Surrealismo

El surrealismo es un movimiento cultural que comenzó a principios de la década de 1920 y es mejor conocido por sus obras de arte y escritos visuales. Los artistas pintaron escenas desconcertantes e ilógicas con precisión fotográfica, crearon extrañas criaturas de objetos cotidianos y desarrollaron técnicas de pintura que permitieron que el inconsciente se expresara. Su objetivo era «resolver las condiciones previamente contradictorias del sueño y la realidad en una realidad absoluta, una superrealidad».

El surrealismo es un movimiento intelectual internacional, que se centró principalmente en París y se ocupó de los problemas del pensamiento y la expresión en todas sus formas. Los surrealistas percibieron una profunda crisis en la cultura occidental y respondieron con una revisión de valores en todos los niveles, inspirados en el psicoanálisis descubrimientos de Freud y la ideología política del marxismo. Tanto en la poesía como en las artes visuales, esta revisión se realizó mediante el desarrollo de técnicas no convencionales, de las cuales el automatismo fue primordial. Los poetas parisinos que formularon la teoría y la orientación surrealista fueron identificados oficialmente por Manifeste du surréalisme (1924) de André Breton, el ensayo ‘Une Vague de rêves ‘(octubre de 1924) de Louis Aragon y el periódico La Révolution surréaliste, publicado dos meses después bajo la dirección de Bretón, el movimiento permaneció potente hasta la Segunda Guerra Mundial, sobreviviendo hasta su muerte en 1966.

Las obras surrealistas presentan el elemento de sorpresa, yuxtaposiciones inesperadas y no sequitur; sin embargo, muchos artistas y escritores surrealistas consideran su trabajo como una expresión del movimiento filosófico en primer lugar, con las obras como un artefacto. El líder André Breton fue explícito en su afirmación de que el surrealismo era, ante todo, un movimiento revolucionario.

El surrealismo se desarrolló a partir de las actividades de Dada durante la Primera Guerra Mundial y el centro más importante del movimiento fue París. Desde la década de 1920 en adelante, el movimiento se extendió por todo el mundo, afectando eventualmente a las artes visuales, la literatura, el cine y la música de muchos países e idiomas, así como a la práctica y el pensamiento político, la filosofía y la teoría social.

Fundación del movimiento
La palabra «surrealismo» fue acuñada en marzo de 1917 por Guillaume Apollinaire tres años antes de que el surrealismo surgiera como un movimiento artístico en París. Escribió en una carta a Paul Dermée: «Teniendo en cuenta todo, creo que de hecho es mejor adoptar el surrealismo que el sobrenaturalismo, que utilicé por primera vez» [Tout bien examiné, je crois en effet qu’il vaut mieux adopter surréalisme que surnaturalisme que j’avais d’abord employé].

Apollinaire utilizó el término en sus notas de programa para Ballets Russes, Parade, de Serge Diaghilev, que se estrenó el 18 de mayo de 1917. Parade tuvo un escenario de un solo acto de Jean Cocteau y se interpretó con música de Erik Satie. Cocteau describió el ballet como «realista». Apollinaire fue más allá y describió a Parade como «surrealista»:

Esta nueva alianza -digo nueva, porque hasta ahora el escenografía y el vestuario estaban vinculados solo por vínculos ficticios- ha dado lugar, en Parade, a una especie de surrealismo, que considero el punto de partida de toda una serie de manifestaciones de el Nuevo Espíritu que se hace sentir hoy y que seguramente atraerá a nuestras mejores mentes. Podemos esperar que provoque cambios profundos en nuestras artes y maneras a través de la alegría universal, ya que es natural, después de todo, que sigan el ritmo del progreso científico e industrial. (Apollinaire, 1917)

El término fue retomado nuevamente por Apollinaire, en el prefacio de su obra Les Mamelles de Tirésias, que fue escrita en 1903 y estrenada en 1917.

La Primera Guerra Mundial dispersó a los escritores y artistas que tenían su base en París, y mientras tanto muchos se involucraron con Dada, creyendo que el pensamiento racional excesivo y los valores burgueses habían traído el conflicto de la guerra al mundo. Los Dadaístas protestaron con reuniones antiarte, representaciones, escrituras y obras de arte. Después de la guerra, cuando regresaron a París, las actividades de Dada continuaron.

Durante la guerra, André Breton, que se había entrenado en medicina y psiquiatría, trabajó en un hospital neurológico donde utilizó los métodos psicoanalíticos de Sigmund Freud con soldados que sufrían de shock. Conociendo al joven escritor Jacques Vaché, Breton sintió que Vaché era el hijo espiritual del escritor y fundador de la patafísica Alfred Jarry. Admiraba la actitud antisocial del joven escritor y su desprecio por la tradición artística establecida. Más tarde, Breton escribió: «En literatura, me llevaron sucesivamente con Rimbaud, con Jarry, con Apollinaire, con Nouveau, con Lautréamont, pero es Jacques Vaché, a quien más debo».

De vuelta en París, Breton se unió a las actividades Dada e inició la revista literaria Littérature junto con Louis Aragon y Philippe Soupault. Comenzaron a experimentar con la escritura automática -escritura espontánea sin censurar sus pensamientos- y publicaron los escritos, así como los relatos de los sueños, en la revista. Breton y Soupault profundizaron en el automatismo y escribieron The Magnetic Fields (1920).

Siguiendo escribiendo, llegaron a creer que el automatismo era una táctica mejor para el cambio social que la forma Dada de ataque a los valores prevalecientes. El grupo atrajo a miembros adicionales y creció hasta incluir escritores y artistas de diversos medios como Paul Éluard, Benjamin Péret, René Crevel, Robert Desnos, Jacques Baron, Max Morise, Pierre Naville, Roger Vitrac, Gala Éluard, Max Ernst, Salvador Dalí, Luis Buñuel, Man Ray, Hans Arp, Georges Malkine, Michel Leiris, Georges Limbour, Antonin Artaud, Raymond Queneau, André Masson, Joan Miró, Marcel Duchamp, Jacques Prévert e Yves Tanguy.

A medida que desarrollaban su filosofía, creían que el surrealismo abogaría por la idea de que las expresiones ordinarias y depictivas son vitales e importantes, pero que el sentido de su disposición debe estar abierto a toda la gama de imaginación según la dialéctica hegeliana. También miraron a la dialéctica marxista y al trabajo de teóricos como Walter Benjamin y Herbert Marcuse.

El trabajo de Freud con la asociación libre, el análisis de los sueños y el inconsciente fue de suma importancia para los surrealistas en el desarrollo de métodos para liberar la imaginación. Abrazaron la idiosincrasia, mientras rechazaban la idea de una locura subyacente. Como proclamó más tarde Salvador Dalí, «Solo hay una diferencia entre un loco y yo. No estoy enojado».

Además del uso del análisis de los sueños, enfatizaron que «uno podría combinar dentro del mismo marco, elementos que normalmente no se encuentran juntos para producir efectos ilógicos y sorprendentes». Breton incluyó la idea de las sorprendentes yuxtaposiciones en su manifiesto de 1924, tomándolo a su vez de un ensayo de 1918 del poeta Pierre Reverdy, que decía: «una yuxtaposición de dos realidades más o menos distantes. Cuanto más se relaciona la realidad entre dos realidades yuxtapuestas». distante y verdadero, cuanto más fuerte sea la imagen, mayor será su poder emocional y realidad poética «.

El grupo pretendía revolucionar la experiencia humana, en sus aspectos personales, culturales, sociales y políticos. Querían liberar a la gente de la falsa racionalidad y de las costumbres y estructuras restrictivas. Breton proclamó que el verdadero objetivo del surrealismo era «¡viva la revolución social, y solo!» Para este objetivo, en varios momentos los surrealistas se alinearon con el comunismo y el anarquismo.

En 1924 dos facciones surrealistas declararon su filosofía en dos Manifiestos surrealistas separados. Ese mismo año se estableció la Oficina de Investigación Surrealista, y comenzó a publicar la revista La Révolution surréaliste.

Manifiestos surrealistas
Antes de 1924, se habían formado dos grupos surrealistas rivales. Cada grupo afirmó ser el sucesor de una revolución lanzada por Guillaume Apollinaire. Un grupo, dirigido por Yvan Goll, estaba formado por Pierre Albert-Birot, Paul Dermée, Céline Arnauld, Francis Picabia, Tristan Tzara, Giuseppe Ungaretti, Pierre Reverdy, Marcel Arland, Joseph Delteil, Jean Painlevé y Robert Delaunay, entre otros.

El otro grupo, liderado por Breton, incluía a Louis Aragon, Robert Desnos, Paul Éluard, Jacques Baron, Jacques-André Boiffard, Jean Carrive, René Crevel y Georges Malkine, entre otros.

Yvan Goll publicó el Manifeste du surréalisme, el 1 de octubre de 1924, en su primer y único número de Surréalisme, dos semanas antes del lanzamiento de Manifeste du surréalisme de Breton, publicado por Éditions du Sagittaire el 15 de octubre de 1924.

Goll y Breton se enfrentaron abiertamente, en un momento literalmente peleando, en la Comédie des Champs-Élysées, por los derechos del término Surrealismo. Al final, Breton ganó la batalla a través de la superioridad táctica y numérica. Aunque la disputa sobre la anterioridad del surrealismo concluyó con la victoria de Breton, la historia del surrealismo a partir de ese momento quedaría marcada por fracturas, renuncias y contundentes excomuniones, con cada surrealista teniendo su propia visión del asunto y los objetivos, y aceptando más o menos las definiciones presentadas por André Breton.

El Manifiesto surrealista de Breton de 1924 define los propósitos del surrealismo. Incluyó citas de las influencias sobre el surrealismo, ejemplos de obras surrealistas y discusiones sobre el automatismo surrealista. Él proporcionó las siguientes definiciones:

Diccionario: surrealismo, n. Automatismo psíquico puro, mediante el cual se propone expresar, ya sea verbalmente, por escrito o de cualquier otro modo, el funcionamiento real del pensamiento. Dictado del pensamiento en ausencia de todo control ejercido por la razón, fuera de toda preocupación estética y moral.

Enciclopedia: surrealismo. Filosofía. El surrealismo se basa en la creencia en la realidad superior de ciertas formas de asociaciones anteriormente descuidadas, en la omnipotencia del sueño, en el juego desinteresado del pensamiento. Tiende a arruinar de una vez por todas otros mecanismos psíquicos y a sustituirlos por resolver todos los principales problemas de la vida.

Oficina de Investigación Surrealista
La Oficina de Investigación Surrealista (Centrale Surréaliste) fue el centro de los escritores y artistas surrealistas para reunirse, mantener conversaciones y realizar entrevistas. Investigaron el habla en trance.

Expansión
El movimiento a mediados de la década de 1920 se caracterizó por reuniones en cafés donde los surrealistas jugaban juegos de dibujo en colaboración, discutían las teorías del surrealismo y desarrollaban una variedad de técnicas tales como el dibujo automático. Inicialmente, Breton dudó que las artes visuales pudieran incluso ser útiles en el movimiento surrealista ya que parecían menos moldeables y abiertas al azar y al automatismo. Esta precaución fue superada por el descubrimiento de técnicas como el frottage y la decalcomanía.

Pronto se involucraron más artistas visuales, incluidos Giorgio de Chirico, Max Ernst, Joan Miró, Francis Picabia, Yves Tanguy, Salvador Dalí, Luis Buñuel, Alberto Giacometti, Valentine Hugo, Méret Oppenheim, Toyen, Kansuke Yamamoto y más tarde después de la segunda guerra: Enrico Donati. Aunque Breton admiraba a Pablo Picasso y Marcel Duchamp y los cortejó para unirse al movimiento, permanecieron periféricos. También se unieron más escritores, incluidos los antiguos dadaístas Tristan Tzara, René Char y Georges Sadoul.

En 1925 se formó un grupo surrealista autónomo en Bruselas. El grupo incluyó al músico, poeta y artista ELT Mesens, el pintor y escritor René Magritte, Paul Nougé, Marcel Lecomte y André Souris. En 1927 se les unió el escritor Louis Scutenaire. Mantenían correspondencia regularmente con el grupo de París, y en 1927 Goemans y Magritte se mudaron a París y frecuentaron el círculo de Breton. Los artistas, con sus raíces en el dadaísmo y el cubismo, la abstracción de Wassily Kandinsky, el expresionismo y el postimpresionismo, también llegaron a antiguas «líneas de sangre» como Hieronymus Bosch, y las llamadas artes primitivas e ingenuas.

Los dibujos automáticos de André Masson de 1923 se usan a menudo como el punto de aceptación de las artes visuales y la ruptura con Dada, ya que reflejan la influencia de la idea de la mente inconsciente. Otro ejemplo es el Torso de 1925 de Giacometti, que marcó su movimiento a las formas simplificadas y la inspiración de la escultura preclásica.

Sin embargo, un ejemplo sorprendente de la línea utilizada para dividir Dada y Surrealismo entre los expertos en arte es el emparejamiento de Little Machine Construido por Minimax Dadamax en persona (Von minimax dadamax selbst konstruiertes maschinchen) con The Kiss (Le Baiser) de 1927 por Max Ernst . En general, se considera que el primero tiene una distancia y un subtexto erótico, mientras que el segundo presenta un acto erótico de manera abierta y directa. En el segundo, la influencia de Miró y el estilo de dibujo de Picasso es visible con el uso de líneas y colores que se curvan y se cruzan, mientras que el primero toma una franqueza que luego sería influyente en movimientos como el Pop art.

Giorgio de Chirico, y su desarrollo anterior de arte metafísico, fue una de las figuras importantes de unión entre los aspectos filosóficos y visuales del surrealismo. Entre 1911 y 1917, adoptó un estilo pictórico no ornamentado cuya superficie sería adoptada por otros más tarde. La Torre Roja (La tour rouge) de 1913 muestra los claros contrastes de color y el estilo ilustrativo adoptado posteriormente por los pintores surrealistas. Su 1914 La nostalgia del poeta (La nostalgia del poeta) tiene la figura alejada del espectador, y la yuxtaposición de un busto con gafas y un pez como relieve desafía la explicación convencional. También fue un escritor cuya novela Hebdomeros presenta una serie de paisajes oníricos con un uso inusual de signos de puntuación, sintaxis y gramática diseñados para crear una atmósfera y enmarcar sus imágenes. Sus imágenes, incluidos los escenografías de los Ballets Russes, crearían una forma decorativa de surrealismo, y sería una influencia para los dos artistas que estarían aún más estrechamente asociados con el surrealismo en la mente del público: Dalí y Magritte. Sin embargo, dejaría el grupo surrealista en 1928.

En 1924, Miró y Masson aplicaron el surrealismo a la pintura. La primera exposición surrealista, La Peinture Surrealiste, se celebró en Galerie Pierre en París en 1925. Mostró obras de Masson, Man Ray, Paul Klee, Miró y otros. El espectáculo confirmó que el surrealismo tenía un componente en las artes visuales (aunque inicialmente se había debatido si esto era posible), y se usaron técnicas de Dada, como el fotomontaje. El año siguiente, el 26 de marzo de 1926, Galerie Surréaliste abrió con una exposición de Man Ray. Breton publicó el Surrealismo y la Pintura en 1928 que resumió el movimiento hasta ese punto, aunque continuó actualizando el trabajo hasta la década de 1960.

Literatura surrealista
La primera obra surrealista, según el líder Breton, fue Les Champs Magnétiques (mayo-junio de 1919). Littérature contenía obras automatizadas y relatos de sueños. La revista y el porfolio mostraron su desdén por los significados literales dados a los objetos y se enfocaron más bien en los trasfondos, las corrientes poéticas presentes. No solo dieron énfasis a las corrientes poéticas, sino también a las connotaciones y matices que «existen en relaciones ambiguas con las imágenes visuales».

Debido a que los escritores surrealistas rara vez, o nunca, parecen organizar sus pensamientos y las imágenes que presentan, algunas personas encuentran que gran parte de su trabajo es difícil de analizar. Sin embargo, esta noción es una comprensión superficial, inducida sin duda por el énfasis inicial de Breton en la escritura automática como la ruta principal hacia una realidad superior. Pero, como en el caso de Breton, gran parte de lo que se presenta como puramente automático en realidad está editado y muy «pensado». El propio Breton admitió más tarde que la centralidad de la escritura automática había sido exagerada, y se introdujeron otros elementos, especialmente cuando la creciente participación de artistas visuales en el movimiento forzó la cuestión, ya que la pintura automática requería un conjunto bastante más extenuante de enfoques. Así, se introdujeron elementos como el collage, que surgieron en parte de un ideal de yuxtaposiciones sorprendentes como se revela en la poesía de Pierre Reverdy. Y, como en el caso de Magritte (donde no existe un recurso obvio ni para las técnicas automáticas ni para el collage), la noción misma de unión convulsiva se convirtió en una herramienta para la revelación en sí misma. El surrealismo estaba destinado a estar siempre en flujo: ser más moderno que lo moderno, por lo que era natural que se produjera un rápido cambio de la filosofía a medida que surgían nuevos desafíos.

Los surrealistas revivieron el interés en Isidore Ducasse, conocido por su seudónimo Comte de Lautréamont, y por la frase «hermosa como el encuentro casual en una mesa de disección de una máquina de coser y un paraguas», y Arthur Rimbaud, dos escritores de finales del siglo XIX ser los precursores del surrealismo.

Ejemplos de literatura surrealista son Le Pèse-Nerfs de Artaud (1926), Irene’s Cunt de Aragón (1927), Muerte a los cerdos de Péret (1929), Mr. Knife Miss Fork de Crevel (1931), Blind Owl de Sadegh Hedayat (1937) y La ruta de San Romano de Breton’s Sur (1948).

La Révolution surréaliste continuó la publicación en 1929 con la mayoría de las páginas repletas de columnas de texto, pero también incluyó reproducciones de arte, entre ellas obras de De Chirico, Ernst, Masson y Man Ray. Otras obras incluyen libros, poemas, panfletos, textos automáticos y tratados teóricos.

Películas surrealistas
Las primeras películas de los surrealistas incluyen:

Entr’acte por René Clair (1924)
La Coquille et le clergyman de Germaine Dulac, guión de Antonin Artaud (1928)
L’Étoile de mer de Man Ray (1928)
Un Chien Andalou de Luis Buñuel y Salvador Dalí (1929)
L’Âge d’Or por Buñuel y Dalí (1930)
Le sang d’un poète de Jean Cocteau (1930)
Teatro surrealista
La palabra surrealista fue utilizada por primera vez por Guillaume Apollinaire para describir su obra de 1917 Les Mamelles de Tirésias («Las mamas de Tiresias»), que luego fue adaptada en una ópera de Francis Poulenc.

Antonin Artaud, un surrealista temprano, rechazó la mayoría del teatro occidental como una perversión de su intención original, que sintió que debería ser una experiencia mística y metafísica. Él pensó que el discurso racional comprendía «falsedad e ilusión». Teorizando una nueva forma teatral que sería inmediata y directa, que uniría las mentes inconscientes de los artistas y espectadores en una especie de evento ritual, Artaud creó el Teatro de la crueldad, en el que las emociones, los sentimientos y lo metafísico no se expresaron a través del lenguaje pero físicamente, creando una visión mitológica, arquetípica y alegórica, estrechamente relacionada con el mundo de los sueños.

El otro gran practicante de teatro que ha experimentado con el surrealismo en el teatro es el dramaturgo y director español Federico García Lorca, particularmente en sus obras The Public (1930), When Five Years Pass (1931) y Play Without a Title (1935). Otras obras surrealistas incluyen Back to the Wall de Aragón (1925) y The Mysteries of Love (1927) de Roger Vitrac y Victor, o The Children Take Over (1928). La ópera de Gertrude Stein, Doctor Faustus Lights the Lights (1938), también ha sido descrita como «surrealismo estadounidense», aunque también está relacionada con una forma teatral del cubismo.

Música surrealista
En la década de 1920, varios compositores fueron influenciados por el surrealismo o por individuos en el movimiento surrealista. Entre ellos estaban Bohuslav Martinů, André Souris, Erik Satie y Edgard Varèse, quienes declararon que su obra Arcana provenía de una secuencia de sueños. Souris, en particular, se asoció con el movimiento: tuvo una larga relación con Magritte y trabajó en la publicación Adieu Marie de Paul Nougé.

Germaine Tailleferre del grupo francés Les Six escribió varias obras que podrían considerarse inspiradas por el surrealismo, incluido el Ballet Paris-Magie de 1948 (escenario de Lise Deharme), las Operas La Petite Sirène (libro de Philippe Soupault) y Le Maître ( libro de Eugène Ionesco). Tailleferre también escribió canciones populares para textos de Claude Marci, la esposa de Henri Jeanson, cuyo retrato había sido pintado por Magritte en la década de 1930.

Aunque Breton en 1946 respondió negativamente al tema de la música con su ensayo Silence is Golden, más tarde los surrealistas, como Paul Garon, se interesaron por el surrealismo en la improvisación del jazz y el blues, y encontraron paralelismos con él. Músicos de jazz y blues ocasionalmente han correspondido a este interés. Por ejemplo, la Exposición Surrealista Mundial de 1976 incluyó actuaciones de David Honeyboy Edwards.

Surrealismo y política internacional
El surrealismo como fuerza política se desarrolló desigualmente en todo el mundo: en algunos lugares se hizo más hincapié en las prácticas artísticas, en otros lugares en las prácticas políticas, y en otros lugares aún, la praxis surrealista parecía reemplazar tanto al arte como a la política. Durante la década de 1930, la idea surrealista se extendió desde Europa a América del Norte, América del Sur (fundación del grupo Mandrágora en Chile en 1938), América Central, el Caribe y en toda Asia, como idea artística y como ideología del cambio político. .

Políticamente, el surrealismo era trotskista, comunista o anarquista. La separación de Dada se ha caracterizado como una división entre anarquistas y comunistas, con los surrealistas como comunistas. Bretón y sus camaradas apoyaron a León Trotsky y su Oposición de Izquierda Internacional durante un tiempo, aunque hubo una apertura al anarquismo que se manifestó más plenamente después de la Segunda Guerra Mundial. Algunos surrealistas, como Benjamin Péret, Mary Low y Juan Breá, se alinearon con las formas del comunismo de izquierda. Otros lucharon por la completa libertad de las ideologías políticas, como Wolfgang Paalen, quien, después del asesinato de Trotzky en México, preparó un cisma entre el arte y la política a través de su revista de arte contra-surrealista DYN y así preparó el terreno para los expresionistas abstractos. Dalí apoyó el capitalismo y la dictadura fascista de Francisco Franco, pero no se puede decir que represente una tendencia en el surrealismo a este respecto; de hecho, fue considerado, por Breton y sus asociados, haber traicionado y abandonado el surrealismo. Benjamin Péret, Mary Low y Juan Breá se unieron al POUM durante la Guerra Civil Española.

Los seguidores de Breton, junto con el Partido Comunista, estaban trabajando para la «liberación del hombre». Sin embargo, el grupo de Breton se rehusó a priorizar la lucha proletaria sobre la creación radical, de modo que sus luchas con el Partido hicieron que el final de la década de 1920 fuera un momento turbulento para ambos. Muchas personas estrechamente asociadas con Breton, especialmente Louis Aragon, dejaron su grupo para trabajar más estrechamente con los comunistas.

Los surrealistas a menudo han buscado vincular sus esfuerzos con ideales y actividades políticas. En la Declaración del 27 de enero de 1925, por ejemplo, los miembros de la Oficina de Investigación Surrealista con sede en París (incluidos André Breton, Louis Aragon y Antonin Artaud, así como otras dos docenas más) declararon su afinidad por la política revolucionaria. Si bien esta fue inicialmente una formulación algo vaga, en la década de 1930 muchos surrealistas se identificaron fuertemente con el comunismo. El documento más destacado de esta tendencia dentro del surrealismo es el Manifiesto por un Arte Revolucionario Libre, publicado bajo los nombres de Breton y Diego Rivera, pero en realidad es co-escrito por Breton y León Trotsky.

Sin embargo, en 1933 la afirmación de los surrealistas de que una «literatura proletaria» dentro de una sociedad capitalista era imposible llevó a su ruptura con la Association des Écrivains et Artistes Révolutionnaires, y la expulsión de Breton, Éluard y Crevel del Partido Comunista.

En 1925, el grupo surrealista de París y la extrema izquierda del Partido Comunista Francés se unieron para apoyar a Abd-el-Krim, líder del levantamiento del Rif contra el colonialismo francés en Marruecos. En una carta abierta al escritor y embajador de Francia en Japón, Paul Claudel, el grupo de París anunció:

«Nosotros los surrealistas nos pronunciamos a favor de cambiar la guerra imperialista, en su forma crónica y colonial, en una guerra civil. Así pusimos nuestras energías a disposición de la revolución, del proletariado y sus luchas, y definimos nuestra actitud hacia el problema colonial, y por lo tanto hacia la cuestión del color «.
La política anticolonial revolucionaria y proletaria del «humanitarismo asesino» (1932), redactada principalmente por René Crevel, firmada por André Breton, Paul Éluard, Benjamin Péret, Yves Tanguy y los surrealistas de Martiniquan, Pierre Yoyotte y JM Monnerot tal vez sea la original. documento de lo que luego se llama ‘surrealismo negro’, aunque es el contacto entre Aimé Césaire y Breton en la década de 1940 en Martinica lo que realmente llevó a la comunicación de lo que se conoce como ‘surrealismo negro’.

Los escritores revolucionarios anticoloniales en el movimiento de Négritude de Martinica, una colonia francesa de la época, tomaron el surrealismo como un método revolucionario: una crítica de la cultura europea y una subjetividad radical. Esto se relacionó con otros surrealistas y fue muy importante para el posterior desarrollo del surrealismo como una praxis revolucionaria. El diario Tropiques, que presenta el trabajo de Césaire junto con Suzanne Césaire, René Ménil, Lucie Thésée, Aristide Maugée y otros, se publicó por primera vez en 1941.

En 1938 André Breton viajó con su esposa, la pintora Jacqueline Lamba, a México para encontrarse con Trotsky (quedándose como invitado de la ex esposa de Diego Rivera, Guadalupe Marin), y allí conoció a Frida Kahlo y vio sus pinturas por primera vez. Bretón declaró a Kahlo como un pintor surrealista «innato».

edad de oro
Durante la década de 1930, el surrealismo continuó haciéndose más visible para el público en general. Un grupo surrealista se desarrolló en Londres y, según Breton, su Exposición Surrealista Internacional de Londres de 1936 fue una marca de agua de la época y se convirtió en el modelo para las exposiciones internacionales. Otro grupo surrealista inglés se desarrolló en Birmingham, mientras tanto, y se distinguió por su oposición a los surrealistas de Londres y las preferencias por el corazón francés del surrealismo. Los dos grupos se reconciliarían más adelante en la década.

Dalí y Magritte crearon las imágenes más ampliamente reconocidas del movimiento. Dalí se unió al grupo en 1929 y participó en el rápido establecimiento del estilo visual entre 1930 y 1935.

El surrealismo como movimiento visual había encontrado un método: exponer la verdad psicológica; despojar a los objetos ordinarios de su significado normal, para crear una imagen convincente que estaba más allá de la organización formal ordinaria, con el fin de evocar la empatía del espectador.

1931 fue un año en el que varios pintores surrealistas produjeron obras que marcaron momentos decisivos en su evolución estilística: La Voz del espacio de Magritte es un ejemplo de este proceso, donde tres grandes esferas que representan campanas cuelgan sobre un paisaje. Otro paisaje surrealista de este mismo año es el Palacio Promontorio de Yves Tanguy (Palais promontoire), con sus formas fundidas y formas líquidas. Las formas líquidas se convirtieron en la marca registrada de Dalí, particularmente en su The Persistence of Memory, que presenta la imagen de relojes que se combinan como si se estuvieran derritiendo.

Las características de este estilo -una combinación de lo descriptivo, lo abstracto y lo psicológico- llegaron a representar la alienación que mucha gente sentía en el período moderno, combinada con la sensación de llegar más profundamente a la psique, para ser «hecha» todo con la individualidad de uno «.

Entre 1930 y 1933, el Grupo Surrealista en París emitió el periódico Le Surréalisme au service de la révolution como sucesor de La Révolution surréaliste.

Desde 1936 hasta 1938, Wolfgang Paalen, Gordon Onslow Ford y Roberto Matta se unieron al grupo. Paalen contribuyó con Fumage y Onslow Ford Coulage como nuevas técnicas automáticas pictóricas.

Mucho después de que las tensiones personales, políticas y profesionales fragmentaron al grupo surrealista, Magritte y Dalí continuaron definiendo un programa visual en las artes. Este programa va más allá de la pintura, para abarcar también la fotografía, como se puede ver en un autorretrato de Man Ray, cuyo uso del ensamblaje influyó en las cajas de collage de Robert Rauschenberg.

Durante la década de 1930, Peggy Guggenheim, un importante coleccionista estadounidense de arte, se casó con Max Ernst y comenzó a promover el trabajo de otros surrealistas como Yves Tanguy y el artista británico John Tunnard.

Grandes exposiciones en la década de 1930

1936 – London International Surrealist Exhibition se organiza en Londres por el historiador de arte Herbert Read, con una introducción de André Breton.
1936: el Museo de Arte Moderno de Nueva York muestra la exposición Arte Fantástico, Dada y Surrealismo.
1938 – Se celebró una nueva Exposición Internacional del Surrealismo en la Galería Beaux-arts, París, con más de 60 artistas de diferentes países, y mostró alrededor de 300 pinturas, objetos, collages, fotografías e instalaciones. Los surrealistas querían crear una exposición que en sí misma sería un acto creativo y pidieron a Marcel Duchamp, Wolfgang Paalen, Man Ray y otros que lo hicieran. En la entrada de la exposición, Salvador Dalí colocó su Rainy Taxi (un viejo taxi amañado para producir una lluvia constante en el interior de las ventanas, y una criatura con cabeza de tiburón en el asiento del conductor y un maniquí rubio con caracoles vivos en la parte trasera ) saludó a los clientes que estaban en traje de noche completo. La calle surrealista llenó un lado del vestíbulo con maniquíes vestidos por varios surrealistas. Paalen y Duchamp diseñaron la sala principal para que pareciera una cueva subterránea con 1,200 bolsas de carbón suspendidas del techo sobre un brasero de carbón con una única bombilla que proporcionaba la única iluminación, así como el suelo cubierto con hojas húmedas y barro. Los clientes recibieron linternas con las que ver el arte. En el suelo, Wolfgang Paalen creó un pequeño lago con hierbas y el aroma del café tostado llenó el aire. Para satisfacción de los surrealistas, la exposición escandalizó a los espectadores.