Un autorretrato es una representación de un artista que es dibujado, pintado, fotografiado o esculpido por ese artista. Aunque se han realizado autorretratos desde los tiempos más remotos, no es hasta el Renacimiento temprano a mediados del siglo XV que los artistas pueden identificarse con frecuencia representándose a sí mismos como el sujeto principal o como personajes importantes en su trabajo. Con espejos mejores y más baratos, y el advenimiento del retrato del panel, muchos pintores, escultores y grabados intentaron alguna forma de autorretrato. El retrato de un hombre en un turbante de Jan van Eyck de 1433 bien puede ser el primer autorretrato de panel conocido. Pintó un retrato separado de su esposa, y perteneció al grupo social que había comenzado a encargar retratos, ya más común entre los holandeses ricos que al sur de los Alpes. El género es venerable, pero hasta el Renacimiento, con una mayor riqueza e interés en el individuo como tema, no se hizo verdaderamente popular.
Tipos
Un autorretrato puede ser un retrato del artista o un retrato incluido en una obra más grande, incluido un retrato grupal. Se dice que muchos pintores incluyeron representaciones de individuos específicos, incluidos ellos mismos, al pintar figuras en composiciones religiosas o de otro tipo. Tales pinturas no pretendían representar públicamente a las personas reales como si fueran ellas mismas, pero los hechos se habrían conocido en ese momento para el artista y el mecenas, creando un punto de conversación y una prueba pública de la habilidad del artista.
En los primeros ejemplos sobrevivientes de autorretratos medievales y renacentistas, escenas históricas o míticas (de la Biblia o de la literatura clásica) fueron representadas utilizando varias personas reales como modelos, a menudo incluyendo al artista, dándole al trabajo una función múltiple como retrato, autorretrato e historia / pintura del mito. En estas obras, el artista generalmente aparece como una cara en la multitud o grupo, a menudo hacia los bordes o la esquina del trabajo y detrás de los participantes principales. Los cuatro filósofos de Rubens (1611-12) es un buen ejemplo. Esto culminó en el siglo XVII con el trabajo de Jan de Bray. Se han usado muchos medios artísticos; aparte de pinturas, dibujos e impresiones han sido especialmente importantes.
En el famoso retrato de Arnolfini (1434), Jan van Eyck es probablemente una de las dos figuras que se vislumbran en un espejo, una vanidad sorprendentemente moderna. La pintura de Van Eyck puede haber inspirado a Diego Velázquez para que se represente a la vista como el pintor que creó Las Meninas (1656), como el Van Eyck colgado en el palacio de Madrid donde trabajaba. Este fue otro florecimiento moderno, dado que aparece como el pintor (anteriormente no visto en el retrato real oficial) y de pie cerca del grupo familiar del Rey que eran los supuestos temas principales de la pintura.
En lo que puede ser uno de los primeros autorretratos de la niñez que ahora sobreviven, Albrecht Dürer se representa a sí mismo con un estilo naturalista como un niño de 13 años en 1484. En años posteriores aparece de diversas maneras como un comerciante en el trasfondo de escenas bíblicas y como Cristo.
Leonardo da Vinci puede haberse dibujado a sí mismo a la edad de 60 años, alrededor de 1512. La imagen se reproduce a menudo directamente como la aparición de Da Vinci, aunque esto no es seguro.
En el siglo XVII, Rembrandt pintó una variedad de autorretratos. En The Prodigal Son in the Tavern (c1637), uno de los primeros autorretratos con familia, la pintura probablemente incluye a Saskia, la esposa de Rembrandt, una de las primeras representaciones de un miembro de la familia de un artista famoso. Las pinturas de grupos familiares y profesionales, incluida la pintura del artista, se hicieron cada vez más comunes a partir del siglo XVII. Desde finales del siglo XX, el video juega un papel cada vez más importante en el autorretrato, y agrega la dimensión del audio también, permitiendo que la persona nos hable con su propia voz.
Pintores mujeres
Las artistas femeninas son productores notables de autorretratos; casi todas las mujeres pintores significativas han dejado un ejemplo, desde Caterina van Hemessen hasta la prolífica Elisabeth Vigée-Lebrun, y Frida Kahlo, así como a Alice Neel, Paula Modersohn-Becker y Jenny Saville que se han pintado desnudas. Vigée-Lebrun pintó un total de 37 autorretratos, muchos de los cuales fueron copias de los anteriores, pintados para la venta. Hasta el siglo XX las mujeres generalmente no podían entrenar para dibujar el desnudo, lo que les dificultaba pintar composiciones de figuras grandes, lo que llevó a muchos artistas a especializarse en el trabajo de retrato. Las mujeres artistas históricamente han incorporado una serie de roles dentro de su autorretrato. El más común es el artista en el trabajo, mostrándose en el acto de pintar, o al menos sosteniendo un pincel y una paleta. A menudo, el espectador se pregunta si la ropa usada era la que solía pintar, ya que la naturaleza elaborada de muchos conjuntos era una opción artística para mostrar su habilidad en los detalles.
Antigüedad
Las imágenes de los artistas en el trabajo se encuentran en la pintura egipcia antigua, y la escultura y también en jarrones griegos antiguos. Uno de los primeros autorretratos fue realizado por el principal escultor Bak del Faraón Akhenaten en 1365 a. Plutarco menciona que el escultor griego Fidias había incluido una semejanza de sí mismo en una serie de personajes en la «Batalla de las Amazonas» en el Partenón, y hay referencias clásicas a autorretratos pintados, ninguno de los cuales ha sobrevivido.
Asia
Los retratos y los autorretratos tienen una historia continua más larga en el arte asiático que en Europa. Muchos en la tradición del caballero erudito son bastante pequeños, representando al artista en un gran paisaje, ilustrando un poema en caligrafía sobre su experiencia de la escena. Otra tradición, asociada con el budismo zen, produjo autorretratos animados y caricaturizados, mientras que otros permanecieron más cerca de las convenciones del retrato formal.
Arte europeo
Los manuscritos iluminados contienen una serie de autorretratos aparentes, especialmente los de Saint Dunstan y Matthew Paris. La mayoría de estos muestran al artista en el trabajo, o presentando el libro terminado a un donante o una figura sagrada, o venerando a tal figura. Se cree que Orcagna se pintó a sí mismo como figura en un fresco de 1359, [cita requerida], que se convirtió, al menos según los historiadores del arte, Vasari registra varias de esas tradiciones, una práctica común de los artistas. Sin embargo, para los artistas anteriores, sin otro retrato para comparar, estas descripciones son necesariamente bastante especulativas. Entre los primeros autorretratos se encuentran también dos frescos de Johannes Aquila, uno en Velemér (1378), el oeste de Hungría y uno en Martjanci (1392), en el noreste de Eslovenia. En Italia, Giotto di Bondone (1267-1337) se incluyó en el ciclo de «hombres eminentes» en el Castillo de Nápoles, Masaccio (1401-1428) se representó a sí mismo como uno de los apóstoles en la pintura de la Capilla Brancacci, y Benozzo Gozzoli se incluye a sí mismo, con otros retratos, en la Procesión de los Reyes Magos del Palazzo Medici (1459), con su nombre escrito en su sombrero. Esto es imitado pocos años después por Sandro Botticelli, como espectador de la Adoración de los Magos (1475), quien se aleja de la escena para mirarnos. Los bustos de retratos esculpidos del siglo XIV de la familia Parler en la catedral de Praga incluyen autorretratos y se encuentran entre los primeros bustos de figuras no reales. Ghiberti incluyó una pequeña cabeza de sí mismo en su obra más famosa. En particular, el primer autorretrato pintado en Inglaterra, que no sea un manuscrito, es la miniatura pintada al óleo sobre tabla por el artista alemán Gerlach Flicke, 1554.
Albrecht Dürer, 1471-1528, el primer autorretrato prolífico
Albrecht Dürer era un artista muy consciente de su imagen pública y su reputación, cuyo principal ingreso provino de sus viejos grabados maestros, todos ellos con su famoso monograma, que se vendieron en toda Europa. Probablemente se representó a sí mismo con más frecuencia que cualquier artista antes de él, produciendo al menos doce imágenes, incluyendo tres retratos al óleo y figuras en cuatro retablos. El más antiguo es un dibujo plateado creado cuando tenía trece años. A los veintidós años, Durero pintó el autorretrato con Carnation (1493, Louvre), probablemente para enviar a su nueva prometida. El autorretrato de Madrid (1498, Prado) muestra a Durero como un dandy vestido de moda italiano, lo que refleja el éxito internacional que había logrado para entonces. En su último autorretrato, vendido o entregado a la ciudad de Nuremberg, y exhibido públicamente, que muy pocos retratos tenían entonces, el artista se representaba a sí mismo con un inconfundible parecido con Jesucristo (Munich, Alte Pinakothek). Más tarde reutilizó la cara en un grabado religioso de, reveladoramente, el Velo de Verónica, el propio «autorretrato» de Cristo (B.25). Un autorretrato en gouache que envió a Raphael no ha sobrevivido. Un grabado en madera de una casa de baños y un dibujo muestran virtualmente desnudos de autorretratos.
Renacimiento y Barroco
Los grandes pintores italianos del Renacimiento hicieron comparativamente pocos autorretratos pintados formales, pero a menudo se incluyeron en obras más grandes. La mayoría de los autorretratos individuales que les quedan son representaciones directas; La destreza de Durero fue raramente seguida, aunque un Autorretrato atribuido polémicamente como David por Giorgione tendría algo del mismo espíritu, si es un autorretrato. Hay un retrato de Pietro Perugino de aproximadamente 1500 (Collegio del Cambio de Perugia), y uno del joven Parmigianino que muestra la vista en un espejo convexo. También hay un dibujo de Leonardo da Vinci (1512), y autorretratos en obras más grandes de Miguel Ángel, quien puso su rostro en la piel de San Bartolomé en el Juicio Final de la Capilla Sixtina (1536-1541), y Raphael que se ve en los personajes de la Escuela de Atenas 1510, o con un amigo que sostiene su hombro (1518). También son notables dos retratos de Tiziano como un anciano en la década de 1560. Paolo Veronese aparece como un violinista vestido de blanco en su matrimonio en Caná, acompañado por Tiziano en la viola baja (1562). Los artistas del norte continuaron haciendo retratos más individuales, a menudo pareciéndose mucho a sus otros asistentes burgueses. Johan Gregor van der Schardt produjo un busto de terracota pintado de sí mismo (c.1573).
Se cree que la Alegoría de la Prudencia de Tiziano (hacia 1565-70) representa a Tiziano, su hijo Orazio y un primo joven, Marco Vecellio. Tiziano también pintó un tardío autorretrato en 1567; aparentemente el primero. La Pittura (Autorretrato como la alegoría de la pintura) de la artista barroca Artemisia Gentileschi se presenta personificando la representación alegórica clásica de la Pintura, que se ve en la máscara dramática que se lleva alrededor del cuello de Gentileschi y que Pintura suele llevar. El enfoque del artista en su trabajo, lejos del espectador, resalta el drama del período barroco y el papel cambiante del artista, desde el artesano hasta el innovador singular. Caravaggio se pintó en Baco al comienzo de su carrera, luego aparece en el personal de algunas de sus pinturas más grandes. Finalmente, la cabeza de Goliat sostenida por David (1605-10, Galleria Borghese) es la de Caravaggio.
Rembrandt y el siglo 17 en el norte de Europa
En el siglo XVII, los artistas flamencos y holandeses se pintaban mucho más a menudo; Para esta fecha, la mayoría de los artistas de éxito tenían un puesto en la sociedad en el que un miembro de cualquier oficio consideraría pintar su retrato. Muchos también incluyen a sus familias, de nuevo siguiendo la práctica normal para las clases medias. Mary Beale, Anthony van Dyck y Peter Paul Rubens nos dieron numerosas imágenes de sí mismos, este último también a menudo pintando a su familia. Esta práctica era especialmente común para las mujeres artistas, cuya inclusión de sus familias era a menudo un intento deliberado de mitigar las críticas a su profesión, lo que causaba una distracción de su «papel natural» como madres.
Rembrandt fue el autorretrato más frecuente, al menos hasta el período moderno obsesionado por sí mismo, y también a menudo pintó a su esposa, hijo y amante. En un momento se contaron cerca de noventa pinturas como autorretratos de Rembrandt, pero ahora se sabe que hizo que sus alumnos copiaran sus propios autorretratos como parte de su entrenamiento. La erudición moderna ha reducido el recuento de autógrafos a algo más de cuarenta pinturas, así como algunos dibujos y treinta y un aguafuertes, que incluyen muchas de las imágenes más notables del grupo. Muchos lo muestran posando con disfraces cuasi históricos, o haciendo muecas a sí mismo. Sus pinturas al óleo muestran el progreso de un joven incierto al apuesto y muy exitoso pintor de retratos de la década de 1630 a los retratos problemáticos pero masivamente poderosos de su vejez.
Después de Rembrandt
En España, hubo autorretratos de Bartolomé Estéban Murillo y Diego Velázquez. Francisco de Zurbarán se representó en Lucas el evangelista a los pies de Cristo en la cruz (alrededor de 1635). En el siglo XIX, Goya se pintó muchas veces. Los autorretratos franceses, al menos después de Nicolas Poussin, tienden a mostrar el estatus social del artista, aunque Jean-Baptiste-Siméon Chardin y algunos otros mostraron su real disfraz de trabajo de manera muy realista. Esta fue una decisión que todos los autorretratos del siglo XVIII tuvieron que hacer, aunque muchos se pintaron con trajes formales e informales en diferentes cuadros. A partir de entonces, se puede decir que los pintores más importantes nos dejaron al menos un autorretrato, incluso después del declive del retrato pintado con la llegada de la fotografía. Gustave Courbet (véase más abajo) fue quizás el autorretrato más creativo del siglo XIX, y el estudio de The Artist y Bonjour, Monsieur Courbet son quizás los autorretratos más grandes jamás pintados. Ambos contienen muchas figuras, pero están firmemente centrados en la figura heroica del artista.
Autorretratistas modernos prolíficos
Uno de los autorretratos más famosos y prolíficos fue Vincent van Gogh, que dibujó y pintó a sí mismo más de 43 veces entre 1886 y 1889. En todos estos autorretratos, uno se sorprende de que la mirada del pintor rara vez se dirige a nosotros; incluso cuando se trata de una mirada fija, parece buscar en otra parte. Estas pinturas varían en intensidad y color y algunas retratan al artista con vendas; representando el episodio en el que cortó una de sus orejas.
Los muchos autorretratos de Egon Schiele establecen nuevos estándares de apertura, o tal vez exhibicionismo, representándolo desnudo en muchas posiciones, a veces masturbándose o con una erección, como en Eros (1911). Stanley Spencer iba a seguir algo en esta línea. Max Beckmann fue un prolífico pintor de autorretratos, como Edvard Munch, que hizo una gran cantidad de autorretratos (70), grabados (20) y dibujos o acuarelas (más de 100) a lo largo de su vida, muchos mostrando que fue maltratado por la vida, y especialmente por las mujeres. Utilizando obsesivamente el autorretrato como una expresión artística personal e introspectiva, estaba Horst Janssen, que produjo cientos de autorretratos que mostraban una amplia gama de contextos, sobre todo en relación con la enfermedad, la maldad y la muerte. La exposición de 2004 «Schiele, Janssen. Selbstinszenierung, Eros, Tod» (Schiele, Janssen: Self-dramatization, Eros, Death) en el Museo Leopold en Viena fue paralela a las obras de Egon Schiele y Horst Janssen, ambas fuertemente inspiradas en eróticos y la muerte en combinación con el autorretrato implacable. Frida Kahlo, quien después de un terrible accidente pasó muchos años postrada en la cama, con solo ella misma como modelo, fue otra pintora cuyos autorretratos representan un gran dolor, en su caso tanto físico como mental. Sus 55 retratos de autorretratos incluyen muchos de sí misma de la cintura para arriba, y también algunas representaciones de pesadilla que simbolizan sus sufrimientos físicos.
A lo largo de su larga carrera, Pablo Picasso a menudo utilizó autorretratos para representarse a sí mismo en las diferentes formas, disfraces y encarnaciones de su personaje artístico autobiográfico. Desde el joven y desconocido período «Yo Picasso» hasta el período «Minotauro en el Laberinto», pasando por los periodos de «viejo Cavalier» y «antiguo artista y modelo lascivo». A menudo, los autorretratos de Picasso mostraban y revelaban conocimientos psicológicos complicados, tanto personales como profundos sobre el estado interno y el bienestar del artista. Otro artista que pintó interesantes autorretratos personales y reveladores a lo largo de su carrera fue Pierre Bonnard. Bonnard también pintó docenas de retratos de su esposa Marthe a lo largo de su vida también. Vincent van Gogh, Paul Gauguin, Egon Schiele y Horst Janssen en particular realizaron autorretratos intensos (a veces inquietantemente) y reveladores a lo largo de sus carreras.
Autorretratos en general
Pintores en el trabajo
Muchos de los retratos medievales muestran al artista trabajando, y Jan van Eyck, su chaperón, tiene las partes normalmente sueltas atadas en la cabeza, dando la impresión engañosa de que lleva puesto un turbante, presumiblemente por conveniencia mientras pinta. En el período moderno temprano, cada vez más, tanto los hombres como las mujeres que se pintaban en el trabajo tenían que elegir entre presentarse con sus mejores vestimentas y su mejor habitación o representar la práctica del estudio de forma realista. Ver también la galería de pintores de mujeres arriba.
Clasificación
La crítica de arte Galina Vasilyeva-Shlyapina separa dos formas básicas del autorretrato: los retratos «profesionales», en los que se representa al artista en el trabajo, y los retratos «personales», que revelan características morales y psicológicas. También propone una taxonomía más detallada: (1) el autorretrato «insertable», donde el artista inserta su propio retrato en, por ejemplo, un grupo de personajes relacionados con algún tema; (2) el autorretrato «prestigioso, o simbólico», donde un artista se representa a sí mismo disfrazado de persona histórica o héroe religioso; (3) el «retrato de grupo» donde se representa al artista con miembros de la familia u otras personas reales; (4) el autorretrato «separado o natural», donde el artista se representa solo. Sin embargo, se podría pensar que estas clases son bastante rígidas; muchos retratos logran combinar varios de ellos.
Con los nuevos medios surgió la posibilidad de crear diferentes tipos de autorretratos, además de pintura estática o fotografías. Muchas personas, especialmente los adolescentes, usan los sitios de redes sociales para formar su propia identidad personal en Internet. Todavía otros usan blogs o crean páginas web personales para crear un espacio para la autoexpresión y el autorretrato.
Espejos y poses
El autorretrato supone en teoría el uso de un espejo; los espejos de vidrio se hicieron disponibles en Europa en el siglo XV. Los primeros espejos usados eran convexos, introduciendo deformaciones que el artista a veces conservaba. Una pintura de Parmigianino en 1524 Autorretrato en un espejo, demuestra el fenómeno. Los espejos permiten composiciones sorprendentes como el autorretrato triple de Johannes Gumpp (1646) o, más recientemente, el de Salvador Dalí, que se muestra desde la parte trasera pintando a su esposa, Gala (1972-73). Este uso del espejo a menudo resulta en pintores diestros que se representan a sí mismos como zurdos (y viceversa). Por lo general, la cara pintada es, por lo tanto, una imagen especular de la que vio el resto del mundo, a menos que se usen dos espejos. La mayoría de los autorretratos de Rembrandt anteriores a 1660 muestran una sola mano: la mano de la pintura no está pintada. Parece haber comprado un espejo más grande alrededor de 1652, después de lo cual sus autorretratos se hacen más grandes. En 1658, un gran espejo en un marco de madera se rompió mientras era transportado a su casa; sin embargo, en este año completó su autorretrato de Frick, el más grande.
El tamaño de los espejos de una sola hoja se restringió hasta los avances técnicos realizados en Francia en 1688 por Bernard Perrot. También se mantuvieron muy frágiles, y los grandes fueron mucho más costosos que los pequeños: las roturas se cortaron en pedazos pequeños. Alrededor de 80 cm, o dos pies y medio, parece haber sido el tamaño máximo hasta entonces – aproximadamente el tamaño del espejo del palacio en Las Meninas (el espejo convexo en el Retrato Arnolfini es considerado por historiadores imprácticamente grandes, uno de Van Eyck muchas astutas distorsiones de escala). En gran parte por esta razón, la mayoría de los primeros autorretratos muestran a los pintores a no más de la mitad de longitud.
Los autorretratos del artista en el trabajo eran, como se mencionó anteriormente, la forma más común de autorretrato medieval, y estos han seguido siendo populares, con un número especialmente grande del siglo XVIII en adelante. Un tipo particular en los períodos medievales y renacentistas fue el artista que se muestra como San Lucas (patrón de los artistas) pintando a la Virgen María. Muchos de estos fueron presentados al Gremio local de San Lucas, para ser colocados en su capilla. Una famosa gran vista del artista en su estudio es The Artist’s Studio, de Gustave Courbet (1855), una inmensa «Alegoría» de objetos y personajes en medio de la cual se sienta el pintor.
Otros significados, narración de cuentos
Los autorretratos de muchos artistas contemporáneos y modernistas a menudo se caracterizan por un fuerte sentido de la narrativa, a menudo pero no estrictamente limitado a viñetas de la historia de vida de los artistas. A veces, la narración se asemeja a la fantasía, el juego de rol y la ficción. Además de Diego Velázquez, (en su pintura Las Meninas), Rembrandt Van Rijn, Jan de Bray, Gustave Courbet, Vincent van Gogh y Paul Gauguin otros artistas cuyos autorretratos revelan narrativas complejas incluyen Pierre Bonnard, Marc Chagall, Lucian Freud, Arshile Gorky, Alice Neel, Pablo Picasso, Lucas Samaras, Jenny Saville, Cindy Sherman, Andy Warhol y Gilbert y George.
Auto promoción
El autorretrato puede ser una forma muy efectiva de publicidad para un artista, especialmente, por supuesto, para un pintor de retratos. Durero no estaba realmente interesado en los retratos comercialmente, pero hizo buen uso de sus extraordinarios autorretratos para promocionarse como artista, algo en lo que fue muy sofisticado. Sofonisba Anguissola pintó miniaturas intrincadas que servían como anuncios publicitarios de su habilidad, así como de elementos novedosos, considerados tales porque la rareza de las pintores de mujeres exitosas les proporcionaba una calidad de rareza. Rembrandt se ganaba la vida principalmente de la pintura de retratos durante su período más exitoso, y al igual que Van Dyck y Joshua Reynolds, muchos de sus retratos ciertamente tenían la intención de publicitar sus habilidades. Con la llegada de los espectáculos regulares de la Academia, muchos artistas trataron de producir autorretratos memorables para dejar una impresión en el escenario artístico. Una exposición reciente en la National Gallery, Londres, Rebeldes y Mártires, no se redujo de los baños cómicos que a veces resultaron. Un ejemplo del siglo XXI es Arnaud Prinstet, un artista contemporáneo poco conocido que ha generado una buena publicidad al comprometerse a pintar su autorretrato todos los días. Por otro lado, algunos artistas se representaban a sí mismos tanto como a otros clientes.
Diagnosticando el autorretrato
Algunos artistas que sufrieron enfermedades neurológicas o físicas han dejado autorretratos de sí mismos que han permitido que los médicos posteriores intenten analizar las interrupciones de los procesos mentales; y muchos de estos análisis han ingresado en los libros de texto de neurología.
Los autorretratos de artistas que sufrieron enfermedades mentales brindan una posibilidad única a los médicos para investigar la autopercepción en personas con trastornos psicológicos, psiquiátricos o neurológicos.
La sexóloga rusa Igor Kon, en su artículo sobre la masturbación, señala que el hábito de masturbarse puede representarse en obras de arte, especialmente pinturas. Así que el artista austríaco Egon Schiele se representó a sí mismo tan ocupado en uno de sus autorretratos. Kon observa que esta pintura no retrata el placer de la masturbación, sino una sensación de soledad. Las creaciones de Schiele son analizadas por otros investigadores en términos de sexualidad, y particularmente de pedofilia.
Colecciones
Una de las colecciones de autorretratos más distinguidas y antiguas se encuentra en el Corredor Vasari de la Galería de los Uffizi en Florencia. Originalmente fue la colección del cardenal Leopoldo de ‘Medici en la segunda parte del siglo XVII y se ha mantenido y ampliado hasta la actualidad. En general, no está a la vista de los visitantes en general, aunque algunas pinturas se muestran en las galerías principales. Muchos artistas famosos no han podido resistir la invitación de donar un autorretrato a la colección. Comprende más de 200 retratos, en particular los de Pietro da Cortona, Charles Le Brun, Jean-Baptiste-Camille Corot y Marc Chagall. Otras colecciones importantes se encuentran en la National Portrait Gallery (Reino Unido) en Londres (con varias estaciones satélite en otros lugares) y en la National Portrait Gallery en Washington, DC.