Arquitectura efímera barroca española

La arquitectura efímera tuvo una especial relevancia en el barroco español, ya que cumplía funciones tan estéticas como políticas, religiosas y sociales. Por un lado, era un componente indispensable de soporte para realizaciones arquitectónicas, llevado a cabo de manera perecedera y transitoria, lo que permitió una reducción en el costo de los materiales y una forma de capturar nuevos diseños y soluciones más originales y audaces del nuevo Estilo barroco., Lo que no podría hacerse en construcciones convencionales. Por otro lado, su volubilidad hizo posible la expresión de una amplia gama de producciones diseñadas según sus diferentes funcionalidades: arcos triunfales para la recepción de reyes y personajes aristocráticos, catafalcos para ceremonias religiosas, túmulos funerarios y diversos escenarios para actos sociales o religiosos. , como la fiesta del Corpus o la Semana Santa.

Estas realizaciones solían estar profusamente decoradas, y desarrollaron un programa iconográfico que enfatizaba el poder de las clases dominantes de la época, tanto políticas como religiosas: en la esfera política exaltaba el poder omnipotente de la monarquía absolutista, mientras que en las religiones elogiaba el dominio espiritual de la Iglesia de la Contrarreforma. Solían tener un alto componente de propaganda, como vehículos de ostentación de estas clases dominantes, por lo que estaban dirigidos principalmente a las personas, que fueron los destinatarios de estas magníficas ceremonias y espectáculos.

Aunque no ha habido rastros materiales de este tipo de trabajo, se conocen gracias a los dibujos y grabados, así como a los relatos literarios de la época, que los describieron con gran detalle. Muchos escritores y cronistas se dedicaron a este tipo de descripciones, dando lugar incluso a un nuevo género literario, las «relaciones».

El Barroco: una cultura de la imagen
La arquitectura es el arte y la técnica de construir edificios, diseñando espacios y volúmenes con un propósito utilitario, principalmente viviendas, pero también diversas construcciones de signos sociales, civiles o religiosos. El espacio, siendo modificado por el ser humano, se transmuta, adquiere un nuevo sentido, una nueva percepción, con el que adquiere una dimensión cultural, mientras que adquiere un significado estético, ya que se percibe de manera intelectual y artística, como una expresión de los valores socioculturales inherentes a cada pueblo y cultura. Este carácter estético puede dar al espacio un componente efímero, para ser utilizado en eventos públicos y celebraciones, rituales, fiestas, mercados, espectáculos, servicios religiosos, eventos oficiales, eventos políticos, etc.

En el Barroco, las artes se unieron para crear una obra de arte total, con una estética escenográfica y teatral, una puesta en escena que resaltaba el esplendor del poder dominante (Iglesia o Estado). La interacción de todas las artes expresaba el uso del lenguaje visual como un medio de comunicación de masas, encarnado en una concepción dinámica de la naturaleza y el espacio circundante, en una cultura de la imagen.

Una de las características principales del arte barroco es su naturaleza ilusoria y artificial: «el ingenio y el diseño son el arte mágico mediante el cual se llega a engañar al ojo hasta que uno se sorprende» (Gian Lorenzo Bernini). Lo visual y lo efímero fueron particularmente valorados, por lo que el teatro y los diversos géneros de artes escénicas y espectáculos ganaron popularidad: danza, pantomima, drama musical (oratorio y melodrama), espectáculos de marionetas, acrobacias, circos, etc. Hubo una sensación de que el el mundo es un teatro (theatrum mundi) y la vida es una función teatral: «el mundo entero es un escenario, y todos los hombres y las mujeres son meros actores» (como te gusta, William Shakespeare, 1599). 3 Del mismo modo, las otras artes, especialmente la arquitectura, tienden a ser dramatizadas. Era un arte que se basaba en la inversión de la realidad: en la «simulación», al convertir lo falso en verdadero y en «disimulación», pasar lo verdadero por falso. No muestran las cosas como son, sino como les gustaría que fueran, especialmente en el mundo católico, donde la Contrarreforma tuvo un éxito exiguo, ya que la mitad de Europa pasó al protestantismo. En la literatura se manifestó dando rienda suelta al artificio retórico, como medio de expresión propagandística en el que la suntuosidad del lenguaje buscaba reflejar la realidad de forma endulzada, recurriendo a figuras retóricas como la metáfora, la paradoja, la hipérbole, la antítesis, el hyperbaton, la elipsis Esta transposición de la realidad, que está distorsionada y magnificada, alterada en sus proporciones y sujeta al criterio subjetivo de la ficción, también pasó al campo de la pintura, donde se abusa del escorzo y de la perspectiva ilusionista en aras de efectos mayores y sorprendentes. y sorprendente.

El arte barroco buscaba la creación de una realidad alternativa a través de la ficción y la ilusión. Esta tendencia tuvo su máxima expresión en la fiesta y la celebración lúdica: edificios como iglesias o palacios, o un barrio o una ciudad entera, se convirtieron en teatros de la vida, en escenarios donde la realidad y la ilusión se mezclaron, donde los sentidos fueron sometidos a engaño y artificio. En este aspecto, la Iglesia de la Contrarreforma tuvo un papel especial, que buscó con pompa y esplendor mostrar su superioridad sobre las iglesias protestantes, con actos tales como misas solemnes, canonizaciones, jubileos, procesiones o investidura papal. Pero igual de espléndidas fueron las celebraciones de la monarquía y la aristocracia, con eventos como coronaciones, matrimonios y nacimientos reales, funerales, victorias militares, visitas de embajadores o cualquier evento que le permitiera al monarca desplegar su poder para admirar a la gente. Las fiestas barrocas significaban una conjugación de todas las artes, desde arquitectura y artes plásticas hasta poesía, música, danza, teatro, pirotecnia, arreglos florales, juegos acuáticos, etc. Arquitectos como Bernini o Pietro da Cortona, o Alonso Cano y Sebastián Herrera Barnuevo en España , contribuyeron con su talento a tales eventos, diseñando estructuras, coreografías, iluminaciones y otros elementos, que a menudo sirvieron como campo de pruebas para logros futuros más serios.

Durante el Barroco, el carácter ornamental, ornamentado y adornado del arte de esta época mostraba un sentido vital transitorio, relacionado con el memento mori, el valor efímero de la riqueza frente a la inevitabilidad de la muerte, en paralelo con el género pictórico de las vanitas. Este sentimiento nos llevó a valorar de manera vitalista la fugacidad del momento, a disfrutar de los momentos de recreación livianos que da la vida, o celebraciones y actos solemnes. Así, nacimientos, matrimonios, muertes, actos religiosos, o coronaciones reales y otros actos lúdicos o ceremoniales, fueron cubiertos con una pompa y un artificio de naturaleza teatral, donde se elaboraron grandes asambleas que aglutinaban la arquitectura y las decoraciones para proporcionar una magnificencia elocuente a cualquier celebración, que se convirtió en un espectáculo de carácter casi catártico, donde el elemento ilusorio, la atenuación de la frontera entre la realidad y la fantasía, adquirió especial relevancia.

Arquitectura barroca española
En España, la arquitectura de la primera mitad del siglo XVII acusó a la herencia herreriana, con una austeridad y simplicidad geométrica de influencia scurialense. El barroco se introdujo gradualmente sobre todo en la ornamentada decoración interior de iglesias y palacios, donde los retablos evolucionaban hacia niveles de magnificencia cada vez más elevados. En este período, Juan Gómez de Mora fue la figura más destacada, con logros como el Clero de Salamanca (1617), el Ayuntamiento (1644-1702) y la Plaza Mayor de Madrid (1617-1619). Otros arquitectos de la época fueron Alonso Carbonel, autor del Palacio del Buen Retiro (1630-1640), o Pedro Sánchez y Francisco Bautista, autores de la Colegiata de San Isidro de Madrid (1620-1664).

A mediados de siglo, las formas más ricas y los volúmenes más libres y dinámicos ganaban terreno, con decoraciones naturalistas (coronas, corchetes vegetales) o formas abstractas (molduras y baquetones recortados, generalmente en forma mixtilínea). En este momento vale la pena recordar los nombres de Pedro de la Torre, José de Villarreal, José del Olmo, Sebastián Herrera Barnuevo y, especialmente, Alonso Cano, autor de la fachada de la Catedral de Granada (1667).

Entre finales de siglo y principios del XVIII se impartió el estilo churrigueresco (de los hermanos Churriguera), caracterizado por su decorativismo exuberante y el uso de las columnas salomónicas. José Benito Churriguera fue el autor del retablo mayor de San Esteban. de Salamanca (1692) y la fachada de la iglesia-palacio de Nuevo Baztán en Madrid (1709-1722); Alberto Churriguera proyectó la Plaza Mayor de Salamanca (1728-1735); y Joaquín Churriguera fue el autor del Colegio de Calatrava (1717) y el claustro de San Bartolomé (1715) en Salamanca, de influencia plateresca. Otras figuras de la época fueron: Teodoro Ardemans, autor de la fachada del Ayuntamiento de Madrid y primer proyecto del Palacio Real de La Granja de San Ildefonso (1718-1726); Pedro de Ribera, autor del Puente de Toledo (1718-1732), el Cuartel del Conde-Duque (1717) y la fachada de la Iglesia de Nuestra Señora de Montserrat en Madrid (1720); Narciso Tomé, autor de la Transparente de la Catedral de Toledo (1721-1734); el alemán Konrad Rudolf, autor de la fachada de la Catedral de Valencia (1703); Jaime Bort, arquitecto de la fachada de la Catedral de Murcia (1736-1753); Vicente Acero, que diseñó la Catedral de Cádiz (1722-1762); y Fernando de Casas Novoa, autor de la fachada del Obradoiro de la Catedral de Santiago de Compostela (1739-1750).

Lo efímero en la arquitectura barroca española
El esplendor de la arquitectura efímera tuvo lugar en la Edad Moderna, en el Renacimiento y, especialmente, en el Barroco, épocas de consolidación de la monarquía absoluta, cuando los monarcas europeos trataron de elevar su figura sobre la de sus súbditos, recurriendo a todo tipo de de actos propagandísticos y exaltantes de su poder, en ceremonias políticas y religiosas o celebraciones de naturaleza lúdica, que mostraban la magnificencia de su gobierno.

Cabe señalar que aunque este período fue un cierto declive político y económico, en el campo cultural fue un gran esplendor, la llamada Edad de Oro, con un magnífico florecimiento de la literatura y las artes. Por otro lado, aunque en el campo político la monarquía era resueltamente autoritaria, la forma de gobernar mostraba un fuerte componente populista; mientras que en la esfera religiosa, la fe estricta se combinaba con una cosmovisión de naturaleza realista y crítica. Estos elementos contribuyeron a la voluntad de un arte cercano al pueblo, que mostró de manera fácil y directa los aspectos morales e ideológicos que las clases dominantes querían transmitir a sus súbditos. Así, según el historiador José Antonio MaravallBaroque el arte y la cultura estaban «dirigidos», ya que su objetivo era la comunicación; «Masivo», ya que fue dirigido a la ciudad; y «conservador», ya que buscaba perpetuar los valores tradicionales.

Estas distracciones ayudaron a la población a hacer frente a sus dificultades: según Jerónimo de Barrionuevo, «estos divertimentos son muy necesarios para poder soportar tantas adversidades». Esta evasión de la realidad lleva a Antonio Bonet Correa a describir este período como «espacio y tiempo utópico», ya que no deja de ser un alivio temporal a la dura realidad de la mayoría de la población, inmersa en la miseria.

La arquitectura efímera se hizo generalmente con materiales pobres y perecederos, como madera, cartón, tela, estuco, caña, papel, estopa, cal o yeso, que sin embargo fueron realzados por la monumentalidad de las obras y sus diseños originales y extravagantes, como así como por la suntuosidad de la decoración ornamental. Fueron obras en las que participaron la arquitectura y la escultura, la pintura y las artes decorativas, y donde la escenografía fue particularmente importante. Se podía hacer tanto dentro de edificios -en general templos religiosos- como en las calles de pueblos y ciudades, a través de numerosas tipologías de edificios , como arcos triunfales, castillos, pórticos, templos, catafalcos, pabellones, galerías, columnatas, logias, edículos, pirámides, obeliscos, pedestales, baldaquinos, tramoyas, altares, marquesinas, etc. 16 También fueron relevantes las esculturas, tapices, telas y pinturas; este último a menudo representaba arquitecturas o paisajes fingidos, con la representación habitual de «parnasianos», se alzaba con vegetación, ríos y fuentes en las que figuraban dioses, musas y figuras históricas. Otros elementos decorativos fueron cuencos, tapices florales, guirnaldas, cornucopias, espejos, candelabros, escudos y banderas. Además de todo esto, debemos tener en cuenta elementos móviles como carruajes o pasos de procesiones, séquitos y comitivas, mascaradas, mojigangas, juegos de bastones y autos de fe, así como otros elementos como fuegos artificiales, corridas de toros, naumaquias, justas y simulaciones de guerra, música, danza, teatro y otros géneros del espectáculo.

Tal vez el elemento más emblemático de la arquitectura efímera barroca fue el montículo funerario, ya que significó más que ninguna otra la concepción de lo transitorio, la fugacidad de la vida, que se traduce en la fugacidad del partido, de la celebración efímera. Las burbujas fúnebres representan, además de la arquitectura efímera, el azar, la vacuidad, la naturaleza fugaz de la existencia, el contraste de la temporalidad corporal con la inmortalidad del alma. Por lo tanto, son frecuentes en la decoración de montículos y referencias a la muerte del catafalco, a través de esqueletos, calaveras, relojes de arena, velas y otros elementos alusivos al fin de la existencia humana. La evolución tipológica de los túmulos funerarios se derivó de los catafalcos tipo monumento heredados del Renacimiento Manierista al catafalco pirata del plenum barroco, con un plan turriforme y un templo en forma de cúpula, derivando hacia el final del Barroco en el catafalco del dosel ; ya a fines del siglo XVIII evolucionarían al obelisco catafalco, de estilo neoclásico. Cabe señalar que los túmulos funerarios estaban reservados para la familia real, hasta que en 1696 Carlos II aprobó su apertura a los miembros de la aristocracia y la jerarquía eclesiástica.

Muchos arquitectos utilizaron la arquitectura efímera como un banco de pruebas para fórmulas y soluciones originales y más audaces que en la arquitectura convencional, que luego probaron en realizaciones estables, con lo que esta modalidad ayudó poderosamente al progreso de la arquitectura española. Algunos de los arquitectos más reconocidos llevaron a cabo este tipo de trabajos, como Juan Gómez de Mora, Pedro de la Torre, José Benito Churriguera, Alonso Cano, José del Olmo y Sebastián Herrera Barnuevo. Incluso artistas de renombre intervinieron en este tipo de trabajos, como El Greco, en el diseño del túmulo de Margarit de Austria-Estiria (1612); Rubens a la entrada del cardenal infante Fernando de Austria en Amberes en 1635; Velázquez, en la decoración de la boda de Luis XIV y María Teresa de Austria, en la Isla de los Faisanes (1660); o Murillo, en la celebración de la Inmaculada Concepción en Sevilla (1665).

Cualquier evento fue adecuado para la celebración efímera: los monarcas celebraban de manera suntuosa cada evento relevante en sus vidas, como nacimientos, bautizos, onomástica, bodas, ceremonias de entronización, visitas a ciudades, victorias militares, acuerdos diplomáticos, funerales, etc. En cuanto a las celebraciones religiosas, las del Corpus Christi y la Semana Santa, celebradas con procesiones, viacrucis, rogativas, misas y automóviles sacramentales, donde solían montar grandes escenarios para las festividades, y junto con las procesiones religiosas se añadían elementos folclóricos como máscaras, mojigones, fanfarrias, gigantes y grandes cabezas. Otras celebraciones fueron motivadas por actos puntuales, generalmente canonizaciones, como Luis Bertrán en 1608, Francisco Javier, Ignacio de Loyola, Isidro Labrador y Teresa de Jesús en 1622, Tomás de Villanueva en 1658, Francisco de Borja en 1671 o Pascual Baylón en 1690 ; o decretos pontificios, como el escrito de Alejandro VII en el que reconoció la Inmaculada Concepción de la Virgen (1662). Un significado especial tuvo la canonización de Fernando III en 1671, ya que aglutinó en un mismo interés a la Iglesia y la monarquía, conjugando los valores de las clases dominantes del Antiguo Régimen.

La comisión de la monarquía y la Iglesia trajo un cierto apoyo a los profesionales de la arquitectura, las artes plásticas y decorativas y las artesanías, que tenían asignaciones de trabajo en una época de crisis económica en la que había poco trabajo a nivel civil. 28 Por otro lado, la arquitectura efímera alcanzó un nivel de popularidad que otorgó gran prestigio al profesional que la realizó: así se celebró el concurso para la entrega del funeral de María Luisa de Orleans en 1689, ganado por un extraño hasta entonces José Benito de Churriguera, lo sirvió para lanzar con gran éxito su carrera profesional.

Debe notarse que de estas realizaciones efímeras no ha habido restos materiales, y solo se conocen por grabados y dibujos, y por relatos escritos que describen en detalle todos los detalles de estas celebraciones. Estas historias dieron lugar a un nuevo género literario, las «relaciones», que tienen como punto de referencia principal a Juan Calvete de Estrella, autor de The Imperial Tumulus, adornado con historias y signos y epitafios en prosa y verso latino (1559). Esta literatura abundaba en descripciones detalladas de los eventos celebrados por la monarquía y la Iglesia, con especial énfasis en los elementos simbólicos, a menudo encarnados en jeroglíficos y escudos, cuyos lemas, por lo general en latín, traducidos al español en verso. Por otro lado, estas crónicas no dejaron de mostrar los valores políticos, sociales y morales que los poderosos personajes que patrocinaron estos esplendores defendieron.

En el siglo dieciocho siguieron las mismas tipologías festivas, ya que los Borbones mantuvieron los mismos protocolos y repertorios de celebraciones y solemnidades. La evolución en las arquitecturas efímeras fue principalmente estilística, especialmente a partir del primer tercio del siglo, en que la promoción de la Academia de Bellas Artes de San Fernando promovió las líneas clasicistas, en un movimiento que sería bautizado como neoclasicismo. Por otro lado, el surgimiento de la Ilustración llevó a la reducción de la gran pompa religiosa del signo contrarreformista. Los nuevos eventos tenían un carácter más didáctico, con una distinción más clara entre lo sagrado y lo profano, y la música y la ópera se hicieron más relevantes.

Logros principales
Entrada de Felipe III en Lisboa (1619): fue honrado con la construcción de trece arcos triunfales, financiados por los gremios de la ciudad, decorados con dioses y héroes mitológicos, figuras alegóricas y referencias literarias tomadas de autores clásicos como Ovidio o Virgilio, o de Dante y textos bíblicos, además de escudos y emblemas de naturaleza simbólica. Los arcos mostraban un estilo arquitectónico de reminiscencias manieristas, inspirado en el trabajo de Serlio y Vignola.

Entrada de Mariana de Austria en Madrid (1649): fue planeada por Alonso Cano, quien construyó cuatro arcos triunfales dedicados a los cuatro continentes principales y los cuatro elementos, en esta relación: Europa-Aire, Asia-Tierra, África-Fuego y América-Agua. También construyó una fachada noble en el Buen Retiro, sobre pedestales de piedra de Berroque, con seis columnas de orden dórico y cornisas decoradas con castillos y leones. Junto a esta portada, en la fuente del Olivo del Antiguo Prado de San Jerónimo, se alza una montaña del Parnaso con dos cumbres, una presidida por Hércules -Sol y otra por Pegaso, con Apolo el centro y nueve estatuas dedicadas a las musas y Poetas españoles

Reconocimiento de la Inmaculada Concepción en Valencia (1662): se celebró durante medio año con mascaradas y cabalgatas, y se construyeron altares temporales por toda la ciudad, algunos con palos que arrojaban copos de algodón simulando nieve, aludiendo a la pureza de la Virgen . Una de las más elaboradas fue en la Facultad de Filosofía, cubierta con tapices y bordados de seda y oro, coronada por una alegoría del Triunfo de la Iglesia, flanqueada por el Papa Alejandro VII y el arzobispo de Valencia, Martín López de Ontiveros.

Celebración de la Inmaculada Concepción en Sevilla (1665): fue diseñada por Bartolomé Esteban Murillo y celebrada en la iglesia de Santa María la Blanca, en cuyo exterior se colocaron dos arcos triunfales, uno dedicado al Misterio de la Inmaculada Concepción y otra al Triunfo de la Eucaristía, junto a un perímetro limitado cubierto con toldos y ocupado por altares decorados con temas marianos. Una gran pintura de la Virgen de Juan Valdés Leal fue colocada en la puerta de la iglesia.

Canonización de Fernando III (1671): se celebró en Sevilla, ciudad reconquistada por el santo rey, cuya catedral estaba adornada por diversos monumentos y emblemas realizados por Bernardo Simón de Pineda, en colaboración con el pintor Juan Valdés Leal y el escultor Pedro Roldán . Todo el complejo de la Catedral de Sevilla estaba decorado con lienzos pintados, como la Giralda y el Patio de los Naranjos; todas las capillas estaban ornamentadas, y en el trascoro se erigía un arco de triunfo con la efigie del honrado en la coronación, rodeado de figuras alegóricas; Además, en el retablo del tabernáculo se colocó un escenario con una pintura de Murillo. Este conjunto de monumentos ejerció una notable influencia en la arquitectura de la época, que duró hasta el reinado de Felipe V, como expresión de un barroco claramente español, con formas dinámicas y profusamente decorativas. Cabe destacar que los diseños para este evento se imprimieron en una «relación» escrita por Fernando de la Torre Farfán, considerado el libro más bello impreso en la España del Barroco.

Ingreso de María Luisa de Orleans en Madrid (1680): fue organizado por Claudio Coello y José Jiménez Donoso con la ayuda de Matías de Torres y Francisco Solís entre otros pintores, José Ratés y José Acedo en la arquitectura y Pedro Alonso de los Ríos , Enrique de Cardona y Mateo Rodríguez, a cargo de trabajos escultóricos, entre muchos otros artistas. Se erigieron cinco arcos triunfales, en la calle del Prado, la Puerta del Sol, la Puerta de Guadalajara y Santa María, junto con pórticos, fuentes y esculturas decorativas en el Retiro, San Felipe, Plaza de la Villa y Plaza de Palacio. 38Todos los elementos fueron muy ornamentados ornamentales, en una apoteosis del barroco más decorativo, con muchos motivos de plantas y piedras.

Catafalco de María Luisa de Orleans en Madrid (1689): obra de José Benito de Churriguera, su diseño sirvió de modelo para los túmulos funerarios hasta bien entrado el siglo XVIII. Estaba ubicado en la iglesia del Real Monasterio de la Encarnación en Madrid, y estaba formado por una plataforma alta con cuatro escaleras, sobre la cual se levantaban dos cuerpos con una profusa decoración de molduras, follaje, tarja y estípites, así como también diversas esculturas de figuras alegóricas e imágenes del difunto.

Catafalco de Carlos II en Barcelona (1700): obra de Josep Vives, era un montículo turriforme con una base ochavada con escudos sostenidos por águilas y leones, en el que se elevaba una pirámide escalonada adornada con calaveras y volutas, y rematada por un baldaquino hexagonal con los emblemas reales. El programa iconográfico consistió en alegorías de los reinos hispánicos (Castilla, Aragón, Cataluña, India, Milán, Nápoles, Sicilia, Flandes), los cuatro continentes (Europa, América, África, Asia), los cuatro ríos principales de la Península Ibérica ( Ebro, Duero, Tajo, Guadalquivir), las virtudes teologales (Fe, Esperanza, Caridad) y los cardenales (Prudencia, Justicia, Fortaleza, Templanza), Victoria y Ave Fénix.

Túmulo de Luis XIV en Barcelona (1715): obra de Josep Vives, tenía planta cuadrada con pedestales en los ángulos, coronada de estatuas, volutas y florecillas, representando las Virtudes con ángeles que contenían un retrato del difunto, todo coronado por un baldaquino con la corona real.

Entrada de Felipe V en Sevilla (1729): celebró la llegada del monarca, que convirtió la ciudad andaluza en la sede de la corte durante cinco años. La ciudad estaba adornada con tapices, pinturas y tapices, y varios edificios como pirámides y arcos triunfales, así como estatuas de héroes mitológicos, columnas de Hércules con un león que le arrojaba agua por la boca y un Coloso de Rodas bajo el cual pasaba un barco.

Nombramiento del arzobispo del infante Luis de Borbón (1742): se celebró en Sevilla, donde se organizaron una mascarada y un desfile de carros ornamentados, así como fuegos artificiales, la iluminación de la Giralda y el brote de vino de las fuentes del palacio episcopal por tres días.

Catafalco de Felipe V en Madrid (1746): obra de Juan Bautista Sacchetti, presentaba un sótano con dos escalinatas con balaustradas que representaban las figuras de Neptuno y Cibeles, sobre las que se alzaba un templo de aire y aspecto diáfano, decorado con esqueletos. Inspirado en el trabajo de la familia italiana de escenógrafos Galli Bibbiena, su estilo se enmarca en una filiación barroca e internacional más clásica, alejándose del Barroco hispano heredado del siglo pasado.

Tumba de Felipe V en Cervera (1746): obra de Pere Costa, se erigió en la capilla de la Universidad de Cervera. Tenía una base octogonal, en cuyos lados había algunas pirámides con alegorías de Teología, Derecho Canónico, Filosofía y Matemáticas; en la cornisa estaban representados Derecho Civil, Medicina, Poesía y Retórica; en la coronación había una figura de la Muerte pisando coronas y cetros, y un escudo con la inscripción Philippi quod potui rapui, alusivo a que la Muerte arrebató su mortalidad, pero no sus hazañas inmortales.

Proclamación de Fernando VI en Sevilla (1747): se celebró con una procesión de ocho carruajes decorados, hechos de madera y cubiertos de estuco, decorados con colores brillantes. El primer automóvil fue la Proclamación de la Máscara, seguido por el de Alegría Común, cuatro dedicados a los cuatro elementos, el de Apolo y el de los Reyes, que llevaron los retratos de los nuevos monarcas.

Llegada de Carlos III a Barcelona (1759): para su llegada al puerto se construyeron un puente, una escalera y un arco triunfal, decorados con figuras de la mitología marina y alegorías astrológicas. Luego hubo varios arcos con representaciones de la historia de la ciudad, aludiendo a su fundación mítica por Hércules. En la Lonja de Mar se colocó una pantalla grande que representa el sistema solar, colocando al rey como el centro del universo. También hubo una mascarada y una procesión de cinco autos que recorrieron la ciudad por tres noches, decoradas con una estética rococó.

Llegada de Carlos III a Madrid (1759): diversas construcciones fueron construidas por el arquitecto de moda de la época, Ventura Rodríguez, con la colaboración del escultor Felipe de Castro; las inscripciones de las telas ornamentales fueron escritas por Pedro Rodríguez de Campomanes y Vicente Antonio García de la Huerta. Las calles de Madrid estaban decoradas con tapices y tapices, con colores brillantes como el dorado, el azul pastel y el lapislázuli; en la Puerta del Sol se construyó un templo rotondo (tholos), con imitaciones de jaspe para las columnas, de bronce en bases y capiteles y de mármol en cornisas y pedestales; En la calle Carretas, se erigió un arco de triunfo, decorado con relieves y trofeos; se colocó otro arco en la calle principal, con representaciones alusivas a la piedad y liberalidad del rey, junto a una doble galería de orden compuesta en agradecimiento al nuevo monarca por la suspensión de las deudas tributarias. Todos estos adornos fueron diseñados con un estilo más sobrio de lo habitual, apuntando ahora al neoclasicismo de finales de siglo, aunque su concepción era básicamente barroca.

Tumba de la reina María Amalia de Sajonia en Barcelona (1761): realizada en la Catedral, fue obra de Manuel y Francesc Tramulles. En la fachada se colocó un portal barroco con signos y símbolos mortuorios, así como una alegoría de Cataluña enlutada. En el interior se colocaron escudos de los reinos de la Monarquía Hispánica, Sajonia y los cuatro continentes. En el trascoro se colocó un portal con una alegoría de Barcelona en forma de ninfa llorosa. Finalmente, entre el coro y el presbiterio se instaló un mausoleo, que presentaba un cuerpo bajo con alegorías de Tarragona, Tortosa, Lleida, Gerona, Vich, Manresa, Mataró y Cervera; en los intercolumnios había esculturas de Dolor, Amor, Lealtad y Gratitud y, en el centro, el ataúd real con cetro y corona; en el segundo cuerpo había esculturas sentadas de Generosidad, Constancia, Inteligencia y Obediencia; en la parte superior del cuerpo, Caridad, Religión, Humildad, Oración y, en el centro, Barcelona; finalmente, en la coronación, Eternal Happiness.