El papel, la voz y la responsabilidad del artista son más cruciales que nunca en el marco de los debates contemporáneos. Es en y a través de estas iniciativas individuales que toma forma el mundo del mañana, que aunque seguramente incierto, a menudo es mejor intuido por los artistas que por otros.

Cada uno de los nueve capítulos o familias de artistas de la Exposición representa un Pabellón en sí mismo, o más bien un Trans-Pabellón ya que es transnacional por naturaleza pero refleja la organización histórica de la Bienal en pabellones, cuyo número no ha dejado de crecer desde entonces. finales de la década de 1990.

Viva Arte Viva también busca transmitir una energía positiva y prospectiva, que mientras se enfoca en artistas jóvenes, redescubre a aquellos que fallecieron demasiado pronto o que aún son desconocidos a pesar de la importancia de su trabajo.

Desde el “Pabellón de artistas y libros” hasta el “Pabellón del tiempo y el infinito”, estos nueve episodios cuentan una historia que a menudo es discursiva y en ocasiones paradójica, con desvíos que reflejan las complejidades del mundo, una multiplicidad de enfoques y una gran variedad. de prácticas. La Exposición pretende ser una experiencia, un movimiento extrovertido del yo al otro, hacia un espacio común más allá de las dimensiones definidas, y hacia la idea de un potencial neohumanismo.

A partir del Pabellón de Artistas y Libros, la Exposición revela su premisa, una dialéctica que involucra a toda la sociedad contemporánea, más allá del propio artista, y aborda la organización de la sociedad y sus valores. El arte y los artistas están en el corazón de la Exposición, que comienza examinando sus prácticas, la forma en que crean arte, a medio camino entre la ociosidad y la acción, el otium y la negociación.

La exposición en lugares de la ciudad
La Exposición se desarrolla desde el Pabellón Central (Giardini) hasta el Arsenale e incluye a 86 participantes de todo el mundo. Con la expansión gradual de la escala, el alcance de la Bienal de Venecia se ha expandido para cubrir toda la ciudad. Además de las principales sedes de exhibición, también incluye muchos pabellones esparcidos por las calles de pueblos e incluso islas periféricas.

Ca ‘Giustinian es un palacio histórico entre los más representativos del estilo gótico tardío veneciano. El palacio, originalmente llamado “dei Giustinian”, fue construido alrededor de 1471 y es el resultado de la unión de dos edificios diferentes: Giustinian y Badoer-Tiepolo. Ha sido objeto de importantes renovaciones entre 2008 y 2009. Los interiores del palacio son accesibles a pedido y se caracterizan por líneas esenciales y colores neutros combinados con formas decorativas y colores típicos del diseño contemporáneo. Las salas se han completado con obras de arte artísticas seleccionadas, colocadas con el fin de mejorar la relación entre el arte y el espacio. La luz es el otro elemento característico del lugar.

Pabellones en el Arsenale
El Arsenale fue el mayor centro de producción de Venecia durante la era preindustrial, símbolo del poder económico, político y militar de la ciudad. Desde 1980 el Arsenale se ha convertido en un recinto de exposiciones de La Biennale con motivo de la 1ª Exposición Internacional de Arquitectura. Posteriormente, los mismos espacios se utilizaron durante las Exposiciones de Arte para la sección Abierta.

Pabellón de los Emiratos Árabes Unidos
2017 es la quinta participación de los Emiratos Árabes Unidos en la Exposición Internacional de Arte. “Piedra, papel, tijeras: posiciones en el juego”, titulado a partir de un juego tradicional que se juega en todas las culturas del mundo, explora las prácticas artísticas en los Emiratos Árabes Unidos a través de la analogía del juego y presenta a cinco artistas contemporáneos con sede en los Emiratos Árabes Unidos, incluidos Nujoom Alghanem, Sara Al Haddad, Vikram Divecha, Lantian Xie y el Dr. Mohamed Yousif. Comisariada por el curador, escritor y exjefe de investigación y programas (2012-2016) del Asia Art Archive en Hong Kong, Hammad Nasar, la exposición presenta obras existentes de los artistas, así como la reconstrucción de obras “perdidas” y nuevas. comisiones.

La exposición funciona como escenario para un conjunto de preguntas anidadas: ¿de dónde viene la “alegría” en la práctica artística? ¿Cómo y dónde se nutre el “juego”? ¿Qué hace “jugar”? Hind Mezaina, artista de Dubai, recibió el encargo de desarrollar un programa para el Pabellón Nacional de los Emiratos Árabes Unidos que explora los conceptos curatoriales de la exposición. El programa, titulado ‘Inicio: Comida | Musica | Sports ‘, exploró cómo la comida, la música y los deportes contribuyen a construir un sentido de hogar y comunidad. Los hechos tuvieron lugar en Abu Dhabi, Dubai y Sharjah.

Pabellón de México
La vida en los pliegues, una de las principales manifestaciones del arte es la expresión de la realidad en cada uno de los períodos de nuestra historia; En esta perspectiva, el artista Carlos Amorales (Ciudad de México, 1970) presentó su trabajo titulado “La vida en los pliegues” durante la 57ª Exposición Internacional de Arte de La Biennale di Venezia. Con la curaduría de Pablo León de la Barra (Ciudad de México, 1972), la exposición de Amorales se montó en el edificio histórico conocido como el Arsenale, sede oficial del Pabellón de México en esta edición.

El Pabellón de México cobró gran relevancia por ser el adecuado reflejo de los principales eventos de 2017, como la renegociación del Tratado de Libre Comercio de América del Norte (TLCAN) y los movimientos migratorios masivos presentados en varias regiones del mundo. Para esta instalación se realizaron muchas ocarinas para crear un alfabeto encriptado que se puede interpretar tanto textualmente como fonéticamente porque cada ocarina emite un sonido diferente según la letra o signo que representa. Asimismo, Amorales diseñó diversas partituras cuyas notas se presentan de forma abstracta con el objetivo de crear un nuevo e innovador método de percepción e interpretación en cada visitante.

Pabellón de Argentina
El problema del caballo de Claudia Fontes fue una instalación de esculturas que representan a Argentina en la 57a Bienal de Venecia en 2017. La instalación muestra una escena congelada en tiempo de bala en la que un caballo, una mujer y un joven están atrapados en un bucle de causalidad infinita por el que el miedo es la causa y el síntoma a la vez. El miedo del caballo a quedar atrapado en el edificio crea una avalancha de rocas que viajan en su dirección, cuyas sombras forman una imagen reflejada de sí mismo, aunque explotando. La blancura y tersura del material confieren a la escena la calidad de una aparición como si los personajes y sus circunstancias existieran en una temporalidad paralela. El público, como espectador, completa la narración.

El caballo como una especie de símbolo nacional no oficial de Argentina, el caballo encabritado se utiliza en la obra como símbolo de muchas cosas y conceptos diferentes. Por un lado, recuerda los monumentos ecuestres que pueblan muchas ciudades argentinas y latinoamericanas. Por otro, representa el choque entre la naturaleza y la industrialización, y la explotación de los recursos naturales, incluido el uso de animales como mano de obra. Finalmente, simboliza el concepto mismo de nación, como una sutil crítica al formato de la propia Bienal que, establecida en el siglo XIX, todavía hoy se basa en la idea de participación nacional en una exposición de arte “universal”, algo que Fontes considera obsoleto y claramente lo desaprueba.

Pabellón de Sudáfrica
La exposición del Pabellón de Sudáfrica invita a los espectadores a explorar el papel del artista en la visualización y articulación de la noción de identidad dentro de un contexto de marginación global. ¿Qué es ser visible en la vida cotidiana, pero invisible y desatendido a nivel de representación cultural, política o económica? Al poner en diálogo nuevas obras de Breitz y Modisakeng, la exposición reflexiona sobre experiencias de exclusión, desplazamiento, fugacidad, imigración y xenofobia, explorando las complejas fuerzas sociopolíticas que dan forma al desempeño de la individualidad en tales condiciones.

Mohau Modisakeng presenta respuestas críticas a las ideas de nacionalidad, liderazgo, desigualdad y trabajo migratorio que se manifiestan visualmente como momentos conmovedores de duelo y catarsis fundamentales para la experiencia de vida actual de los sudafricanos contemporáneos. El trabajo de Breitz se ha centrado en las condiciones bajo las cuales se produce la empatía, reflejando una cultura global saturada de medios en la que una fuerte identificación con personajes de ficción y figuras famosas corre paralela a la indiferencia generalizada hacia la difícil situación de quienes enfrentan adversidades del mundo real.

Pabellón de Perú
Rodrigo Quijano presenta al mundo la obra del artista plástico desaparecido Juan Javier Salazar (1955-2016), quien a través del humor y la ironía ofrece reflexiones en su obra que encarnan su propia visión del arte y la historia del Perú. La exposición no pretende ser retrospectiva ni antológica, sino que busca darle el valor y la exposición internacional que merece una figura que ha influido mucho en las generaciones de artistas que le han seguido, y que es, de hecho, eje y personaje. clave para entender el arte peruano contemporáneo.

Pabellón de Turquía
Cevdet Erek presenta un trabajo site-specific para el pabellón titulado “ÇIN”. En lugar de tratar de describir un proyecto destinado a ser experimentado in situ. Nacido en Estambul, Erek creó su primera instalación en 2012 para Documenta 13. Su trabajo se caracteriza por un marcado uso del ritmo y la especificidad del sitio, a menudo combinando video, sonido e imágenes en un intento de alterar la percepción y experiencia del espectador de un espacio determinado. . Curiosamente, Erek logra combinar componentes racionales como referencias a la arquitectura y el tiempo lineal con impulsos instintivos, nivelando así la brecha entre dos esferas supuestamente opuestas.

Pabellón de Filipinas
El espectro de la comparación, obras de los artistas filipinos Lani Maestro y Manuel Ocampo. El espectro de la comparación se extrae de la novela Noli Me Tángere escrita por el patriota y novelista filipino José Rizal cuando vivía en Berlín en 1887. La frase sugiere la experiencia de la pérdida de la inocencia política: la doble visión de vivir los acontecimientos de cerca y desde lejos ya no poder ver Filipinas sin ver Europa ni mirar Europa sin ver Filipinas.

A pesar de tener prácticas estéticamente diferentes influenciadas por distintos momentos históricos, Lani Maestro, cuyas instalaciones incorporan sonido, película, texto y fotografías, y Manuel Ocampo, cuyos sistemas de crítica de pinturas figurativas, son ambos productos de la experiencia “colectiva” del espectro del emigrado. La exposición concede esta mirada a Ocampo y Maestro, no solo como artistas que conocen y viven en dos, varios o muchos mundos, sino como artistas cuya creación artística produce un global fragmentado, un imaginario discursivo y complejo construido a partir de una conciencia de mundos construidos a través de zonas temporales y geográficas.

Pabellón de Chile
Bernardo Oyarzún a menudo examina la cultura chilena a través de una lente antropológica, social, histórica y étnica. Titulada “Werken”, la exhibición de Oyarzún presenta una instalación de más de mil quinientas máscaras ceremoniales hechas por los pueblos indígenas mapuche y luces LED rojas con 6.907 apellidos mapuche. Oyarzún explora la relación entre el arte contemporáneo y los pueblos indígenas.

Pabellón de Indonesia
Tintín Wulia conceptualizó tres obras interconectadas bajo el título general ‘1001 casas marcianas’. La idea era mostrar el futuro en el presente, dejando que los exiliados de las atrocidades en la tierra contaran sus historias en Marte, 200 años después, sugiriendo un mundo sin fronteras a través de la tecnología digital y las cámaras.

1001 Martian Homes se lleva a cabo simultáneamente, en todos los continentes, en dos sitios de exhibición separados. La conexión del pabellón a una versión gemela en el centro comercial de la ciudad de Yakarta Senayan tampoco lo mejoró en particular. Estos dos sitios, cada uno casi idéntico en diseño y distribución, están interconectados, al igual que los tres pares de obras gemelas del proyecto: Not Alone, Bajo el sol, y las mil y una casas marcianas del mismo nombre.

Pabellón de Malta
Homo Melitensis: Un Inventario Incompleto en 19 Capítulos, con obras de artistas contemporáneos así como artefactos históricos, ofrece una investigación asociativa de la identidad maltesa en una instalación compleja que reúne obras de arte, objetos y documentos en un orden cronológico y no jerárquico. configuración. Los 19 capítulos llevan al público a un elaborado viaje que viaja simultáneamente en diferentes direcciones, abarcando especímenes de historia natural, un genoma nacional, un antiguo naufragio, migración, cartografía, objetos rituales, personajes transgénero y otros artefactos que combinan de manera lúdica realidad y ficción. , construcción y deconstrucción de identidad, con objetos subversivos que se encuentran con objetos obedientes.

Pabellón de Georgia
Situado dentro del Arsenale, el pabellón georgiano consiste en una pequeña casa de madera abandonada, que se encuentra en el campo georgiano. Reensamblada en Venecia, la cabaña contiene todos los contenidos típicos que se encuentran en una vivienda de este tipo, incluidos muebles, cuadros y otros objetos cotidianos. En el interior, el artista instaló un sistema de riego autónomo que simula la lluvia permanente, invirtiendo la relación interior-exterior. La iluminación amarilla de sodio ilumina el interior y permite a los visitantes presenciar el lento proceso entrópico de destrucción a medida que los cultivos de musgo envuelven pisos, paredes, muebles y otros objetos durante la duración de la exposición de seis meses. La instalación crea su propia narrativa siguiendo una dramaturgia natural que permite cambios sutiles. En contraste con el interior, el exterior de la casa sigue siendo el mismo.

Las obras de Vajiko Chachkhiani están moldeadas por un humanismo poético que existe entre la experiencia personal y la realidad política, así como entre las exploraciones psicológicas y la inmediatez material. Directa o indirectamente, el punto de partida de muchas de sus obras es un intercambio de objetos o acciones entre personas, apareciendo a veces como una performance. El artista condensa sus sujetos utilizando formas reducidas en una sutil interacción entre revelar y ocultar. Los materiales ordinarios y la artesanía tradicional de sus obras surgen de una realidad básica y cotidiana. Paralelamente a sus esculturas e instalaciones, Chachkhiani ha desarrollado una obra cinematográfica que va desde la documentación de sucesos únicos hasta películas más narrativas que se mueven entre los sueños y la realidad.

Pabellón de Irlanda
Jesse Jones considera el pabellón nacional como el sitio de una Ley alternativa. Con una práctica que se basa en el cine y la actuación, Jones ha creado una obra de arte que describe como un “hechizante” del sistema judicial. La práctica de Jones atraviesa los medios del cine, la performance y la instalación y, para su exposición en la Bienal, propone el regreso de la bruja como arquetipo feminista, que tiene la capacidad de alterar la realidad. A menudo, trabajando en estructuras colaborativas, explora cómo la cultura histórica puede tener resonancia en nuestras experiencias sociales y políticas actuales.

Pabellón de Italia
La imaginación es una herramienta para ver más allá de los fenómenos visibles y experimentar el mundo “en toda su riqueza y multiplicidad”. El pabellón italiano compuesto por tres espacios que albergan una secuencia de tres instalaciones creadas por Roberto Cuoghi, Adelita Husni-Bey y Giorgio Andreotta Calò. El título de la exposición, Il Mondo Magico, se toma prestado del libro más conocido del antropólogo Ernesto de Martino, publicado en 1948, que describía los rituales mágicos como las herramientas a través de las cuales los individuos intentaban encontrar su propia identidad en situaciones históricas e inciertas. contextos sociales.

El espacio de entrada del pabellón italiano se ha transformado en una especie de taller, una fábrica que producía estatuas devocionales inspiradas en el De Imitatione Christi, un texto medieval que describe el camino para alcanzar un estado de perfección ascética. Imitazione di Cristo (La imitación de Cristo) de Roberto Cuoghi, la primera de las tres instalaciones presentadas en el pabellón, investiga la transformación de la materia y el concepto fluido de identidad a través de una investigación sobre la representación histórica de Cristo en el arte italiano. Las estatuas de Cristo fabricadas en el taller se trasladan luego a un conjunto de mesas colocadas dentro de un largo túnel realizado en plástico transparente, creando así una secuencia de “cuerpos” en condiciones progresivas de deterioro y desmoronamiento de la materia. Las estatuas, casi descompuestas,posteriormente se “secan” en un horno para detener su descomposición. Finalmente, los restos de las figuras, distorsionados y rotos, son recompuestos y dispuestos sobre una pared larga y oscura al final de la galería.

Pabellón de China
“Continuum – Generation by Generation” se inspiró en el concepto chino de buxi, una energía o fuerza vital implacable, y contó con obras individuales y colaborativas de cuatro artistas: Tang Nannan, Wu Jian’an, Wang Tianwen y Yao Huifen. El Pabellón no trata del trabajo de un solo artista chino, sino de un proceso creativo colectivo que ha durado más de 5000 años. Una cooperación cruzada integral entre los cuatro artistas para el Pabellón Chino. Cada uno de los cuatro artistas participantes coopera con los otros tres artistas. El arte chino es un acto comunitario a lo largo de cinco mil años de nuestra historia colectiva, en el que cada artista participa y responde: una especie de reunión de yaji intergeneracional.

Tang mostró videos inspirados en mitos chinos que tratan sobre vías fluviales y paisajes. Yao Huifen es un experto en el bordado de Suzhou y crea versiones contemporáneas de la venerada artesanía. Wang Tianwen es un maestro del juego de sombras de Shaanxi, y las esculturas de láminas de cobre cortadas con láser de Wu Jian’an se levantaron como tótems por todo el espacio. Muchas obras hicieron referencia a temas antiguos y celestiales, y se unieron en la actuación colaborativa y multimedia de juego de sombras creada por los cuatro artistas y el curador mismo, Continuum – Removing the Mountains and Filling the Sea, con músicos e intérpretes que combinan métodos tradicionales y digitales. proyecciones. La exposición sigue de manera muy consciente los pasos de los intelectuales chinos a través de la historia interesados ​​en el arte y las prácticas populares.La atmósfera cacofónica del Pabellón de China esta vez tuvo una intención real y efectos atractivos.

Pabellones en el Giardini
Giardini es el sitio tradicional de las exposiciones de arte de La Biennale desde la primera edición en 1895. El Giardini ahora alberga 29 pabellones de países extranjeros, algunos de ellos diseñados por arquitectos famosos como el pabellón de Austria de Josef Hoffmann, el pabellón holandés de Gerrit Thomas Rietveld o el pabellón finlandés , un prefabricado con planta trapezoidal diseñado por Alvar Aalto.

Pabellón de España
El artista español Jordi Colomer presenta en el pabellón su proyecto expositivo “Ciudad de bolsillo”, comisariado por Manuel Segade. Se trata de una “instalación de instalaciones” compuesta por una serie de videos, esculturas y el propio espacio entendido como una arquitectura total pero provisional. La instalación se organiza desde el espacio central con luz natural, con presencia de maquetas, prototipos, reproducciones a escala de estos movimientos, que también incorporan objetos utilizados en acciones grabadas en vídeo y que dan ritmo al conjunto del pabellón. En su totalidad forman una visión a distintas escalas de un fragmento de ciudad susceptible de desplazamiento y en precario equilibrio. Los modelos se hicieron con módulos de hojalata pintados y fueron sacudidos permanentemente por ventiladores de alta potencia,como en la vibración continua de una ciudad excitada.

En las salas perimetrales se organiza un recorrido en el que el espectador podía moverse libremente en una dirección u otra. Estos espacios se articulan como una progresión de secuencias a partir de dos elementos: pantallas de proyección con videos y un conjunto de stands de visualización. Tanto las mamparas como los stands están estructurados en combinaciones seriales que configuran ambientes cambiantes, desde la visualización casi individual a la gran sala con múltiples pantallas de diferentes tamaños y escalones hasta alturas modulares que permiten ofrecer diversos puntos de vista.

Pabellón de Estados Unidos
El pabellón de Estados Unidos presenta Tomorrow is Another Day, una instalación específica del sitio de Mark Bradford. Mark Bradford es una de las figuras más interesantes del expresionismo abstracto contemporáneo; un artista cuyas obras combinan un enfoque magistral del color y la materia con una profunda atención a los problemas sociales y la vulnerabilidad y resistencia de las personas y comunidades marginadas. La sala de entrada alberga la instalación Spoiled Foot, que llena el espacio con una gran masa obstructiva negra y roja que cuelga del techo y que obliga al público a caminar por un pasillo estrecho y rozar las paredes laterales como metáfora del contraste entre los que viven en los márgenes y un poder social centralizado.

La segunda sala presenta cuatro obras en su mayoría negras, tres grandes pinturas-collage y una escultura. En los lienzos, cada uno con el nombre de una sirena mitológica, Bradford utilizó una técnica que ya adoptó en las obras pioneras que realizó en la década de 2000 y que implica el uso de guardas “incorporadas” en pinturas brillantes de color negro-violeta para obtener un efecto de Materia profunda e iridiscente que “evoca el mar y sus pasajes”. Los títulos de las obras hacen referencia al abuso de la mujer, tanto en la vida privada como en la cultura popular. Los tres cuadros “rodean” una escultura central, titulada Medusa, hecha de una maraña de cerraduras de papel negro blanqueado, para formar una especie de tríptico contemporáneo-clásico centrado en el tema de la representación de la mujer.

Pabellón de Uruguay
Sagradini cultivando una forma única de entender y ejercitar el arte en una deriva por el mundo de las palabras y las cosas, rescatando experiencias, objetos e historias extraídas de la vida cotidiana. Al trabajar a menudo con el hallazgo etnográfico, también lo hace, con interés, con fragmentos de la historia uruguaya, de modo que a través de las prácticas del arte hace resurgir alternativamente (o simultáneamente) al artista historiador y al artista antropólogo. De hecho, es muy común que Sagradini recurra a objetos utilizados en las tareas diarias para nutrir sus dispositivos simbólicos,

La pieza consta de la forma de un corral para ganado denominado “Embudo” utilizado en Uruguay desde el siglo XIX, que el artista ha reconstruido a partir de una fotografía antigua y apenas legible. Tiene la forma de un lugar para ciertos cuerpos, pero se exhibe sin ellos. Extraído de todos los contextos, se ofrece como una celda vacía, como un escenario fantasmático cuya memoria perdida espera ahora ser reemplazada por la presencia de otros cuerpos capaces de ocuparla. Posee portales, accesos, vanos, muros y otros dispositivos que le dan al complejo una configuración adecuada a la escala humana y cercana al lenguaje de la arquitectura. El segundo es un homenaje a las condiciones de montaje, a su concepción escenográfica,que invita al visitante a dialogar corporalmente con el artefacto para traspasar la barrera virtual que impone el espectáculo. Tales características dan a la obra una razón histórica y una función actual lista para el juego de significados, que la separa de la clásica deriva minimalista.

Pabellón nórdico
Mirrored es una exposición colectiva que presenta obras de seis artistas de diferentes generaciones: Siri Aurdal, Nina Canell, Charlotte Johannesson, Jumana Manna, Pasi “Sleeping” Myllymäki y Mika Taanila. La exposición Mirrored intenta evitar un enfoque temático, para centrarse en desafiar una autoimagen reflejada o estereotipos proyectados en los países nórdicos. Un mapeo de conexiones que anula las fronteras nacionales y regionales y, en cambio, rastrea una visión más multifacética de cómo la práctica artística puede conectarse “, dice el curador Mats Stjernstedt. Mirrored sugiere un” lugar sin lugar “, para tomar prestada la alegoría de Guiliana Bruno sobre los espejos. .

Las obras de Siri Aurdal, Charlotte Johannesson y Pasi “Sleeping” Myllymäki son ejemplos de arte urbano y urbanidad que se adelantó a su tiempo en la exploración de material industrial, espacio digital o experimentos de diseño con imágenes en movimiento. Las esculturas modulares de Aurdal desafían el medio escultórico y establecen nuevas premisas para él. Johannesson siguió el ejemplo de la artesanía textil tradicional y tradujo la configuración lógica de los tapices en píxeles de computadora. Antes de dejar su práctica cinematográfica, Myllymäki produjo cuarenta y cuatro películas en super-8 entre 1976 y 1985; estas películas exploran una amplia gama de elementos, desde el diseño gráfico hasta las acciones performativas.

Un interés similar en el tema urbano, expresado, por ejemplo, a través de la transformación material o el contenido político, se cruza con las obras de los siguientes artistas; Mika Taanila (n. 1965) es principalmente reconocido por producir obras de arte temporales en cine, video y sonido. Para la presente exposición, Taanila utiliza la técnica del montaje para crear un proyecto recortado en la literatura cinematográfica. El modo experimental de Nina Canell (n. 1979) de relacionarse con la escultura y la instalación considera el lugar y el desplazamiento de la energía. Sin embargo, como el trabajo cinematográfico y sonoro de Taanila, tienen una calidad temporal, ya que Canell convierte la forma a menudo fija de la escultura en procesos abiertos. Las obras de Jumana Manna (n. 1987) exploran cómo se articula el poder a través de las relaciones,a menudo se centra en el cuerpo y la materialidad en relación con las narrativas del nacionalismo y las historias del lugar. En su obra escultórica, Manna despliega indirectamente la representación, creando un lenguaje visual de ausencia y sustitutos.

Pabellón de Gran Bretaña
El Pabellón Británico presenta Folly, una instalación escultórica específica del sitio de Phyllida Barlow. Phyllida Barlow es mundialmente conocida por sus impresionantes obras escultóricas abstractas en las que materiales baratos, como hormigón, madera, telas y elementos reutilizados se transforman en esculturas suntuosamente misteriosas e inquietantes. Phyllida Barlow ha creado una instalación multiforme que tituló Folly como referencia tanto a un tipo de elemento decorativo arquitectónico extravagante como a un estado de ánimo temerario. La obra juega e interactúa constantemente con la arquitectura del propio pabellón, comenzando por el exterior, donde Barlow coloca un grupo de burbujas de colores brillantes, casi cómicas (o, más precisamente, chucherías gigantes, como las define el artista) que de alguna manera “desmitifican ” el audaz,Formas neoclásicas del edificio.

Las esculturas habitan en todo el Pabellón, llegando hasta el techo e incluso derramando afuera. En la galería central, nos anima a asumir el papel de exploradores, abriéndonos camino alrededor de un laberinto escultórico de columnas altísimas densamente pobladas. Las chucherías de colores brillantes se empujan con alegría, pero estas formas abultadas también tienen una cualidad siniestra a medida que presionan hacia los visitantes y dominan el espacio. Las esculturas que se asemejan a sillas en un paseo de feria aluden a la festividad, pero sus formas plegadas implican decadencia y desolación.

Pabellón de Canadá
En Una salida del espejo, Geoffrey Farmer imaginó la pertenencia al Estado-nación, en términos a la vez celebradores y lúgubres; no como una identidad bien delimitada o monolítica, sino como fluidez y pérdida. Transformando el pabellón en un escenario al aire libre para sus fuentes, también abrió un espacio de renovación y reflexión que literalmente explotó las intersecciones de las historias personales y nacionales.

Con su enfoque sensible e inteligente de los temas del arte, la historia y el material, y su sólida historia de exposiciones internacionales, Geoffrey Farmer convirtió el Pabellón de Canadá, a menudo considerado un espacio difícil, en una experiencia escultórica inmersiva. La información anticipada ha revelado que la historia personal y el trauma intergeneracional fueron aspectos de la instalación de Farmer, así como la poesía, las revistas viejas y un misterio familiar.

Pabellón de Alemania
“Faust” de anne imhof y comisariada por susanne pfeffer, el pabellón ha sido galardonado con el premio león de oro 2017 a la mejor participación nacional. Exposición impactante y poderosa, anne imhof ha diseñado el pabellón alemán en la bienal de arte de venecia 2017. Integra los medios de la pintura, la escultura y la instalación con representaciones en vivo que exploran la composición y comprensión de figuras humanas. Las etapas de Anne Imhof en el espacio del pabellón son la representación de una realidad dura y alienante en la que los individuos están limitados por limitaciones físicas, políticas, económicas y tecnológicas. La dureza de los elementos utilizados, como el vidrio y el acero, evoca la de los lugares en los que se gestiona el poder y el dinero en estos días; en vidrio, en particular, se realiza la alteración más importante del pabellón ‘s arquitectura, es decir, la adición de una plataforma elevada transparente, un metro sobre el pavimento, que modifica la relación entre el espacio y la presencia humana.

La obra interactúa fuertemente con la arquitectura del Pabellón Alemán partiendo del exterior; perros guardianes recluidos en una gran jaula, gruesos paneles de vidrio irrompible que cierran el pórtico de entrada del edificio neoclásico del pabellón, dejando solo la posibilidad de que el visitante vea el vestíbulo principal, el desplazamiento de la entrada principal en el lado del pabellón, anticipan un obra de arte total en la que se superponen diferentes capas y medios formales y expresivos, desde la instalación visual a la música, desde la pintura a la actuación en vivo. Debajo de las losas de vidrio, hay personas y una parafernalia de dispositivos de contención, camas improvisadas, frascos y frascos de prescripción. Sobre la plataforma transparente, el público se mueve mirando a un grupo de artistas,que se exhiben sin establecer una comunicación real con los visitantes, pero que son absolutamente conscientes del poder de su apariencia visual.

Estos cuerpos disciplinados y frágiles aparecen como un material impregnado de estructuras de poder invisibles. Son sujetos que parecen desafiar constantemente su propia objetivación. La representación de los medios es innata a estos organismos biotecnológicos. Los intérpretes saben muy bien que sus gestos no son fines en sí mismos, sino que solo existen como pura medialidad. Parecen siempre a punto de transformarse en cuadros listos para el consumo; aspiran a convertirse en imágenes, mercancías digitales. En una época caracterizada por un grado extremo de medialidad, las imágenes, lejos de representar la realidad, la crean.

Pabellón de Corea
La exposición conjunta titulada ‘Contrapeso: la piedra y la montaña’, se centra en los conflictos y dislocaciones que los dos artistas cody choi y lee wan perciben en la identidad coreana moderna. El trabajo de Cody choi analiza la modernización de Corea explorando la tensión entre su identidad cambiante y la creciente influencia de Occidente. La ‘rapsodia veneciana’ instalada en el techo del pabellón, es un bosque resplandeciente de letreros de neón que toma prestado libremente del ambiente visual de los casinos en las vegas y macao y refleja el espectáculo del capitalismo global. El trabajo de choi también incluye la escultura paródica conocida como ‘el pensador’, una reinvención de la escultura de rodin construida con papel higiénico y la medicina americana rosada para el estómago pepto-bismol.

Lee Wan pertenece a una generación más joven de artistas coreanos. a través de su trabajo, lee wan investiga las vidas ocultas de las personas explotadas por las estructuras de poder global en países de toda asia y más allá. entre sus obras en la bienal de arte de este año se encuentra ‘tiempo adecuado’, que consta de 668 relojes, cada uno con el nombre, la fecha de nacimiento, la nacionalidad y la ocupación de las personas que el artista conoció y entrevistó en todo el mundo, investigando las circunstancias económicas ampliamente diferentes. de la gente trabajadora. según lee daehyung, “cada reloj se mueve a un ritmo diferente que está determinado por la cantidad de tiempo que el individuo en cuestión debe trabajar para poder pagar una comida”. El resultado es una agregación absurda de retratos abstractos que también funciona como unvertiginosa representación multisensorial e inmersiva de la desigualdad global.

Pabellón de Japón
“Turned Upside Down, It’s a Forest” es la exposición individual del artista Takahiro Iwasaki, quien se destaca por sus obras, a través de las cuales transforma materiales aparentemente banales y objetos residuales en esculturas sorprendentes, meticulosamente concebidas y construidas. La obra del artista japonés se caracteriza por la inclusión de elementos que no están físicamente presentes dentro de la obra, pero que son parte esencial de su identidad, como el agua en su serie de modelos de reflexión, por un contraste constante entre orden y desorden, y por un profundo interés por los temas ambientales y sociales. La serie Reflection Model comprende modelos arquitectónicos de templos japoneses realmente existentes,reflejado al revés para recrear la presencia del cuerpo de agua sobre el que se asientan los edificios originales como un razonamiento sobre los conceptos de realidad y ambigüedad. Para enfatizar aún más tal idea, los modelos están hechos en la misma madera (ciprés japonés) de los edificios reales.

El curador de la exposición Meruro Washida, la historia de Hiroshima parece impregnar profundamente sus obras. La ciudad de Hiroshima fue aniquilada instantáneamente como consecuencia de la bomba atómica, y aunque anteriormente había servido como ciudad militar, su imagen había cambiado 180 grados después de la guerra para ser ampliamente reconocida como una ciudad de paz. El uso que Iwasaki hace de la representación figurativa en sus obras, en otras palabras, la forma en que algo llega a presentarse de una manera completamente diferente cuando ocurre con cierto detalle, está de hecho conectado con la experiencia de Hiroshima. El uso de objetos cotidianos en el caso de Iwasaki se inspira en los numerosos artefactos alojados en el Museo Conmemorativo de la Paz de Hiroshima, que transmiten las necesidades diarias que instantáneamente se han distorsionado y despojado de su función.La fina delicadeza de su obra, que incluso podría describirse como artesanal, aparentemente atraviesa los mundos de lo micro y lo macro.

Pabellón de Brasil
En la instalación de Marcelle “Chão de caça”, un piso inclinado de rejilla soldada ocupa el interior de las dos galerías conectadas del Pabellón Brasileño. Los guijarros ordinarios, como los que se encuentran en los alrededores de Giardini, se aprietan en la cuadrícula, normalmente se usan en un contexto industrial o dentro del espacio público, por ejemplo, entre las vías del tren o para cubrir los conductos de ventilación del metro o los sistemas de alcantarillado. Entrelazados con la rejilla y los guijarros, hay elementos escultóricos adicionales, una serie de pinturas y un video. Varios palos de madera están fijados en la estructura del piso, cada uno de los cuales balancea una pintura sobre una tela que cubre la punta superior, como un grupo de fantasmas o un pequeño bosque de letreros, antorchas o tótems. El soporte de las pinturas es una tela de algodón a rayas blancas y negras,sábanas ordinarias, pero cada una de las rayas negras ha sido cuidadosamente borrada con pintura blanca. Piedras de varios tamaños se envuelven con el cordón y con ello pasan a formar parte de la estructura general más grande, dándole un volumen y un peso esculturales.

También hay un video: una toma en un ángulo sobre un techo de tejas, que los hombres están desmantelando gradualmente desde el interior, creando una abertura lo suficientemente grande para que puedan trepar al techo. Marcelle juega con la ambigüedad, crea un entorno enigmático, dirigido por la suspensión, la obsesión y la rebelión. El conjunto de la instalación provoca una sensación de inestabilidad. Por mucho que nos seduzca aferrarnos a la imagen de la prisión y la escapada, indicada por la proyección de video y resonando con la aspereza de la rejilla de acero, uno también podría imaginarse estar en un laboratorio peculiar o en un estudio de artista desquiciado. en un bosque tecno o en una gran ciudad salvaje.

Pabellón de Tailandia
Para el espectáculo “Krungthep BANGKOK”, el artista Somboon Hormtiemtong seleccionó objetos como baúles de madera, estatuas de Buda, elefantes y recipientes de plástico para crear una sensación de la capital tailandesa en todos sus diversos aspectos. Además de eso, Hormtiemtong también realizó dibujos realistas al carboncillo de rincones ocultos de la ciudad. El artista utilizó el código lingüístico del readymade al que estamos acostumbrados, para crear una atmósfera, los tiempos complejos que atraviesa Tailandia.

Lugares de exposición alrededor de Castello y Cannaregio

Pabellón de Líbano
El Pabellón del Líbano presenta la obra de Zad Moultaka. El título SamaS es un palíndromo, una palabra que se lee igual hacia adelante y hacia atrás. Significa “Sol Sol Oscuro”. La pared interior del fondo, que está tachonada de monedas brillantes que recuerdan la superficie de un mosaico. Esto es deliberado, ya que se inspiró en los mosaicos de oro de la Basílica de San Marco. Las miles de monedas incluyen algunas con agujeros, lo que sugiere agujeros de bala. Este es un mosaico de oro, pero con monedas reales, es el dinero lo que hace posible la guerra “. Este es un muro de lamentación, 32 voces, cada una proveniente de un altavoz separado, crea un coro de duelo y un zumbido de energía. Cada voz es delicadamente diferenciados, como si fueran piezas de un mosaico, la música fue escrita para el Coro de la Universidad Antonina de Beirut.A veces suena como el zumbido de un motor de avión, y otras como lo que Daydé describe como “el canto de los ángeles”.

En el centro del espacio hay un objeto improbable, un motor de avión Rolls-Royce Avon MK 209 vertical de la década de 1950, parado como una columna y colocado para parecerse a una estatua de la era de Hammurabi, que gobernó Mesopotamia en el 18 a. C. Su reinado es conocido por algunas de las inscripciones más antiguas del mundo, incluidas las primeras descripciones de las leyes del mundo. Mostrar el motor de la aeronave, un instrumento de guerra, en lugar de una columna de basalto de la época de Hammurabi sugiere que el conflicto ha estado presente en la región al menos mientras los preceptos codificados por Hammurabi. El código de leyes y el motor del avión tienen exactamente la misma forma. Es increíble que, en la mente humana, estas formas puedan parecerse tanto, incluso si se utilizan con fines opuestos “.

Pabellón de Lituania
La nueva instalación de Žilvinas Landzbergas titulada “R”, que revela realidades hipnóticas que combinan paisajes e imágenes nórdicas con el espacio cúbico blanco del distintivo edificio veneciano de la Scuola San Pasquale. R es para recordar, registrar, relacionar, referir, parecerse, respetar, rayo, radio, renio, romántico, real y rima. RA, como en astronomía, mitología, medicina, química, música, navegación y más. R es la letra más compleja del alfabeto, que integra todo el espectro de formas geométricas y significados que abarcan los límites de lo racional y lo imaginario. R es un elemento endémico en la práctica artística de Žilvinas Landzbergas donde R aparece como un espacio, un objeto, un personaje, un signo y un portal.

Las instalaciones de Žilvinas Landzbergas operan sobre registros físicos y subconscientes asumiendo la estructura de un cuento de hadas en el que elementos arquetípicos, reflexiones sociales y percepciones personales se combinan en narrativas espaciales fantásticas. Sumérjase por completo en los paisajes ilusorios de Žilvinas Landzbergas, donde se enfrenta a soles devorados y lunas falsas, órdenes nórdicas, muebles brotados y cabezas gigantes, sigue sombras materiales y dibujos de luz, sucumbe a la curación acupuntural cortesía de Styrmir Örn Guðmundsson con la ayuda de Jokūbas Čižikas e Indriði Arnar Ingólfsson, sintoniza los ritmos submarinos de DJ Exotip.

Pabellón de Chipre
Representada por Polys Peslikas y comisariada por Jan Verwoert, la exposición titulada “Cobra vida a través del medio de la pintura”, también cuenta con la participación del colectivo de artistas Neoterismoi Toumazou, la escritora Mirene Arsanios y el ceramista Valentinos Charalambous. Peslikas exhiben pinturas en el pabellón, preparando el escenario para los artistas invitados, la apariencia peculiar de la pintura en el espacio de exhibición previsto puede ser similar al fantasma de una cortina de teatro, que permanece presente ante sus ojos, incluso cuando la obra ya está en escena. Progreso.

Peslikas, nacido en 1973 en Limassol, en la costa sur de Chipre, tiene su sede actualmente en Berlín. El artista ve la pintura como un medio para explorar el concepto de tiempo y crear nuevas relaciones con las narrativas existentes. Su práctica es muy colaborativa y, a menudo, invita a otros artistas que trabajan en otros medios, incluida la danza, a contribuir en su trabajo. Sobre la base de su práctica, Peslikas defendió con fuerza el poder de la pintura para transmitir la intensidad de las experiencias elementales “, dijo Verwoert sobre el trabajo de Peslikas y su próxima exposición en un comunicado.” Hizo hincapié en que [el] potencial experiencial [ de la pintura] se puede sentir con más fuerza cuando se pintan los velos; el claroscuro deja vagar los ojos; los colores se vuelven atmosféricos, incluso espectrales.

Pabellón de Macao
Con el tema “Un bonsái de mis sueños”, presenta nuevas obras del artista local Wong Cheng Pou. Las exhibiciones consisten principalmente en obras tridimensionales, pinturas y fotografías. El título de la exposición “Un bonsái de mis sueños” indica la intención del autor de cultivar sus sueños personales en bonsái, al igual que los antiguos literatos chinos colocaban miniaturas de plantación en macetas pequeñas, reflejando así el deseo de una vida espiritual llena de sencillez y elegancia.

Las exhibiciones incluyen principalmente figuras inspiradas en las deidades descritas en el antiguo clásico chino Shan Hai Jing (El clásico de las montañas y los mares), que es una rica fuente de información sobre la religión, la historia, la geografía y las especies de la antigua China, que refleja la visión del mundo. que prevaleció en China hace dos milenios. “Un bonsái de mis sueños” presenta las observaciones, los sentimientos y la imaginación del autor de la ciudad donde vive actualmente.

Pabellón de Túnez
The Absence of Paths es una representación humana representada en Venecia que, durante la Bienal, representa un microcosmos idílico del mundo: un lugar donde los seres humanos todavía pueden fluir libremente de una nación a otra. Esto está representado en un documento de viaje físico llamado Freesa, elaborado con la ayuda de Veridos, líder en la producción de documentos de identificación seguros para países y empresas de todo el mundo.

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El proyecto no incluye artistas sino personas con experiencia de primera mano en migración, que emiten documentos de viaje para visitantes en diferentes lugares de la ciudad. Esta instalación permite a todos y cada uno de los visitantes deshacerse del equipaje divisivo y las clasificaciones impuestas a las personas. El evento colateral cuidadosamente desarrollado, en el corazón del pabellón, forma la base de una protesta individual y silenciosa. Además de los visitantes de todo el mundo, The Absence of Paths aprovecha las contribuciones activas de los jóvenes migrantes con aspiraciones. Su paso a la Bienal en virtud de ser parte de una práctica artística en un evento de arte contemporáneo reconocido internacionalmente resalta el estatus del arte contemporáneo como un fenómeno global, uno que mantiene la capacidad de inspirar el debate y la investigación.

Pabellón de Zimbabwe
Bajo el tema “Explorando ideas de pertenencia”, cuatro artistas, Admire Kamudzengere, Charles Bhebhe, Dana Whabira y Sylvester Mbayi, conciben nuevas obras, incorporando esculturas, grabados, dibujos, objetos, pinturas y sonido para las seis galerías del pabellón de Zimbabwe. Los artistas y sus experiencias en un mundo en constante cambio son la fuente de inspiración. La Exposición del Pabellón de Zimbabwe busca brindar otra perspectiva sobre los temas de identidad, migración, patriotismo y pertenencia. Las ideas de aquí y allá, de ver y de ser visto, legal e ilegal han seguido siendo tema de debate y esta exposición busca dar algunas respuestas a estos temas. Las fronteras son una parte ineludible de la vida, pero la gente sigue cruzando legal e ilegalmente.

Este número de Deconstruyendo fronteras aborda un vasto tema que se ha convertido en un tema central y la exposición ilumina algunas de sus diversas perspectivas a través de los artistas Admire Kamudzengerere, Charles Bhebe y Dana Whabira. Su trabajo inspira a la audiencia del Zimbabwe Pavilion a reflexionar y discutir temas que dan forma a las relaciones de poder. La muestra busca plantear algunas cuestiones relativas al tema de la pertenencia a través de las voces de cuatro artistas. Frente a la implacable globalización, las fronteras físicas se están difuminando y desafiando. Las voces y perspectivas de los artistas a este respecto son, por tanto, importantes, porque son el espejo de la sociedad.Deconstruyendo límites busca inspiración en los artistas participantes mientras reflexionan sobre sus propias experiencias y cuestionan los límites que existen actualmente de una forma u otra. A medida que los artistas cruzan diferentes fronteras y límites, llevan consigo sus propias experiencias únicas sobre los diferentes espacios que visitan.

Pabellón de Mongolia
Lost in Tngri (Perdidos en el cielo) y reúne a 5 artistas que exploran las urgencias de la sociedad contemporánea de Mongolia. El país se encuentra en una encrucijada entre su identidad como nación nómada, con una importante historia de chamanismo y budismo, y una nueva realidad económica de globalización donde el uso de los recursos naturales amenaza su propia existencia. Muchas personas ven como el paraíso las tradiciones de pastoreo en terrenos vastos y hermosos con una vida conectada con la naturaleza, la ascendencia y el mundo espiritual. La oportunidad económica, creada tras el colapso del sistema socialista en 1990, ha abierto la puerta a otro tipo de paraíso. La minería, la construcción, la cachemira y otros negocios se han disparado creando riqueza a través de la explotación de las tierras de sus antepasados.Pero, ¿está desapareciendo el país entre estas dos biosferas? A través del cine, la instalación, la escultura y el sonido, los artistas de todas las generaciones cuestionan el futuro de Mongolia.

Lugares de exposición alrededor de San Marco y Dorsoduro

Pabellón chino de Taiwán
Tehching Hsieh desarrolla una nueva versión de sus Actuaciones de un año, un conjunto de desafíos extremadamente físicos y psicológicos que investigan la naturaleza del tiempo y los dilemas existenciales de la condición humana moderna. Para su Cage Piece de 1978, el artista pasó 12 meses en confinamiento casi solitario en una jaula que construyó en su estudio con las necesidades básicas y la prohibición de hablar, leer, escribir o mirar televisión.

Las históricas salas del Palazzo delle Prigioni Venecia, la antigua prisión del Palazzo Ducale, son un escenario ideal para el trabajo de un artista que comprende más que la mayoría, el significado y el costo de ‘hacer tiempo’, y la naturaleza de las vidas vividas. en los límites de lo que llamamos sociedad. Desde una posición distanciada, Hsieh no solo encarna una fuerza vital y una resistencia que emergen de sus primeros días en el Taiwán chino. Una persistencia en la adversidad común a muchos, transmitida a través de prácticas artísticas frugales pero extremas. Sus acciones evocan ansiedades culturales colectivas y exploran los muchos dilemas existenciales que se encuentran dentro de la condición humana moderna.

Pabellón de Azerbaiyán
Bajo el tema “Bajo un sol”, el arte de vivir juntos tiene un significado simbólico. Garantizar la paz y la estabilidad en una era moderna con procesos geopolíticos complejos es uno de los problemas más importantes de la humanidad. Hoy somos testigos de tendencias negativas que tienen lugar en todo el mundo. Azerbaiyán es una muestra perfecta de una sociedad compleja, que promueve la aceptación de diferentes idiomas y antecedentes culturales, la cultura de vivir juntos principalmente en armonía e igualdad en una sociedad multicultural y multirreligiosa, apoyándose mutuamente en un entorno natural a veces difícil. Desafortunadamente, factores peligrosos como la xenofobia, el extremismo, la discriminación religiosa y el terrorismo violan las normas pacíficas de coexistencia y conducen a la calamidad dentro de las civilizaciones y las naciones.

En este contexto, toda nación debe contribuir al fortalecimiento de las tendencias positivas, la propagación y promoción de las relaciones públicas basadas en tradiciones multiculturales y el diálogo entre culturas y civilizaciones. Esta ubicación geográfica ha jugado un papel vital en la diversidad cultural. Al representar la situación existente, demuestre que las personas pueden unirse en torno a ideas de multiculturalismo. El arte de vivir juntos, que brinda la oportunidad de comprometerse con el modelo de multiculturalismo de Azerbaiyán, promueve la tolerancia, la confianza mutua, la solidaridad y la amistad entre diferentes naciones.

Pabellón de Cuba
La exposición titulada ‘Time of Intuition’, compuesta en gran parte por artistas jóvenes, que ya gozan de un considerable reconocimiento a nivel mundial. La exposición sobre la necesidad de recuperar el papel del arte y del artista en la sociedad, sobre la urgencia de rescatar el humanismo, perdido a lo largo de todas estas décadas. Contextualizando el proyecto sobre la realidad cubana y teniendo en cuenta las ideas curatoriales de Macel, Noceda se inspiró en el concepto de tiempo expresado por el escritor cubano Alejo Carpentier (1904-1980), iniciador del concepto latinoamericano de realismo mágico. Carpentier dijo que en el Caribe y en Cuba conviven simultáneamente tres realidades temporales: el pasado o tiempo de la memoria, el presente, el tiempo de la intuición o visión y el futuro o tiempo de la espera. El presente es el elegido, el Tiempo de la Intuición.

El pabellón cubano está ambientado en el antiguo y prestigioso Palacio Loredan, los 14 intérpretes de la vida cotidiana de la isla caribeña, a través de rutas íntimas o satíricas, con performances, fotografías o instalaciones, tratan temas que van desde la deconstrucción del pasado y la historia. , para hacer una crónica de hoy; que van desde cuestiones sociales, raciales y de género, hasta temas de fe y espiritualidad. Son autores peculiares e independientes, que proponen diferentes visiones de los problemas de su mundo en las que el contexto, y el compromiso con él, son las claves para reconsiderar la realidad.

Pabellón de Irak
‘Archaic’, muestra el trabajo de ocho artistas iraquíes modernos y contemporáneos en diálogo con 40 artefactos iraquíes antiguos extraídos del Museo de Irak y que abarcan seis milenios, desde el Neolítico hasta el Período Parto. La mayoría de estos objetos nunca antes habían salido de Irak, excepto algunos que fueron recuperados recientemente después de los saqueos del Museo en 2003. La tensión en el término ‘arcaico’ se deriva de sus referencias multivalentes a lo antiguo y primordial, así como a lo que actualmente está fuera de uso. La exposición extrae esta tensión para enfatizar su particular relevancia para Irak, un país cuya realidad política, administrativa, social y económica existente es posiblemente tan “arcaica” como su antigua herencia.

La primera vitrina es una selección de todo menos obras contemporáneas. De hecho, estos objetos se remontan a miles de años. Hay pequeñas estatuas de figuras femeninas y animales, y una fila de sellos cilíndricos. Algunas de las estatuas más pequeñas están tan desgastadas a lo largo de los siglos que sus rasgos de piedra no son más que sombras. El resto del arte del pabellón en el Palazzo Cavalli-Franchetti en el Gran Canal es nuevo, ya sea de la segunda mitad del siglo XX o encargado para la Bienal de 2017. Esas obras se muestran como ejemplos de arte moderno arraigado en las culturas de una tierra antigua.

Pabellón de Montenegro
Montenegro está representado por el proyecto “Čovjek-Uomo-Human” de los artistas Ivana Radovanović y Adin Rastoder. Las obras de Ivana Radovanović y Adin Rastoder representan dos conceptos artísticos independientes con un tema compartido, el tema de la antropología y el hombre. Este concepto es una invitación, un llamado a cambiar el mundo en el que vivimos. El arte es un símbolo, un medio que conecta pueblos y culturas. En sus características visuales y mensajes artísticos, los proyectos artísticos de Ivana Radovanović y Adin Rastoder representan piezas separadas, pero al mismo tiempo constituyen un conjunto estéticamente coreografiado y poderoso. Los dos conceptos artísticos hacen una unión en la medida en que expresan dos aspectos diferentes del ser humano.Sus contrastes mutuos crean en realidad un mensaje único que nos invita a contemplar profundamente el significado de la existencia humana. Su proyecto es, por tanto, un llamamiento a cambiar el mundo en el que vivimos y volver a todos sus valores esenciales.

La escultura de Rastoder es una figura imaginaria que surge de principios antropológicos vitales. A través de su proceso creativo, llega a soluciones y respuestas inusuales, abstractas y novedosas. Todas sus figuras tienen la misma forma, pero lo que las diferencia son sus colores, que apuntan a lo individual y colectivo en ellas. La cosmovisión optimista del autor se expresa a través de sus trajes pintados de manera vívida. El trabajo de Ivana Radovanović destaca el absurdo y la impermanencia como las dimensiones clave de la vida humana. En consecuencia, demuestra una sensibilidad fuertemente moderna marcada por una destrucción de la personalidad y la individualidad. Este espíritu es, de hecho, una colección y acumulación de sentimientos, imágenes, fragmentos, que pueden combinarse para formar algún nuevo compuesto.El artista trata del ser humano visto esencialmente como creador y destructor. Sus figuras representan personas desfiguradas o sin rostro, sin cualidades, desprovistas de significado, indiferentes y degradadas en cuanto a su dignidad humana.

Lugares de exposición alrededor de Cannaregio y Santa Croce

Pabellón de Islandia
La inventiva y el humor del proyecto de Egill Sæbjörnsson, así como su capacidad para unir mundos divergentes mediante el uso de diferentes medios y plataformas para crear un entorno inmersivo donde lo real y lo concreto se cruzan con lo imaginado y lo fantástico, atraen a la audiencia con su universo sensorial estratificado y reflexiones relevantes sobre nuestro mundo contemporáneo.

Egill Sæbjörnsson vive y trabaja en Berlín y Reykjavik. A la vanguardia de la experimentación, combina música, escultura, proyección de video y animaciones, así como su propia actuación, ya sea como mimo, orador, actor, músico o cantante, para crear narrativas espaciales de ficción. Teatrales, poéticos y lúdicos, los objetos dormidos ordinarios cobran vida en las obras de Sæbjörnsson, ya sean cubos de plástico, una pared, piedras en bruto o bolsos, llevando al espectador a un mundo maravilloso donde lo real y lo imaginario chocan. Su trabajo difumina los límites entre lo real y lo ilusorio explorando la “magia” de la tecnología, jugando con videos y sonidos proyectados en combinaciones sorprendentes que exigen consideraciones complejas por parte del público.Pero si bien su trabajo es experiencial y suscita densas preguntas ontológicas, las enmarca de una manera que hace que esos temas sean accesibles.

Pabellón de Rumania
Apariciones titulado, el primer solo dedicado a una artista femenina de Rumania, en un largo viaje que ha sido principalmente dominado por hombres. Apariciones, serie de obras realizadas por la artista con los ojos parcialmente cerrados. Pero “apariciones” es una palabra que posiblemente resume una práctica artística. Para Bratescu, el objeto artístico es el resultado de una “danza de la mente”: la técnica cuenta menos, lo importante —dice el artista a menudo— es el “espíritu” de la obra de arte, lo que la “mente y la visión” reclaman. Apariciones también significa libertad absoluta, más allá de cualquier restricción social y política. Pero las apariciones también son epifanías: la obra de arte surge a través de la transfiguración de elementos plásticos simples a través de expresiones.

El complejo artista Geta Brătescu crea dibujos, collages, grabados, tapices, objetos, fotografías, películas experimentales, videos, performances; expresándose en tantos medios, que todos se pueden convertir, sugiere, al dibujo. A los ojos de Geta Brătescu, la condición social y política no se refleja en el arte: el arte debe lograr mantener su autonomía, sin interferir en la política. No importa la ubicación, el artista debe tener la capacidad de crear un estudio mental. El espacio físico del estudio, presente de forma casi obsesiva en determinadas obras de arte, se fusiona con un espacio interior, que produce mundos en sí mismo, mitologías. Lo mismo ocurre con la propia presencia física de Bra˘tescu en su arte, que cuando está ausente crea alter-egos y complejas mitologías femeninas, mapas y viajes mentales.

Pabellón de Nigeria
Con el tema “¿Qué tal ahora?”, La exposición toma la forma de una línea de tiempo de varias capas. Llega del pasado y, luego, despega hacia el futuro. La declaración detrás de esto es simplemente que el momento para Nigeria es ahora. ¿Que tal ahora? parece ser una pregunta inquisitiva y desafiante que evoca una gama de posibilidades ideológicas. Implica con fuerza lo contemporáneo y / o poscolonial. Este pabellón es un marco para potencialidades dadas: establece una conexión entre las obras de arte presentadas y el medio en el que trabajan los artistas nigerianos, y vincula la imaginación artística con el continuo de la experiencia y la complejidad de la identidad nacional.

El Pabellón de Nigeria presenta una oportunidad para que la nación reflexione sobre su historia y patrimonio y cómo defiende las narrativas fragmentadas pero interconectadas actuales. Los artistas visuales seleccionados son Victor Ehikhamenor y Peju Alatise, y el artista de danza / performance, Qudus Onikeku. Sus obras brindan información desde diversas perspectivas a la vida nigeriana contemporánea a través de instalaciones, pinturas y representaciones. La mediación de cuestiones contemporáneas, históricamente desarrolladas a través de diferentes formas de expresión, promete una experiencia estimulante.

Eventos colaterales

Memoria y Contemporaneidad. China Art Today
Arsenale Nord, Promotor: Museo del Palacio, Pekín
¿Cuál es exactamente el significado de una reflexión sobre el arte chino contemporáneo en la memoria? Obviamente, es un camino importante que nos lleva a darnos cuenta del valor de la civilización china. La ciudad de Beijing es el símbolo que representa la diversidad y riqueza de la cultura china. Y es precisamente en la ciudad capital donde nació el proyecto expositivo Memoria y Contemporaneidad. En el contexto de la Ciudad Prohibida, uno de los mayores legados de la historia de China, actualmente abre un espacio de investigación donde, a partir de las colecciones y archivos del Museo del Palacio, se ha pedido a un grupo de artistas contemporáneos chinos que reflexionen sobre el arte contemporáneo en relación con el culto a la memoria.

Samson Young: Songs for Disaster Relief
Arsenale, Campo della Tana, Promotor: M +, Distrito Cultural West Kowloon; Consejo de Desarrollo de las Artes de Hong Kong
El artista y compositor Samson Young crea un nuevo cuerpo de trabajo que intenta enmarcar la popularización de los “solteros benéficos” como un “evento” histórico y un momento culturalmente transformador en el tiempo. Los sencillos benéficos se difundieron más en la década de 1980 y coincidieron con el auge de las aspiraciones neoliberales y la globalización de la industria de la música popular.

A través de una reutilización deliberada y una mala lectura creativa de títulos icónicos como We Are the World y Do They Know It’s Christmas, el artista genera una serie de objetos, performance e instalaciones de sonido espacial que en conjunto constituyen un cuadro audiovisual. La exposición se concibe como un álbum que se despliega en el espacio: una reproducción mecánica monocopia que debe ser escuchada y vista en persona; una petición de acción urgente y perpetua.

Un bonsái de mi sueño – Obras de Wong Cheng Pou
Arsenale, Castello, Promotor: Oficina de Asuntos Culturales del Gobierno de la RAE de Macao; El Museo de Arte de Macao
El mundo se vuelve cada vez más complicado. Al vivir en una ciudad superpoblada, la gente puede encontrar confuso meterse entre los huecos. Soy muy afortunado de haber vivido junto al mar, y siempre que estoy libre me gustaría ir a algún lugar alto, sentado allí sin hacer nada, simplemente contemplando las encantadoras montañas desde una posición elevada, especialmente cuando hay luna clara en el cielo, las sombras plateadas reflejadas por la tranquilidad del agua son totalmente diferentes de lo que solían ser durante el día: una gélida jungla de cemento. Entonces no pude evitar enamorarme de este paisaje insondable, recordando mis recuerdos de las criaturas del Shan Hai Jing, que cuidan los mares y las montañas de una manera excéntrica.

Haciendo tiempo
Palazzo delle Prigioni, Promotor: Museo de Bellas Artes de Taipei de China Taiwán
En la escena artística del centro de Manhattan a fines de la década de 1970 y principios de la de 1980, un joven artista taiwanés Tehching Hsieh realizó una serie excepcional de obras de arte. Se embarcó en cinco actuaciones de un año por separado. En cada uno, hizo una regla estricta que gobernó su comportamiento durante todo el año.

Las representaciones no tenían precedentes en cuanto al uso de la dificultad física durante duraciones extremas y en su concepción absoluta de la vida y el arte como procesos simultáneos. Reuniendo muchos documentos y artefactos en instalaciones detalladas, Doing Time contrapone dos de las actuaciones de un año más conmovedoras de Hsieh: la pieza del reloj del tiempo (1980-1981) y la pieza al aire libre (1981-1982). Juntas, estas dos representaciones monumentales de sujeción montan un discurso intenso y afectivo sobre la existencia humana, su relación con los sistemas de poder, el tiempo y la naturaleza.

Alberto Biasi, Sara Campesan, Bruno Munari y otros amigos de Verifica 8 + 1
Istituzione Fondazione Bevilacqua La Masa, Promotor: Associazione Culturale Ars Now Seragiotto
La asociación Verifica 8 + 1 se creó en abril de 1978 en el continente veneciano como un lugar de encuentro para artistas involucrados en la búsqueda de nuevos lenguajes. El proyecto expositivo se centra en tres importantes miembros de la asociación: Sara Campesan, miembro fundador con una personalidad dinámica y una fuerte inclinación creativa; Bruno Munari, la supuesta figura paterna de la asociación; y Alberto Biasi, fundador de Programmed Art en Veneto.

La muestra incluye obras de los demás miembros fundadores y la selección de siete artistas más que han realizado exposiciones individuales en el Centro y que han tenido una especial participación en el grupo. Así, el proyecto incluye un grupo equilibrado simétrico de siete artistas, fundadores del Centro, además de las tres personalidades mencionadas en el título, y siete maestros que han realizado espectáculos en Verifica 8 + 1.

Cuerpo y alma. Arte escénico: pasado y presente
Conservatorio di Musica “Benedetto Marcello”, Palazzo Pisani, Promotor: Fundación Rush Philantropic Arts
En cuerpo y alma. Arte de performance – Pasado y presente, ocho artistas de performance, algunos de renombre histórico, otros emergentes, aparecen en presentaciones en vivo y en videos o documentación fotográfica de sus acciones anteriores. Las figuras pioneras VALIE EXPORT, ORLAN, Nicola L y Carolee Schneemann han utilizado durante mucho tiempo sus cuerpos para expresar preocupaciones relacionadas con el género, la feminidad, las relaciones personales y la política. Sus innovaciones fueron tanto formales como temáticas, y se enfrentaron directamente a la desigualdad de género y la represión social de mediados del siglo XX.

Los participantes más jóvenes de la exposición, basándose en esa herencia, abordan el canon del arte de la performance en sí (Derrick Adams), la fragmentación cultural y las identidades múltiples (Aisha Tandiwe Bell), la paternidad y el ciclo de la vida (John Bonafede), y la impugnación de los roles sociales y dinámica de la expresión corporal (Katarzyna Kozyra).

Cataluña en Venecia_La Venezia che non si vede
Cantieri Navali, Castello, Promotor: Institut Ramon Llull
Antoni Abad propone una interpretación sensorial del espacio urbano que es Venecia, creada en colaboración con un grupo de personas ciegas y con discapacidad visual. Este colectivo de personas utiliza los sentidos de manera diferente a la mayoría de la población y es capaz de revelar aspectos ocultos de la ciudad.

El catalizador de este proyecto de arte socialmente comprometido es una aplicación móvil, BlindWiki, creada especialmente para personas ciegas, que permite registrar y publicar impresiones de cualquier lugar de la ciudad, así como escuchar estas grabaciones in situ. Así, el proyecto catalán es una experiencia eminentemente sensorial, donde la inteligencia colectiva reivindica la accesibilidad universal y sugiere formas alternativas de ocupar el espacio público, tanto físico como digital.

Fernando Zóbel. Contrapuntos
Fondaco Marcello, Promotor: Fundación Ayala / Museo Ayala
La exposición ofrece una introducción y perspectiva sobre la obra de Fernando Zóbel (1924-1984), quien nació en Manila, estudió en la Universidad de Harvard y vivió en España. Las pinturas expuestas son una síntesis armoniosa de las técnicas pictóricas asiáticas y occidentales. Descrito como un artista transnacional, Zóbel fue una figura clave en el movimiento del arte moderno en Filipinas. También formó estrechos vínculos con artistas españoles en las décadas de 1950 a 1960 durante el ascenso de la pintura abstracta española.

Centrándose en los años 1956-1962, la muestra selecciona los principales logros del artista, las series Saeta y Serie Negra. La exposición también incluye las esculturas de Pablo Serrano (1908-1985), quien también fue un defensor de la abstracción en España. Fernando Zóbel. Contrapuntos está diseñado como una puesta en escena orgánica, una esfera cerebral contemplativa en lugar de una escenografía inanimada. Artefactos, textos, música y publicaciones forman parte de un diálogo visual sobre cómo la práctica artística podría reinventarse como una forma viva de expresión contemporánea.

Premio de Arte Future Generation @ Venecia 2017
Palazzo Contarini Polignac, Promotor: Fundación Victor Pinchuk
El Future Generation Art Prize @ Venecia 2017 presenta la cuarta edición del primer premio mundial de arte con 21 artistas de casi todos los continentes y 16 países diferentes. A través de las declaraciones de artistas independientes, esta exposición se relaciona con las complejidades del mundo contemporáneo e investiga las posibilidades del arte dentro de él. Equilibrando entre lo personal y lo colectivo, lo imaginario y lo real, lo familiar y lo siniestro, el espectáculo propone un viaje cautivador a través de realidades paralelas donde se cruzan experiencias idiosincrásicas y fenómenos globales.

James Lee Byars, La Torre Dorada
Dorsoduro, Promotor: Fondazione Giuliani
James Lee Byars (1932-1997) concibió la Torre Dorada como un faro y un oráculo colosales que uniría el cielo y la tierra y unificaría a la humanidad: un monumento contemporáneo que sobrepasa la grandeza del Faro de Alejandría. La idea comenzó en 1990 y se desarrolló con numerosos estudios conceptuales a lo largo de la carrera del artista.

Elevándose a una altura de 20 metros, The Golden Tower es la obra más grande y ambiciosa del artista. Fabricada en 2017 con un equipo de doradores italianos, esta instalación de The Golden Tower es la primera en realizar plenamente las intenciones del artista de presentar la escultura en un espacio público, y doblemente significativa dadas las profundas conexiones de Byars con la ciudad. Byars vivió de vez en cuando en Venecia a partir de 1982. Participó en cuatro ediciones anteriores de la Biennale Arte desde 1980 y realizó numerosas representaciones en Venecia a lo largo de su carrera.

Jan Fabre – Esculturas de vidrio y hueso 1977-2017
Abbazia di San Gregorio, Promotor: GAMeC – Galleria d’Arte Moderna e Contemporanea, Bergamo
La exposición recorre la obra de Jan Fabre desde sus inicios, llevando al espectador a una contemplación filosófica, espiritual y política de la vida y la muerte a través de la lente de la metamorfosis, tal como se materializa en sus obras en vidrio y hueso creadas en el período 1977-2017.

El artista elige el vidrio por su transparencia real y metamórfica, porque es un material a través del cual se puede mirar. Lo usa de diferentes maneras, como una hoja / pared transparente en la que puede grabar o esculpir una oreja en relieve: el orgn del oído se une al de ver. El uso de huesos marca la vuelta a uno de los referentes fundamentales de Fabre, la tradición de los maestros flamencos, que utilizaban habitualmente hueso molido en sus pinturas. Así, las obras de vidrio y hueso unen la infancia artística del artista con la historia del arte antiguo y moderno, en una reinterpretación permanente de la relación entre pasado, presente y futuro.

El hombre como pájaro. Imágenes de viajes
Palazzo Soranzo Van Axel, Promotor: Museo Estatal de Bellas Artes Pushkin
La exposición invita al espectador a viajar a través de múltiples dimensiones, espacio, tiempo y experiencia individual, lo que puede alterar la percepción del mundo y del yo. La morfología y estructura inicial de las imágenes se van transformando a lo largo del recorrido debido a los diferentes miradores incorporados al proyecto. Como Gulliver de Jonathan Swift o Alice de Lewis Carroll, el espectador experimenta proporciones y perspectivas inusuales: el mundo se transforma, el punto de vista cambia, lo real y lo imaginario se entrelazan y ya no corresponden a nuestra percepción.

A lo largo del viaje, el ángulo de visión se amplía a través de la vista de pájaro para ampliar la visión vinculada a todos los demás sentidos. El sonido, la sensación táctil y la visión háptica permiten experimentar un espacio más: el espacio de la memoria, que pone en primer plano el viaje individual a través del yo. El punto de fuga donde convergen la máquina y el ojo humano, espacios de la historia y la memoria individual, está dentro de cada uno de nosotros, y el objetivo final de este viaje es conocerse a uno mismo.

Miguel Ángel Pistoletto
Isola di San Giorgio Maggiore, Promotor: Associazione Arte Continua
El símbolo del Tercer Paraíso, una reconfiguración del símbolo matemático del infinito, está compuesto por tres círculos consecutivos. Los dos círculos exteriores representan todas las diversidades y antinomias, incluidas las naturales y las artificiales. El círculo central es la unión e interpretación de los círculos externos y representa el útero generativo de una nueva humanidad.

El Tercer Paraíso es la tercera fase de la humanidad, lograda a través de una interconexión equilibrada de lo artificial y lo natural. En esta fase, el arte se convierte en un catalizador de significados relacionados con el simbolismo religioso, un ámbito multiconfesional capaz de promover el equilibrio en los conflictos políticos y religiosos que trágicamente se apoderan del mundo entero. En la exposición Michelangelo Pistoletto, el artista explora temas contemporáneos relacionados con la sociedad globalizada de hoy, presentando obras inspiradas en la aceptación de las diferencias y la tolerancia política, religiosa y racial, promovida a través de la creatividad con el objetivo de mejorar la sociedad.

Modus
Ca ‘Faccanon, Promotora: WAVE’s (women arts Venecia)
Modus cuenta la historia de un aspecto de la práctica del arte que se erosionó progresivamente a partir de la segunda mitad del siglo XIX y fue reformulado en clave teórica por las vanguardias históricas: la íntima conexión entre técnica y poética, la relación entre la ciencia y el material de la obra de arte.

Con un video animado sobre la historia del arte, la exposición revela, en múltiples secciones, las interrelaciones lingüísticas e interdisciplinarias que caracterizan la búsqueda contemporánea en el arte. La base científica se ha desarrollado en colaboración con la Academia de Bellas Artes de Bolonia y el programa Método de Diseño de Comunicación Visual de la Academia de Bellas Artes de Venecia.

Philip Guston y los poetas
Gallerie dell’Accademia di Venezia, Promotor: Museo Nazionale Gallerie dell’Accademia di Venezia
La Gallerie dell’Accademia di Venezia presenta la obra del destacado pintor canadiense-estadounidense Philip Guston (1913-1980) en una importante exposición que explora la obra del artista en relación con figuras literarias clave.

La exposición considera las ideas y los escritos de los principales poetas del siglo XX como catalizadores de sus enigmáticas imágenes, con obras que abarcan un período de cincuenta años en la carrera artística de Guston, pinturas y dibujos que datan de 1930 hasta su muerte en 1980. La exposición establece paralelismos entre los temas humanistas esenciales reflejados en estas obras, y las palabras de cinco poetas: DH Lawrence, WB Yeats, Wallace Stevens, Eugenio Montale y TS Eliot. Esta exposición del museo refleja la relación especial del artista con Italia.

Pierre Huyghe
Espace Louis Vuitton Venezia, Promotor: Fondation Louis Vuitton
Para el Espace Louis Vuitton Venezia, Pierre Huyghe ha imaginado un formato de exposición completamente nuevo, entre narrativa, ficción y memoria fugitiva. La película Un viaje que no fue (2005) está en el centro de la exposición, que narra una expedición a la Antártida a bordo de un antiguo velero en busca de una nueva isla donde supuestamente vive un pingüino albino; allí Huyghe tradujo la topografía de la isla en sonido, creando una partitura musical interpretada en la pista de Central Park de Nueva York.

Creature (2005-2011), pequeño pingüino hecho de fibra de vidrio, que emite sonidos, es “una intuición única, lejana donde desaparece casi en el contexto”. Silence Score (1997), es la transcripción de los sonidos imperceptibles de 4’33 “(Silence) de John Cage grabada en 1952, donde un músico tocaba unos minutos de silencio a partir de una partitura sin notas.

Ryszard Winiarski. Evento-Información-Imagen
Palazzo Bollani, Promotor: Fundación Familia Starak
La exposición de las obras de Ryszard Winiarski presenta la obra de una de las personalidades más interesantes del arte polaco de la segunda mitad del siglo XX: artista, ingeniero, pintor, escenógrafo, docente, precursor del arte conceptual y máximo representante. del indeterminismo. En su tesis de diploma de 1966, titulada Evento-Información-Imagen, definió un concepto maduro e innovador de una obra de arte basado en un intento de transferir los temas de matemáticas, estadística, tecnología de la información y teoría de juegos al lienzo.

Su audaz visión de incorporar la información real en la pintura, la estética binaria y el uso de la participación encaja perfectamente con la obra de Ryszard Winiarski en fenómenos contemporáneos tan extendidos como el desarrollo de la comunicación visual, el dominio de las narraciones digitales, la universalidad de la participación, la popularidad de los códigos QR.

Salon Suisse: Ataraxia
Palazzo Trevisan degli Ulivi, Promotor: Swiss Arts Council Pro Helvetia
La trillada narrativa ‘Suiza es un país sin problemas’ establece una imagen de seguridad económica, pero a pesar de todo su capital cultural, el país ha logrado en su mayor parte esquivar la confrontación sobre el tema de sus historias modernistas y coloniales. La llamada ‘neutralidad’ de Suiza dentro del panorama económico, político y cultural actual de Europa y más allá, así como sus narrativas poscoloniales, es fundamental para el Salón Suizo de este año. Se utilizó una serie de herramientas que incluían el término ‘mitologización’ de Roland Barthes (Mythologies, 1957) para desempacar las narrativas políticas de Suiza, tropos que tienen un estatus casi mitológico. Ataraxia tiene como objetivo impulsarnos a la acción a través de formas enérgicas de reflexión, experiencia y respuesta colectivas.

Escocia + Venecia presenta Spite Your Face de Rachel Maclean
Antigua Iglesia Santa Caterina, Promotora: Escocia + Venecia
La asociación Escocia + Venecia se complace en presentar una nueva comisión cinematográfica importante de Rachel Maclean, Spite Your Face. Haciendo referencia al cuento popular italiano Pinocho, Spite Your Face ofrece una poderosa crítica de la retórica política contemporánea de la “posverdad”, en la que se usa y se abusa del dudoso lenguaje de la verdad para realzar el poder personal, corporativo y político. Poseyendo una visión única y a menudo perturbadora, las narrativas de fantasía de Maclean combinan modos tradicionales de teatro con tecnología y cultura popular, planteando preguntas críticas sobre identidad, economía, sociedad y moralidad en un mundo saturado de medios.

Shirin Neshat El hogar de mis ojos
Museo Correr, Promotor: Fundación Arte Escrito
The Home of My Eyes es el retrato visual de una cultura. Concebida y producida por Shirin Neshat de 2014 a 2015, sus fotografías incluyen caligrafía en tinta. Además de este trabajo más reciente, Neshat presenta Roja, un video de 2016 basado en sus sueños personales. Roja muestra los sentimientos de ‘desplazamiento’ y la ‘tierra extraña’, así como el deseo de un reencuentro con el ‘hogar’ y con la ‘patria’. Lo que al principio parece comprensivo pero, a lo largo del video, demuestra ser aterrador y demoníaco. Para El hogar de mis ojos, Neshat eligió a diferentes personas en Azerbaiyán, un país de diversas etnias, religiones e idiomas. Las personalidades de los retratados aparecen frontales en tres tamaños, desde 152 hasta 205 cm. Miramos a la gente ‘s caras y conocer varias culturas y generaciones.

Stephen Chambers: la corte de Redonda
Ca ‘Dandolo, promotor: The Heong Gallery en Downing College, Universidad de Cambridge
El artista británico Stephen Chambers presenta una instalación de pinturas concebidas para el escenario histórico de Ca ‘Dandolo, Venecia. La Corte de Redonda explora la creación de mitos, articulando el papel que juegan los artistas al concebir un mundo que no es como es, uno que no necesariamente está completamente ligado a la realidad. Redonda es una isla pequeña y deshabitada en el este de las Indias Occidentales, con una realeza honoraria que se transmite a través del linaje literario.

Chambers conoció la leyenda de Redonda gracias a los escritos del novelista español Javier Marías, y ha encontrado en la historia un tejido laberíntico de posibilidades visuales. Más de 100 retratos de una corte imaginaria cuelgan en el antiguo palacio. The Court of Redonda ofrece una visión convincente del trabajo de Chambers y sigue las principales exposiciones en la Royal Academy, Londres (2012) y el Museo Pera, Estambul (2014). La exposición está comisariada por Emma Hill.

Gales en Venecia: James Richards
Santa Maria Ausiliatrice, Promotora: Cymru yn Fenis Wales en Venecia
El interés de James Richards radica en la posibilidad de lo personal en medio del caos de los medios de comunicación. Combina video, sonido e imágenes fijas para crear instalaciones y eventos en vivo. Su trabajo hace uso de un banco de material en constante crecimiento que incluye fragmentos de cine, obras de otros artistas, imágenes de videocámaras extraviadas, televisión turbia a altas horas de la noche e investigación de archivos.

Las instalaciones cuidadosamente construidas involucran consideraciones escultóricas, cinematográficas, acústicas, musicales y curatoriales para crear obras de extraordinaria intensidad. La presentación de Richards para Gales en Venecia consiste en una instalación de sonido sensible al sitio que se mueve a través de una amplia gama de géneros y lenguajes musicales y el trabajo resultante es una experiencia cinematográfica y multisensorial.

Ayer / Hoy / Mañana: La trazabilidad es credibilidad por Bryan Mc Cormack
Isola di San Giorgio Maggiore, Promotor: Fondazione Giorgio Cini
Este trabajo visualiza la crisis de los refugiados y da voz a cientos de miles de personas de más de 30 nacionalidades (que hablan tantos idiomas), en su mayoría niños, a menudo analfabetos. Cada refugiado crea 3 dibujos, uno de su vida anterior (ayer), uno de su vida actual (hoy) y uno de su futuro (mañana).

Es tanto una instalación / actuación como una voz en las redes sociales que traza una memoria visual de este éxodo, desde los barcos / campamentos de refugiados en las islas griegas hasta los refugios en el Reino Unido. Una multiplicidad de refugiados participó en estos dibujos, creando su cultura contemporánea y al mismo tiempo perdiendo la trazabilidad de su cultura heredada. Sin trazabilidad, desaparece la existencia de un pueblo. Cada dibujo de refugiados cuenta. Cada dibujo es una voz. Cada voz cuenta.

Bienal de Venecia 2017
La 57ª Bienal de Venecia fue una exposición internacional de arte contemporáneo celebrada entre mayo y noviembre de 2017. La Bienal de Venecia se lleva a cabo cada dos años en Venecia, Italia. La directora artística Christine Macel, curadora en jefe del Centre Pompidou, comisaró su exposición central, “Viva Arte Viva”, como una serie de pabellones interconectados diseñados para reflejar la capacidad del arte para expandir el humanismo.

El curador también organizó un proyecto, “Desempacando mi biblioteca”, basado en un ensayo de Walter Benjamin, para enumerar los libros favoritos de los artistas. Macel fue la primera directora francesa desde 1995 y la cuarta mujer en dirigir la Bienal. La tendencia de presentar artistas pasados ​​por alto, redescubiertos o “emergentes muertos” fue un tema de la 57ª Bienal.

La Bienal de Venecia es una exposición bienal de arte internacional que se celebra en Venecia, Italia. A menudo descrita como “las Olimpiadas del mundo del arte”, la participación en la Bienal es un evento prestigioso para artistas contemporáneos. El festival se ha convertido en una constelación de espectáculos: una exposición central comisariada por el director artístico de ese año, pabellones nacionales organizados por naciones individuales y exposiciones independientes en toda Venecia. La organización matriz de la Bienal también organiza festivales regulares en otras artes: arquitectura, danza, cine, música y teatro.

Fuera de la exposición internacional central, las naciones individuales producen sus propios espectáculos, conocidos como pabellones, como su representación nacional. Las naciones que poseen sus edificios de pabellón, como los 30 ubicados en el Giardini, también son responsables de sus propios costos de mantenimiento y construcción. Las naciones sin edificios dedicados crean pabellones en el Arsenal de Venecia y palacios en toda la ciudad.

La Biennale di Venezia fue fundada en 1895. Paolo Baratta ha sido su presidente desde 2008, y antes de 1998 a 2001. La Biennale, que se encuentra a la vanguardia de la investigación y promoción de las nuevas tendencias del arte contemporáneo, organiza exposiciones, festivales e investigaciones. en todos sus sectores específicos: Artes (1895), Arquitectura (1980), Cine (1932), Danza (1999), Música (1930) y Teatro (1934). Sus actividades están documentadas en el Archivo Histórico de Arte Contemporáneo (ASAC) que recientemente ha sido completamente renovado.

En todos los sectores ha habido más oportunidades de investigación y producción dirigidas a la generación más joven de artistas, en contacto directo con profesores de renombre; esto se ha vuelto más sistemático y continuo a través del proyecto internacional Biennale College, que ahora se ejecuta en las secciones de Danza, Teatro, Música y Cine.

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