En arte, un estudio es un dibujo, boceto o pintura hecho en preparación para una pieza terminada, o como notas visuales. Los estudios a menudo se utilizan para comprender los problemas que implica la representación de los sujetos y para planificar los elementos que se utilizarán en los trabajos terminados, como la luz, el color, la forma, la perspectiva y la composición. Los estudios pueden tener más impacto que el trabajo planificado más elaborado, debido a los nuevos conocimientos que el artista obtiene al explorar el tema. La emoción del descubrimiento puede dar una vitalidad de estudio. Incluso cuando las capas del trabajo muestran cambios que el artista hizo a medida que se entendía más, el espectador comparte más del sentido de descubrimiento del artista. Las notas escritas junto con las imágenes visuales se suman a la importación de la pieza, ya que permiten al espectador compartir el proceso del artista para conocer el tema.
Los estudios inspiraron algunos de los primeros arte conceptual del siglo XX, donde el proceso creativo se convierte en el tema de la obra. Dado que el proceso es lo más importante en los estudios y el arte conceptual, el espectador puede quedar sin objeto material de arte.
Estudio es la denominación que se da al croquis preparatorio de una obra pictórica (en cuyo caso también se denomina «boceto»), o a la nota visual que toma el pintor (en cuyo caso también se denomina «apunte»). Puede ser tanto un dibujo como un trabajo más complejo realizado con cualquier tipo de técnica (estudio al óleo).
Los pintores realizan estudios para entender los problemas que suscita una obra y planear los elementos que terminarán componiéndola, en aspectos tales como la luz, el color, la forma, la perspectiva y la composición.
En algunos casos, el estudio alcanza mayor impacto que la obra terminada, a causa de la frescura del trabajo del artista mientras explora el tema. La excitación del descubrimiento puede dar vitalidad a un estudio, a lo que puede ayudar los cambios y arrepentimientos del artista. A veces el pintor yuxtapone o superpone variaciones del mismo o distintos asuntos, o añade notas escritas, conservando o cambiando la verticalidad, o aprovecha zonas que habían quedado vacías en un estudio previo (incluyendo el reverso); todo lo cual permite comprender mejor el proceso de su trabajo pictórico.
El arte conceptual del siglo XX, en el que el proceso creativo en sí mismo es el tema de la obra, elimina la diferencia entre estudio y obra terminada, que no tiene por que ser ningún objeto material.
Se han conservado estudios pictóricos de los grandes maestros del Pleno Renacimiento italiano; como por ejemplo algunos de Miguel Ángel. En uno de ellos, para la Sibila libia del techo de la Capilla Sixtina, puede apreciarse que la composición definitiva estaba basada inicialmente en un modelo masculino; en otro, para la Deposición, que una figura femenina se concibió inicialmente como un desnudo adolescente. De Leonardo se conservan numerosos estudios, la mayor parte encuadernados, junto con todo tipo de notas y observaciones (Códice Atlántico, Códices Madrid I-II, Códice Hammer, Códice sobre el vuelo de los pájaros, Codex Trivulzianus, Codex Arundel); entre otros, se conservan algunos que permiten comprobar cómo estudiaba variaciones en la postura de las manos de La Gioconda o el movimiento de los caballos de La batalla de Anghiari. De Rafael se ha conservado un gran conjunto de estudios preparatorios y cartones, que permiten reconstruir sus técnicas y proceso creativo.
Los estudios se remontan incluso al Renacimiento italiano, del que los historiadores del arte han conservado algunos de los estudios de Miguel Ángel. Uno en particular, su estudio para la Sibila libia en el techo de la Capilla Sixtina, se basa en un modelo masculino, aunque la pintura terminada es de mujer. Tales detalles ayudan a revelar los procesos de pensamiento y las técnicas de muchos artistas.