Galería Uffizi, Firenze, Italia

La Galería de los Uffizi es un museo de arte prominente situado junto a la Piazza della Signoria en el centro de Florencia, región de Toscana, Italia Uno de los más importantes museos italianos, es también uno de los más grandes y mejor conocidos en el mundo, y tiene una colección De obras inestimables, particularmente de la época del Renacimiento italiano

Actuales Uffizi formar un complejo que incluye la galería de las estatuas y pinturas (ex Palazzo degli Uffizi), el Corredor Vasari y la colección del Palacio Pitti, se encuentra en Florencia. Este complejo es la cantidad y calidad de las obras completas de uno de los museos más importantes del mundo. Son la colección existente más conspicuo de Rafael y Botticelli, así como los grupos fundamentales de las obras de Giotto, Tiziano, Veronese, Tintoretto, Pontormo, Bronzino, Caravaggio, Durero, Rubens y otros.

Mientras que en el Palazzo Pitti enfocar las pinturas del siglo XVI y el Barroco (que van desde Giorgione a Tiziano, de Ribera a Van Dyck), sino también XIX italiano y del siglo XX, el Corredor de Vasari ahora alberga parte de la colección de auto-retratos (más de 1.700) que pronto se trasladó a la galería de retratos Statue.Fra presente son las de Holbein, Rembrandt, Velázquez, Reynolds, David, Corot, Ingres, Delacroix, Sargent, Chagall, Ensor, etc ..

La Galería de las Estatuas alberga una colección de valiosas obras de arte, que surgen, como el núcleo fundamental, de las colecciones de los Medici, enriquecido durante siglos por legados, donaciones e intercambios, resaltado por un grupo clave de obras religiosas derivadas de la supresión de los monasterios y conventos entre los siglos XVIII y XIX.

Dividido en varias salas creados para las escuelas y estilos en orden cronológico, las exhibiciones de la exposición de obras desde el siglo XII hasta el siglo XVIII, con la mejor colección del mundo de obras del Renacimiento. En el interior se encuentra alojada algunas de las mayores obras maestras de la humanidad, por artistas que van desde Cimabue a Caravaggio, a través de Giotto, Leonardo da Vinci, Miguel Ángel, Rafael, Mantegna, Tiziano, Parmigianino, Durero, Rubens, Rembrandt, Canaletto y Sandro Botticelli. De gran valor son también la colección de estatuaria antigua y en especial la de dibujos y grabados, que se conservan en el Gabinete del mismo nombre, es uno de los más conspicuos e importante en el mundo.

La construcción comenzó en 1560 y llevó a cabo mediante la adopción de la orden dórico, según Vasari, “degl’altri más seguros y más firmes, […] siempre gustado duque Cosme” en 1565 ya había completado la llamada largo de los Uffizi y el tramo sobre el Arno.

El palacio Uffizi se compone de dos cuerpos de fábrica longitudinales principales, conectados al sur de un lado más corto de la completamente análoga, dando así lugar a un complejo de “U”, que abarca un cuadrado y se rompe de forma prospectiva hacia Piazza della Signoria, con un tiro perfecto de Palazzo Vecchio y su torre.

Los tres cuerpos de fábrica tienen la misma forma: en la planta baja una logia arquitrabada cubierta con una bóveda de cañón, que consiste en bahías delimitadas por pilares con nichos y dividido en tres por dos intercolumnios columnas interpuestas entre las columnas; en una forma tal que corresponde a tres aberturas en el falso altillo suprayacente que sirven para iluminar el porche y tres ventanas en el primer piso que presentó la alternancia entre dos aguas triangular y tímpano curvilíneo y están entre pilastras; Finalmente el último piso de un porche reanudó forma tripartita y más tarde se albergaba la “galería” original de los Uffizi.

En la planta baja de un porche recorre toda la longitud de los lados oeste y sur, y el lado oriental hasta via Lambertesca; Criado en un podio de algunos pasos, el pórtico está constituido por columnas dóricas y pilares con nichos para estatuas que soportan un arquitrabe, pero está cubierta por bóvedas de cañón largo, decoradas con marcos rectangulares de socorro, que están conectados entre sí por bandas los diseñadores tienen un patrón geométrico roto y uniforme.

El porche dintel es una gran novedad en la historia de la arquitectura, como las arcadas medievales, y luego el Renacimiento, consistía en una serie de arcos y dinteles nunca, tanto en Florencia (como el pórtico de la Spedale degli Innocenti) , aparte del Palacio del Senado de Miguel Ángel, que es uno de los modelos del proyecto Hamlet.

En las plantas superiores se repite un módulo de tres paneles, tres ventanas con balcones y frontones triangulares respectivamente, circulares y triangulares nuevo (primer plano) y tres aberturas de la logia superior (ahora el segundo piso de la galería), dividido por dos columnas. Los planos están divididos por majestuosos marcos marcapianos. Los elementos arquitectónicos están subrayados por el uso de la piedra (en particular la extraída desde el valle de la plataforma), que se encuentra en el yeso blanco, de acuerdo con el estilo más típicamente florentina iniciado por Brunelleschi.

El lado corto se caracteriza por un gran arco que enmarca un componente serliana escénicamente con vistas al Arno, coronado por una galería, ambos abiertos en la plaza en frente de la Arno que, como telón de fondo teatral real, inspirado por escenografía contemporánea. En la planta baja está la estatua de Juan de las Bandas Negras, una obra de Temistocle Guerrazzi. En el primer piso de las grandes ventanas de arco tienen una retroexcavadora y en frente de la central, la más grande, correspondiente a Verona internamente, hay tres estatuas: Cosimo I de pie en Juan de Bolonia (1585), flanqueado por las personificaciones situadas equidad y Penalidad, ambos por Vincenzo Danti (1566). En los nichos de los pilares del porche fue diseñado para incluir una serie de estatuas de famosos florentinos, la construcción comenzó solamente desde 1835.

Muy original es el portal ( “puerto de Suppliche”) construido por Bernardo Buontalenti través Lambertesca: está coronada por tímpano roto, pero para mayor originalidad Buontalenti invierte las dos mitades, la obtención de una especie de tímpano “a” alas, que recuerda a las señales animalista y orgánica de su arquitectura.

Vestíbulo de la entrada y corredor del este:
El entorno se compone de tres portales se hizo a finales del siglo XVIII, con la finalización de la escalera monumental, el nuevo acceso a la galería, por la voluntad del Gran Duque Pietro Leopoldo. En la primera sala son de mármol y pórfido bustos de los Medici de Francisco I a Gian Gastone; la comunicación con esta es la sala rectangular, decorado en la bóveda de Giovanni da San Giovanni con mitológica Caprichos, están equipados con bustos antiguos y modernos; en el vestíbulo elíptico: estatuas romanas, sarcófagos y antiguos relieves. La puerta que conduce a la galería, flanqueado por dos mastines son perros, copias romanas de la primera dC siglo, está coronado por el busto de Leopold.

Los tres corredores que corresponden a los tres cuerpos del edificio, a lo largo de todo el lado interior y en ellos abren la sal. Están decoradas en frescos techos y las grandes ventanas revelan su aspecto primitivo de la logia abierta cubierta.

Hoy en día los corredores son el hogar de la colección de estatuas antiguas, iniciado por Lorenzo el Magnífico, que mantuvo las obras en el Jardín de San Marcos cerca del Palacio Medici. La colección fue ampliada por Cosimo I después de su primer viaje a Roma en 1560 cuando eligió para asignar las estatuas para adornar Palazzo Pitti y los retratos y bustos del Palazzo Vecchio. Por último, se incrementó incluso en la época de Peter Leopold de Lorena, cuando se pone a Florencia las obras de Villa Medici, se reunieron en su mayoría de un futuro gran Duke Ferdinando I, en el momento cardenal. Es curioso notar que estas obras, que a menudo fueron distraídos por los visitantes, hasta principios del siglo 19 fueron una de las principales razones para visitar la galería. Según algunas fuentes, fue un ensayo de John Ruskin para despertar el interés por la pintura renacentista del museo, hasta ahora prohibida.

Las esculturas son de gran valor y datan de la época romana, con numerosas copias de originales griegos. A veces las estatuas incompletas o rotas fueron restauradas e integradas por los grandes escultores renacentistas. La disposición de las esculturas sigue ahora lo más posible a finales del siglo XVIII, cuando se permitió la comparación entre los maestros antiguos y modernos, a continuación, un tema muy querido, y por lo tanto la función de las estatuas es todavía origen esencial y muy distintivo y función histórica de la galería.

El primer corredor, siempre es al techo este, ricamente decorado con citas grotesca de nuevo a 1581, mientras corre hasta el límite del techo, una serie de retratos, la serie de Júpiter, intercalados con pinturas de mayor tamaño de los principales exponentes de la familia Medici, Aulica serie iniciada por Francesco I de ‘Medici, con retratos de Giovanni di Bicci a Gian Gastone. Las pinturas de las series Giovinas y Aulica, que continúan en el corredor del Arno y al oeste de la Galería, son una de las colecciones más grandes y completas de retratos del mundo.

Los retratos pictóricos contradicen la serie de bustos romanos, ordenados cronológicamente a finales del siglo XVIII para cubrir toda la historia imperial.

Entre las obras estatuarias más importantes se encuentran Hércules y Centauro, de un original tardío-resucitado, incrustado en la figura del héroe por Giovan Battista Caccini en 1589; un rey bárbaro, compuesto en 1712 del antiguo busto solamente; Pan y Daphni, de un Hododorus original de Rodas del principio del 1r siglo AC; el sátiro del baile o el bambino de Bacco, de un original helenístico, restaurado en el décimosexto siglo. Más tarde, se encuentra una estatua de Proserpina, un original griego del siglo IV aC, la antigua copia del Papa de Skopas (siglo IV aC). A los lados de la entrada de la tribuna hay un Hércules, un original de Lysipus, y un busto de Adriano perteneciente a Lorenzo el Magnífico. En la última parte del corredor se encuentran dos Venus, originales del siglo IV aC y un Apolo helenístico, que estaba a la entrada de la Villa Medici e invitó, con su brazo derecho de restauración, el acceso a la casa, como si fuera el propio reino de Dios.

Sala 1 Arqueológico:
La sala fue creada en 1921, en la que las obras se realizan en su mayoría de Roma. Entre los relieves están un Biga (V-IV siglo AC) y el adorno de Atena Nike (restaurado en el siglo XVIII por Bartolomeo Cavaceppi). Pertenecen al género “plebeya” arte romano los dos relieves con escenas de taller, el primer siglo dC Las almohadillas Ara Pacis son moldes:. Los Medici poseía la losa original de Saturnia Tellus, que en 1937 regresó a Roma para recomponer el monumento. La edad de Augusto también son fragmentos de espirales pilastra, mientras que los lados son dos relieves de querubines, uno con Jupiter atributos (relámpago) y uno con los de Marte (la armadura) se parte de una serie muy famoso en la Edad Media, a la que Donatello se inspiró en la cantata de Santa María del Fiore.

El templo veneciano y la escena del sacrificio provienen de un friso adriático del siglo II. El sarcófago con la fatiga de Hércules se caracteriza por un contraste luminoso aumentado, por el trabajo de perforación; las diferentes edades de Hércules representan aluden a los períodos de la vida.

Sal de la Edad Media:
Los teatros de 2 a 6 están dedicados al arte medieval. Con la primera, el siglo XIII y Giotto, se introducen los pasillos centrales “primitivos”, creado en 1956 por Giovanni Michelucci, Carlo Scarpa e Ignazio Gardella, que cubría la habitación con un techo de vigas, imitando las iglesias medievales. La habitación tiene un gran impacto por la presencia de tres Majestad monumental de Cimabue, Duccio di Buoninsegna y Giotto, pintado a pocos años de distancia. En la Santa Trinidad Majestad del 1285-1300 Cimabue trató de emanciparse por los estilos bizantino, en busca de un mayor volumen y plástico relieve, con una dulzura sin precedentes de gradiente; opuesta es la pala de Duccio, dijo Madonna Rucellai (alrededor de 1285), construido con una estructura rítmica y con figuras elegantes, una mayor influencia de la experiencia pictórica contemporánea del gótico francés; Por último, en el centro de la habitación, el Ognissanti Madonna de Giotto (1310 aprox) de la planta monumental y se construyó acentuando mucho más plásticamente la luz y la sombra y los volúmenes de los cuerpos. De Giotto es también el polyptych de Badia cerca de 1300.

La primera habitación tiene también una representación cuidadosamente elegida de la pintura del siglo XIII, que incluye un extremo triunfante de BC y Christus pacientes ingresados ​​siglo del’XII, raras de la alta calidad y el estado de conservación muy bueno.

La siguiente habitación (3) está dedicada a los grandes maestros del siglo XIV de Siena, que se enfrentan los más grandes maestros de esta escuela: la Anunciación de Simone Martini y Lippo Memmi (1333) y la presentación en el templo de Ambrogio Lorenzetti (1342) , tanto de la catedral Siena y el retablo del Beato humildad (1340) por Pietro Lorenzetti.

Lo que sigue es la zona XIV florentino del siglo (4), que muestra los desarrollos del arte después de Giotto con las aportaciones de sus estudiantes y las personalidades más originales como Giottino y Giovanni da Milano.

El salón gótico Internacional (5-6) está dominada por la coronación monumental de la Virgen (1414) de Lorenzo Mónaco y el resplandor de la magnificencia y elegancia de la Adoración de los Magos (1423) de Gentile da Fabriano, ejecutado por el comerciante florentino Palla Strozzi .

Salones del Renacimiento temprano:
Sin parangón es el núcleo de la pintura desde el comienzo del Renacimiento, desde finales del siglo XX hasta mediados del siglo. La elaboración del nuevo lenguaje se demuestra por Metterza Sant’Anna (1424) de Masolino y Masaccio en el pabellón 7: Masaccio son la escultura Niño y la Virgen, pintado con un cuerpo solemne tan austero y realista ya no puede ser llamado “gótico “. En la misma sala se encuentra la batalla de San Romano de Paolo Uccello, que da fe de su perspectiva “obsesión”, y obras de Beato Angelico y Domenico Veneziano que indica la búsqueda de nuevos formatos para los retablos y el nacimiento de ” pintura de la luz “.

La gran sala 8 está dedicado a Filippo Lippi, el promotor de la propuesta y Masaccio barquero del arte florentino a la “primacía del dibujo”, que fue su más característico. Aquí también es el extraordinario retrato doble del Duque de Urbino de Piero della Francesca, uno de los iconos más famosos de la estética renacentista. La exposición se complementa con obras de Alesso Baldovinetti e hijo Lippi, Filippino, que era un artista que estalla a finales del siglo XV.

9 La sala está dedicada a los hermanos Pollaiolo, Antonio y Piero, entre los primeros en disfrutar de una línea de contorno ágil y sensible, que era un modelo para muchos artistas posteriores. En la serie de virtudes hechas al Tribunal de mercancía, se destaca por su elegancia formal: la Fortaleza, uno de los primeros trabajos de los jóvenes Botticelli (1470).

Sala del Botticelli:
La sala de Botticelli, amplia para la unificación de las habitaciones 10-14, reúne la mejor colección en el mundo del maestro Sandro Botticelli trabaja, incluyendo su obra maestra, la primavera y el famoso nacimiento de Venus, dos obras emblemáticas de la sofisticada cultura neoplatónica desarrollado en Florencia en la segunda mitad del siglo XV. Estas obras se llevaron a cabo en los años ochenta del siglo XV y son las primeras grandes obras de sujeto profano del Renacimiento italiano. Estaban pintadas de Lorenzo de Medici (Lorenzo el Magnífico no, pero un primo que vivía en la Villa di Careggi, en la que entre otras cosas no era malo en la sangre).

En esta sala se puede rastrear toda la evolución pictórica del maestro, con la gracia de Madonna en la gloria con Seraphim y la Madonna de la Rosaleda, las primeras obras todavía vinculados al estilo de Filippo Lippi y Verrocchio, el retrato de un hombre con la medalla Cosme el Viejo (1475), donde ya estamos asistiendo a una madurez de estilo probablemente relacionado con el estudio de realismo de obras flamencas, las obras mitológicas, como el Pallas en movimiento y el Centauro, una alegoría de los instintos humanos divididos entre la razón y la impulsividad, pero Driven por la sabiduría divina.

Con la llegada del siglo XVI la onda ultra-reaccionaria religiosa Girolamo Savonarola empezó a surgir cada vez más en la sociedad florentina y esto ocurre más o menos gradualmente en todos los artistas de la época. Incluso Botticelli, después del trabajo suntuosos como la Madonna del Magnificat comenzó a adoptar un estilo más libre, suelta la claridad geométrica de la perspectiva de los principios del XV (Madonna della Melograna, San Bernabé Retablo), con algunos experimentos arcaicista como la coronación de Virgo donde el amo vuelve al fondo de oro en una escena parece inspirado por la lectura de Dante. El peor período de la predicación de Savonarola trae un último aliento de la mística pesimista en su pintura: La calumnia (1495) simboliza el fracaso del espíritu humanista optimista, con el hallazgo de la bajeza humana y el confinamiento de la verdad.

Pero esta sala también contiene muchas otras obras maestras: particularmente apto es la colocación del Tríptico Portinari, obra flamenca de Hugo van der Goes de 1475 trajo un banquero Company médicos en Brujas en 1483, que con su distanciamiento formal de las obras de los alrededores bien hace el efecto de aclarar meteorito que este trabajo tuvo en los círculos artísticos florentinos de la segunda mitad del siglo XV. Un examen más detenido, sin embargo, empezar a comprender las similitudes con las obras entonces, la mayor atención a los detalles, la mejor luministic rendimiento debido a la pintura al óleo que los pintores florentinos tratado de imitar, llegando incluso a copiar algunos elementos de la obra flamenco, tales como regalos claras Domenico Ghirlandaio en su Adoración de los pastores análoga en la basílica de la Santa Trinidad.

Otra obra flamenca es el Entierro de Cristo de Rogier van der Weyden (1450), con la composición de la reanudación de un panel de Beato Angelico, que testimonia el comercio mutuo entre el flamenco y maestros florentinos.

Habitación Leonardo y habitaciones adyacentes:
La sala 15 documenta el debut artístico de Leonardo da Vinci, desde la primera obra documentada, el bautismo de Cristo en 1475, la obra de su maestro Verrocchio en la que el joven Leonardo pintó la cabeza del ángel a la izquierda, el paisaje y quizás el en forma de cuerpo de Cristo. Otra obra temprana es la Anunciación, obra de los años veinte maestros, donde ya se puede ver la calidad de sfumato de Leonardo y su atención a las vibraciones atmosféricas (creo que el ángel acaba de aterrizar), pero con un cierto error perspectiva, como el libro sobre la cual la Virgen pone un brazo, que en el suelo descansa sobre una base mucho más avanzada que las patas de la Virgen. La Adoración de los Reyes en su lugar es una obra inacabada en la que es evidente la forma innovadora en el genio de Vinci, con una composición original se centraron en la Madonna con el Niño en un escenario rutilante numerosas figuras en movimiento, entre los cuales, sin embargo, no aparece en el tradicional San Giuseppe o la capannuccia.

En la sala son también artistas activos en Florencia durante esos años: Perugino (tres grandes hojas), Luca Signorelli y Piero di Cosimo.

El 16 ambiente (los mapas) era originalmente una logia, que se cerró al deseo de Fernando I de Medici y hecho fresco con mapas de los dominios mediceas. La Sala 17 se llama Stanzino delle Matematiche, siempre creada para que Ferdinando I reciba sus instrumentos científicos. El techo fue decorado con una alegoría de matemáticas y episodios que celebran la antigua cultura científica. Hoy exhibe la colección de bronces modernos y algunas obras escultóricas antiguas.

La Tribuna:
El Tribune es una sala octogonal que representa la parte más antigua de la galería. Fue encargado por Francisco I de Medici en 1584 para dar cabida a las colecciones arqueológicas y después había colocado todas las piezas más valiosas y amado las colecciones de los Medici. Habiéndose convertido en muy popular en el momento del Gran Tour, se decía que era una inspiración para el Wunderkammer de muchos nobles europeos. El medio ambiente está cubierta por cúpula con incrustaciones de conchas y madre de la perla y cubierta con nervaduras de oro y linterna en que era una brújula, conectados al exterior por una veleta. El Tribune tiene en scarlet walls, ya que los tapices de terciopelo, en los que están colgados los cuadros y estantes para objetos y estatuas; el casco, ahora perdido, fue pintado por Jacopo Ligozzi con pájaros, peces y otras maravillas naturalistas; el centro había un templo en el pecho, o un gabinete octogonal que albergaba las piezas más pequeñas y la calidad de la colección; el suelo era de mármol con incrustaciones.

La Tribune, sus decoraciones y objetos que contenía alude a los cuatro elementos (aire, tierra, agua, fuego): por ejemplo, la rosa de los vientos en el aire evocó linterna, mientras que las conchas incrustadas en la Cúpula de agua; el fuego fue simbolizado por las paredes rojas y el suelo de los mármoles preciosos en el suelo. Todo este simbolismo fue luego enriquecido por estatuas y pinturas que desarrollaron el tema de los Elementos y sus combinaciones. El significado que se da a todos fue también la gloria de los Medici, gracias a la voluntad divina, habían alcanzado el poder terrenal, simbolizado por los magníficos objetos raros y preciosos propiedad.

Hoy, como transformado a lo largo de los siglos, es la única sala donde se puede incluir el espíritu original de los Uffizi, es decir, el lugar de Marvel donde se puede comparar directamente las obras de los antiguos, representados por la escultura, y los de la moderna, con las pinturas. Alrededor de la mesa con incrustaciones exquisito en piedras semipreciosas (de 1633 a 1649) se colocan en un círculo algunas de las más famosas esculturas de los antiguos médicos, como el Fauno Dancing (réplica romana de un original del siglo III aC), los luchadores (copia de la época imperial ), el Arrotino (que afila el cuchillo en el grupo de Marsias), el escita, (copia de una estatua de la escuela de Pérgamo que formaba parte de un grupo con Marsias), el Apollino y sobre todo la famosa Venus de Medici, un original griego del primer siglo AC entre las más célebres representaciones de la diosa.

El gabinete monumental en piedras preciosas contenía la colección de piedras preciosas de incalculable valor, camafeos antiguos y piedras duras de trabajo, una de las colecciones más populares de los Medici, que a menudo hizo grabar sus iniciales en los puntos altos hoy se exponen en diferentes lugares, a El Museo Argenti, el Museo Arqueológico Nacional Florentino y el Museo de Mineralogía y Litología.

Salas renacentistas fuera de Florencia:
El resto del brazo al este (19-23 habitaciones) está dedicado a diversas escuelas renacentistas italianos y extranjeros: en estas habitaciones son completamente captura el espíritu educativo de los Uffizi, que se desarrolló en el siglo XVIII a través de intercambios y aditamentos específicos, para representar el desarrollo de la pintura en todas sus raíces principales.

La sala 19, el ex Arsenal, tiene un tiempo original fue destruido y fue pintado en 1665 con las alegorías de Florencia y Toscana, triunfos, batallas y escudos de armas de los Medici de Agnolo Gori. La sala aclara la pintura de Umbría y Toscana, con obras maestras de artistas ya cumplidas en la sala Leonardo: Luca Signorelli, Pietro Perugino, Lorenzo di Credi y Piero di Cosimo. Este artista, famoso por su tono mágico e imaginativo de sus obras mitológicas, está representada aquí por su obra maestra Perseo y Andrómeda. Cercan la sala pintada de las escuelas Emilian, Forlivo y Marche.

La sala 20 (Durero) en sí es único en Italia, recibiendo cinco obras del maestro indiscutible del Renacimiento alemán, Albrecht Dürer, incluyendo la Adoración de los Magos de 1504, que muestra las cantidades debidas al uso de la pintura italiana perspectiva y color. Lukas Cranach también está representado por varias obras, incluyendo los grandes paneles de Adán y Eva (1528). Albrecht Altdorfer y Hans Holbein el Joven están presentes en la habitación 22. El techo de 20 habitaciones tiene una decoración al fresco con grutescos originales del siglo XVI, mientras que las vistas de Florencia se añadieron más tarde en el siglo XVIII; Curioso es la vista de la Basílica de Santa Croce sin la fachada del siglo XIX.

La sala 21, con frescos en la bóveda de Ludovico Buti con batallas y grotescas (figuras interesantes de “indios” y los animales del Nuevo Mundo), se dedica a la pintura veneciana. Si las obras de Giorgione y Vittore Carpaccio por unanimidad no son juzgados autografiados por los críticos de Giovanni Bellini es la obra maestra sagrada Alegoría, el significado críptico aún no está completamente entendido. Aquí también es el único representante de la pintura de Ferrara siglo XV en la galería, Cosmè Tura y su San Domenico (1475).

Incluso la habitación 22 (de renacimiento flamenco y alemán) es en sí mismo un unicuum en el panorama nacional museuale, con ejemplos que dan testimonio de la temporada prolífica de los intercambios entre Florencia y Flandes en el siglo XV, como Benedict retratos y Folco Portinari Hans Memling (1490) o Pierantonio Baroncelli retratos y su esposa María Bonciani, un maestro anónimo flamenco (1490). No es casualidad que aquí también son obras del pintor italiano, Antonello da Messina (San Giovanni Evangelista y la Madonna y el niño con los ángeles reggicorona, alrededor de 1470 a 1475) “Flamenco”. El techo está decorado por Ludovico Buti (1588), con escenas animadas de batallas.

Sala 23 está finalmente dedicado a los amos del norte de Italia Mantegna y Correggio. De las tres primeras obras, incluyendo el tríptico del Palacio Ducal de Mantua (1460), cuyo texto es su extraordinaria capacidad para evocar el esplendor del mundo antiguo. De Correggio se documentan diversas fases de la Madonna y el niño con dos Ángeles Músicos (trabajo de la juventud), la adoración del niño (1530) y el resto de la huida a Egipto con San Francisco (1517), obras de gran originalidad estupendamente Pintores del siglo XVII. Cerraron el vestíbulo a una serie de pinturas de Lombardía, especialmente vinculadas a los leonards. Incluso esta habitación era parte de la sala de armas, como lo recuerda los frescos del techo de Ludovico Buti con talleres para la producción de armas, pólvora y modelos de fortalezas (1588).

El 24 habitaciones es el Gabinete de Miniaturas, una planta elipsoidal, mirando sólo se ve desde el exterior, que alberga una colección de cerca de cuatro miniaturas de los Medici, de diferentes edades y escuelas y que representa su mayoría retratos. Fue decorado en la época de Fernando I, que aquí había colocado la colección de piedras y camellos llevados por el padre de su esposa Cristina de Lorena. Con el tiempo se ha acogido diversas colecciones (bronce, oro, objetos mexicanos, joyas, piedras preciosas …) que hoy en día se encuentran en otros lugares, especialmente en el Museo de la Plata. El aspecto actual es el resultado de la obra del siglo XVIII de la Red Zenobi, que encargó por el Gran Duque Pietro Leopoldo derivada del óvalo y se recrea la decoración (1782).

Corredor sobre el Arno y el Corredor Oeste:
El Salón Arno, de espectaculares vistas al Ponte Vecchio, el río y las colinas al sur de Florencia es el hogar durante siglos las mejores obras de la estatuaria antigua, debido al espectáculo de la configuración y el brillo máximo (en las caras de hecho sur). Los frescos en los techos tienen un tema religioso, ejecutado entre 1696 y 1699 por Giuseppe Nicola Nasini y Giuseppe Tonelli, por iniciativa de la “católica” Gran Duke Cosimo III, aparte de los dos primeros tramos que son del siglo XVI: uno con una pérgola maqueta y uno con los grotescos. Entre las estatuas que se exhiben son un Cupido y Psique, copia romana de un original de helenística, y el llamado Alexander Dying, una cabeza helenística derivado de un original de Pergamon, a menudo citado modelo de expresión patética. En el cruce principal con pasillos hay dos estatuas de tipo Olympia, derivados de Venus sentado de Fidias, un cuarto de siglo y un siglo en la moderna cabeza era rehecho.

En el lado hacia el Arno se colocan la doncella se sienta listo para bailar (siglo II antes de Cristo, que forma parte de un grupo con el Sátiro de la cual hay una copia en la entrada de la tribuna) y Marte en mármol negro (a partir de un original V-IV siglo AC). En el lado opuesto hay un fragmento de Lupa en pórfido, copia de un original del siglo V aC. y Dioniso y un sátiro, con sólo el antiguo busto, mientras que el resto fue añadido por Giovan Battista Caccini a finales del siglo XVI.

En el corredor oeste, se utiliza como una galería en la segunda mitad del siglo XVII después de talleres artesanales de alojamiento, continuando la serie de procedencia clásica estatuas romanas sobre todo, en su mayoría comprados en el momento de Cosme III en el mercado de antigüedades romano. Entre las obras más interesantes de las dos estatuas de Marsias (blanco y rojo), colocados uno frente al otro y romanos copias de una tardía original helenística: el rojo pertenecía a Cosme el Viejo y su cabeza fue construido, según Vasari, de Donatello . Más adelante está una copia del Discóbolo de Mirón, con su brazo derecho restaurada como si fuera a cubrir la cara (larga era para este agregado al grupo Niobe). Mercurio es un codazo precioso derivado de Prassitele restaurado en el siglo XVI. A la izquierda del vestíbulo de salida es un busto de Caracalla, con la expresión enérgica que inspiró a los retratos de Cosimo I de Medici. En la pared opuesta hay un Musa del 4to siglo AC. de Atticiano de Afrodisia y un Apolo con el cetra, antiguo busto elaborado por Caccini. La Venus celeste es otro busto antigua construida en el siglo XVII por Alessandro Algardi: ¿por qué cuando los brazos originales no fueron repuestas fueron encontrados. Nereide en Hippocampus se deriva de un origen helenístico. Destaca el realismo de retratos del Busto del Niño, también llamado niño Nero.

Al final del pasillo es el Laocoonte copiado por Baccio Bandinelli para Cosimo I de Medici, a petición de cardinale Julio de Médicis, con las mismas adiciones Bandinelli tomadas de la historia de Virgilio. Es la única estatua de pasillo moderna que permite la comparación, un tiempo tan querido para los médicos, entre los maestros modernos y antiguos.

La decoración del techo tuvo lugar entre 1658 y 1679 por iniciativa de Fernando II de Medici, personas vinculadas a los hombres famosos de Florencia, como ejemplos de virtud, y la personificación de la ciudad del Gran Ducado de Toscana. Los artistas que participaron en el trabajo fueron Cosimo Ulivelli, Angelo Gori, Jacopo Chiavistelli y otros. Cuando los últimos doce palmos se perdieron en un incendio en 1762, los frescos fueron restaurados por Giuseppe Moro, Giuliano Traballesi y Joseph Tierra.

Cines del siglo XVI:
Teatros de 25 a 34 obras maestras del siglo XVI. Se inicia con 25, sala de Miguel Ángel y los florentinos, con la obra maestra absoluta de la de Miguel Ángel Doni Tondo, altamente innovador, tanto para la composición y el uso de colores (1504), rodeado de obras de la Escuela florentina de San Marcos (Frey Bartolomé, Mariotto Albertinelli), la calma monumental y colocó la misma que inspiró a Miguel Ángel y Rafael.

Las salas 26 y 27, respectivamente, ya dedicadas a Raphael / Andrea del Sarto y Pontormo / Rosso Fiorentino se vuelven a puestas en escena a sus obras, fueron trasladados a un local más amplio en la primera planta ( “sal roja”).

La sala 28 alberga las obras maestras venecianas de Tiziano y Sebastiano del Piombo. En la primera referencia de una serie de retratos y desnudos, incluyendo la famosa Flora y Venus de Urbino, que funciona por la sensualidad refinada y enigmático.

En las habitaciones 29 y 30 son obras maestras de pintores de Emilia, incluyendo Dosso Dossi, Amico Aspertini, Ludovico Mazzolino, Garofalo y especialmente Parmigianino, cuya Madonna con el cuello largo con virtuosismo muestra superior a la estética del Renacimiento en favor de algo más excéntrico y antinatural, con la ambigüedad compleja y definitivamente querida, así como sinuosa belleza.

Las salas 31 y 32 están de nuevo unidos a los pintores venecianos, especialmente Veronese, Tintoretto, Bassano, Paris Bordon y otros. Para la forma estrecha y rota, la sala 33 se estableció como el “Corredor del Renacimiento” dedicada a las obras de tamaño medio-pequeño que muestran la variedad de propuestas figurativas desarrollados en el siglo, que van desde las composiciones de hacinamiento y minuciosamente capciosa de los artistas ellos participaron en la decoración del estudio de Francisco I en el Palazzo Vecchio, a los refinamientos eróticos de la escuela de Fontainebleau, retratos oficiales y trabajos simplificados de acuerdo con los dictados de la Contra.

La sala 34, Lombardi, cierra la ruta, donde los artistas más importantes de la región están representados a lo largo del siglo XVI. Entre ellas se encuentran Lorenzo Lotto, el enlace entre el veneciano y la cultura Lombard (Retrato de un joven, Susana y los viejos, Sagrada Familia y santos), Brescia Girolamo Savoldo extraordinario creador de efectos materiales, y Bérgamo Giovan Battista Moroni, retratista insuperable. Los cuartos 34 y 35 tienen acceso al pasillo de Vasari.

Pasillo del corredor del oeste:
El corredor oeste alberga otras habitaciones que se enfrentan directamente. Estas habitaciones, después de la apertura de las nuevas habitaciones en la planta baja, son casi todos re-set up. La sala Niobe ha sido cerrada desde la primavera de 2011 hasta el 21 de diciembre de 2012 para trabajos de restauración.

35 La sala está dedicada a Federico Barocci y la Contra en Toscana, con numerosos ejemplos de los principales exponentes de la época. Del barroco es la gran pieza de la Madonna del pueblo.

El pasillo 40 era antes el vestíbulo del museo. Hay varios ejemplos de estatuas clásicas y algunas pinturas, incluyendo una bandera de dos lados de Sodoma. Sala 41 ya estaba dedicada a Rubens y hoy se utiliza como depósito. 42 La gran sala fue construida por el arquitecto Gaspare Maria Paoletti a finales del siglo XVIII para dar cabida a las muchas estatuas de Niobe Group, una serie de estatuas romanas copia del flujo original helenística en aquellos años en Florencia. El mito de Niobe y sus hijos se vincula con amor maternal, lo que llevó a la mujer desafortunada para presumir tanto de su descendencia (siete hombres y siete mujeres) para ser comparado con Latona, madre de Apolo y Artemisa, suscitando así la ira de de los que se vengaron matando a los niños uno por uno. Las esculturas fueron descubiertas en Roma en 1583 y eran parte de la decoración del kit Villa Medici (comprado por cardinale Ferdinando), de la que fueron trasladados a Florencia en 1781, donde fueron directamente expuestos en esta sala. De las dos paredes son enormes lienzos de Rubens (parte del ciclo inacabado de Enrique IV de Francia), un Giusto Sustermans y Giuseppe Grisoni.

La sala 43, antes del siglo XVII en Italia y Europa, ahora Casas Sólo un grupo muy selecto de obras italianas, después de que los extranjeros se han movido en las “salas azules” en el primer piso. Están representados Annibale Carracci, Domenichino, Guercino, Mattia Preti, Bernardo Strozzi y otros.

La sala 44 (Rembrandt y el flamenco) es reordenamiento, mientras que el 45 (siglo XVIII) se ha integrado con otras obras italianas después de los extranjeros se han trasladado a la primera planta. Ellos se destacan las obras de Canaletto, Giambattista Tiepolo, Francesco Guardi, Alessandro Magnasco y Rosalba Carriera. el tamaño y la calidad es importante la pintura de Cupido y Psique por Giuseppe Maria Crespi.

La habitación adyacente es la barra, lo que conduce a la terraza sobre la Loggia dei Lanzi, excelente punto de ventaja para Piazza della Signoria, Palazzo Vecchio y de la bóveda del Brunelleschi. La pequeña fuente de la terraza contiene una copia del enano Morgante que monta un caracol, de Giambologna, ahora en el Bargello, pero creó originalmente para este sitio. En la barra también hay acceso a la nueva escalera, que se abrió en diciembre de 2011, lo que lleva a las habitaciones en el primer piso.

Habitaciones Blue:
Inaugurado en diciembre de 2011, los diez sal azul en el primer piso (46-55) se han dedicado a pintores extranjeros de los siglos XVII y XVIII. A partir de las salas de la primera planta, y, sobre todo, de los depósitos, que era posible desarrollar plenamente la presencia de pintores españoles, franceses, holandeses y flamencos en las colecciones de los Medici, mientras que también permite rastrear las diferentes escuelas, sobre todo en los Países Bajos. La sala 46 se dedica a la española (Velázquez, El griego, Goya, Ribera), a 48 y 51 a los franceses (Le Brun, Vouet, Boucher, Chardin), la escuela 47 de Leiden, el 49 en Amsterdam (Rembrandt) el 50 de la Haya, países Bajos 52 y 55 a los países del sur (Jan Brueghel, Teniers, Brill, Rubens y Van Dyck), el 53 en Delft y Rotterdam, el 54 de Haarlem y Utrecht.

Sal roja:
Nueve habitaciones “rojo”, de 56 a 61 y de 64 a 66, se han creado en junio de 2012, con obras de manierismo florentino, especialmente el cuidado de las relaciones con la edad. El hecho de habitaciones 56 casas lo mejor de la escultura helenística de la galería, incluyendo un Niobide, el Torso Gaddi y una Venus agachada. La relación con las estatuas es mejor clarificó por la habitación de al lado, donde tres monocromos raros de Andrea del Sarto, realizados para el carnaval de 1513, están relacionadas con la cara de un sarcófago con representación de Tiaso marina (aproximadamente 190).

La siguiente es la sal de Andrea del Sarto (58) con la famosa Madonna de las Arpías y sus artistas círculo (59), los de Rosso Fiorentino (60), de Pontormo (61), y dos salas dedicadas a Agnolo Bronzino (64 y 65), respectivamente, correspondientes a la producción y la relación sagrada con los Medici con los retratos familiares famosos, entre ellos el de Eleonora de Toledo con su hijo Giovanni.

Se cierra la serie de una sala dedicada a Rafael (66). Estoy aquí trabaja fase de Umbría / florentina (los retratos de los duques de Urbino Elisabetta Gonzaga y Guidobaldo da Montefeltro, el retrato de un hombre joven con manzana), incluyendo la famosa Virgen del jilguero, la síntesis armoniosa de varias experiencias pictóricas (Perugino, Leonardo da Vinci, Fra Bartolomeo …). El período romano del arte de Raphael se caracteriza por una mayor monumentalidad y una plena posesión de la técnica del color, bien representada aquí por el alto Retrato de León X con los cardenales Giulio de Medici y Luigi de Rossi.

Venta Ademollo:
Las salas 62 y 63 son estructuralmente completa en junio de 2012, pero aún no establecido. Acogerán obras de Alessandro Allori y Giorgio Vasari. Las siguientes salas albergan exposiciones temporales.

Verone sull’Arno:
Se llega entonces a la Arno Verone, con grandes ventanales con vistas al río y la plaza de los Uffizi. Aquí hay tres esculturas monumentales.

El florero de Medici (centro), gran cráter entre los tesoros neoaticismo llegó en el museo de Villa Medici, desde la segunda mitad del siglo I aC y es extraordinario en tamaño y calidad. Se ha representado en la escena de base bajorrelieve con los héroes aqueos que consultan el oráculo de Delfos antes de partir hacia la guerra de Troya.

El Marte Gradivus es Bartolomeo Ammannati, con Dios representado como en el acto de incitar a un ejército vivía fuera de la cabeza, mientras que en el lado opuesto es el Sileno con Bacchus de Jacopo del Duca, una copia de una estatua romana ahora en el Louvre, desde un original en bronce del siglo IV, quizás Lisippo: estas dos estatuas estaban en la Villa Medici, y adornada la galería con vistas al jardín.

Caravaggio y Caravaggeschi habitaciones:
Las últimas salas del museo, en el brazo oriental de la planta baja, la vivienda obras de Caravaggio de Caravaggio y Guido Reni. Creado en 1993 y se trasladó más al norte en los dos mil años para dejar más espacio para exposiciones temporales (las habitaciones de este lado entre sí de hecho casi idéntico después de la otra en todo el lado de la plaza, poco más de la mitad son valorados en la actualidad). No tendrán un número hasta que se haya completado la configuración del primer plano.

Las obras de Caravaggio en Florencia no son muchos, pero representan también la fase juvenil del maestro, lleno de obras maestras de las producciones artísticas más tempranas. Destaca el Baco, disincantatamente tan realista, y el jefe de la medusa, en realidad un escudo de madera para ocasiones representativos tales como torneos. La expresión del terror de Medusa está impresionada por la violencia áspera de la representación. El más típico del estilo maduro es el Sacrificio de Isaac, donde la violencia del gesto se suspende milagrosamente.

Otras obras permitir una comparación inmediata con obras de temas similares de los seguidores de Caravaggio, con Judit decapitando a Holofernes de Artemisia Gentileschi (una de las pocas artistas femeninas que tienen un lugar importante en la historia del arte), Giovanni Battista Caracciolo, Bartolomeo Manfredi (la sala de desayunos) , el holandés Gerard van Honthorst, de estilo italiano en Gherardo delle Notti (sala de desayuno), el Rustichino, la Spadarino, Nicolas Regnier y Matthias Stomer.

La última sala de la galería está dedicada a Guido Reni, el jefe boloñés del siglo XVII. Era un maestro del clasicismo del siglo XVII, aunque el trabajo de David con la cabeza de Goliat está vinculado al fondo oscuro de Caravaggio habitaciones anteriores. Más abstractamente idealizado es el Estasi de San Andrés Corsini, que entró en la Galería en 2000, de brillo sobrenatural.

Gabinete de dibujos e impresiones:
En el primer piso de la galería, en las instalaciones de reconocido antiguo Teatro Medici, que alberga la colección de artes gráficas, que comenzaron en la segunda mitad del siglo XVII por cardinale Leopoldo de Medici y transferidos a los Uffizi en 1700. Del teatro sigue siendo hoy en día sólo la altura de elevación de la escalera, con un busto de Francisco I de Medici de Giambologna (1586) en la puerta principal; en los lados hay un Venus, una copia romana de una original del siglo V aC, y una estatua femenina helenística.

La colección de dibujos y grabados, entre los más grandes en el mundo, cuenta con cerca de 150.000 obras, que datan de finales del siglo XIV hasta el siglo XX, entre los que ejemplos de todos los grandes maestros de la Toscana, de Leonardo a Miguel Ángel con muchos otros, que permiten menudo para establecer el proceso de creación de una obra, a través de dibujos preparatorios, o, a veces testificar, a través de las copias antiguas, obras ahora perdidos irremediablemente tales como los frescos de la Batalla de Anghiari de Leonardo da Vinci y la Batalla de Cascina de Miguel Ángel, que alguna vez tuvo que decorar el salón del siglo XVI en el Palacio Antiguo. El propio Vasari recogió los papeles y consagró el diseño como el “padre” de las artes y la prerrogativa del arte florentino. En la pequeña habitación en la parte delantera de la escalera o en el vestíbulo de acceso al gabinete se celebran regularmente exposiciones temporales, con las colecciones de materiales o nuevas adquisiciones.

Colección Bonacossi Contini:
En el ala derecha del pórtico, con la entrada de la vía Lambertesca jardín, tiene una extraordinaria colección reunida a principios del siglo XX por los cónyuges Contini bonacossi y donado a los Uffizi en los años noventa, por lo que viene a representar el más importante el crecimiento del museo para el siglo pasado . La colección incluye muebles, loza antigua, terracota Della Robbia, y sobre todo una notable serie de obras de escultura y pintura de la Toscana, entre las cuales una Majestad con los Santos Francisco y Domingo de Cimabue del taller, el retablo de la Madonna de la Nieve Sassetta (1432 aprox), Nuestra Señora de la casa de Andrea del Castagno Pazzi (1445), San Jerónimo de Giovanni Bellini (1479 aproximadamente), el mármol de Gian Lorenzo Bernini Martirio de San Lorenzo (1616 aproximadamente), la Madonna con ocho Santos de Bramantino (1520-1530) o el torero de Francisco Goya (1800 circa).

Ex-iglesia de San Pier Scherage:
De la iglesia que se encontraba junto al Palazzo Vecchio son sólo algunos arcos visibles de la Via della Ninna, y una nave que forma parte de los Uffizi, al lado del billete utilizado en la segunda mitad del siglo XX.

La sala de San Pier Scheraggio se utiliza para conferencias, exposiciones o para exponer obras que no tienen cabida en la exposición debido a su singularidad.

En el pasado fue la sede de una colección de los tapices de los Medici, así como los frescos del ciclo de hombres y mujeres que se distingue por Andrea del Castagno, de la Villa Pandolfini-Carducci Filippo Carducci en Legnaia, o fresco de la Anunciación de 1481 de Botticelli, desprendido de la pared de la galería del hospital de San Martino alla Scala de Florencia, o el gran cuadro de la batalla del puente de Guttuso y arqueólogos de Giorgio de Chirico.

Debido a su enorme colección, algunas de sus obras se han transferido en el pasado a otros museos de Florencia -por ejemplo, algunas estatuas famosas del proyecto Bargello A se terminó en 2006 para ampliar el espacio de exposición del museo de unos 6.000 metros² a casi 13.000 metros² , Permitiendo la visualización pública de muchas obras de arte que han estado normalmente almacenadas