El realismo socialista es un estilo de arte realista idealizado que se desarrolló en la Unión Soviética y fue el estilo oficial en ese país entre 1932 y 1988, así como en otros países socialistas después de la Segunda Guerra Mundial. El realismo socialista se caracteriza por la representación glorificada de los valores comunistas, como la emancipación del proletariado. A pesar de su nombre, las figuras en el estilo son muy a menudo altamente idealizadas, especialmente en escultura, donde a menudo se apoya fuertemente en las convenciones de la escultura clásica. Aunque relacionado, no debe confundirse con el realismo social, un tipo de arte que describe de manera realista temas de interés social u otras formas de «realismo» en las artes visuales.

Término usado para describir la idealización de la dictadura del proletariado en las artes, aparentemente usado por primera vez en la revista soviética Literaturnaya Gazeta el 25 de mayo de 1932 Después del pluralismo cultural de la década de 1920 en la Unión Soviética, y en línea con los objetivos de los Cinco. En los planes de un año, el arte estuvo subordinado a las necesidades y los dictados del Partido Comunista. En 1932, después de cuatro años de lucha ideológica y polémica entre diferentes grupos artísticos, el Comité Central del partido disolvió todas las organizaciones artísticas existentes y estableció en su lugar el partido. Uniones dirigidas a formas artísticas individuales En el verano de 1934, en el Primer Congreso de Escritores Soviéticos de toda la Unión, se proclamó el Realismo Socialista como el método aprobado para los artistas soviéticos en todos los medios de comunicación Andrey Zhdanov, quien pronunció el discurso de apertura en el Congreso, El portavoz de Stalin sobre política cultural hasta su muerte en 1948 en En palabras de su líder, el artista debía ser «un ingeniero del alma humana». El objetivo del nuevo método creativo era «representar la realidad en su desarrollo revolucionario»; No se establecieron más pautas sobre el estilo o el tema.

El realismo socialista fue la forma predominante de arte aprobado en la Unión Soviética desde su desarrollo a principios de la década de 1920 hasta su eventual caída del estado oficial a partir de finales de la década de 1960 hasta la disolución de la Unión Soviética en 1991. Mientras que otros países han empleado un canon de arte prescrito, el realismo socialista en la Unión Soviética persistió por más tiempo y fue más restrictivo que en cualquier otro lugar en Europa .

Característica

La definición desde el punto de vista de la ideología oficial.
Por primera vez, la definición oficial de realismo socialista se encuentra en la Carta de la Unión de Escritores de la URSS , adoptado en el Primer Congreso del Joint Venture:

El realismo socialista, siendo el método principal de la ficción soviética y la crítica literaria, exige al artista una imagen veraz e históricamente concreta de la realidad en su desarrollo revolucionario. Por otra parte, la veracidad y la concreción histórica de la representación artística de la realidad deben combinarse con la tarea de reelaboración ideológica y educación en el espíritu del socialismo.

Esta definición se convirtió en el punto de partida para todas las interpretaciones posteriores hasta los años ochenta.

“ El realismo socialista es un método artístico profundamente vital, científico y más avanzado, desarrollado como resultado de los éxitos de la construcción socialista y la educación de los soviéticos en el espíritu del comunismo. Los principios del realismo socialista … fueron un desarrollo posterior de la teoría de Lenin sobre el partidismo de la literatura. ”(La Gran Enciclopedia Soviética, 1947)

Lenin expresó la siguiente idea de que el arte debería estar del lado del proletariado:

“El arte pertenece a la gente. Debe tener sus raíces más profundas en el grueso de las amplias masas. Debe quedar claro a estas masas y amado por ellas. Debería unir el sentimiento, pensamiento y voluntad de estas masas, elevarlos ”.

Principios del realismo social.
Nacionalidad. Esto significó tanto la claridad de la literatura para la gente común, como el uso del habla popular y los refranes.
Ideología. Muestre la vida pacífica de la gente, la búsqueda de formas de vida nueva, mejor, acciones heroicas para lograr una vida feliz para todas las personas.
Concreción En la imagen de la realidad, se muestra el proceso de desarrollo histórico, que a su vez debe corresponder a la comprensión materialista de la historia (en el proceso de cambiar las condiciones de su existencia, las personas cambian su conciencia y actitud hacia la realidad circundante).
Según la definición del libro de texto soviético, el método implicaba el uso de la herencia del arte realista mundial, pero no como una simple imitación de grandes modelos, sino con un enfoque creativo. “El método del realismo socialista predetermina la conexión profunda de las obras de arte con la realidad contemporánea, la participación activa del arte en la construcción socialista. Las tareas de realismo socialista requieren que cada artista tenga una verdadera comprensión del significado de los eventos que ocurren en el país, la capacidad de evaluar los fenómenos sociales en su desarrollo, en una interacción dialéctica compleja «.

El método incluía la unidad del realismo y el romance soviético, combinando lo heroico y lo romántico con la «declaración realista de la verdad verdadera de la realidad circundante». Se argumentó que de esta manera el humanismo del «realismo crítico» se complementaba con el «humanismo socialista».

El estado dio órdenes, lo envió en viajes de negocios creativos, organizó exposiciones, estimulando así el desarrollo del nivel de arte que necesitaba. La idea de «orden social» es parte del realismo social.

Desarrollo
El realismo socialista fue desarrollado por muchos miles de artistas, en una sociedad diversa, durante varias décadas. Los primeros ejemplos de realismo en el arte ruso incluyen el trabajo de Peredvizhnikis e Ilya Yefimovich Repin. Si bien estas obras no tienen la misma connotación política, exhiben las técnicas ejercidas por sus sucesores. Después de que los bolcheviques tomaron el control de Rusia el 25 de octubre de 1917, hubo un marcado cambio en los estilos artísticos. Hubo un corto período de exploración artística en el tiempo entre la caída del Zar y el ascenso de los bolcheviques.

Poco después de que los bolcheviques tomaron el control, Anatoly Lunacharsky fue nombrado jefe de Narkompros, el Comisariado Popular para la Ilustración. Esto puso a Lunacharsky en la posición de decidir la dirección del arte en el recién creado estado soviético. Aunque Lunacharsky no dictó un solo modelo estético para que lo siguieran los artistas soviéticos, desarrolló un sistema de estética basado en el cuerpo humano que luego ayudaría a influir en el realismo socialista. Él creía que «la visión de un cuerpo sano, una cara inteligente o una sonrisa amistosa era esencialmente para mejorar la vida». Concluyó que el arte tenía un efecto directo en el organismo humano y, en las circunstancias adecuadas, ese efecto podría ser positivo. Al representar a «la persona perfecta» (el nuevo hombre soviético), Lunacharsky creía que el arte podía educar a los ciudadanos sobre cómo ser los soviéticos perfectos.

Debate dentro del arte soviético
Había dos grupos principales que debatían el destino del arte soviético: los futuristas y los tradicionalistas. Futuristas rusos, muchos de los cuales habían estado creando arte abstracto o izquierdista antes de los bolcheviques, creían que el comunismo requería una ruptura total con el pasado y, por lo tanto, también lo hacía el arte soviético. Los tradicionalistas creían en la importancia de las representaciones realistas de la vida cotidiana. Bajo el gobierno de Lenin y la Nueva Política Económica, hubo una cierta cantidad de empresas comerciales privadas, que permitieron que tanto los futuristas como los tradicionalistas produjeran su arte para individuos con capital. Para 1928, el gobierno soviético tenía suficiente fuerza y ​​autoridad para acabar con las empresas privadas, lo que terminaba con el apoyo a grupos marginales como los futuristas. En este punto, aunque no se utilizaba el término «realismo socialista», sus características definitorias se convirtieron en la norma.

La primera vez que se usó oficialmente el término «realismo socialista» fue en 1932. El término se estableció en reuniones que incluían políticos del más alto nivel, incluido el propio Stalin. Maxim Gorky, un defensor del realismo socialista literario, publicó un famoso artículo titulado «Realismo socialista» en 1933 y para 1934 la etimología del término se remonta a Stalin. Durante el Congreso de 1934, se establecieron cuatro pautas para el realismo socialista. El trabajo debe ser:

Proletario: arte relevante para los trabajadores y comprensible para ellos.
Típico: escenas de la vida cotidiana de las personas.
Realista: en el sentido representacional.
Partidario: solidario de los objetivos del Estado y del Partido.

Caracteristicas
El propósito del realismo socialista era limitar la cultura popular a una facción específica y altamente regulada de la expresión emocional que promovía los ideales soviéticos. La fiesta fue de la mayor importancia y siempre fue presentada de manera favorable. Los conceptos clave que desarrollaron la lealtad asegurada al partido, «partiinost» (mente de partido), «ideinost» (idea o contenido ideológico), «klassovost» (contenido de clase), «pravdivost» (veracidad).

Existía una sensación de optimismo, la función del realismo socialista era mostrar la sociedad soviética ideal. No solo se glorificó el presente, sino que también se suponía que el futuro se representaba de una manera agradable. Debido a que el presente y el futuro se idealizaban constantemente, el realismo socialista tenía un sentido de optimismo forzado. La tragedia y la negatividad no estaban permitidas, a menos que se mostraran en un momento o lugar diferente. Este sentimiento creó lo que luego sería denominado «romanticismo revolucionario».

El romanticismo revolucionario elevó al trabajador común, ya sea de fábrica o agrícola, al presentar su vida, trabajo y recreación como admirables. Su propósito era mostrar cuánto había mejorado el nivel de vida gracias a la revolución. El arte fue utilizado como información educativa. Al ilustrar el éxito del partido, los artistas mostraban a sus espectadores que el sovietismo era el mejor sistema político. El arte también se usaba para mostrar cómo deberían actuar los ciudadanos soviéticos. El objetivo final era crear lo que Lenin denominó «un tipo de ser humano completamente nuevo»: el nuevo hombre soviético. El arte (especialmente los carteles y los murales) fue una forma de inculcar valores de fiesta en una escala masiva. Stalin describió a los artistas realistas socialistas como «ingenieros de almas».

Las imágenes comunes utilizadas en el realismo socialista fueron las flores, la luz solar, el cuerpo, la juventud, el vuelo, la industria y las nuevas tecnologías. Estas imágenes poéticas se usaron para mostrar el utopismo del comunismo y el estado soviético. El arte se convirtió en algo más que un placer estético; en cambio, cumplía una función muy específica. Los ideales soviéticos colocaban la funcionalidad y el trabajo por encima de todo; por lo tanto, para que el arte sea admirado, debe servir un propósito. Georgi Plekhanov, un teórico marxista, afirma que el arte es útil si sirve a la sociedad: «No puede haber duda de que el arte adquirió un significado social solo en la medida en que representa, evoca o transmite acciones, emociones y eventos que son importantes. para la sociedad.»

Sin embargo, el artista no podía retratar la vida tal como la veían, porque había que omitir cualquier cosa que reflejara mal en el comunismo. Las personas que no se pueden mostrar como totalmente buenas o completamente malas no se pueden usar como personajes. Esto reflejaba la idea soviética de que la moralidad es simple: las cosas están bien o mal. Esta visión de la moral exigía el idealismo sobre el realismo. El arte estaba lleno de salud y felicidad: las pinturas mostraban ocupadas escenas industriales y agrícolas; Esculturas representadas trabajadores, centinelas, y escolares.

La creatividad no era una parte importante del realismo socialista. Los estilos utilizados en la creación de arte durante este período fueron aquellos que producirían los resultados más realistas. Los pintores representarían campesinos felices y musculosos y trabajadores en fábricas y granjas colectivas. Durante el período de Stalin, produjeron numerosos retratos heroicos de Stalin para servir a su culto a la personalidad, todo de la manera más realista posible. Lo más importante para un artista realista socialista no era la integridad artística sino la adhesión a la doctrina del partido.

Aplicaciones

El realismo socialista en la literatura.
Fondo
La década de 1920, es decir, el período posterior a la Revolución de octubre, estuvo marcada por una diversidad y vanguardia en el arte y la literatura de Unión Soviética . Sin la censura zarista, acogiendo con entusiasmo al nuevo zeitgeist, innumerables grupos («групповщина», pronunciado «gruppovshchina») y asociaciones como LEF, LCK, Proletkult, que promovieron la literatura obrera y avanzaron en parte agresivamente.

Sin embargo, las tendencias vanguardistas de la cultura en su conjunto sobrevivieron a principios de la década de 1930 y también fueron reemplazadas internacionalmente por tendencias al clasicismo y al ruralismo (como la «literatura sobre la sangre y el suelo» en los países fascistas).

Poco después de la revolución de 1917, Kazimir Malevich, fundador del constructivismo y el suprematismo, fue una fuerza formativa de una cultura de reconstrucción que debía mantenerse al día con los cambios sociales. Formó el arte colegio de Vitebsk en un centro suprematista y desempeñó funciones importantes en comités de arte soviéticos hasta mediados de los años veinte. Apoyado por el Comisario del Pueblo, Anatoly Vasilyevich Lunacharsky, el «nuevo» arte podría desarrollarse sin la interferencia directa del estado. En esta fase temprana, el suprematismo también se usó como un dispositivo estilístico para la propaganda política.

El «Instituto Estatal de Cultura Artística» (GINChUk), cuyo director fue Malevich, se cerró en 1926.

Una asociación para los escritores
En su decreto del 23 de abril de 1932 sobre la transformación de las organizaciones literarias y artísticas, el Comité Central del PCUS decidió la disolución de todos los grupos y organizaciones y la fundación de una (provisional) Asociación de Escritores de Todas las Uniones (PSU). En particular, los grupos de la poesía obrera proletaria radical («proletcult») RAPP, que se había formado desde 1918 y, a su vez, contribuyeron a la disolución de otros grupos, se vieron afectados.

Dos años más tarde, el primer Congreso de escritores soviéticos de toda la Unión se preparó en agosto de 1934, en el que se debatió abiertamente la nueva doctrina y los escritores soviéticos. Unión fue fundada. En sus estatutos, el realismo socialista fue codificado como un «método artístico vinculante». Literalmente se decía allí:

«El realismo socialista como el método principal de la literatura artística soviética y la crítica literaria, exige al artista una representación veraz e históricamente concreta de la realidad en su desarrollo revolucionario. La concreción de la representación artística, fiel a la verdad e histórica, debe coordinarse con las tareas ideológicas. Transformación y educación de los trabajadores en el espíritu del socialismo «.

Un total de 591 escritores participaron representando a 52 naciones. La figura central del congreso fue Maxim Gorky, el primer presidente de la Asociación de Escritores Soviéticos. Algunos de ellos esperaban en la discusión de los nuevos métodos aún mayor libertad y diversidad en temas y formas; Sin embargo, el discurso inaugural de Andrei Zhdanov como representante del Comité Central del PCUS señaló claramente la próxima codificación ideológica del método artístico. Campañas que en los años siguientes propagaron términos como el partidismo, la afiliación popular, la costumbre masiva y la inteligibilidad, fueron reduciendo gradualmente las formas literarias. El humor, la ironía y el satire, las formas grotescamente absurdas y la literatura experimental eran, al menos oficialmente, imposibles.

Formas
El realismo socialista fue un intento formal de unir el romanticismo y el realismo, que desde una perspectiva rusa representó las dos grandes épocas literarias del siglo XIX. Aquí, el tipo de representación como método debe tomarse del realismo, el espíritu positivo y las emociones en contra del romanticismo, y así surge un nuevo romance revolucionario. También se señaló que las raíces del realismo socialista se encuentran menos en el romanticismo que en el clasicismo.

En ambos casos, las formas antiguas se reutilizaron para transmitir contenido nuevo socialmente aceptable, a menudo de forma trivial. Los poetas de la vanguardia, que habían desarrollado nuevas formas lingüísticas y posibilidades expresivas de la poesía, o las corrientes naturalistas ya no encajan en este concepto. Solo Mayakovsky, quien había sido atacado por los poetas obreros proletarios en la década de 1920, fue honrado por Bujarin y el propio Stalin en 1935 como un «clásico soviético».

Géneros y motivos
Motivos típicos de la literatura de esta época son los héroes de la construcción de la sociedad soviética. Hay un «culto al obrero y al trabajo». El logro ejemplar que tuvo que lograr la industrialización de un país hasta ahora predominantemente agrícola por parte de la gente necesitaba héroes de un nuevo tipo soviético. Los pilotos, los pioneros de la aviación y las tripulaciones de los barcos eran personas en funciones. Más tarde, con el fin de fortalecer la preparación de la defensa contra los países extranjeros fascistas, se construyó una estrecha conexión de escritores con el Ejército Rojo. Ya en 1930, se fundó la organización de literatura del Ejército Rojo (LOKAF), que también Maxim Gorkibelonged. También en otras áreas, a los creadores literarios se les han asignado tareas sociales muy específicas.

Una fusión de épicas clásicas (como Eugene Onegin) y una novela civil (como la guerra y la paz) llevó al típico género de realismo socialista de la novela – épica (Роман-Эпопея, también: Roman-Epopö). Aquí, importantes épocas históricas se vincularon a los destinos individuales de sus héroes y se mostraron en una amplitud épica. Alexei Tolstoy con su Epic The ordeal (Хождение по мукам) o Sholokhov The silent Don (Тихий Дон) contribuyeron a este género.

Otro género importante del realismo socialista, la novela, se dividió en tres subramas:

Hasta finales de la década de 1930, la novela de producción fue el subgénero más importante. Los temas fueron kolkhoz agrícola, colectivización y «deskulakización», construcción industrial, extracción de recursos naturales, sabotaje y lucha de clases, etc. Los autores conocidos de este género fueron Mikhail Sholokhov, Fyodor Panfjorow y Leonid Leonov; Más tarde también Vsevolod Kochetov.

La máxima estalinista de que los escritores debían contribuir a la educación de la gente, así como el cambio fundamental de los valores de todo el sistema educativo bajo Stalin, surgió del género de la novela educativa. Temáticamente, se trató el desarrollo del hombre a la «personalidad socialista», el patriotismo y la lealtad al partido. Las exitosas novelas educativas versaron sobre cómo se endureció el acero de Nikolai Ostrowski y el Poema educativo de Anton Makarenko.

Sin abandonar la perspectiva del materialismo histórico (Marx), la novela histórica de los años treinta representó una nueva perspectiva de la historia. En lugar de centrarse en la lucha de clases histórica como en los años veinte, se han resuelto eventos importantes del «pasado nacional», aunque siempre refiriéndose al presente soviético, ya sea como advertencia de ejemplos negativos o indirectamente paralelos al actual sistema de gobierno. construido. Ejemplos notables de este lenguaje son las obras de Alexei Tolstoy, Alexey Novikov-Priboj y Sergei Sergey-Tschenski.

Promoción y purgas.
La agitación cultural estuvo acompañada por una rigurosa censura, así como la persecución y la «depuración» de los literati no conformistas («plagas» – «вредители», «enemigos de la gente» – «враги народа»), con la escala de la persecución sin paralelo . Sobre la base de los hallazgos de archivo de la Lubyanka, se estima que un total de unos 2.000 escritores fueron arrestados, de los cuales 1.500 murieron en el campamento o fueron ejecutados. Lo típico de una regla dictatorial era que Stalin perdonaba arbitrariamente a personas individuales en todas las represiones y parecía casi tomarlas bajo su protección. El enfoque de las persecuciones en los trabajadores culturales (ver también Formalismusstreitin the GDR) demuestra la inmensa importancia que se atribuye a este grupo de personas. Por otro lado, existía un sistema integral de promoción económica de los creadores literarios que cumplían con el sistema: alojamiento y dachshunds, estancias en sanatorios y entre ellos un seguro de salud y de pensiones. El compositor húngaro György Ligeti describió la situación de la siguiente manera:

«Así se creó una cultura de la ‘habitación cerrada’ en Budapest , en el que la mayoría de los artistas optaron por la ‘emigración interna’. Oficialmente, se impuso el «realismo socialista», es decir, un arte de masas barato con propaganda política prescrita. El arte moderno y la literatura fueron prohibidos a toda costa, por ejemplo, la rica colección de impresionistas franceses y húngaros en el Budapest Museo de Arte simplemente fue colgado. Libros desagradables desaparecieron de las bibliotecas y librerías (incluso Don Quijote y Winnie the Pooh fueron eliminados). Escrito, compuesto, pintado en secreto y en el poco tiempo libre disponible: trabajar para el cajón era considerado un honor. »
– György Ligeti: texto que acompaña a György Ligeti Works, Sony Classical 2010

Literaturas Alternativas
En el clima de represión, censura y estrecho dogmata artístico, las obras desviadas solo podían surgir y existir en secreto desde la línea oficial. A pesar de las «purgas» de los años treinta, poetas como Anna Akhmatova, Ossip Mandelstam, Andrei Platonov, Mikhail Bulgakov y otras obras duraderas crearon, en su totalidad, una contracorriente generalizada de los productos literarios del realismo socialista.

RDA
En el este controlado por los soviéticos. Alemania , la SBZ, inmediatamente después de la Segunda Guerra Mundial, se formó un movimiento cercano al Partido Comunista de Alemania para construir una alianza cultural socialista, que más tarde se convirtió en la Liga Cultural de la RDA. Las advertencias de un político soviético frente a una «literatura y arte burgueses anhimmelung, en un estado de decadencia y descomposición» befänden que son «dañinos» y «libros y revistas de ningún lugar» probablemente dieron a políticos como el último presidente del Consejo de Estado de la RDA, Walter Ulbrich, directamente a Los miembros de los Kulturbundes. A principios de septiembre de 1948, Ulbricht criticó un arte dominado por el «formalismo» (ver: Controversia sobre formalismo), con el cual no se podía llegar a la clase obrera. Pidió «arte real realista popular» de artistas organizados en el SED. Aunque los artistas que no lo siguen no deben caer bajo una purga interna del partido, «pero como partido tenemos un punto de vista muy específico, el del realismo, y este punto de vista debe aplicarse de todas las maneras».

La administración militar soviética SMAD tenía su propio departamento cultural, cuyo líder, el erudito literario ruso Alexander Lwowitsch Dymschitz, tenía las pautas para el nuevo arte en la SBZ. El individualismo, el subjetivismo, las emociones y las fantasías son una expresión de la decadencia burguesa y, por lo tanto, de ser rechazadas. Siendo el 19 de noviembre, 1948 en El artículo del periódico Daily RundschauPublished es considerado como el desencadenante de un cambio en el arte de Alemania del Este en el sentido de una doctrina más tarde llamada «realismo socialista». Dos semanas después, el departamento de educación, cultura y educación del partido SED instruyó a los partidos estatales a organizar discusiones sobre el artículo de Dymschitz. En enero de 1949, el SED sugirió que las tesis de Dymschitz se extendieran a otras partes de las artes además de la pintura. En numerosos eventos, incluido el Kulturbund, se iniciaron discusiones básicas prescritas, como explica Magdalena Heider en su libro sobre el Kulturbund, también muchas voces críticas. Así que los participantes celebraron un evento de discusión del «Grupo de trabajo de Bellas Artes en la Liga Cultural» en Hildburghausen, la división de arte de Thuringiathe en lo correcto y lo incorrecto, lo bueno y lo malo, por el error. «La marca como degenerada o decadente» recuerda a la era nazi.

El realismo socialista en la música.
Desarrollo desde 1932 hasta la muerte de Stalin.
Antes de que el realismo socialista fuera adoptado como la guía de todas las artes en 1932 (ver arriba), dos corrientes diferentes prevalecieron en la vida musical de la Unión Soviética , en marcado contraste entre sí. La Asociación Rusa de Músicos Proletarios (RAPM) propagó los Proletkurs en la música. Sus miembros eran predominantemente diletantes, así como la ideología de la asociación rechazó la música como arte como burgués y aceptó solo obras que tenían contenido propagandístico explícito. Las corrientes contemporáneas fueron rechazadas por occidentales y decadentes. La posición ideológica de la asociación era que solo las canciones simples debían componerse para alabar la revolución y el proletariado, pero no las obras en formas convencionales.

La contraparte de la RAPM fue formada por la Asociación para la Música Contemporánea (ASM), fundada en 1924, a la que esta última se opuso ferozmente. Los miembros de esta organización eran tan buenos como todos los compositores conocidos de la Unión Soviética, especialmente aquellos que servían como proveedores de la música de entretenimiento cultivada en el país. Unión Soviética , la estrada. Por lo tanto, las posiciones musicales de sus miembros eran extremadamente heterogéneas: Maximilian Steinberg, por ejemplo, todavía estaba profundamente arraigado en la música del Romanticismo, pero Nikolai Mjaskowski modernizó su lenguaje musical en estos años, mientras que Alexander Mossolow representó la vanguardia total. Como guía, sin embargo, se orientó inequívocamente a las tendencias occidentales modernas (como la técnica de doce tonos). Parte de esta asociación fue también una especie de proletcult. Algunos miembros (como Mossolov) querían «industrializar» el arte, d. H. en obras musicales, por ejemplo, representan el ritmo de las máquinas. Además, las composiciones fueron escritas en alabanza del nuevo estado. En general, la asociación persiguió una marcada demarcación de la tradición. Pero cuando en 1931 el bastante conservador Mjaskowski abandonó el ASM, muchos compositores lo siguieron y el ASM se disolvió gradualmente. Sin embargo, muchos compositores continuaron persiguiendo el objetivo de modernizar la música.

La proclamación del realismo socialista en principio contradecía ambas corrientes, ya que, por un lado, un claro rechazo de las tendencias de vanguardia, que gradualmente se convirtió en una especie de tabú, por otro lado, un rechazo del amateurismo como un postulado para todos los compositores. De hecho, la nueva estética fortaleció a los compositores, cuyas ideas musicales estaban en gran parte arraigadas en el siglo XIX, y que antes parecían haberse desvanecido completamente en el fondo, ya que se reclamaba abiertamente un retorno a las antiguas tradiciones (ver más abajo). Por otro lado, la orientación ideológica de la música de la «nueva era» ha sido adaptada. Por lo tanto, la nueva directiva también fue adoptada por compositores más conservadores (Reinhold Glière, Mikhail Ippolitov-Ivanov, Sergei Vasilenko) recibidos con euforia. Otros compositores, como Mjaskowski o Anatoly Alexandrov, cambiaron su estilo significativamente para adaptarse a la nueva directiva.

Alrededor de 1932 el género de la Liedsinfonie llegó a su apogeo. The Liedsinfonie es una sinfonía con voces (a menudo solos y coros) cuyos temas son deliberadamente similares a canciones y pegajosos. Sin embargo, los criterios formales de la sinfonía se mantienen hasta cierto punto. El mejor conocido y, a menudo, considerado como el mejor representante de este género es la Sinfonía No. 4 op. 41 titulado Poema sobre un luchador de Komsomolzen por Lew Knipper. El tema del final de esta sinfonía se convirtió en una canción popular de masas en el Unión Soviética (vea abajo).

Al principio, sin embargo, la nueva estética estaba lejos de ser generalmente aceptada; Por ejemplo, Dmitri Shostakovich continuó escribiendo obras muy atrevidas y modernas, como su Cuarta Sinfonía y su ópera Lady Macbeth de Mtsensk. En 1936, sin embargo, hubo un evento decisivo: después de que Stalin recibió la ola de Shostakovich. G. Opera había aparecido en enero. 28 en El artículo de Pravdaan titulado «Caos en lugar de música», en el que la ópera fue fuertemente atacada. Tanto el tema como la música se presentaron fuera de la cuestión, e incluso se contuvo una especie de amenaza («Este juego puede terminar mal»). En los tiempos de las grandes «purgas» este artículo no perdió su efecto; Además, en los años siguientes, compositores más modernos, como Mossolow, fueron detenidos temporalmente. El resultado fue que todos los compositores de mediados de la década de 1930, sin excepción, se orientaron al realismo socialista.

Cuando comenzó la Segunda Guerra Mundial, muchos compositores escribieron obras dedicadas al tema «Lucha por la libertad». Además de varias marchas y canciones de batalla para el ejército soviético, no se crearon unas pocas obras de gran formato: la Sinfonía No. 22 de Mjaskowski siguió, seguida de la famosa Sinfonía Nº 7 de Shostakovich (la Sinfonía de Leningrado), la 2ª Sinfonía de Khachaturian y otras obras. También Sergei Prokofiev retomó este tema, por ejemplo, en algunas sonatas para piano, pero también en la Sexta Sinfonía, que se compuso solo en 1947. El tema de la guerra y la representación que la acompaña del «mal» permitieron al compositor usar más brutal ( y, al mismo tiempo, dispositivos estilísticos más progresivos que los «permitidos» antes de la guerra. Además, en ese momento la atención pública no era tanto una parte de la música, a pesar de que la vida cultural en el Unión Soviética Siguió sorprendentemente vital durante la guerra. Así se llegó a una modernización (sin duda limitada) de la música soviética.

Sin embargo, a esta tendencia no se le debe otorgar una larga vida: en 1948 existía la conocida resolución. La visita directa de Stalin y de algunos políticos de alto rango de la ópera La gran amistad del compositor georgiano Wano Muradeli, aunque esta ópera estaba realmente orientada a la propaganda, algunos detalles de la trama se encontraron con la feroz oposición de las figuras políticas. La música también fue fuertemente criticada por supuestos modernismos; Sin embargo, no está claro hasta qué punto este juicio es correcto, ya que en la actualidad (2004) no parece que haya una fotografía ni una opinión neutral. En cualquier caso, esta visita a la ópera llevó a una reunión de los Compositores de Moscú. Unión se convocó en enero de 1948, en el que especialmente el oficial del Partido Andrei Zhdanov atacó duramente los desarrollos de la música soviética. Como resultado de esta sesión de tres días, el 10 de febrero, se publicó la resolución de la fiesta En la ópera «La gran amistad».

En esta resolución, el eslogan del formalismo fue puesto en el mundo, que es equivalente en significado a «moderno». Se afirmó oficialmente que el formalismo se caracteriza por el hecho de que la forma musical, la construcción de una pieza musical, se coloca por encima de parámetros como la melodía y conduce a fenómenos «decadentes» como la atonalidad. Directamente criticados en esta resolución fueron Shostakovich, Prokofiev, Khachaturian, Vissarion Shebalin, Gavriil Popovas y Myaskovsky. A estos compositores se les instó a hacer «concesiones» públicas, lo que hicieron con la excepción de Mjaskowskis. En abril, se llevó a cabo una nueva sesión de la Unión de Compositores, que condenó repetidamente el «formalismo» y eligió a Tichon Chrennikow como el nuevo Secretario General (que permaneció hasta 1992). La consecuencia de la resolución fue un giro total de los compositores hacia el realismo socialista; Se escribieron multitud de canciones masivas propagandísticas, cantatas, oratorios y sinfonías. Oficialmente, los compositores aclamados por la crítica no fueron rehabilitados hasta 1958, pero las obras de facto de Myskovsky fueron una parte esencial de la vida musical desde 1949 en adelante. Esta única regla del realismo socialista duró hasta la muerte de Stalin.

Después de la Segunda Guerra Mundial, las directivas del realismo socialista se introdujeron gradualmente en los nuevos estados socialistas del bloque oriental en la vida musical. Esto demostró ser problemático, ya que la mayoría de los compositores en esos países habían tomado caminos diferentes; Después de todo, el desarrollo musical en 1932, cuando se introdujo esta estética en la Unión Soviética, aún estaba lejos de ser tan avanzado como lo era alrededor. 1950 en países fuera del Unión Soviética . Por lo tanto, los compositores, que habían permanecido en sus países de origen, estaban bajo una presión masiva para implementar las nuevas pautas, porque los compositores «formalistas» estaban expuestos y tenían que enfrentar muchas desventajas. En la RDA en 1951, por ejemplo, la ópera de Paul Dessau, La condena de Lucullo, fue criticada públicamente. Para la muerte de Stalin, el realismo socialista se impuso ampliamente en todos los países socialistas.

Bandera
Las obras musicales que están comprometidas con el realismo socialista generalmente tienen las siguientes características: El lenguaje musical es notablemente conservador y, de hecho, bastante cercano a la música del romanticismo. Permanece dentro de los límites de una tonalidad de color modesto, se basa en melodías pegajosas y también se compromete a dar forma a la tradición. Las tendencias de la música del siglo XX, como la técnica de doce tonos, el serialismo, la atonalidad o similares, rechazan la ideología del realismo socialista como «aberraciones formalistas» estrictamente.

Una característica especial del realismo socialista es la fuerte participación del folklore nacional en la música. Si no se utilizan los temas de canciones populares originales, entonces la melodía y la armonía son fuertemente nacionales. Los compositores que rechazaron esto fueron vilipendiados como «internacionalistas burgueses». En la opinión popular, el componente nacional, por otro lado, demuestra una afiliación popular y asegura que la música es «democrática», es decir. H. es generalmente comprensible. En general, toda obra musical debe atraer a todas las personas; El lema L’art pour l’art ha sido rediseñado en L’art pour l’homme.

Estas demandas de comprensión general, lenguaje musical conservador y la inclusión del folclore nacional se reflejan, por ejemplo, en el siguiente artículo de un léxico musical para niños de la RDA:

«Una de las tareas principales de la música realista es llegar a la mayor cantidad de personas posible. Para hacerse entender, el compositor comienza con la tradición. Estudia el arte de los grandes maestros que tiene ante él y se basa en su trabajo. Este apego puede consistir en tomar y desarrollando la forma de la sinfonía o utilizando entonaciones nacionales «.
– Palabra clave música – léxico musical para jóvenes, editorial alemana de música VEB, Leipzig 1977, p. 157 y 158

A pesar de las similitudes antes mencionadas con la música del período romántico, hay una gran diferencia en esta época: mientras que los románticos desarrollaron una preferencia por la oscuridad, lo incierto ya menudo revela cierto dolor del mundo, la música del realismo socialista es optimista. En su estado de ánimo básico. Los estados de ánimo negativos se utilizan sólo para superarlos; La base de muchos trabajos es el concepto de una «tragedia optimista», d. H. La lucha por la superación de los fenómenos negativos (a menudo se muestra en el desarrollo de menor a mayor). Por esta razón, muchas composiciones tienen un espíritu de lucha activo y heroico y, a menudo, tienen una inclinación por el gran patetismo.

Particularmente notable es el hecho de que este estado de ánimo básico es un indicador mucho más confiable del realismo socialista en la música que la música en sí. Así, el «oratorio de Mansfeld» de Ernst Hermann Meyer, un excelente ejemplo del realismo socialista, lleno del principio de «Per aspera ad astra»; Es la historia de un trabajo minero desde la Edad Media hasta el establecimiento del socialismo en suelo alemán. Musicalmente, sin embargo, la estética del realismo socialista no puede establecerse en ningún punto del trabajo. De hecho, es una mezcla heterogénea de música y estética en la que se pueden encontrar ecos de diferentes formas y estilos de diferentes épocas; El mismo Meyer habla en este contexto de «parodias de estilo». Por lo tanto, es cuestionable si el realismo socialista en el campo de la música ha existido solo como una doctrina o incluso como una estética independiente.

De particular importancia fue (por supuesto) la mediación del contenido socialista. Así, se crearon óperas, cantatas y canciones sobre textos propagandísticos, pero las obras instrumentales a menudo fueron respaldadas por un programa ideológico. La crítica musical interpretó nuevas composiciones (incluso aquellas sin un programa explícito) básicamente como expresiones sociales. Las composiciones más antiguas fueron pospuestas de mensajes político-sociales. Así es como Antonyn Sychra explica en su libro «Crítica parcial de la música como co-creador de una nueva música», el ciclo de canciones de Schubert «Winterreise» solo se relaciona superficialmente con el dolor personal de un infortunado enamorado; Más bien, Schubert estaba ansioso por expresar la miseria social general en los años posteriores al Congreso de Viena.

Un fenómeno que ocurre casi exclusivamente en los países socialistas es la llamada «canción de masas». Esta es una canción simple melódica y estresada armónicamente en un texto revolucionario, claramente para el partido del socialismo, que podría ser cantado fácilmente por un gran número de personas. Un ejemplo de la canción de masas fue, por ejemplo, The International. La opinión oficial era que la canción de masas era un género completamente nuevo, típico de la cultura musical en el socialismo.

Compositores y sus obras.
Desde aproximadamente 1936 hasta principios de la década de 1960, prácticamente todos los compositores de la Unión Soviética Estaba comprometido con la estética del realismo socialista. Excepciones como Nikolai Roslavets o Galina Ustvolskaya fueron muy raras; Además, las obras de estos compositores fueron prohibidas de facto para actuar. Incluso los compositores más famosos basados ​​en esta doctrina. Aunque Dmitri Shostakovich era bastante escéptico acerca de ella, sin embargo, se vio obligado por las duras críticas de 1936 y 1948 a entrar en obras como la 5ta Sinfonía e incluso más a su oratorio The Song of the Woods op. 81 en las demandas oficiales y para desactivar el tono de su lenguaje.

Si bien Sergei Prokofiev también fue atacado en 1948, encontró que era mucho más fácil adaptarse a la estética, ya que consideraba su propia preocupación ofrecer música «comprensible» al oyente. Por supuesto, su música era considerada demasiado moderna, por lo que Prokofiev tuvo que hacer concesiones. Sus esfuerzos por la inteligibilidad en obras como la 5ª y 7ª sinfonías o su oratorio Auf Friedenswacht op. Los 124 son especialmente claros.

La situación era diferente con Aram Khachaturian, cuya propia posición estética estaba en gran medida en línea con las exigencias del realismo socialista (especialmente en relación con el carácter nacional de la música). Ballets como Gayaneh o Spartacus, sus conciertos, sinfonías y obras vocales como la Oda en Stalin combinan el color armenio con la orientación de la propaganda. Sin embargo, Chatschaturian 1948 fue criticado. Esto también le sucedió a su maestro Nikolai Mjaskowski, quien inmediatamente después de la proclamación de los principios en 1932 compuso una sinfonía sobre la colectivización de la agricultura (No. 12 en G menor op. 35)). En los años siguientes, Mjaskowski se esforzó por simplificar y dilucidar su estilo melancólico y muy complejo, y encontró música basada en gran medida en el siglo XIX. Sin embargo, conservó algunos de los sellos de su obra anterior. De todos los compositores criticados en 1948, él es el que parece más incomprensible. También fue rápidamente rehabilitado, sin componer obras más grandes que están expresamente en la línea del Partido.

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Además de estos cuatro grandes compositores, hay otros compositores que compusieron música al estilo del realismo socialista. Dmitri Kabalewski, quien también escribió música para gente más joven, Tichon Chrennikow, quien jugó un papel clave como Secretario General de Compositores Unión , y Georgi Sviridov, que compuso principalmente la música vocal, merecen una mención especial. Además, varios compositores antiguos adoptaron los principios del realismo socialista, como Mikhail Ippolitov-Ivanov, Reinhold Glière y Sergei Vasilenko. Además, el realismo socialista desempeñó un papel importante en varias escuelas nacionales. Ejemplos son Fikret Amirow de Azerbaiyán , Otar Taktakischwili de Georgia y Mykola Kolessa de la Ucrania . Para los compositores nacidos después de 1925, la importancia del realismo socialista disminuyó notablemente.

En la RDA, Ottmar Gerster y Leo Spies fueron probablemente los representantes más importantes del realismo socialista. Ya en el momento de la Weimar República Gerster había escrito una serie de trabajos para el movimiento obrero y tenía un estilo compositivo limpio y folk. Se prestó especial atención a su Sinfonía No. 2, llamada la Sinfonía de Turingia, la cantata Eisenkombinat Ost de 1951 y la Festouvertüre en 1948. Spies, cuyas obras se caracterizan por melodías pegadizas y uso imaginativo de la armonía tradicional, fue apreciada sobre todo por su Música de cámara, canciones y cantatas. También Ernst Hermann Meyercan puede considerarse un representante del realismo socialista. Aunque solo una parte de sus obras pueden atribuirse fácilmente a esta concepción del arte, apareció en su libro Música en la historia contemporánea como su defensor decidido. Su oratorio de Mansfeld, que retrata la vida de los mineros a través de los siglos, causó sensación. Hanns Eisler compuso solo unas pocas obras grandes en los tiempos de la RDA, que, sin embargo, causaron un gran revuelo (como su Neue Deutsche Volkslieder); Sus composiciones anteriores tienen poco en común con el realismo socialista. Paul Dessau tomó solo una nota fugaz de esta estética y no puede ser descrito como uno de sus protagonistas.

En la mayoría de los países del Bloque Oriental, casi ningún compositor se ocupa del realismo socialista a largo plazo. En Checoslovaquia El eslovaco Alexander Moyzes, en su período medio de producción, se guió por esta estética, que es particularmente evidente en sus Sinfonías núms. 5 a 7 y en varias suites orquestales. Ya antes de la Segunda Guerra Mundial, Ervín Schulhoff se había alejado del dadaísmo desde 1932 e incluía algunos distintivos de realismo socialista en sus obras, especialmente en su configuración del Manifiesto comunista de Karl Marx y su dedicado a la Sinfonía del Ejército Rojo No. 6 , La Sinfonía de la Libertad, en Hungría, Zoltán Kodály estuvo muy cerca de la estética, ya que trabajó en todo su trabajo de música popular y, por lo tanto, sus obras fueron bastante compatibles con el realismo socialista. Aleksandar Josifov es uno de los representantes destacados del realismo socialista en Bulgaria y una excepción en que fue uno de los pocos compositores más jóvenes que se unieron a esta estética. En Rumania , especialmente Gheorghe Dumitrescu recibió gran atención. Por el contrario, el realismo socialista no jugó casi ningún papel en Polonia .

El realismo socialista en la arquitectura.
En la arquitectura de la Unión Soviética El realismo socialista, que en arquitectura se denomina arquitectura estalinista, clasicismo socialista o estilo de confitería estalinista, reemplazó al constructivismo. El giro de la arquitectura al clasicismo en la década de 1930 no fue exclusivamente soviético, sino un fenómeno internacional. Sin embargo, el sistema totalitario del estalinismo, y lo mismo ocurre con el nacionalsocialismo, aseguró que el clasicismo prevaleciera en toda la arquitectura soviética y encontrara su expresión en proyectos de construcción monumental. Ejemplos son los llamados «siete hermanas» en Moscú y el plan de construir un palacio de los soviéticos en el medio. En San Petersburgo , la casa de los soviéticos en Plaza de Moscú Es un ejemplo de realismo socialista en la arquitectura.

Después del final de la Segunda Guerra Mundial, el estilo de construcción soviético también se extendió a los otros países del campo socialista. Ejemplos incluyen el East Berlin Stalin Allee o el Palacio de Cultura en Varsovia .

Desarrollos después de la muerte de Stalin
A diferencia de los otros géneros artísticos, el período del realismo socialista en la arquitectura terminó con la muerte de Stalin (oficialmente desde 1955). Esto fue seguido por un retorno a la simplicidad de la arquitectura moderna. Una excepción es la llamada Casa del Pueblo (ahora la Parlamento Palacio ), que fue construido en Bucarest En la segunda mitad de los años ochenta.

Colecciones
El Szoborpark (también Recuerdo Parque ) en el suroeste de la capital húngara Budapest fue inaugurado en 1993. Incluye una colección de monumentos de la era del socialismo real diseñado por Ákos Eleőd.

Grupos importantes
El Merriam-Webster Dictionary define el Realismo socialista como: una teoría estética marxista que exige el uso didáctico de la literatura, el arte y la música para desarrollar la conciencia social en un estado socialista en evolución. El realismo socialista obligó, a menudo por la fuerza o por coacción, a artistas de todas las formas a crear reflexiones positivas o edificantes de la vida utópica socialista utilizando cualquier medio visual como: carteles, películas, periódicos, teatro y radio que comenzaron durante la Revolución Comunista de 1917, que se intensificó. Durante el reinado de Josef Stalin (1924-1953) hasta principios de los años ochenta.

Vladimir Lenin, jefe del gobierno ruso de 1917 a 1924, sentó las bases de esta nueva ola de arte, sugiriendo que el arte es para la gente y que la gente debería amarlo y entenderlo, al mismo tiempo que une a las masas. Los artistas Naum Gabo y Antoine Pevsner intentaron definir las líneas de arte bajo Lenin al escribir «El Manifiesto Realista» en 1920, sugiriendo que se debería dar rienda suelta a los artistas para crear lo que su musa deseara. Lenin, sin embargo, tenía un propósito diferente para el arte; queriéndolo funcional, y Stalin se basó en la creencia de que el arte debería ser propaganda.

Maxim Gorky, fundador del movimiento Realista Socialista, proclamó en 1934 en el congreso de escritores soviéticos que cualquier obra de arte que retratara una visión negativa o antigubernamental de Rusia eran ilegales Esto convirtió a los artistas individuales y sus obras maestras en propaganda controlada por el estado.

Después de la muerte de Stalin en 1953, Nikita Khrushchev tuvo éxito, albergó controles estatales menos draconianos y condenó abiertamente las demandas artísticas de Stalin en 1957 con su «Discurso Secreto», y así comenzó un cambio en la política conocida como «Deshielo de Khrushchev». Creía que los artistas no deberían estar limitados y que se les debería permitir vivir de acuerdo con sus talentos creativos. En 1964, Khrushchev fue removido y reemplazado por Leonid Brezhnev, quien reintrodujo las ideas de Stalin y revirtió las decisiones artísticas tomadas por Khrushchev.

Sin embargo, a principios de la década de 1980, el movimiento realista socialista había comenzado a desvanecerse. El artista hasta la fecha comenta que el movimiento Realista Social Ruso es el período más opresivo y rechazado del arte soviético.

Asociación de Artistas de la Revolución Rusia (AKhRR)
La Asociación de Artistas de la Rusia Revolucionaria (AKhRR) se estableció en 1922 y fue uno de los grupos de artistas más influyentes de URSS . El AKhRR trabajó para documentar sinceramente la vida contemporánea en Rusia Utilizando el «realismo heroico». El término «realismo heroico» fue el comienzo del arquetipo del realismo socialista. AKhRR fue patrocinado por funcionarios gubernamentales influyentes como Leon Trotsky y fue favorecido por el Ejército Rojo.

En 1928, la AKhRR fue rebautizada como Asociación de Artistas de la Revolución (AKhR) para incluir al resto de los estados soviéticos. En este punto, el grupo había comenzado a participar en formas de arte masivas promovidas por el estado, como murales, pinturas hechas en conjunto, producción de anuncios y diseño textil. El grupo se disolvió el 23 de abril de 1932 por el decreto «Sobre la reorganización de las organizaciones literarias y artísticas» que sirve de núcleo para la Unión de Artistas estalinista de la URSS.

Sociedad de pintores de caballete (OSt)
Mientras que la Society of Easel Painters (OSt) también se centró en la glorificación de la revolución, ellos, según su nombre, trabajaron individualmente como pintores de caballete. Los temas más comunes de las obras del OSt concuerdan con el desarrollo del realismo socialista. Sus pinturas consistían en deporte y batalla, industria y tecnología moderna.

El OSt se disolvió en 1931 debido a la demanda de algunos miembros de hacer la transición al trabajo colectivo de impresión y póster. Algunos miembros prominentes incluyen Aleksandr Deyneka (hasta 1928), Yuri Pimanov, Aleksandr Labas, Pyotr Vilyams, todos ellos estudiantes o ex alumnos de Moscú La escuela de arte de Vkhutemas.

los Unión de los escritores soviéticos (USW)
La Unión de Escritores Soviéticos fue creada para imponer el método soviético único del realismo socialista para todos los escritores, poetas y periodistas. Sus deberes, desde premios hasta castigos, fueron el silenciamiento definitivo de los escritores más dotados. En agosto de 1934, el sindicato celebró su primer congreso en el que el escritor revolucionario Maxim Gorky dijo: «La Unión de Escritores no se está creando simplemente con el propósito de unir físicamente a todos los artistas de la pluma, sino para que la unificación profesional les permita comprender». «su fuerza corporativa, para definir con toda la claridad posible sus variadas tendencias, actividad creativa, principios rectores, y fusionar todos los objetivos en esa unidad que guía todas las energías creativas de trabajo del país».

Uno de los autores más famosos durante este tiempo fue Alexander Fadeyev (24, diciembre 1901-13, mayo 1956). Fadeyev era un amigo íntimo de Stalin y llamó a Stalin «uno de los mejores humanistas que el mundo haya visto». Sus obras más famosas incluyen «The Rout» y «The Young Guard». «The Young Guard» es un libro escrito por Fadeyev, se escribió sobre un grupo anti-alemán llamado Young Guards, un grupo de jóvenes que se oponían a los alemanes. El libro detalla la historia de algunos miembros diferentes del grupo. Fue elogiado por la Unión Soviética Y el patriotismo se muestra por el grupo de hombres.

Impacto
El impacto del realismo socialista puede verse y sentirse décadas después de que ya no fuera el único estilo apoyado por el estado. Incluso antes del final de la URSS in 1991, the government had been loosening its hold on censorship. After Stalin’s death in 1953, Nikita Khrushchev began to condemn the previous regime’s practice of excessive restrictions. This freedom allowed artists to begin experimenting with new techniques, but the shift was not immediate. It was not until the ultimate fall of Soviet rule that artists were no longer restricted by the communist party. Many socialist realism tendencies prevailed until the mid-to-late 1990s and early 2000s.

In the 1990s, many Russian artists used socialist realism characteristics in an ironic fashion. This was a complete rupture from what existed only a couple of decades before. Once artists broke from the socialist realism mold there was a significant power shift. Artists began including subjects that could not exist according to Soviet ideals. Now that the power over appearances was taken away from the government, artists achieved a level of authority that had not existed since the early 20th century. In the decade immediately after the fall of the USSR , artists represented socialist realism and the Soviet legacy as a traumatic event. By the next decade, there was a unique sense of detachment.

Western cultures often do not look at socialist realism positively. Democratic countries view the art produced during this period of repression as a lie. Non-Marxist art historians tend to view communism as a form of totalitarianism that smothers artistic expression and therefore retards the progress of culture.

Notable works and artists
Maxim Gorky’s novel Mother is usually considered to have been the first socialist-realist novel. Gorky was also a major factor in the school’s rapid rise, and his pamphlet, On Socialist Realism, essentially lays out the needs of Soviet art. Other important works of literature include Fyodor Gladkov’s Cement (1925), Nikolai Ostrovsky’s How the Steel Was Tempered and Mikhail Sholokhov’s two volume epic, Quiet Flows the Don (1934) and The Don Flows Home to the Sea (1940). Yury Krymov’s novel Tanker «Derbent» (1938) portrays Soviet merchant seafarers being transformed by the Stakhanovite movement.

Martin Andersen Nexø developed socialist realism in his own way. His creative method featured a combination of publicistic passion, a critical view of capitalist society, and a steadfast striving to bring reality into accord with socialist ideals. The novel Pelle, the Conqueror is considered to be a classic of socialist realism. The novel Ditte, Daughter of Man had a working-class woman as its heroine. He battled against the enemies of socialism in the books Two Worlds, and Hands Off!.

The novels of Louis Aragon, such as The Real World, depict the working class as a rising force of the nation. He published two books of documentary prose, The Communist Man. In the collection of poems A Knife in the Heart Again, Aragon criticizes the penetration of American imperialism into Europa . La novela La Semana Santa describe el camino del artista hacia las personas en un contexto social e histórico amplio.

Hanns Eisler compuso muchas canciones, marchas y baladas de los trabajadores sobre temas políticos actuales, como Song of Solidarity, Song of the United Front y Song of the Comintern. Fue el fundador de un nuevo estilo de canción revolucionaria para las masas. También compuso obras en formas más grandes, como Requiem for Lenin. Las obras más importantes de Eisler incluyen las cantatas Sinfonía alemana, Serenata de la era y Canción de la paz. Eisler combina características de canciones revolucionarias con expresión variada. Su música sinfónica es conocida por su compleja y sutil orquestación.

El desarrollo de la canción revolucionaria, que se realizó en las manifestaciones y reuniones, se asoció estrechamente con el surgimiento del movimiento obrero. Entre las más famosas de las canciones revolucionarias están The Internationale y Whirlwinds of Danger. Canciones notables de Rusia incluyen audazmente, camaradas, en el paso, la marsellesa de los trabajadores y la rabia, tiranos. Canciones populares y revolucionarias influyeron en las canciones de masas soviéticas. La canción de masas fue un género líder en la música soviética, especialmente durante la década de 1930 y la guerra. La canción de masas influyó en otros géneros, incluyendo la canción artística, la ópera y la música de cine. Las canciones en masa más populares incluyen Canción de la patria de Dunaievski, Katiusha de Blanter, Himno de la juventud democrática del mundo de Novikov y Guerra sagrada de Aleksandrov.

A principios de la década de 1930, los cineastas soviéticos aplicaron el realismo socialista en su trabajo. Las películas notables incluyen Chapaev, que muestra el papel de las personas en el proceso de hacer historia. El tema de la historia revolucionaria se desarrolló en películas como The Youth of Maxim, de Grigori Kozintsev y Leonid Trauberg, Shchors de Dovzhenko, y We are from Kronstadt, de E. Dzigan. La formación del nuevo hombre bajo el socialismo fue un tema de películas como A Start Life de N. Ekk, Ivan de Dovzhenko, Valerii Chkalov de M. Kalatozov y la versión cinematográfica de Tanker «Derbent» (1941). Algunas películas muestran la parte de los pueblos de la Unión Soviética contra invasores extranjeros: Alexander Nevsky de Eisenstein, Minin y Pozharsky de Pudvokin, y Bogdan Khmelnitsky de Savchenko. Políticos soviéticos fueron los temas de películas como la trilogía de películas de Yutkevich sobre Lenin.

El realismo socialista también se aplica a las películas hindi de los años cuarenta y cincuenta. Estos incluyen Neecha Nagar de Chetan Anand (1946), ganó el Gran Premio en el 1er Festival de Cine de Cannes, y Two Acres of Land (1953) de Bimal Roy, ganó el Premio Internacional en el 7º Festival de Cine de Cannes .

El pintor Aleksandr Deineka proporciona un ejemplo notable de sus escenas expresionistas y patrióticas de la Segunda Guerra Mundial, las granjas colectivas y los deportes. Yuriy Pimenov, Boris Ioganson y Geli Korzev también han sido descritos como «maestros poco apreciados del realismo del siglo XX». Otro practicante bien conocido fue Fyodor Pavlovich Reshetnikov.

El realismo socialista del arte encontró aceptación en las naciones bálticas, inspirando a muchos artistas. Uno de estos artistas fue Czeslaw Znamierowski (23 de mayo de 1890 – 9 de agosto de 1977), un pintor soviético lituano, conocido por sus grandes paisajes panorámicos y su amor por la naturaleza. Znamierowski combinó estas dos pasiones para crear pinturas muy notables en el Unión Soviética , ganando el prestigioso título de Honorable Artista de LSSR en 1965. Nacido en Letonia, que formaba parte del Imperio Ruso en ese momento, Znamierowski era de nacionalidad polaca y ciudadanía lituana, un país donde vivió la mayor parte de su vida y murió. Se destacó en paisajes y realismo social, y realizó muchas exposiciones. Znamierowski también fue ampliamente publicado en periódicos nacionales, revistas y libros. Sus pinturas más notables incluyen Before Rain (1930), Panorama of Vilnius City (1950), The Green Lake (1955) y In Klaipeda Fishing Port (1959). Una gran colección de su arte se encuentra en el lituano Museo de Arte .

Thol, una novela de D. Selvaraj en Tamil es un ejemplo permanente del realismo marxista en India . Ganó un premio literario (Sahithya Akademi) para el año 2012.

Unión Soviética
Junto con el estilo de arquitectura socialista clásico, el realismo socialista fue el tipo de arte oficialmente aprobado en el Unión Soviética Por más de cincuenta años. Todos los bienes materiales y medios de producción pertenecían a la comunidad en su conjunto; esto incluía medios para producir arte, que también eran vistos como poderosas herramientas de propaganda.

En los primeros años de la Unión Soviética Los artistas rusos y soviéticos abrazaron una gran variedad de formas de arte bajo los auspicios de Proletkult. La política revolucionaria y las formas artísticas no tradicionales radicales fueron vistas como complementarias. En el arte, el constructivismo floreció. En la poesía, los no tradicionales y los vanguardistas fueron a menudo alabados.

Estos estilos de arte fueron luego rechazados por miembros del Partido Comunista que no apreciaban los estilos modernos como el impresionismo y el cubismo. El realismo socialista fue, en cierta medida, una reacción contra la adopción de estos estilos «decadentes». Lenin pensaba que las formas de arte no representativas no eran entendidas por el proletariado y, por lo tanto, no podían ser utilizadas por el estado para propaganda.

Alexander Bogdanov argumentó que la reforma radical de la sociedad a los principios comunistas significaba poco o ningún arte burgués sería útil; algunos de sus seguidores más radicales defendieron la destrucción de bibliotecas y museos. Lenin rechazó esta filosofía, deploró el rechazo de lo bello porque era antiguo, y describió explícitamente el arte como la necesidad de recurrir a su herencia: «La cultura proletaria debe ser el desarrollo lógico de la reserva de conocimiento que la humanidad ha acumulado bajo el yugo del capitalista. terrateniente, y sociedad burocrática «.

Los estilos de arte moderno parecían negarse a recurrir a esta herencia, por lo que chocan con la larga tradición realista en Rusia y haciendo la escena artística compleja. Incluso en la época de Lenin, una burocracia cultural comenzó a restringir el arte para adaptarse a los propósitos de propaganda. Los argumentos de León Trotsky de que una «literatura proletaria» no era marxista porque el proletariado perdería sus características de clase en la transición a una sociedad sin clases, sin embargo, no prevalecieron.

El realismo socialista se convirtió en política estatal en 1934 cuando se reunió el Primer Congreso de Escritores Soviéticos y el representante de Stalin, Andrei Zhdanov, pronunció un discurso que lo respaldó como «el estilo oficial de la cultura soviética». Se aplicó sin piedad en todas las esferas del esfuerzo artístico. La forma y el contenido a menudo eran limitados, con el arte erótico, religioso, abstracto, surrealista y expresionista que estaba prohibido. Los experimentos formales, incluidos el diálogo interno, el flujo de conciencia, las tonterías, la asociación de forma libre y el recorte, también fueron rechazados. Esto fue porque eran «decadentes», ininteligibles para el proletariado o contrarrevolucionarios.

En respuesta al Congreso de 1934 en Rusia , los escritores estadounidenses de izquierda más importantes se reunieron en el Primer Congreso de Escritores Americanos del 26 al 27 de abril 1935 en Chicago En reuniones que fueron apoyadas por Stalin. Waldo David Frank fue el primer presidente de la Liga de Escritores Americanos, que fue respaldado por el Partido Comunista de los Estados Unidos. Varios novelistas se opusieron al control, y la Liga se disolvió en la invasión de la Unión Soviética por las fuerzas alemanas.

La primera exposición organizada por la Unión de Artistas de Leningrado tuvo lugar en 1935. Sus participantes: Mikhail Avilov, Isaak Brodsky, Piotr Buchkin, Nikolai Dormidontov, Rudolf Frentz, Kazimir Malevich, Kuzma Petrov-Vodkin y Alexander Samokhvalov entre ellos, se convirtieron en los fundadores padres de la Leningrado escuela, mientras que sus obras formaron una de sus capas más ricas y la base de las colecciones de museos más grandes de pintura soviética de los años 1930-1950.

En 1932, el Instituto de Artes Visuales Proletarias de Leningrado se transformó en el Instituto de Pintura , Escultura y Arquitectura (desde 1944 llamada Ilya Repin). El período de quince años de reforma constante del instituto de arte más grande del país llegó a su fin. Así, los elementos básicos de la Leningrado escuela – es decir, un establecimiento de educación artística superior de un nuevo tipo y una unión profesional unificada de Leningrado Los artistas, fueron creados a fines de 1932.

En 1934, Isaak Brodsky, un discípulo de Ilya Repin, fue nombrado director de la Academia Nacional de Artes y del Instituto de Pintura, Escultura y Arquitectura de Leningrado. Brodsky invitó a distinguidos pintores y pedagogos a enseñar en la Academia, a saber, Semion Abugov, Mikhail Bernshtein, Ivan Bilibin, Piotr Buchkin, Efim Cheptsov, Rudolf Frentz, Boris Ioganson, Dmitry Kardovsky, Alexander Karev, Dmitry Kiplik, Yevgeny Lansere, Alexander Karenvsky, Alexander Manizer, Vasily Meshkov, Pavel Naumov, Alexander Osmerkin, Anna Ostroumova-Lebedeva, Leonid Ovsyannikov, Nikolai Petrov, Sergei Priselkov, Nikolay Punin, Nikolai Radlov, Víctima de Radieto, Víctima de la parca, oceos de los animales de la casa o de los animales o de la familia. otros.

Las exposiciones de arte de 1935–1940 sirven como contrapunto a las afirmaciones de que la ideología y los artistas suprimieron la vida artística de la época, y se sometieron por completo a lo que entonces se llamó «orden social». Un gran número de paisajes, retratos y pinturas de género exhibidas en su momento tenían propósitos puramente técnicos y, por lo tanto, estaban aparentemente libres de cualquier ideología. La pintura de género también se abordó de manera similar.

En el período de posguerra entre mediados de los años cincuenta y sesenta, el Leningrado La escuela de pintura se acercaba a su vértice. Las nuevas generaciones de artistas que se graduaron de la Academia (Repin Institute of Arts) en los años 30 y 50 se encontraban en su mejor momento. Se apresuraron a presentar su arte, se esforzaron por realizar experimentos y estaban ansiosos por apropiarse mucho y aprender aún más.

Su tiempo y sus contemporáneos, con todas sus imágenes, ideas y disposiciones, encontraron su plena expresión en los retratos de Vladimir Gorb, Boris Korneev, Engels Kozlov, Felix Lembersky, Oleg Lomakin, Samuil Nevelshtein, Victor Oreshnikov, Semion Rotnitsky, Lev Russov y Leonid Steele; en paisajes de Nikolai Galakhov, Vasily Golubev, Dmitry Maevsky, Sergei Osipov, Vladimir Ovchinnikov, Alexander Semionov, Arseny Semionov y Nikolai Timkov; y en las pinturas de género de Andrey Milnikov, Yevsey Moiseenko, Mikhail Natarevich, Yuri Neprintsev, Nikolai Pozdneev, Mikhail Trufanov, Yuri Tulin, Nina Veselova, y otros.

En 1957, tuvo lugar el primer Congreso de artistas soviéticos de toda Rusia en Moscú . En 1960, el ruso. Unión de artistas se organizó. En consecuencia, estos eventos influyeron en la vida artística en Moscú , Leningrado , y las provincias. Se amplió el ámbito de experimentación; En particular, esto se refería a la forma del lenguaje pictórico y plástico. Imágenes de jóvenes y estudiantes, pueblos y ciudades que cambian rápidamente, tierras vírgenes traídas bajo cultivo, planes de construcción grandiosos que se realizan en Siberia y Volga Región, y los grandes logros de la ciencia y la tecnología soviéticas se convirtieron en los temas principales de la nueva pintura. Los héroes de la época (jóvenes científicos, trabajadores, ingenieros civiles, médicos, etc.) se convirtieron en los héroes más populares de la pintura.

En este período, la vida proporcionó a los artistas muchos temas emocionantes, figuras positivas e imágenes. El legado de muchos grandes artistas y movimientos artísticos volvió a estar disponible para el estudio y la discusión pública. Esto amplió enormemente la comprensión de los artistas del método realista y amplió sus posibilidades. Fue la repetida renovación de la concepción del realismo lo que hizo que este estilo dominara el arte ruso a lo largo de su historia. La tradición realista dio origen a muchas tendencias de la pintura contemporánea, incluida la pintura de la naturaleza, la pintura de «estilo severo» y el arte decorativo. Sin embargo, durante este período, el impresionismo, el postimpresionismo, el cubismo y el expresionismo también tuvieron sus fervientes seguidores e intérpretes.

Las restricciones se relajaron un poco después de la muerte de Stalin en 1953, pero el estado aún mantuvo un estricto control sobre la expresión artística personal. Esto provocó que muchos artistas optaran por exiliarse, por ejemplo, el Grupo Odessa de la ciudad de ese nombre. Los artistas de mentalidad independiente que permanecieron continuaron sintiendo la hostilidad del estado.

En 1974, por ejemplo, una muestra de arte no oficial en un campo cerca de Moscú se rompió y la obra de arte se destruyó con un cañón de agua y bulldozers (ver Exposición Bulldozer). Las políticas de glasnost y perestroika de Mikhail Gorbachev facilitaron una explosión de interés en los estilos artísticos alternativos a fines de la década de 1980, pero el realismo socialista permaneció en fuerza limitada como el estilo de arte oficial del estado hasta fines de 1991. No fue sino hasta después de la caída de Unión Soviética Que los artistas fueron finalmente liberados de la censura estatal.

Otros estados socialistas
Después de la revolución rusa, el realismo socialista se convirtió en un movimiento literario internacional. Las tendencias socialistas en la literatura se establecieron en la década de 1920 en Alemania , Francia , Checoslovaquia y Polonia . Los escritores que ayudaron a desarrollar el realismo socialista en Occidente incluyeron a Louis Aragon, Johannes Becher y Pablo Neruda.

La doctrina del realismo socialista en otras repúblicas populares, se impuso legalmente de 1949 a 1956. Implicaba todos los dominios de las artes visuales y literarias, aunque sus logros más espectaculares se realizaron en el campo de la arquitectura, considerada un arma clave en la creación de un Nuevo orden social, destinado a ayudar a difundir la doctrina comunista al influir en la conciencia de los ciudadanos, así como en su visión de la vida. Durante esta tarea masiva, los arquitectos percibieron un papel crucial no solo como ingenieros que creaban calles y edificios, sino más bien como «ingenieros del alma humana» que, además de extender la estética simple al diseño urbano, expresaban ideas grandiosas y despertaban Sentimientos de estabilidad, persistencia y poder político.

En el arte, desde mediados de la década de 1960, los estilos más relajados y decorativos se volvieron aceptables incluso en las grandes obras públicas del bloque del Pacto de Varsovia, el estilo se deriva principalmente de carteles populares, ilustraciones y otras obras en papel, con una discreta influencia de sus equivalentes occidentales.

Hoy en día, posiblemente los únicos países que aún se centran en estos principios estéticos son Corea del Norte , Laos y hasta cierto punto Vietnam . La República Popular de China ocasionalmente vuelve al realismo socialista para propósitos específicos, como carteles de propaganda idealizados para promover el programa espacial chino. El realismo socialista tuvo poco impacto general en el mundo no comunista, donde se consideraba como un medio totalitario de imponer el control estatal a los artistas.

La antigua República Federativa Socialista de Yugoslavia fue una excepción importante entre los países comunistas, porque después de la separación de Tito-Stalin en 1948, abandonó el realismo socialista junto con otros elementos previamente importados del sistema soviético y permitió una mayor libertad artística. Miroslav Krleža, uno de los principales intelectuales yugoslavos, pronunció un discurso en el Tercer Congreso de la Alianza de Escritores de Yugoslavia, celebrado en Ljubljana en 1952, que se considera un punto de inflexión en la denuncia yugoslava del realismo dogmático socialista.

Recepción

Crítica marxista
León Trotsky sometió la producción cultural soviética a una crítica fundamental (Arte y revolución, 1939). Mientras que la Revolución de octubre ha dado un impulso a la producción cultural, la burocracia está suprimiendo el arte con una mano totalitaria. Su único propósito sería adorar a los líderes y producir mitos.

«El estilo de la pintura oficial soviética de hoy se llama ‘realismo socialista’. Este nombre aparentemente le ha sido dado por algún líder de alguna sección de arte. Este realismo consiste en imitar los daguerrotipos provinciales del tercer cuarto del siglo pasado; Evidentemente, el carácter socialista es representar los acontecimientos por medio de una fotografía distorsionada que nunca tuvo lugar. No es posible, sin un sentimiento de disgusto físico y de horror, leer versos y novelas soviéticos, o mirar reproducciones de esculturas soviéticas: Estas obras, funcionarios armados con plumas, pinceles o cinceles bajo la supervisión de funcionarios armados con estibus, perpetúan, grandes e ingeniosos líderes, que en realidad no poseen una chispa de grandeza e ingenio. El arte de la época de Stalin pasará a la historia. como la expresión más descarada de la decadencia más profunda de la revolución proletaria «.

Trotsky enfatiza la libertad del arte, por lo que un partido verdaderamente revolucionario no podría ni estaría dispuesto a controlar el arte. «El arte y la ciencia no solo no buscan orientación, sino que, por su propia naturaleza, no pueden tolerar nada». El arte solo podía servir a la revolución si se mantenía fiel a sí mismo.

Recepción contemporánea
A menudo recibido como modesto y con elementos kitsch contaminados con el arte, experimentó el realismo socialista a raíz de la estetización de la basura, un renacimiento en la cultura popular (véase también: Ostalgie).

Hoy, queda claro que la literatura del realismo socialista era también una posibilidad legal de examinar temas tabú ideológicos y restricciones político-sociales. Esta posición a veces requería serios sacrificios de la literatura, obligándola a asumir una responsabilidad social que la literatura de Europa occidental ya no tenía, ya que dicha responsabilidad estaba dentro del ámbito de otras instituciones. En comparación con Europa occidental, el área social más amplia de la literatura en Europa del Este Se perdió después de 1990.

Crítica del realismo socialista.
Para sus críticos, en comparación con la variedad y el eclecticismo del arte occidental del siglo XX, el realismo socialista aparece como un rango estrecho, tosco y predecible de la producción intelectual. A menudo se le criticaba por representar un obstáculo para el arte verdadero o por las presiones políticas a las que estaban sometidos los artistas. Czeslaw Milosz en la introducción sobre el realismo social, de Andrei Sinyavsky (1959), describe la producción de realismo social como más baja, lo que considera el resultado inevitable de una visión limitada de la realidad permitida a los artistas por esta corriente. En la misma línea, los críticos hablan de varios casos de exiliados culturales incluso después del final del período estalinista, como el Grupo Odesa, un grupo de artistas que abandonaron el país por motivos políticos.

Los preceptos del realismo socialista y su aplicación rígida durante más de veinte años causaron un gran daño a la libertad de expresión de los artistas soviéticos. Muchos artistas y autores vieron sus obras censuradas, ignoradas o rechazadas. Mikhail Bulgakov, por ejemplo, tuvo que escribir su obra maestra The Master and Margarita en secreto, a pesar de los éxitos anteriores como White Guard. Dmitri Shostakovich sufrió la prohibición de varias de sus obras, como la Cuarta Sinfonía y la ópera Lady Macbeth de Mtsensk, y tuvo que recurrir a todo tipo de maniobras para sortear la censura (controles oficiales) y obtener su rehabilitación. En 1937 compuso su Quinta Sinfonía en Re menor 47, que subtituló la respuesta de un compositor soviético a una crítica justa.

La doctrina política que subyace al realismo socialista condujo a la prohibición de obras como las de George Orwell, consideradas por el gobierno soviético como poco más que panfletos anticomunistas, y en algunos casos dificultaron el acceso al arte y la literatura extranjeros. Gran parte del llamado arte burgués y todas las obras experimentales o formalistas fueron denunciadas como decadentes, degeneradas y pesimistas, y por lo tanto esencialmente anticomunistas. El trabajo de James Joyce fue condenado de una manera particularmente drástica.

El resultado concreto fue que, hasta la década de 1980, gran parte del público soviético tuvo difícil acceso a muchas obras de arte y literatura occidentales, un hecho destacado por los críticos del sistema soviético. Para sus defensores, la agitación constante de la idea de censura choca con los esfuerzos tangibles realizados por el Estado para satisfacer las necesidades culturales de la población, incluido el fomento de la lectura y las obras de teatro, costumbres consideradas hoy como reminiscencias del período soviético.

En cualquier caso, no todos los comunistas aceptaron la necesidad del realismo socialista. Su establecimiento como política de Estado en la década de 1930 tuvo más que ver con las políticas internas del Partido Comunista que con los imperativos del marxismo clásico.

El ensayista marxista húngaro Georg Lukács criticó la rigidez del realismo socialista y postuló su propio realismo crítico como una alternativa. Además, en 1938, se publicó un famoso manifiesto: «Manifiesto por un arte revolucionario independiente», firmado por André Bretón y el antiguo revolucionario bolchevique León Trotsky, en el que se hace una crítica radical del arte «soviético». El Che Guevara también criticó en su día la rigidez del realismo socialista.

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