Desde la última parte del siglo XV, Venecia tenía un ambiente artístico distintivo, próspero e influyente. Comenzando con el trabajo de Giovanni Bellini (c. 1430–1516) y su hermano Gentile Bellini (c. 1429–1507) y sus talleres, los principales artistas de la escuela veneciana incluyeron Giorgione (c. 1477–1510), Tiziano (c 1489–1576), Tintoretto (1518–1594), Paolo Veronese (1528–1588) y Jacopo Bassano (1510–1592) y sus hermanos. Considerada por la primacía del color sobre la línea, la tradición de la escuela veneciana contrastaba con el manierismo que prevalecía en el resto de Italia. El estilo veneciano ejerció una gran influencia en el desarrollo posterior de la pintura occidental.
Característica
Los motivos principales son imágenes sacras, pinturas históricas, pinturas de género, retratos de retrato y vedutas de la ciudad.
Un rasgo característico es el novedoso enfoque de la luz y el color. Aquí viene la plasticidad de vuelta. Absolutamente prevalentes, especialmente en los últimos siglos, fueron edificios y paisajes urbanos de la ciudad comercial de Venecia.
«Lo típico de las escuelas de pintura venecianas es el juego sensual de las formas, la gran importancia del color y un extraordinario sentido de la luz, que le da a los paisajes algo poético y elegíaco».
– Michelin: la pintura veneciana: un mundo de luz y color.
Desarrollo temprano
A principios del siglo XV, el arte veneciano estuvo dominado por los estilos anteriores que surgieron de sus vínculos bizantinos, como lo demuestra la obra de la familia Vivarini. Desde finales del siglo XV, la pintura veneciana se desarrolló a través de vínculos con Andrea Mantegna (1431–1506) (de la cercana Padua) y de una visita de Antonello da Messina (c. 1430–1479), que introdujo la técnica de pintura al óleo de la antigua Netherlandish. Pintura, probablemente adquirida a través de su formación en Nápoles. Otro factor externo fue la visita de Leonardo da Vinci, que fue particularmente influyente en Giorgione.
Durante su larga carrera, a Bellini se le ha acreditado la creación del estilo veneciano. De sus trabajos anteriores, como su Madonna of the Small Trees (c. 1487) que refleja en gran medida el enfoque lineal de Mantegna, más tarde desarrolló un estilo más suave, donde se utilizan colores brillantes para representar la forma y sugerir una bruma atmosférica. Aplicando este enfoque en su Retablo de San Zaccaria (1505), el alto punto de vista, las figuras despejadas e interconectadas dispuestas en el espacio, y los gestos sutiles se combinan para formar una imagen tranquila pero majestuosa. Con tales obras, se le ha descrito como que alcanzó los ideales del Alto Renacimiento y, ciertamente, expresa los factores distintivos clave de la escuela veneciana.
Historia
El siglo XIV: el nacimiento de la pintura veneciana.
La presencia continua en el corazón de Venecia, los mosaicos de la Basílica de San Marcos, que cayeron bajo la tradición pictórica bizantina (siglo XIV), expuestos ante los ojos de los pintores, los efectos de color de los azulejos de fondo dorado y los platos de colores brillantes que brillaron en los volúmenes. De la basílica y con la luz cambiante. Ciertamente fue, en todo momento en Venecia, un fuerte estímulo para que los pintores trabajasen sobre los colores y la pintura: ¿cómo transponer estos efectos a la pintura?
A principios del siglo XIV, los pintores venecianos se están abriendo cada vez más a la pintura del continente, especialmente el movimiento gótico del norte de Europa. Paolo Veneziano es el primer pintor veneciano cuyo nombre conocemos como artista. Fue el primero en desarrollar un lenguaje pictórico personal, en equilibrio entre el arte bizantino y los nuevos temas de la pintura gótica, como aquí, la coronación de la Virgen. Las partes del cuerpo representadas están pintadas según la tradición bizantina de la época: después de una preparación en blanco (Bizantina: leucos), sobre un fondo oscuro (marrón-verde, Bizantina: sankir), los colores aplicados son cada vez más claros. Para terminar con el blanco. La precisión del trabajo es un conocimiento en miniatura que produce un efecto tapiz. Los motivos florales de la ropa de Cristo y la Virgen reproducen telas de seda bordadas inspiradas en el bordado chino o la cerámica china: un comercio por el camino de la seda que reanudó su crecimiento con la dinastía Yuan, todavía en el poder en ese momento en China que terminó precisamente en venecia Además, los patrones en ondas de tejido, entre Cristo y la Virgen María, parecen ser motivo para una caligrafía elegante, como se practicó en Italia durante varios siglos antes y durante el Renacimiento.
El siglo 15
Bartolomeo y Antonio Vivarini, Jacopo Bellini
El inicio del Quattrocento está marcado en Venecia por la obra de Jacobello del Fiore a partir de 1400 y el paso de Gentile da Fabriano alrededor de 1410. El estilo de estos pintores es gótico internacional: multiplicación de áreas de colores diferenciados, acentuados por adornos distintos, y marcos tallados que refuerzan las diferentes partes de los polípticos. La opulencia de las decoraciones suntuosas y brocadas, poses gráciles y repetitivas: «la imagen es brillante, celestial, por su lujo sumerge a los fieles en admiración y, por lo tanto, en devoción. El prestigio de la pintura se utiliza al máximo para seducir a los ojos y, A través de ellos, el espíritu y el alma del espectador «. Bartolomeo Vivarini, pintura en la Basílica San Zanipolo, un políptico dedicado a San Agustín (1473) aún profundamente gótico, muestra cierto pictórico expresionista: espacio sin profundidad, economía de colores reducida a contrastes francos (negro-blanco-rojo) , muy pocos adornos. Carlo Crivelli. Después de completar su entrenamiento en el estudio de Antonio Vivarini y Giovanni d’Alemagna, continuó su carrera en Las Marcas con una pintura integrada precisamente con la arquitectura del flamante gótico, internacional y su decoración.
Pero en 1446, en Venecia, esta fragmentación decorativa del espacio ya no está en la agenda, sino todo lo contrario. Para Antonio Vivarini y Giovanni d’Alemagna, en el tríptico de la Academia, el espacio está unificado en los tres paneles. En este punto, la pintura crea una innovación en la pintura de polípticos en Venecia. La pintura solo sigue parcialmente el pequeño tratado de Leon Battista Alberti sobre pintura, publicado en 1435, que codificaba algunos de los principios fundamentales que sus amigos florentinos habían explotado durante el primer cuarto del siglo XV. Siglo: el punto de fuga está situado en el eje vertical medio de la pintura, el de la Virgen y el Niño. El mensaje transmitido por este punto de fuga es claro: la Virgen y el Niño esperan nuestra llegada, la mirada hacia este punto de fuga es solo un vector. Este tríptico de la Academia es también una de las pinturas venecianas sobre lienzo más antiguas que han sobrevivido: los frescos de Venecia no se conservaron debido a las paredes húmedas y las condiciones climáticas. El lienzo podría, como en el norte de Europa, hacer posible preservar la pintura manteniéndola separada de la pared. Una gran cantidad de frescos tuvieron que ser reemplazados por pinturas sobre lienzo, las pinturas en los paneles se limitaron a formatos más modestos. Este soporte, el lienzo, el grano cuidadosamente cubierto con recubrimientos blancos, lijado en el momento de Antonio Vivarini, fue para dar libertad a los pintores venecianos, desde Carpaccio, alrededor de 1480, para introducir muchos más efectos de pintura en el grosor de la capa pictórica. Sobre el grano del lienzo, grueso, con un tejido visible. Está preparada por la oscuridad del siglo XVI.
Gentile y Giovanni Bellini, Giovanni Battista Cima da Conegliano
Durante este primer Renacimiento hay muchos intercambios entre ideas que circulan en Europa y talleres venecianos. Así, en una corriente de pensamiento que también será la de Leonardo más adelante en el siglo, Iacopo Bellini, un gran dibujante de alrededor de 1440, introduce un gusto por los detalles estudiados en el lugar y reemplaza la proliferación decorativa con una multitud de detalles observados: retratos Animales y objetos familiares, toda la naturaleza es estudiada con la mayor precisión durante este período. Encontramos huella en los detalles del Éxtasis de San Francisco de: Giovanni Bellini, alrededor de 1480. La pintura al óleo, de origen flamenco y su naturalismo, era conocida y admirada en Italia. Pero en 1475-1476, Antonello da Messina, hizo un viaje a Venecia, donde el fundido de su pintura al óleo y el espacio libre que introdujo en la pintura devocional había sido especialmente notado 10. Giovanni Bellini aprovechará este material pictórico alrededor de 1480 para desarrollar todos los efectos de fusión y transparencia en la representación de los efectos atmosféricos y la armonía del color propios de un momento del día, ya que percibimos más que en cualquier otro lugar a la luz de Venecia y su laguna. Esta atención a la armonía, tanto en la pintura religiosa como en la naturaleza, refleja los reflejos que se desarrollan en la Universidad de Padua con la asociación de la Virgen María con la generosidad de la naturaleza. Desde sus primeras grandes pinturas al óleo (como en L’Ecstasy de San Francisco), Giovanni Bellini introduce un nuevo brillo atmosférico en el paisaje natural mediante esmaltes al óleo sobre la tempera. Estos glacis muy transparentes facilitan así el acuerdo general de colores según la unidad de la luz, y en el éxtasis de San Francisco, la luz del alba.
En aquel entonces, los territorios adyacentes o incorporados progresivamente a la República de Venecia, para ofrecer a todos los artistas la oportunidad de contactos culturales, como con los humanistas de la corte de Ferrara. Sus investigaciones sobre la perspectiva geométrica, especialmente las de Leon Battista Alberti, llegarán a Jacopo Bellini, un apasionado de los dibujos arquitectónicos en perspectiva, y lo transmitirán a su estudio, especialmente a su hijo Giovanni. El yerno de Jacopo Bellini, Andrea Mantegnahe, también era un apasionado de la geometría de la perspectiva, un artista de Paduan y no veneciano, pero muy cerca del Bellini, que se encuentra en las esculturas florentinas Donatello en Padua (especialmente el monumento ecuestre en Gattamelata ) el gusto bastante «renacentista» de los monumentos antiguos, su decoración, y compara lo que el artista pudo observar en el modelo vivo, natural, y en el modelo, idealizado. El retablo de San Zenón en Verona, de 1559, es la forma más explícita. Mantegna demuestra que asimila el mundo antiguo contemporáneo de la vida de Cristo y su representación en perspectiva para el espectador moderno. Esto es lo que hace en sus dibujos, sus pinturas y sus cuadros en relieve, pero también realizando los primeros grandes grabados en intaglio, un trabajo meticuloso y que, dibujados en grandes números, circulaban más allá de los Alpes, en manos de Durero. La arquitectura representada en relieve en el marco del políptico de Verona se extiende por su representación en perspectiva dentro de la pintura. Encontramos este pasaje entre el espacio del espectador y el espacio de la representación sagrada, como una ventana abierta, en el retablo instalado en San Zaccaria en 1505 por Giovanni Bellini. Éste había sido capaz de sintetizar todos estos movimientos en la cultura y la práctica de los pintores del siglo XV. Era, pues, el pintor más admirado de Venecia.
Carpaccio
Muy temprano, antes de 1502 Vittore Carpaccio (c. 1460-1526) había establecido el estilo y establecido su universo poético. Su pintura, muy diferente a la de sus contemporáneos, se mantuvo alejada de las grandes corrientes de la revolución pictórica en Venecia.
Influido por la pintura flamenca, es uno de los primeros en utilizar la omnipresencia de la arquitectura, las decoraciones venecianas interiores y los paisajes urbanos utópicos que prefiguran un género, el vedute (paisajes urbanos en la misma Venecia y en la laguna). Tratará invariablemente de manera seria e ingenua, a veces pintoresca, la realidad veneciana, al margen del modo pictórico de su tiempo. Obtuvo numerosos contratos de Scuole, organizaciones benéficas y fraternidades de beneficencia que emplearon a artistas para decorar sus locales. El gusto de Vittore Carpaccio por las historias podría desarrollarse libremente en el ciclo de pinturas dedicadas a los episodios de la vida de Santa Úrsula, destinados a la Scuola di Sant’Orsola.
Colaboró con Gentile Bellini y otros dos representantes de la tradición narrativa veneciana, Lazzaro Bastiani y Giovanni di Niccolò Mansueti, en el ciclo de pintura para la Scuola Grande di San Giovanni Evangelista. Entre 1501 y 1503 ejecutó para la Scuola di San Giorgio degli Schiavoni, dedicada a San Jorge y San Trifón, dos grandes pinturas que representan a San Jorge y el dragón, las dos pinturas de San Jerónimo y el león y el funeral de San Jerónimo, así como La Visión de San Agustín. En este último cuadro, Carpaccio representa el lugar de trabajo de un humanista cultivado alrededor de 1500.
Finales del siglo XV – XVI, Renacimiento italiano en Venecia.
Disegno, colorito y sprezzatura.
«Los venecianos no usan el término color; prefieren el de colorito o colorire» (una forma del verbo): «El colorito es en realidad un proceso aditivo, construyendo gradualmente la pintura, desde el lienzo que sirve de fondo, preparado en Oscuro, a modificaciones finales, obtenido por glacis «. Este concepto no considera el color «que sale del tubo», sino el proceso que utiliza, a través de los juegos de pinceles y otras herramientas de pintor, materiales pictóricos más o menos coloreados, opacos o transparentes. En este proceso, la idea, la invención, que se concreta en los dibujos, disegni, continúa convirtiendo la mimesis en una obligación del arte, tal como lo instituyeron los pintores del Renacimiento florentino en el siglo anterior. Pero, para los pintores venecianos, la imitación de la naturaleza debe ser en términos de color y tono, en términos de valor de color, más o menos claro u oscuro. «La imitación en la pintura debe estar basada en el color y no en la línea». Y la fase de dibujo, inicialmente en papel, incluso si se coloca directamente sobre el lienzo con un pincel, continúa durante la pintura.
El dibujo veneciano, untado con tiza negra o carbón mucho mejor que una pluma o tiza, es un subconjunto del «color», en el sentido de colorito. «Si van a cumplir los propósitos miméticos de la pintura, los colores ya no pueden mantener su pureza intrínseca, como tampoco el contorno puede preservar su integridad física». Por eso, en Venecia, asistimos a la disolución de las formas en el momento en que en Florencia, como en Roma, el arte se jacta de haber alcanzado el dominio de los contornos cerrados: la perspectiva matemática, la anatomía que garantiza la base fundamental, ideal y definitiva. de la pintura. Mientras que en Venecia la pintura se construye deshaciéndose para reconstruir mejor. Dibujando de nuevo con el pincel, las ideas se desarrollan durante el proceso pictórico, las figuras se mueven, a veces desaparecen, surgen patrones imprevistos que transforman la idea. En estos juegos de pincel Paolo Pino considera que «la velocidad de la mano es una cosa muy importante», acercándose a una estética de «facilidad». Proclama que la instalación, sugerida por un estilo casual y elegante, la sprezzatura, es el primer criterio en todas las artes y el más difícil de alcanzar: el arte que consiste en ocultar el arte.
La revolución del color y el retrato en Venecia.
Alrededor de 1508, el estilo de Giorgione se encuentra en un punto de inflexión en el que el grano extremadamente fino de claroscuro no ignora el desfumato de Leonardo da Vinci, que pasó a Venecia en los primeros meses de 1500. La pintura de Leonardo continuó enriqueciéndose con una sombra creciente. estaba en el apogeo de su gloria, por lo que fue observado, incluso a distancia, por todos los pintores. El nuevo estilo de Giorgione también se ve afectado por un mayor naturalismo en relación con la reciente confrontación ofrecida por el trabajo de retratos de Durero durante su estancia en Venecia. El nuevo estilo de Giorgione se manifiesta en el retrato hecho por el hombre del Museo de San Diego de una vaporosa unión de colores en los fondos, con esta luz difusa, y esta masa localmente compacta y gruesa que flota en el cabello y da la sensación del material. .
En cuanto a la representación de vastos paisajes naturales, los de la tormenta y muchos otros, parece inspirarse en Leonard al universalizar los fondos de Bellini y Cima da Conegliano. Los grabados de Durer, donde la naturaleza está muy presente, como la Fiesta del Rosario (Venecia, 1506) con sus árboles individuales también han estimulado la emulación entre los pintores venecianos, no solo Giorgione.
Alrededor de 1520, Tiziano abandona el misterio contemplativo de Giorgione y presenta con seriedad la realidad natural, el estatus social y la psicología de su modelo. El hombre con un guante refleja una nueva concepción de la relación individual y sin precedentes entre el pintor y su modelo. El pintor de Venecia toma el claroscuro al modularlo gracias a los efectos de transparencia de las partes inferiores, pero especialmente gracias a los acuerdos de los tonos de superficie (la pintura tonal) donde aparece un color gris. Además de fusionar matices, el pintor veneciano despliega todo un empaste de luces en el juego (con algunas luces blancas en el foco) y barniza sombras transparentes.
La segunda mitad del siglo XVI: nuevas prácticas de color.
Fue durante este período, en la segunda mitad del siglo XVI, que las características más llamativas del arte veneciano alcanzaron la madurez. Tenemos la expresión más clara en las obras de Tiziano después de 1551, las de Veronese, Tintoret y Jacopo Bassano con su práctica del material pictórico y su libertad de facturación, el juego del pincel afilado y espontáneo.
En 1551, después de un breve período en Italia (Retrato del papa Pablo III Farnese, 1543) y Roma, Tiziano se estableció en Venecia para permanecer allí hasta su muerte en 1576. El estilo de sus últimos años refleja la esencia del arte pictórico veneciano. Luego hizo pinturas para su patrón principal, Felipe II de España, con, entre otras cosas, extractos de Metamorfosis de Ovidio: Diana y Acteón y Diana y Calisto. En este momento, Tiziano retrabajó sus pinturas durante períodos muy largos (diez años para la Crucifixión de la sacristía del Escenario, multiplicando los efectos de la pintura por líneas de grano muy aparente, a veces trazadas con la punta de los dedos, y explora todas las posibilidades de no finito, es decir, una pintura que requiere un trabajo del espectador cuando «termina» la pintura combinando las formas evocadas por la pintura (colorito) que queda en el estado de colores arremolinados, «una llama de fuego». Ninfa y el pastor, e incluso La tortura de Marsyas se juzga terminada por el pintor que colocó su firma entre 1570 y 1576. La magia de sus juegos de pintura, en una superficie sin efecto de perspectiva, convertida en bidimensional tendrá una influencia decisiva En el curso de la historia de la pintura moderna.
Las figuras más importantes de la próxima generación de Tiziano son Tintoretto (1518-1594) con la destacada colección de pinturas de maestros sobre el tema Vida, Pasión y Muerte de Jesús en la Scuola Grande de San Rocco, luego Paul Veronese (1528-1588 ) y Jacopo Bassano (1515-1592). Los tres están influenciados por el último camino de Tiziano, aunque éste se opone. También interpretan el manierismo de la Italia central, pero a menudo introducen, y especialmente durante sus últimos años, los poderosos efectos de la luz y la sombra, un luminismo que también afecta a muchos lugares de creación pictórica, de los cuales el norte de Europa y el norte de Italia Lombardía. Es esta tradición la que reanuda Caravaggio y se amplificó hasta el tenebrismo en el siglo XVII.
Paul Veronese, nacido en Verona, está en Venecia desde 1555. Si el color es la esencia del arte veneciano, entonces Veronese es una figura característica. En el sentido en que queremos decir «color» hoy, como el color del espacio, los colores son generalmente claros y combinados armoniosamente de acuerdo con los principios que corresponden al juego de complementos y los efectos de contrastes simultáneos, como fue evidente en Delacroix 35 que detalla las pinturas de Veronese con sorpresa. Pero debemos volver a la palabra ‘color’ el significado que tenía en ese momento: los efectos del tono, el valor y la intensidad, así como el material pictórico trabajado por el pincel, el dedo y la tela, incluso con cualquier instrumento que permita raspar La pintura fresca y más o menos endurecida. En cuanto al uso de tonos oscuros que Giorgione usa a principios de siglo en un deshielo, Tiziano, Veronese, Tintoret y Bassano practican esta gama de colores pero con efectos de material pictórico vigoroso, por frotis cargados con más o menos claro y opaco. en fondos oscuros. Como ejemplo, las pinturas de Veronese incluyen: La conversión de San Pantaleón y San Pantaleón curando a un niño, entre otros, comisionado en 1587. Al igual que en las últimas pinturas de Bassano, Tiziano y Tintoretto, estas escenas, a menudo nocturnas, viven con el Movimientos del pincel sobre el lienzo con grumos, en tonos oscuros y rayas claras.
El siglo xvii
Las opiniones están divididas sobre la pintura veneciana en el siglo XVII, muchos lo ven como un período o actividad creativa que disminuye, disminuye. La primera parte del siglo vio perpetuar la tradición establecida a finales del siglo XVI. Palma el Joven es seguramente el artista más interesante desde este punto de vista, antiguo alumno de Tiziano, que pinta más al estilo de Tintoretto y Jacopo Bassano.
Varios artistas, que no son venecianos pero residen en Venecia, mantienen un cierto nivel de creatividad: Domenico Fetti (Roma 1589- Venecia 1624), Johann Liss (Alemania 1595- Venecia 1630) y Bernardo Strozzi (Génova 1581- Venecia 1644). Estos artistas perpetúan a su manera la tradición pictórica de la ciudad. Domenico Fetti conserva algunos efectos del caravagismo, para acercarse entonces al arte veneciano. Las soluciones de Bernardo Strozzi para la puesta en escena de retratos serán utilizadas por artistas del siglo siguiente: Ghislandi e incluso Giambattista Tiepolo. En cuanto al estilo de Francesco Maffeiat de finales de siglo, recuerda el de Veronese con efectos mucho más contrastantes.
Desarrollos posteriores
Aunque a veces se clasifica a Tintoretto como artista manierista, también incorpora aspectos venecianos e individualistas. En su Milagro del esclavo (1548), las características manieristas incluyen la escena abarrotada, el enlace retorcido de figuras (como en las figuras centrales, desde el esclavo escorzado en el suelo hasta la figura milagrosa de San Marcos en el cielo, a través de La figura con turbante, túnica gris), y el drama en los gestos y poses. Pero la coloración mantiene los cálidos rojos, dorados y verdes de la escuela veneciana, y las figuras están dispuestas en un espacio tridimensional real, en contraste con las composiciones más comprimidas de muchas obras manieristas, y con su pantalla intensamente teatral, como un escenario. Su pintura es precursora del barroco.
Siguiendo a Tintoretto llegaron Paolo Veronese y el Bassano. Estos son algunos de los más destacados en la gran cantidad de artistas de la tradición veneciana, muchos de ellos originarios fuera del territorio de la República.
Éxito internacional de la pintura veneciana.
En los siglos siguientes, 15, 16, 17, la pintura veneciana se hizo muy apreciada y demandada internacionalmente, particularmente en los tribunales y señores imperiales.
Giorgione está activo en la región del Véneto, que Vasari ubica como alumno de Giovanni Bellini, de la que adquiere el gusto por el color y la atención a los paisajes. Estaba muy cerca de los intelectuales vinculados a las familias patricias. De aquí derivan muchas de sus órdenes relacionadas con retratos y obras de pequeño formato. También fascina con su color y sus armoniosos paisajes, que a menudo ocultan o dominan el significado críptico de sus obras: fue el primer contribuyente importante al tonalismo.
De todos, el artista veneciano más famoso y solicitado de la época es, sin duda, el nacido en Belluno Tiziano Vecellio, inicialmente también socio comercial de Giorgione, quien lo influenció de manera decisiva, especialmente en la primera parte de su carrera. Él, además de sus habilidades pictóricas, particularmente en la técnica personal del uso del color, también demostró una habilidad indiscutible para crear una red de conocimiento que a menudo lo hacía preferir a sus contemporáneos para los órdenes más importantes.
El siglo XVI vio la apertura del escenario internacional para la escuela veneciana. Ahora será quien influya en los movimientos de los países del norte, que inicialmente determinaron su nacimiento. Artistas como Jacopo Bassano, Paolo Veronese y Tintoretto se convirtieron en un modelo de inspiración en la escuela pictórica europea de la época. Incluso en arquitectura hay una tendencia similar gracias a Palladio, que será un modelo de inspiración durante siglos en la construcción de edificios en todo el norte.
La influencia veneciana ciertamente continúa a lo largo del siglo XVII barroco: vea a este respecto las obras de Spranger y Elsheimer.
El siglo 18
El siglo XVIII representa el gran proscenio del arte figurativo veneciano. La influencia religiosa disminuye en los temas representados, pero reaparecen los grandes hilos del siglo XVI. La centralidad del hombre y, en particular, de las mujeres y el paisaje se combinan en un entorno a menudo arcadiano. La centralidad cultural de Venecia se puede ver en el hecho de que sigue siendo una necesidad para el Grand Tour. Venecia y París son las capitales del gusto de la aristocracia y de los principales mercados de arte y coleccionismo. El éxito del estilo veneciano reside en la recuperación de los modelos más suntuosos del siglo XVII como Tiziano Vecellio de una manera renovada con los tiempos.Rococo.
La figura que se destaca absolutamente en el período culminante de la escuela veneciana es Giambattista Tiepolo (1696 – 1770) con su entusiasmo histórico narrativo. Padre de los pintores Giandomenico y Lorenzo Tiepolo, su estilo grandioso se caracteriza por ser sofisticado e hiperbólico, en un sentido típico del siglo XVIII; las escenas que crea evocan un mundo infinitamente expandido y ficticio, generado por una paleta cromáticamente brillante y una luz fría e irreal, creada mediante un tono plateado que se refleja en los objetos y en las figuras, que pierden toda la consistencia plástica. Además de los Tiepolos, grandes artistas de decoraciones sagradas y profanas también son Sebastiano Ricci y Giovanni Battista Piazzetta.
El Canal Giovanni Antonio, más conocido como el Canaletto (1697 – 1768), ha sido conocido sobre todo como un paisajista. Sus pinturas, además de unirse en representación topográfica, arquitectura y naturaleza, fueron el resultado de una cuidadosa representación atmosférica, de la elección de condiciones de iluminación precisas para cada momento particular del día y de una investigación realizada con criterios de objetividad científica, en conjunto con el Mayor momento de difusión de las ideas racionalistas de la Ilustración. insistiendo en el valor matemático de la perspectiva, a veces usaba la cámara óptica para pintar sus obras.
Francesco Guardi (1712-1793), a diferencia de Canaletto, no apunta, en sus pinturas, a los resultados de una percepción clara, sino que propone una interpretación de los datos reales, subjetivos y evocadores, creando imágenes de ciudades evanescentes y, a veces, irreales; A veces alcanza una sensibilidad pre-romántica, gracias al escote de las formas y sombras melancólicas.
Junto con Giovanni Antonio Canal y Francesco Guardi, otro famoso vedutista es Bernardo Bellotto (1721-1780), el sobrino de Canaletto, quien fue llamado en toda Europa para pintar las diferentes canchas.
Entre otros artistas del paisaje, Antonio Stom (1688 – 1734), autor de lienzos de gran formato con escenas históricas.
Entre los retratistas no podemos dejar de mencionar a Rosalba Carriera (1675-1757), la primera en utilizar Marfil en miniatura, especialista en la técnica del pastel y aclamada en toda Europa.
En 1797, con la llegada de Napoleón Bonaparte y el final de la República de Venecia, terminó la gloriosa era de la pintura veneciana y veneciana.
Siglo xix
Después del siglo XVIII y la era de Canaletto, Guardi y Tiepolo, el movimiento veneciano encuentra en sí mismos los elementos para una evolución peculiar de la pintura de paisajes.
De particular interés es el trabajo de Pompeo Marino Molmenti y de la nueva generación de pintores que él ayuda a formar. Entre ellos, Domenico Bresolin y su Casa en ruinas son emblemáticos del fin de la era imperial veneciana y la elección de los sujetos humildes, casi en ruinas.
Guglielmo Ciardi, uno de los protagonistas de la pintura veneciana de finales del siglo XIX, pasó la batuta a sus hijos Emma Ciardi y Beppe Ciardi, quienes trajeron sus técnicas en 900. Su padre enseñó a sus hijos cómo era necesario sumergirse en ellos. El paisaje en plein-air. Saborearlo en todos sus matices. Los 3 hacen muchos cuadros que también representan el interior veneciano. Posteriormente, Emma Ciardi obtuvo un gran éxito en el Reino Unido.
Otros artistas venecianos del siglo XIX son Nono, Querena, Nani, Milesi, Selvatico, Favretto que revelan la visión particular basada en la luz y el color de sus obras, con ejemplos de realismo que parecen acompañar el comienzo de la diáspora veneciana y la creciente pobreza de La situación posterior a la unificación, que en pocas décadas llevará a la emigración de casi un Veneto en dos.
El movimiento figurativo en las obras de los pintores venecianos de finales del siglo XIX parece, en este sentido, singularmente paralelo a las evoluciones de los macchiaioli y los impresionistas en Toscana y Francia, en particular para temas basados en el realismo, el color y la luz. El famoso gabinete óptico de Luigi Querena donde el realismo absoluto está dado por un uso convincente del color.
Novecento
El siglo XX se caracteriza por la fundación del Nuevo Frente de las Artes, del cual Emilio Vedova es uno de los fundadores. Venecia, especialmente en la posguerra, está llena de exposiciones, coleccionistas y galerías de arte abiertas en sucesión.
En particular, la Galería Cavallino fundada por Carlo Cardazzo, así como una amiga de Peggy Guggenheim, logra reunir a un grupo de artistas extremadamente talentosos como Mario Deluigi, Virgilio Guidi, Vinicio Vianello, Bruna Gasparini y Bruno De Toffoli. Como Rampin, Tancredi, Licata. Nace el movimiento espacialista. Otros artistas famosos son Arturo Martini, Teodoro Wolf Ferrari y Vittorio Zecchin.
En 1914, la exposición organizada en el Hotel Excelsior en Lido de Venecia por los artistas venecianos «rechazada por la Bienal de Venecia» provocó una gran exposición al exhibir obras de arte de Guido Cadorin, Vittorio Zanetti Tassis, Lulo De Blaas, Bortolo Sacchi y Napoleone Martinuzzi.
El famoso arquitecto y diseñador Carlo Scarpa también nació en este siglo.
El joven mosaico Riccardo Licata se mudó con su madre a Venecia. Aquí se hace amigo de los artistas Santomaso, Vedova, Viani, Turcato, Birolli. Más tarde conoció a otros pintores jóvenes como Ennio Finzi, Tancredi Parmeggiani, Bruno Blenner. Junto con el escultor Giorgio Zennaro, constituye un grupo de tendencias abstractas.
Algunos hitos en la historia del arte.
Según los historiadores del arte, la escuela veneciana de pintura comienza Duecento (siglo XIII) o Trecento (siglo XIV) en un período conocido como Pre-Renacimiento (según el historiador del arte Jacob Burckhardt, este Renacimiento anterior al siglo XI comienza en Toscana y se extendió hasta el siglo siguiente en la Provenza e Italia (mediana) y fue seguido completamente por el Renacimiento temprano en Quattrocento.
Se transforma en un Alto Renacimiento al comienzo del Cinquecento (entre 1500 y 1530), seguido por el Manierismo o el Renacimiento tardío, que va desde 1520 (muerte de Rafael) hasta su finalización rápida en 1580.
El Barroco, que comienza a principios del siglo XVI y XVII, también nació en Italia y continúa hasta el período del Barroco tardío, llamado específicamente rococó (al que sigue el neoclasicismo).
Representantes conocidos
siglo 15
La familia Bellini: Jacopo Bellini (Venecia 1400 – Venecia 1470)
La familia Vivarini: Bartolomeo Vivarini (Venecia ca. 1432 – Italia ca.1495)
La familia Bellini: Giovanni Bellini (Venecia ~ 1425-1433 – Venecia 1516)
La familia Vivarini: El cuñado: Giovanni d’Alemagna (Alemania? 1411 – Padua, República de Venecia 1450)
La familia Vivarini: Antonio Vivarini (Murano 1415 – Venecia 1480)
La familia Bellini: Gentile Bellini (Venecia ~ 1428 – Venecia ~ 1507)
Andrea Mantegna (Vivence, República de Venecia 1431 – Mantua, República de Venecia 1506)
La familia Vivarini: Alvise Vivarini (Venecia ca.1445 – Venecia entre 1503 y 1505)
Lazzaro Bastiani (Venecia 1449 – Venecia 1512)
Cima da Conegliano (Conegliano, República de Venecia 1459 – Conegliano, República de Venecia 1517)
Vittore Carpaccio (Venecia ~ 1460 – Venecia ~ 1526)
siglo 16
Giorgione (Castelfranco Veneto 1477 – Venecia 1510)
Lorenzo Lotto (Venecia 1480 – Loreto, marchas 1546) act. Veneto, Bergamo y las Marcas
Giovanni Gerolamo Savoldo (Lombardía 1480 – Venecia 1548) act. Venecia
La familia de Palma: Palma el Viejo (Serina, Bergamo, Lombardía 1480 – Venecia 1528)
Giovanni Cariani (San Giovanni Bianco, Lombardía 1480-85 – Venecia 1547)
Sebastiano del Piombo (Venecia 1485 – Roma 1547) act. Venecia y ap. 1511 Roma
Tiziano (Pieve di Cadore (provincia de Belluno, Veneto) 1490 – Venecia 1576)
Paris Bordone (Treviso 1500 – Venecia 1571) act. Venecia, Fontainebleau, Milán
Andrea Schiavone (Zadar, Dalmacia 1500-1510 – Venecia 1563) act. Venecia
Battista del Moro (Verona 1512-14 – Venecia v. 1573)
La familia Bassano: Padre Jacopo Bassano (Bassano del Grappa, Veneto 1515 – Bassano del Grappa 1592)
Tintoretto (Venecia 1518 – Venecia 1594)
Paul Veronese (Verona 1528 – Venecia 1588)
La familia de Palma: Palma la Joven (Venecia 1548/1550 – Venecia 1628)
La familia Bassano: Leandro Bassano (Bassano del Grappa 1557 – Venecia 1622)
La familia Bassano: Francesco Bassano el Joven (Bassano del Grappa 1559 – Venecia 1592)
La familia Bassano: Gerolamo Bassano (Bassano del Grappa 1566 – Venecia 1621)
La familia Bassano: Giovanni Battista Bassano o Giovanni Battista da Ponte (Bassano del Grappa 1553 -? 1613)
siglo 17
Marcantonio Bassetti (Verona 1588 – Verona 1630), act. Venecia, verona, roma
Domenico Fetti (Roma 1589- Venecia 1624)
Johann Liss (Alemania 1595- Venecia 1630)
Bernardo Strozzi (Génova 1581- Venecia 1644)
Sebastiano Ricci (1659 Belluno, Veneto – 1734 Venecia)
siglo 18
Rosalba Carriera (Chioggia 1675 – Venecia 1757)
Giambattista Pittoni (Venecia 1687 – Venecia 1767)
Giovanni Battista Piazzetta (Venecia 1683 – Venecia 1754)
Giambattista Tiepolo (Venecia 1696 – Madrid 1770)
Canaletto (Venecia 1697 – Venecia 1768)
Pietro Longhi (Venecia 1701 – Venecia 1785)
Francesco Zugno (Venecia 1709 – Venecia 1787)
Michele Marieschi (Venecia 1710 – Venecia 1743)
Francesco Guardi (Venecia 1712 – Venecia 1793)
Bernardo Bellotto (Venecia 1722 – Varsovia, 1780)
Giandomenico Tiepolo (el hijo de Giambattista) (Venecia 1727 – Venecia 1804)
Legado
La escuela veneciana tuvo una gran influencia de la pintura posterior, y la historia del arte occidental posterior se ha descrito como un diálogo entre el enfoque más intelectual y escultórico / lineal de las tradiciones florentinas y romanas, y el más sensual, poético y placentero. Búsqueda de la colorida escuela veneciana. Específicamente a través de la presencia de Tiziano en España, el estilo veneciano influyó en el arte español posterior, incluido el de Velázquez, y, a través de Rubens, se transmitió más ampliamente a través del resto de Europa.
En el siglo XVIII, la pintura veneciana tuvo un florecimiento final en la pintura decorativa de Tiepolo y en las vistas panorámicas o veduta de Canaletto y Guardi, principalmente de la propia ciudad. La extinción de la República por parte de los ejércitos revolucionarios franceses en 1797 efectivamente puso fin al estilo distintivo veneciano; al menos podría decirse que había sobrevivido a su rival Florencia en ese sentido.