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Diseño escandinavo

El diseño escandinavo es un movimiento de diseño caracterizado por la simplicidad, el minimalismo y la funcionalidad que surgió a principios del siglo XX y que floreció en la década de 1950 en los cinco países nórdicos de Dinamarca, Finlandia, Islandia, Noruega y Suecia.

Visión de conjunto
En 1914, el danés Selskabet para Dekorativ Kunst (Compañía de Artes Decorativas) lanzó su revista Skønvirke (da) (literalmente «Trabajo elegante»). Su título se convirtió en el nombre de un nuevo estilo danés de las artes y la artesanía, para rivalizar con Art Nouveau y Jugendstil.

Desde la década de 1930, diseñadores como Alvar Aalto (muebles, textiles), Arne Jacobsen (sillas), Borge Mogensen (muebles), Hans J. Wegner (sillas), Verner Panton (sillas de plástico), Poul Henningsen (lámparas) y Maija Isola (textiles impresos) ayudó a crear una «edad de oro del diseño escandinavo».

El Lunning Prize, otorgado a destacados diseñadores escandinavos entre 1951 y 1970, fue fundamental para hacer del diseño escandinavo un bien reconocido y para definir su perfil.

En 1954, el Museo de Brooklyn celebró su exposición «Diseño en Escandinavia», y una moda para el mobiliario «escandinavo moderno» comenzó en los Estados Unidos. El diseño escandinavo no está de ninguna manera limitado a muebles y artículos para el hogar. Se ha aplicado al diseño industrial, como electrónica de consumo, teléfonos móviles y automóviles.

El concepto del diseño escandinavo ha sido objeto de debates académicos, exposiciones y agendas de marketing desde la década de 1950. Muchos enfatizan los ideales de diseño democrático que fueron un tema central del movimiento y se reflejan en la retórica que rodea el diseño escandinavo e internacional contemporáneo. Otros, sin embargo, han analizado la recepción del diseño escandinavo en el extranjero, viendo en él una forma de hacer mitos y de políticas raciales.

En las naciones escandinavas

Diseño de Dinamarca
Danish Design es un estilo de diseño y arquitectura funcionalista que se desarrolló a mediados del siglo XX. Influenciados por la escuela alemana Bauhaus, muchos diseñadores daneses utilizaron las nuevas tecnologías industriales, combinadas con ideas de simplicidad y funcionalismo para diseñar edificios, muebles y objetos domésticos, muchos de los cuales se han convertido en iconos y todavía están en uso y producción, como el de Arne Jacobsen. 1958 Egg chair y Poul Henningsen’s 1926 PH-lamps. Después de la Segunda Guerra Mundial, las condiciones en Dinamarca fueron ideales para el éxito en el diseño. El énfasis estuvo en los muebles, pero la arquitectura, la plata, la cerámica, el vidrio y los textiles también se beneficiaron de la tendencia. La industrialización tardía de Dinamarca combinada con una tradición de artesanía de alta calidad formaron la base del progreso gradual hacia la producción industrial.

El punto de partida de esta dirección de diseño se asocia tradicionalmente con la tradición medieval: las instituciones básicas se formaron en el siglo XVI, cuando se crearon los gremios de artesanos básicos. Sin embargo, las principales características del diseño en Dinamarca estuvieron influenciadas por la nueva tradición artística del siglo XX: el estilo modernista y luego el funcionalismo, el estilo internacional, el modernismo y la tradición de la Bauhaus. El diseño danés, cuya referencia directa puede considerarse la actividad de la Royal Porcelain Manufactory Royal Copenhagen, fundada en 1775, experimentó una marcada influencia de la tradición neoclásica y romántica. El movimiento de las artes y la artesanía también se acercó a la idea artística danesa, sus tradiciones ideológicas y cotidianas.

Una de las características del diseño de la primera mitad del siglo XX en Dinamarca es la combinación de la tradición del clasicismo, el movimiento de las artes y la artesanía, el modernismo y el modernismo. Uno de los ejemplos de esta dirección es el trabajo de George Jensen. El desarrollo de nuevas formas y un nuevo estilo en el diseño danés está conectado con la actividad de la revista Kritisk Revy, que contribuyó a la difusión de las ideas del modernismo, el constructivismo y la Bauhaus.

El diseño de la segunda mitad del siglo XX está asociado con una integración consistente en el sistema internacional. La tradición danesa de los años 1950-1970 es el uso de formas optimizadas (Arne Jacobsen), nuevos materiales (Werner Penton) y nuevos sistemas tecnológicos (Bang & Olufsen). Como muchos adeptos del estilo internacional, los representantes del diseño danés percibieron el objeto y la cosa como la quintaesencia del concepto y la idea. Una de las características clave del diseño danés se puede llamar actitud atenta a los materiales y el deseo de demostrar sus características físicas (por ejemplo, el sillón de Ant Arne Jacobsen). Esta tradición de sentido del material a mediados del siglo XX se transfirió a nuevos objetos y texturas, en particular, plástico, vidrio y metal.

Kai Boyesen
Hans Wegner
Nils Gammelgard
Nanna Dietzel
Georg Jensen
Kaare Clint
Arnold Krogh
Borghe Mogensen
Werner Panton
Paul Henningsen
Fritz Hansen
Alfred Homann
Finn Jul
Arne Jacobsen
Bang & Olufsen
BoConcept
Royal Copenhagen

Diseño de Finlandia
El diseño finlandés abarca ropa, diseño de ingeniería, muebles, vidrio, iluminación, textiles y productos para el hogar. La marca «Design from Finland» fue creada en 2011. El Museo de Diseño de Finlandia (anteriormente llamado Museo de Arte y Diseño) tiene una colección fundada en 1873, mientras que la Universidad de Arte y Diseño de Helsinki, establecida en 1871, ahora forma parte de la Universidad Aalto. .

El origen y el auge del diseño finlandés se asocia con el fenómeno del romanticismo nacional, que se desarrolló en el siglo XIX – principios del XX. La publicación de Kalevala por Elias Lennrot en 1835, la influencia de la arquitectura sueca de la segunda mitad del siglo XIX y el logro de la independencia en 1917 crearon las condiciones para la formación de una escuela de arte nacional en el campo del diseño. La peculiaridad de la escuela finlandesa es la combinación de la tradición nacional y los principios de la doctrina arquitectónica internacional. En la primera mitad del siglo 20, el diseño finlandés fue formado por las ideas del modernismo. En particular, las obras de Alvar Aalto participaron en la histórica exposición «Arquitectura moderna: exposición internacional», que se celebró en el Museo de Arte Moderno de Nueva York en 1932 y, de hecho, impulsó el desarrollo del estilo internacional. Finlandia se ha convertido en uno de los países más importantes tanto en términos de difusión del estilo internacional como en términos del desarrollo del diseño en general. El diseño finlandés clásico combina elementos de la cultura tradicional (Timo Sarpaneva), motivos naturales (Tapio Virkkala) y los principios del diseño funcional y minimalista internacional (Alvar Aalto).

En el período de la posguerra, el desarrollo del diseño en Finlandia fue parte de un programa estatal a gran escala relacionado con el apoyo y la promoción de la cultura nacional. 1951 es considerado el año del llamado «milagro de Milán»: el diseño finlandés fue ampliamente presentado en la 9ª edición de la exposición trienal de Milán y en exposiciones de diseño líderes. En 1954, en la décima Triennale en Milán, el stand de Finlandia fue diseñado por Tapio Virkkala, mostrando una amplia gama de obras de una variedad de materiales y centrándose en el carácter «escultórico» del diseño finlandés. Los diseñadores finlandeses de cristaleros, en particular, trabajaron mucho para las fábricas de vidrio soplado en Murano. El diseño finlandés aplicado y doméstico reclamó el estado de un objeto artístico. Cada tema fue considerado no simplemente como un objeto conveniente de utensilios, sino como una encarnación de una idea artística. El período 1960-1970-s se considera la «edad de oro» del diseño finlandés.

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Diseño de Islandia
El diseño en Islandia es una tradición relativamente joven, que comenzó en la década de 1950 pero ahora está creciendo rápidamente. Las limitadas opciones de fabricación del país y su elección restringida de materiales han forzado a los diseñadores a ser innovadores, aunque la lana sigue siendo un material básico, ya sea de fieltro o de punto. El Museo de Diseño y Arte Aplicado de Islandia, cuyo objetivo es grabar el diseño islandés desde 1900 en adelante, se inauguró en 1998. La Academia de las Artes de Islandia también se fundó en 1998, seguida por su Facultad de Arquitectura y Diseño, que ha promovido un carácter distintivo islandés en el diseño de la nación.

La peculiaridad del diseño islandés radica en su desarrollo tardío. Islandia prácticamente no participó en la formación de ideas artísticas de principios del siglo XX. Debido a que el país ocupa una de las posiciones más aisladas de todos los países escandinavos, prácticamente no participó en el proceso artístico consistente de los estados continentales. Sin embargo, hasta mediados del siglo XX, Islandia permaneció como parte de Dinamarca, obteniendo independencia solo en 1944. De importancia fundamental para el desarrollo del diseño en Islandia fue la apertura de la Escuela de Artes Aplicadas en Reykjavik en 1939. La peculiaridad del diseño islandés es su actitud específica hacia el modernismo. Los elementos de la nueva dirección aparecieron en Islandia en un momento en que el estilo internacional, de hecho, ya era un fenómeno establecido. El conocimiento del modernismo coincidió con el logro de la independencia. En parte, por lo tanto, el modernismo en Islandia se percibía como un símbolo de libertad e identidad nacional, y no como un signo de doctrina artística cosmopolita.

La especificidad del diseño islandés es la falta y el uso limitado de nuevos materiales (como vidrio, plástico, acero) y un mayor interés en las materias primas naturales: vidrio volcánico, lava congelada, piedra en bruto. Con el objetivo de apoyar y desarrollar la escuela nacional aplicada en las décadas de 1950 y 1960, se prohibió la importación de muebles en la isla. Desde la década de 1990, el énfasis principal se ha puesto en el desarrollo del diseño gráfico y de computadora.

Ludwig Gudmundsson
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Jonas Solmundsson
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Diseño de Noruega
El diseño noruego tiene una fuerte estética minimalista. Los artículos diseñados incluyen lámparas y muebles. Las cualidades enfatizadas incluyen durabilidad, belleza, funcionalidad, simplicidad y formas naturales.

El Centro Noruego de Diseño y Arquitectura, «DogA», se encuentra en una antigua estación transformadora en Oslo. Noruega celebra una exposición anual de diseño llamada «100% Norway» en la London Design Fair.

La especificidad del diseño noruego es una posición inusual en relación con las tendencias artísticas internacionales y la tradición del arte local. El sistema noruego presuponía la vida de grandes granjas, haciendas aisladas del mundo exterior y, al mismo tiempo, provistas de todo lo necesario. La peculiaridad de Noruega es una combinación de condiciones de vida difíciles y comodidad que combina la tradición nacional y los principios del diseño internacional.

La peculiaridad de la cultura noruega es la continua atención al movimiento de las artes y artesanías asociadas con las ideas del romance nacional, así como el constante interés en el estilo modernista, que en Noruega adquirió similitudes con el «estilo animal» medieval (el -llamado Norwegian «Dragon Style»).

Importante para el desarrollo específico del diseño noruego fue fundada en 1918 por la Unión de Diseñadores Noruegos (Landsforbundet Norsk Brukskunst, LNB), que apoyó y desarrolló la tradición del arte nacional en lugar de los principios del estilo internacional. Las actividades del sindicato dejaron su huella en todo el sistema de la escuela de diseño en Noruega, que se centró en preservar las formas tradicionales, en lugar de en mantener y desarrollar el concepto de diseño internacional.

David Andersen
Gustav Gaudernak
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Diseño de Suecia
El diseño sueco se considera minimalista, con énfasis en la funcionalidad y líneas limpias simples. Esto se aplicó especialmente a los muebles. Suecia es conocida por sus artesanías tradicionales, como el vidrio y la artesanía sami. El diseño sueco fue iniciado por Anders Beckman (gráficos), Bruno Mathsson (muebles), Märta Måås-Fjetterström y Astrid Sampe (textil) y Sixten Sason (industrial). Las organizaciones que promueven el diseño en Suecia son Svensk Form, la sociedad sueca de artesanía y diseño, fundada en 1845; la Swedish Industrial Design Foundation, conocida como SVID; el Consejo de las Artes de Suecia; y el Centro Sueco de Arquitectura y Diseño (conocido como ArkDes) en la isla de Skeppsholmen en Estocolmo, al lado del museo de arte moderno.

Las ideas del diseño sueco están asociadas con el concepto de ética protestante, formulado por Max Weber. Esta doctrina ideológica presupone rigor, contención y considera el trabajo remunerado honesto y digno como parte de la identificación religiosa. El punto de partida del diseño sueco es el período del simbolismo y la modernidad, cuando en Suecia se formó su propio lenguaje artístico bajo la influencia de la escuela nacional del clasicismo, el romanticismo, el sentimentalismo, el impresionismo y la tradición simbólica sueca. El artista más notable e influyente de esta época se puede considerar Karl Larsson.

El diseño sueco procede de las ventajas de un nivel de vida seguro, sostenible pero no provocador. La tradición del diseño de Suecia en el siglo XX es la combinación de ideas sobre el movimiento de las artes y la artesanía con su idea de la comodidad del hogar y una tradición minimalista radical del modernismo. Para Suecia, el diseño se ha convertido en una forma de identidad nacional, una forma de crear y expresar un carácter nacional que tiene sus propias características únicas y al mismo tiempo está incluido en el sistema de valores europeos.

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