La 57a exposición internacional de arte, titulada Viva Arte Viva, comisariada por Christine Macel y organizada por Paolo Baratta, se llevó a cabo del 13 de mayo al 26 de noviembre de 2017. La Bienal se presenta como un lugar dedicado al diálogo abierto entre artistas, y entre artistas y el público. El tema de este año dedicado a celebrar y casi agradecer la existencia misma del arte y los artistas, cuyos mundos amplían nuestra perspectiva y el espacio de nuestra existencia.

La exposición se llevó a cabo en los pabellones históricos del Giardini, en el Arsenale y en el centro de la ciudad de Venecia, con la participación de 86 países y regiones. 23 Collateral Events, promovidos por instituciones sin ánimo de lucro nacionales e internacionales, presentarán sus exposiciones e iniciativas en Venecia durante la 57ª Exposición.

La Exposición Viva Arte Viva ofrece un recorrido que se desarrolla a lo largo de nueve capítulos o familias de artistas, comenzando con dos reinos introductorios en el Pabellón Central en el Giardini, seguidos de siete reinos más que se encuentran en el Arsenale y el Giardino delle Vergini. . Hay 120 artistas invitados de 51 países; 103 de ellos participan por primera vez.

En un mundo lleno de conflictos y conmociones, el arte da testimonio de la parte más preciosa de lo que nos hace humanos. El arte es el terreno último para la reflexión, la expresión individual, la libertad y para las cuestiones fundamentales. El arte es el último bastión, un jardín para cultivar más allá de las tendencias y los intereses personales. Se erige como una alternativa inequívoca al individualismo y la indiferencia.

Viva Arte Viva
Viva Arte Viva es una Exposición inspirada en el humanismo. Este tipo de humanismo no se centra en un ideal artístico a seguir ni se caracteriza por la celebración de la humanidad como seres que pueden dominar su entorno. En todo caso, este humanismo, a través del arte, celebra la capacidad de la humanidad para evitar ser dominada por los poderes que gobiernan los asuntos mundiales. En este tipo de humanismo, el acto artístico es contemporáneamente un acto de resistencia, de liberación y de generosidad.

Viva Arte Viva es una exclamación, un grito apasionado por el arte y el estado del artista. El papel, la voz y la responsabilidad del artista son más cruciales que nunca en el marco de los debates contemporáneos. Es en y a través de estas iniciativas individuales que toma forma el mundo del mañana, que aunque seguramente incierto, a menudo es mejor intuido por los artistas que por otros.

Cada uno de los nueve capítulos o familias de artistas de la Exposición representa un Pabellón en sí mismo, o más bien un Trans-Pabellón ya que es transnacional por naturaleza pero refleja la organización histórica de la Bienal en pabellones, cuyo número no ha dejado de crecer desde entonces. finales de la década de 1990.

Viva Arte Viva también busca transmitir una energía positiva y prospectiva, que mientras se enfoca en los artistas jóvenes, redescubre a aquellos que fallecieron demasiado pronto o que aún son en gran parte desconocidos a pesar de la importancia de su trabajo.

Desde el «Pabellón de artistas y libros» hasta el «Pabellón del tiempo y el infinito», estos nueve episodios cuentan una historia que a menudo es discursiva y en ocasiones paradójica, con desvíos que reflejan las complejidades del mundo, una multiplicidad de enfoques y una gran variedad. de prácticas. La Exposición pretende ser una experiencia, un movimiento extrovertido del yo al otro, hacia un espacio común más allá de las dimensiones definidas, y hacia la idea de un potencial neohumanismo.

A partir del Pabellón de Artistas y Libros, la Exposición revela su premisa, una dialéctica que involucra a toda la sociedad contemporánea, más allá del propio artista, y aborda la organización de la sociedad y sus valores. El arte y los artistas están en el corazón de la Exposición, que comienza examinando sus prácticas, la forma en que crean arte, a medio camino entre la ociosidad y la acción, el otium y la negociación.

La Exposición en Arsenale
La Exposición se desarrolla desde el Pabellón Central (Giardini) hasta el Arsenale e incluye a 86 participantes de todo el mundo. Iniciado en 1980, el Aperto comenzó como un evento marginal para artistas más jóvenes y artistas de origen nacional no representados por los pabellones nacionales permanentes. Esto generalmente se lleva a cabo en el Arsenale y se ha convertido en parte del programa bienal formal.

A partir de 1999, la exposición internacional se llevó a cabo tanto en el Pabellón Central como en el Arsenale. También en 1999, una renovación de $ 1 millón transformó el área del Arsenale en un grupo de astilleros, cobertizos y almacenes renovados, más del doble del espacio de exhibición del Arsenale de años anteriores.

Aproximadamente la mitad del espacio interior de Arsenale está compuesto por esta exposición, la continuación de la exposición de Macel que comenzó en el pabellón central de Il Giardini.

El viaje se desarrolla a lo largo de nueve capítulos, o familias de artistas, comenzando con dos partes introductorias en el Pabellón Central, seguidas de otras siete a través del Arsenale. Cada capítulo representa un Pabellón en sí mismo, o más bien un Trans-Pabellón, ya que es transnacional por naturaleza, pero se hace eco de la organización histórica de la Bienal en pabellones.

El pabellón de lo común
El primer pabellón del Arsenale, dedicado a la comunidad y al papel de la conciencia colectiva.

Franz Erhard Walther
Franz Erhard Walther, ganador del León de Oro, presenta tres obras de su serie Wallformation de principios de la década de 1980 y una selección de Walking Pedestals de 1975, todas invitando a la participación total del cuerpo.

Rasheed Araeen
La instalación Zero to Infinity en Venecia del artista paquistaní Rasheed Araeen da la bienvenida a los visitantes: los cubos de madera en estructura de alambre con colores fluorescentes se pueden mover libremente para crear espacios y arquitecturas siempre diferentes: una acción contra la simetría y el minimalismo formal.

Anna Halprin
Anna Halprin, una bella mujer de noventa y seis años, nos invita a unirnos a su danza circular universal: La Danza Planetaria es un gesto, un movimiento común que expresa una intención de paz y alegría para el mundo entero.

El Pabellón de la Tierra
El Pabellón de la Tierra profundiza en los temas de medio ambiente y ecología. El Pabellón de la Tierra, que reúne una monumental tortuga semi-abstracta de Erika Verzutti, esculturas performativas monumentales de polillas hechas en tejidos tradicionales kosovares por Petrit Halilaj, una instalación de pilares de sal que investiga la explotación del litio del ‘petróleo blanco’ de Julian Charrière, y una instalación a gran escala de Thu Van Tran que incluye película de 16 mm, fotogramas monumentales, pintura específica del lugar y una selección de esculturas de cera.

Charles Atlas
La videoinstalación Tyranny of Consciousness de Charles Atlas, que recibió una mención especial del jurado, muestra simultáneamente cuarenta y cuatro atardeceres marcados por un gran reloj digital durante una cuenta regresiva de 18 minutos. A la hora cero, en la oscuridad de la sala, la famosa drag queen neoyorquina Lady Bunny aparece en la pantalla cantando una canción disco: la banda sonora del fin del mundo.

Petrit Halilaj
El artista albanés Petrit Halilaj, galardonado con una mención especial del jurado, con ¿Te das cuenta de que hay un arcoíris incluso si es de noche? Llena la Corderie con esculturas hechas de alfombras y tejidos de la tradición balcánica que reproducen polillas gigantes. El insecto nocturno es el símbolo del cambio, de la revelación de la propia identidad y, al mismo tiempo, una declaración de amor por la patria.

El Pabellón de las Tradiciones
El Pabellón de las Tradiciones reúne a artistas involucrados en la protección y actualización del conocimiento artesanal. Hay una serie de artistas interesantes que exploran no solo la historia reciente, sino también un pasado más lejano, profundizando en referencias históricas en un afán de legitimidad, renacimiento y reinvención.

Teresa Lanceta
Teresa Lanceta reinterpreta el bordado marroquí creando superficies en lana y algodón enriquecidas con tejidos muy coloridos y formas geométricas: el tejido, resultado del trabajo colectivo, es la traducción material y tangible de la memoria ancestral.

Francis Upritchard
La tela, la verdadera estrella de esta Bienal de Arte, es también el soporte predilecto de Francis Upritchard, quien tapiza sus esculturas con vestimentas étnicas de excelente calidad y corte impecable: monjes islámicos, actores del teatro Kabuki, arlequines, guerreros maoríes y nativos americanos. . La colección antropológica de Upritchard subraya cómo el acto de coleccionar significa, en realidad, el miedo a ser olvidado en un mundo globalizado que se traga las culturas antiguas.

El Pabellón de los Chamanes
El Pabellón de los Chamanes, como el siguiente dedicado a lo dionisíaco, está impregnado del poder mágico y espiritual, catártico del arte.

Ernesto Neto
La instalación Um Sagrado Lugar del brasileño Ernesto Neto es una majestuosa cortina suspendida caracterizada por un tejido orgánico entrelazado en voile de algodón teñido en colores naturales que llena todo el espacio de la Corderie. El trabajo es un momento de compartir: se invita a los visitantes a entrar y aprender los rituales de los indios Huini Kuin de la selva amazónica. Recuperar la conciencia de los pueblos indígenas y el transmisticismo expresado en ceremonias sagradas de sanación se convierte en la cura de las dolencias de la sociedad contemporánea.

El pabellón dionisíaco
La dimensión sobrenatural se evoca en el Pabellón Dionisíaco, donde lo sagrado y lo profano se mezclan elegantemente en una serie de obras que investigan la provocación erótica y la blasfemia en el arte.

Pauline Curnier Cardin
Pauline Curnier Cardin retrata a Bernadette como no tan santa en la hilarante instalación de video Grotta Profunda, Approfundita.

Mariechen Danz
Mariechen Danz crea un espacio inquietante, donde la esencia dionisíaca del desmembramiento del cuerpo, como en el trágico mito del dios griego, se convierte en un momento de reflexión sobre el eterno cambio de la naturaleza y la geografía, la fugacidad de las cosas y la expresión sin fin. de idiomas.

Huguette Caland
En cambio, la obra de Huguette Caland es muy irónica; crea ropa de mujer con un estilo poético y lúdico y astutas alusiones sexuales.

El pabellón de colores
El Pabellón de Colores fue concebido por Christine Macel como el resumen de todos los pabellones anteriores, antes del último capítulo. El Pabellón de Colores es una explosión de luz, un fuego artificial, como lo describió la propia Macel.

Sheila Hicks
La escultura de gran tamaño en fibras naturales y sintéticas Scalata al di là dei terreni cromatici / Escalade Beyond Chromatic Lands de la estadounidense Sheila Hicks domina la escena: un conjunto proteico con colores vivos ilumina la Corderie, invitando a los visitantes a tocar las telas, inclinarse y para interactuar entre sí. La obra de Hicks es una mezcla de diseño, arquitectura, arte y performance espontánea producida por voluminosas madejas que expresan un «tejido imparcial», para citar a Hicks, capaz de activar, solo por ser imperfecto, nuestro niño interior.

El pabellón del tiempo y el infinito
La metafísica del arte es el tema central del Pabellón del Tiempo y el Infinito. ¿En qué época vivimos es la pregunta que se hacen los artistas aquí reunidos: un presente continuo, un pasado que se repite o un futuro cercano que contiene hechos y recuerdos reales?

Edith Dekyndt
Edith Dekyndt con su performance-instalación One Thousands and One Night intenta capturar el infinito del tiempo: una alfombra de polvo iluminada por un rayo de luz en movimiento es barrida constantemente por una escoba para asegurarse de que las fugaces e impalpables partículas de polvo permanezcan siempre iluminado. Pero el tiempo no se puede detener.

Liliana Porter
Liliana Porter crea una escena muy poderosa en El hombre con el hacha y otras situaciones breves, Venecia 2017, donde una figura en miniatura de un hombre con un hacha parece iniciar una cadena de eventos desastrosos que involucran a pequeña y gran escala. Tiroteos, persecuciones, jarrones rotos, pianos que caen desde arriba: ¿dónde empieza y acaba la acción?

Liu Jianhua
La poesía de las gotas de cerámica dorada sobre placas de metal negro impregna toda la sala dedicada al artista chino Liu Jianhua, quien con Square reduce las formas a lo esencial y congela en estado sólido la materia líquida deteniendo la transformación físico-química.

Alicja Kwade
La artista polaca Alicja Kwade crea una arquitectura laberíntica en acero y vidrio para su WeltenLinie, donde esculturas de diferentes materiales (piedra, bronce, aluminio y madera) se suceden, se reflejan y se transforman entre sí, confundiendo a los visitantes y haciéndolos incapaces de reconocer su posición y la lógica del laberinto: el continuo espacio-tiempo sigue las reglas de un límite que tiende inexorablemente al infinito.

Los muelles
En los muelles reales, junto al agua, encontrará Pars Pro Toto de Alicja Kwade, compuesto por varias piedras naturales circulares que se extienden para formar su propio universo. Y el vecino Giardino Delle Vergini, la exposición termina con unos proyectos muy bonitos.

Está el histórico video de Bas Jan Ader Broken Fall, el pequeño jardín de esculturas de Erika Verzutt aludiendo a un lugar de enterramiento para mascotas, la hermosa pieza sonora de Hassan Kahn Composition for a Public Park, un legítimo ganador del Silver Lion, y un hermoso proyecto del artista daguestaní Taus Makhacheva .

Lo único físico que encontrará de este último proyecto es una pequeña etiqueta que dice que hay una actuación en las coordenadas 45 ° 23’30.8 «N 12 ° 24’47.7» E, donde varios artistas aparecen y desaparecen en un bote volcado transportado desde el Mar Caspio de Daguestán al mar abierto frente a la Laguna de Venecia.

Bienal de Venecia 2017
La 57ª Bienal de Venecia fue una exposición internacional de arte contemporáneo celebrada entre mayo y noviembre de 2017. La Bienal de Venecia se lleva a cabo cada dos años en Venecia, Italia. La directora artística Christine Macel, curadora en jefe del Centre Pompidou, comisaró su exposición central, «Viva Arte Viva», como una serie de pabellones interconectados diseñados para reflejar la capacidad del arte para expandir el humanismo.

El curador también organizó un proyecto, «Desempacando mi biblioteca», basado en un ensayo de Walter Benjamin, para enumerar los libros favoritos de los artistas. Macel fue la primera directora francesa desde 1995 y la cuarta mujer en dirigir la Bienal. La tendencia de presentar artistas pasados ​​por alto, redescubiertos o «emergentes muertos» fue un tema de la 57ª Bienal.

La Bienal de Venecia es una exposición bienal de arte internacional que se celebra en Venecia, Italia. A menudo descrita como «las Olimpiadas del mundo del arte», la participación en la Bienal es un evento prestigioso para artistas contemporáneos. El festival se ha convertido en una constelación de espectáculos: una exposición central comisariada por el director artístico de ese año, pabellones nacionales organizados por naciones individuales y exposiciones independientes en toda Venecia. La organización matriz de la Bienal también organiza festivales regulares en otras artes: arquitectura, danza, cine, música y teatro.

Fuera de la exposición internacional central, las naciones individuales producen sus propios espectáculos, conocidos como pabellones, como su representación nacional. Las naciones que poseen sus edificios de pabellón, como los 30 ubicados en el Giardini, también son responsables de sus propios costos de mantenimiento y construcción. Las naciones sin edificios dedicados crean pabellones en el Arsenal de Venecia y palacios en toda la ciudad.

La Biennale di Venezia fue fundada en 1895. Paolo Baratta ha sido su presidente desde 2008, y antes de 1998 a 2001. La Biennale, que se encuentra a la vanguardia de la investigación y promoción de las nuevas tendencias del arte contemporáneo, organiza exposiciones, festivales e investigaciones. en todos sus sectores específicos: Artes (1895), Arquitectura (1980), Cine (1932), Danza (1999), Música (1930) y Teatro (1934). Sus actividades están documentadas en el Archivo Histórico de Arte Contemporáneo (ASAC) que recientemente ha sido completamente renovado.

En todos los sectores ha habido más oportunidades de investigación y producción dirigidas a la generación más joven de artistas, en contacto directo con profesores de renombre; esto se ha vuelto más sistemático y continuo a través del proyecto internacional Biennale College, que ahora se ejecuta en las secciones de Danza, Teatro, Música y Cine.