Giovan Battista de Jacopo di Gasparre, conocido como Rosso Fiorentino (Florencia, 8 de marzo de 1495 – Fontainebleau, 14 de noviembre de 1540), era un pintor manierista italiano, en óleo y fresco, perteneciente a la escuela florentina. Fue uno de los principales exponentes de los llamados «florentinos excéntricos», los pioneros de la pintura del manierismo.
Al igual que Pontormo, su alter ego pictórico durante muchos años, fue un estudiante de Andrea del Sarto y fue, en muchos aspectos, un rebelde contra las restricciones clasicistas en crisis. Partiendo de las construcciones equilibradas de su amo, obligó a las formas a expresar un mundo inquieto y atormentado. Fue un artista original e inconformista que recibió un consenso cálido en Florencia, Roma, antes de retirarse a la provincia Umbría-Toscana. De aquí dio el gran paso, pasando a la corte de Fontainebleau, donde se convirtió en el pintor de corte más estimado de Francisco I de Francia, una posición ya ocupada por su maestro Andrea del Sarto y Leonardo da Vinci. Junto con Francesco Primaticcio, que le sucedió, él trajo el sabor sofisticado y de élite de la Roma de Clementine antes de Sacco, convirtiéndose en la chispa que encendió el manierism internacional y la escuela de Fontainebleau.
Un documento recuerda el artista nacido en Florencia, en la parroquia de San Miguel Visdomini, 18 de marzo, durante la octava hora, de acuerdo con el uso de Florencia, 1494, o 1495 según el cómputo gregoriano. Dentro de unos meses, que nació en los suburbios de Empoli Pontormo, un artista con quien el Rojo compartió gran parte de su formación y los resultados de su investigación formal, muy original. El apodo de «Rojo» deriva de su cabello rojizo, como también se indica Vasari.
Este último, al comienzo de la biografía se dedicó en la Vida, lo recordó como una persona de buen aspecto con modales encantadores, suaves y refinadas, interesados en diversas actividades, como la música y la poesía. La ciudad de Arezzo utilizado como fuentes tanto su conocimiento directo del artista en su juventud, son los recuerdos recogidos por Bronzino.
El primer documento que recuerda la Red parejas adolescentes de nuevo a 1510, cuando se formó como pintor, seguido de un pago de 13 de septiembre 1513 en la que el artista, casi veinte años, se paga por la primera ópera que se haya registrado, cuatro manos con Andrea di Cosimo, un escudo de armas de León X a la Santissima Annunziata, en honor del papa Medici elegido ese año. Otros dos fueron pagados escudos de armas pintados poco después y en el mismo mes que participaron en la ejecución de cera imagen votiva de Juliano II de Médicis para el mismo santuario de Annunziata, según la costumbre de ofrecer votiva florentina cera a la imagen milagrosa de la Anunciación. Probablemente los Medici ha querido agradecer solemnemente a la Virgen por la reconquista de la ciudad después de la restauración de la República. Incluso un escudo de armas (el recién elegido cardenal Lorenzo Pucci) se pagó en octubre / noviembre y entre esa fecha y junio de 1514 se registró la balanza por primera estadounidense alcanzó un trabajo seguro por el artista, la Asunción de la Virgen en el Claustro de los votos.
Para ello, el artista encargo importante fue quizá venga sobre la sugerencia de Andrea del Sarto, responsable de la ejecución de la mayor parte de las lunetas del claustro. A finales de la empresa Andrea delega algunas de sus mejores empleados pintar los marcos restantes, confiando en Franciabigio, Pontormo y, de hecho, a la Red. El Rojo todavía contaba con un vínculo especial con la Annunziata, que fue trazada por la amistad Vasari con el fraile «maestro Giacopo»; además de dos hermanos artistas eran monjes, uno de los cuales (Filippo Maria) fue simplemente sirve la Anunciación (el otro era su lugar en la República Dominicana Santa Maria Novella).
Para el profesor Giacopo, según Vasari, rojo pintó una Madonna con el medio figura de San Giovanni Evangelista, de los cuales tal vez no es sólo la copia más antigua del Museo de Bellas Artes de Tours, donde el niño está representado por los hombros, presa de un giro elaborado hacia el espectador: la síntesis de las formas, sin embargo, se debe hacer referencia al ejemplo de Fra Bartolomeo más que Andrea del Sarto.
Vasari lo recuerda como uno de los pintores que han estudiado el dibujo animado de la batalla de Cascina M, pintor que, sin duda, influyó en toda la próxima generación, incluido él mismo, pero que el Rojo volvió a trabajar con un sentido aún más brutal del movimiento, colores más naturales y una mayor desviación de la tradición.
El histórico de Arezzo a continuación, citó a un santuario para la familia Bartoli en la zona de Marignolle, en el que el artista comenzó a demostrar un «seguro de que su opinión contraria a las costumbres.» La obra se encuentra en mal estado, pero legible en la composición, recientemente (publicado en 2006) por Antonio Natali, un poco fuera del Marignolle el pueblo de San Hilario de Palomero, en la parte superior de la calle donde estaba el monasterio de Cámpora y donde Piero Bartoli, el desarrollador, tenía su propia casa. Mostrar una Madonna en el cerro del Santo Sepulcro (all’intitolazione una referencia al monasterio cercano, con el pie un Cristo muerto sostenido por José de Arimatea y San Jerónimo.
En esos años el artista, que Vasari recordó que «con unos pocos maestros», había mirado con igual interés es la escuela de San Marcos (dominado por Fra Bartolomeo y Mariotto Albertinelli), tanto en la Anunciación (dominado por Andrea del Sarto y sus colaboradores), y tal vez incluso a la de Francesco Granacci. La colaboración con Andrea del Sarto se documenta sólo se insinúa por Vasari, como el caso de la tarima perdidos dell`Annunciazione de St. Gallen, pintados en colaboración con Pontormo. También tenía un interés en la escultura de Jacopo Sansovino y Baccio Bandinelli. Contactos tenían que estar allí con la excéntrica Alonso Berruguete, artista español que pasa por Florencia.
Se matriculó pintor, estableciendo con ello el final de su aprendizaje en 1517.
En 1518 Rosso creó una comisión importante para un retablo, el llamado Pala de Spedalingo el papel de patrón Leonardo Buonafede, pensado originalmente para la iglesia de Todos los Santos. A pesar de la originalidad de la mesa, con una composición de bloqueo que tiende a cerrar hacia el centro, el Buonafede la negó, después de haber visto en el curso del trabajo, ya que, como se recuerda Vasari, el artista había acentuado los rasgos «cruel y desesperada» los personajes, que luego habría amortiguadas y normalizado en la versión final. Después de haber preparado la pala cambios fue finalmente destinado a una iglesia de la provincia.
Al mismo tiempo son el Angel Músico Uffizi, fragmento de un retablo perdido, y la Alegoría de la salvación de Lacma, donde los personajes están atrapados con acentos dramáticos inusuales, a veces irreverentes, en detalles como la mano esquelética de Santa Isabel . En estas obras, los colores son enrarecida, el diseño alcanza picos de expresionismo que rozan la caricatura, haciendo incluso pensar en el arte alemán del siglo XX para la irreverencia y humor implícito. La suya es una forma de protesta hacia la idealización canónica de la figura humana del Renacimiento, rompiendo, tal vez inconsciente, hacia un arte más extraña, que no tiene miedo de ser a veces cruel y deformar.
Desde los albores Rosso tuvo que encontrar más de acuerdo con su arte el medio ambiente de la provincia en la que para avanzar sus innovaciones radicales en lenguaje figurado, sin las limitaciones impuestas por el oficial florentina. Además, una sentencia de noviembre de 1518 había obligado al artista a pagar a un acreedor suyo y no podía pagar, un mes después de haber sido declarado insolvente públicamente en la ciudad a través de aviso.
En estos años Rosso fue a Piombino, llamado por Jacopo V Appiani, para quien pintó, según Vasari, un «bello Cristo muerto», una «pequeña capilla» y, tal vez, su retrato. Probablemente la pala estaba en el altar de la Compañía del Cuerpo de Cristo en la iglesia de Sant ‘Antimo, como parece confirmar un pago por su compañero artista. El Appiani también eran anti-Medicea y es posible que sólo por ellos siendo Rojo había buscado refugio de las creencias republicanas políticos y, muy probablemente, Savonarola. Luego hay un intervalo de dos años en la biografía Rojo, donde Natali ha sugerido un posible viaje a Nápoles, sobre la base de una carta de Summerhill que habla de la presencia en la ciudad de un «Ioan Baptista florentina» y retratos damas corte aragonesa que podría resultar de originales perdidas de la Red.
En 1521, y luego llegó a Volterra, donde volvió incluso más tarde. Aquí, además de la deposición pintó la Madonna y los santos en la iglesia Villamagna.
La deposición de Volterra (1521), se considera su obra maestra, similar a la forma de la mesa y de las medidas, además del tema, el de Pontormo, sin embargo, difiere profundamente de la concepción. La Red consigue el drama para las cifras de volumen de facetado angular, para el movimiento convulsivo de algunos personajes, por sus intensos colores predominantemente rojizos silueteado en la extensión uniforme del cielo. Las deformaciones de los cuerpos y caras vienen extrema exasperación: el antiguo mirado desde la cruz tiene el contrato de la cara como una máscara. La disposición asimétrica de escaleras genera un movimiento violento, acentuada por la incertidumbre de los soportes de los hombres que caen del cuerpo de Cristo, mientras que la luz incide desde la derecha con fuerza, creando claroscuros golpes duros.
Entre finales de 1521 y principios de 1522 el artista regresó a Florencia, donde pintó sus últimas comisiones en su ciudad natal, donde el Retablo Dei (1522), El matrimonio de la Virgen (1523) y Moisés defiende a las hijas de Jetro (1522-1523 aproximadamente), este último donó al rey francés Francisco I.
Se extiende de obras de encargo en círculos filorepubblicani y la ascendencia Savonarola, a la que el artista podría haber emparejados. Vasari recordó una anécdota relacionada con este periodo, según el cual el artista entró en conflicto con los hermanos de la Santa Cruz, junto a su casa que es de ‘Tintori, a causa de un mono, un ‘mono’, ladrón y uva autor del delito. No es improbable que el animal ha sido el modelo para el animal cara que aparece en la deposición de Sansepolcro.
A finales de 1523, o como mucho principios del año siguiente, acompañado por el Battistino inseparables de los estudiantes y «mono», Rojo dejó Florencia para Roma. Se supone que el artista ya había sido, por un período muy corto, la ciudad papal, hacia el año 1511. Esta vez no hubo una serie de razones relacionadas con su partida: en primer lugar, la elección de un nuevo papa Fiorentino, Giulio de Medici ascendió al trono como Clemente VII, también en la ciudad había exacerbado el resurgimiento de la plaga endémica, la misma que embocó Andrea del Sarto y Pontormo en la campaña Mugellese en la Certosa di Firenze. También en 1522 regresó de Roma a Florencia Perin del Vaga, de nuevo debido a una plaga, que debe haber dado lugar a una disputa con los colegas de Florencia (que también habla Vasari) acerca de lo que fue la última cultura figurativa, alabando sin reservas ese gran «forma moderna», presentada en la corte papal de Miguel Ángel, Rafael y otros artistas, y que viene a acusar provocativa que un excesivo apego al pasado de sus interlocutores. La curiosidad de la Red tuvo que ser tan cosquillas a saber lo suficiente como para ir directamente a esos portentos.
La llegada a Roma de la Red, ya aprobado por el éxito de algunos de sus dibujos envió apareció con buenos auspicios y la primera comisión a la que se esperaba la frescoing la capilla Cesi en Santa Maria della Pace, donde pintó una creación de Eva y un pecado original (1524) y el famoso retablo de luto hoy en Boston. En estas obras decididamente llamado el arte de Rafael, Miguel Ángel En las historias de Génesis y el antiguo, inspirado en un sabor marcadamente profano. Sin embargo, estas obras no tuvieron el efecto deseado de clasificación, como lo atestiguan Vasari, que criticó los frescos y habló de las obras desconcertado. Este juicio parece excesivo hoy, aunque los frescos no se cuentan entre los mejores administrada de su pincel; En cambio, el luto era sin duda una obra maestra, muy en equilibrio entre el tema religioso y lo profano conducta, sin lugar a dudas sensual, el cuerpo desnudo de Cristo llena de referencias a Miguel Ángel y la estatuaria antigua.
Otra obra mencionada por Vasari durante su estancia en Roma es un boceto de La decapitación de San Giovanni Battista en la Iglesia de Santiago en Scossacavalli, trabajo que tuvo que ser completado, posiblemente, por otro artista, acostado en un altar en el momento de la histórica Arezzo pero que han desaparecido.
Cellini también recordó que había visto el castillo rojo en Cerveteri, anfitrión de dell’Anguillara cuenta, probablemente en el verano de 1524. Algunos han reconocido un posible retrato de la cuenta en el retrato de un hombre con casco, ahora en el Liverpool.
Los doce trabajos En última instancia, sin embargo, la sala de estar de la Red en Roma no debe haber sido el más afortunado si tenía mucho tiempo para dedicar a la preparación de diseños para grabados dibujar, como lo demuestran varias series de Jacopo Caraglio: treinta y un dioses en nichos, de Hércules, el llamado Furia, los amores de los dioses, el reto de Pierides (que también sigue siendo una versión pictórica atribuida al maestro y ahora en el Louvre), la batalla de los romanos con Sabines. Estas obras menudo expresividad violenta, en la que el artista fue capaz de poner a utilizar todo su estudio de las estatuas clásicas, especialmente helenístico.
Con Rojo Saco de Roma en 1527 se vio obligado a huir, tomando parte en la diáspora de artistas que por lo beneficiaban a los centros periféricos de Italia y Europa. El rojo, en un primer momento capturado por los alemanes lansquenetes, fue acosado primero (las ropas fueron robados, fue humillada y obligada a trabajos forzados), a continuación, dejar suelto.
El artista reparado en Perugia, donde Vasari recuerda que dejó una caricatura perdida para una Adoración de los Magos, a la izquierda como muestra de agradecimiento por la hospitalidad al pintor Domenico Alfani. La ópera sigue siendo una versión impresa de Cherubino Alberti y una pala que atrajo la Alfani para la iglesia de Santa María de los Milagros en Castel Rigone, en un lugar desconocido en la actualidad.
En Umbría tuvo que realizar la primera necesidad de la derecha para encontrar otro lugar, moviéndose rápidamente en Sansepolcro, bajo la protección de vescovo Leonardo Tornabuoni, por el que ya había pintado en Roma el Cristo muerto. Entre los dos, compatriotas, y casi la misma edad, que tenían que existir una buena relación, y ambos habían estado huyendo de Roma después del saqueo. 23 de septiembre de, 1527 recibió una importante comisión por el local de la Sociedad de la Santa Cruz en la intercesión del obispo Tornabuoni, para pintar un retablo con Cristo tomado abajo, de vuelta a la materia ya en Roma. El allogazione ya había sido confiada al pintor local Raffaellino del Colle y fue él mismo, en contra de la voluntad de los miembros, para pasarlo generosamente a la Red, por lo que la ciudad «se mantuvo algo de su propia», como recordó Vasari. Muy probable es que como agradecimiento el Rojo tuvo que dar una serie de dibujos a su colega, un poco como había sucedido en Perugia; signos de influencia muy marcada rossesca se reúnen en esempoio con la corona de la Virgen de Raffaellino en el Museo (1526-1527), en el que hay cifras «romana», de rodillas santa Magdalena recuerda a la Dei Retablo, un cangiantismo sin precedentes y la hinchazón de las cortinas, especialmente los de la santa.
Entre 1527 y 1528, y luego se dio cuenta de la Lamentación perturbadora sobre el Cristo muerto, ahora en la iglesia de San Lorenzo en Sansepolcro.
En la primavera de 1528 la Red estaba en Arezzo, donde conoció a los diecisiete años de edad, Giorgio Vasari, quien le dio un sorteo de una resurrección, a continuación, pintado por el joven Lorenzo Gamurrini y se dispersa en la actualidad.
El 1 de julio del mismo año, el rojo era Città di Castello, en la firma del contrato para una pala grande a los compañeros locales de Corpus Christi, que preveía un Cristo «resucitado y glorioso,» cuatro consagrado y, a continuación, «más y varias figuras que denotan, representino Pópulo con esos ángeles que él [el pintor] Parera de acomodare». Es el Cristo resucitado en la gloria hoy en el Museo Diocesano locales, una obra de la gestación laboriosa. La fecha del techo sala al pintor como un laboratorio se dejó caer de hecho dañar el soporte (como se ve todavía en el eje de la tabla), entonces el pintor era una fiebre de tal manera que le hizo regresar pronto en más familiarizados Sansepolcro. Aquí, sin embargo, más cuarto enfermo, por lo que se trasladó a Pieve Santo Stefano «en busca de aire» aquí es probable concebido el diseño con la lapidación de San Esteban, desde donde luego Cherubino Alberti dibujó incisión. Pasó de Arezzo y finalmente se acomodó en Sansepolcro, desde que completó la tabla de Citta di Castello, no mostrarlo a los clientes durante la ejecución, como se recuerda por Vasari: esta precaución fue quizá dictado por el miedo a otra rechazo ‘ trabajo, ver el estado de muchos personajes semielaborados y modificación de determinados términos del contrato, tales como la falta de ángeles en la obra terminada.
En esta era por lo general también se refiere a dos proyectos altares, tanto en el Museo Británico (Nos. 1948-4-10-15 y pp. 2-19), que muestra una notable práctica con diseño arquitectónico (también mencionado por Vasari ), lo que mejor se había puesto en uso en breve, Francia.
En Arezzo que también participó en la decoración al fresco de la iglesia de Nuestra Señora de las Lágrimas, ahora conocida como la Iglesia de la Anunciación, el pintor que lo albergó durante la pausa forzosa de las obras en Città di Castello, Benedetto Spadari, y otro amigo artista puro, Giovanni Antonio Lappoli. de hecho, revocó la designación de Nicolás Soggi el 22 de marzo 1528 hasta la insatisfacción de los clientes, el 24 de noviembre de ese año el allogazione fue reconstruida a Red, que emprendió, garante Lappoli, para completar la decoración dentro de veintiséis meses sin ninguna otra posición, excepto el de la pala de Città di Castello ya en su lugar. El conjunto artista para trabajar la producción de muchos dibujos, muchos de los cuales han sobrevivido, que se vieron, copian y se describen por Vasari.
Sin embargo, el que 17 de septiembre de, 1529 el grueso de las tropas florentinas que protegían retiros Arezzo en la capital para protegerse del ataque inminente de las tropas imperiales, el Rojo, siendo consciente de los acontecimientos traumáticos del Saco de Roma hace dos años, no se siente seguro en ciudad todavía reparaciones vez en Sansepolcro, dejando dibujos y caricaturas de la Virgen de lágrimas en la ciudadela, que está en la fortaleza, como Vasari recordado y como lo demuestra a continuación, con precisión con un inventario de 12 de marzo 1532, cuando volvió la paz, abierto dos cofres de la compañía local de la Santissima Annunziata. Siendo los números rojos, se enumeran una serie de dibujos, un poco de ropa y algunos libros, que reconstruir la biblioteca Rojo, al menos no una que trajo consigo: la Naturalis Historia de Plinio, un volumen encuadernado identificable Cornucopia con Niccolò Perotti, no define dos «libricciuoli», el cortesano de Baldassarre Castiglione, de architectura de Vitruvio y un libro de devoción a la Virgen.
Vasari recordó que había discutido explícitamente con el rojo de las oportunidades que la corte de Francia ofrecía en aquel tiempo los artistas Italianos (y Toscana, en particular), a fin de restablecer el diálogo directo en las vidas cuando nos recuerda que la Red «siempre había tenido un capricho para poner fin a su vida en Francia y torsos, como se dijo, en cierta miseria y la pobreza en que se encuentran los hombres que trabajan en la Toscana y es países donde nacieron. »
La oportunidad de escapar de Sansepolcro se vio acelerado por el hecho de que él lanzó una mala luz sobre el pintor en la ciudad: el santo de 1530 jueves (14 de abril), uno de sus alumnos, fueron extraídas de la iglesia para hacer un fuego con el terreno de juego griego para practicar piromancia ; Rosso, que probablemente era con él, según Vasari, y escapó por la noche, pasando a través de Pesaro, se refugió en Venecia.
La ciudad de los canales era en esos años la hospitalización de muchos florentinos anti-Medicea, muchos de los cuales luego se tiró de Francia donde encontraron protección en virtud de Francisco I: fue el caso de Luigi Alamanni, Zanobi Buondelmonti, Antonio Brucioli y muchos otros intelectuales; el mismo Miguel Ángel estaba allí para el sitio de Florencia (1529), y estaba planeando viajar a Francia a pesar de que la oportunidad no se materializó. La Red fue organizada por Pietro Aretino, para la que diseñó un Marte y Venus. El trabajo, ahora en el Cabinet des Dessins del Louvre (n. 1575) fue quizás una alegoría celebrar la paz entre Francia y España y tal vez estaba destinado a ser donado al rey francés, como una especie de tarjeta de presentación para el artista .
Algunos especulan que era el mismo Buonarroti, dejando en Venecia, para recomendar el compañero de Red embajador francés Lázaro de Baïf; la hipótesis es todavía completamente fuera de contacto y tal vez lo más seguro es que el corredor fue el propio Aretino. Sin embargo, en el otoño de 1530 la Red ya estaba en París, en los pasos de Leonardo da Vinci y Andrea del Sarto, que lo había precedido a la corte francesa.
Acogido por el rey, que según Vasari fue golpeado no sólo por su arte, sus atributos personales y la forma de actuar, Rojo recibió casi de inmediato un pago de 400 coronas, una casa en París (donde vivió poco, pasando la mayor parte de su tiempo al castillo de Fontainebleau) y el nombramiento de un jefe general de todas las «fábricas» reales, pinturas y adornos: este tipo de noticias ya presuponer la fama conocida del rojo al rey gracias a Florencia y el Arezzo presentar su corte, tanto como pintor y arquitecto. De él, después de todo, que ya tenía desde hace años el original de Moisés defensa de las hijas de Jetro, y otras obras a continuación, perdidos o dispersos. Estos incluyen un inventario de 1625 menciona una Judith con la cabeza de Holofernes (de los cuales sigue siendo una versión impresa de René Boyvin, una afirmación de la Pierides (tal vez en el Louvre), Leda y el cisne diseñada por Miguel Ángel (tal vez la de la Galería Nacional Londres), y el cuadrado con Marte y Venus (que sigue siendo un dibujo en el Louvre).
Entre los primeros proyectos para el rey no había tal vez un proyecto para un relieve escultórico de San Pedro y Pablo (conocido como grabados). Del éxito de la Fontainebleau Rojo, además de la biografía de Vasari, hay rastros escritos en correspondencia Michelangelo, ya que la carta enviada desde Piacenza a Antonio Mini en Buonarroti (1531), cuando recordamos cómo algunos de retorno florentina de la corte francesa han encontrado el «maestro gra’ de dinero y otra provvisioni» rojos, o el enviado de Lyon, que reafirma la ‘gradissima provisione’, o de que el 2 de enero de 1532, así como Lyon, lo que indica que ha visto pasar la Red a caballo entre muchos sirvientes y los asientos cubiertos con telas ricas.
A pesar de la gran cantidad de documentos, los diez años más o menos de los puestos de trabajo rojos en Francia son en gran parte desconocidos. Dos pinturas se describen meticulosamente por Vasari como se realizó inmediatamente después de la llegada del pintor en Francia y antes que la de Primaticcio (1532). Si se sabe poco o nada de Amor y Psique, que tal vez pueda ser identificada en el Amor y Venus, que conserva un dibujo en el Louvre, el Baco y Venus que se ha identificado con precaución en la pintura de Baco, Venus y Cupido en el Museo de Historia y de arte nacional de la ciudad de Luxemburgo.
En el castillo de Fontainebleau comenzó a trabajar en el Pabellón de Pomona (1532-1535, ya en el primer piso, que ya no existe), probablemente diseñado por él en la arquitectura, así como los frescos con Historias de Vertumnus y Pomona, junto con Primatice. Otras ayudas menciona en sus empresas francesas había Lorenzo Naldini, Domenico del Barbiere, flamenca Leonardo, Francesco Caccianemici, Giovan Battista Bagnacavallo y Luca Penni.
Más complicado fue la decoración de la galería de Francisco I, terminó en arquitectura en 1530 y comenzó entre 1533 y 1535, con estuco, pinturas y un complejo sistema de símbolos y alusiones triunfalistas. Primer trabajo de este tipo en Francia hoy en día no es legible para el repintado y numerosos cambios han ocurrido a lo largo de los siglos. En el extranjero su investigación sobre el color, el movimiento, su originalidad a toda costa stemperò, atenuada de una forma más ágil y elegante.
En 1532 el rey le dio el estatus canónico de la Sainte-Chapelle y Notre Dame en 1537. Vasari recuerda cómo el artista realizó en Francia en frente de numerosas obras, entre dibujos de «saleros, jarrones, cuencos y otras rarezas,» proyectos «para caballos abigliamenti, enmascarado, de triunfos y todas las otras cosas le que puedan imaginar, y con tales fantasías extrañas y bizarras que no se puede hacer mejor «. De todos estos trabajos hoy en día poco queda, entre ellos algunos de hoja extraordinaria (como la muerte de la Primera Visión de Petrarca Laura, en 1534, Christ Church Picture Gallery, Oxford) y algunos de grabado tomados de sus proyectos (como los tres destinos Disfraces Pierre Milan).
Del período francés sigue siendo uno definitivamente el trabajo debido a la mano de Red, la Piedad en el Louvre, pintado para la policía Anne de Montmorency, cuyos brazos aparecer.
Las fuentes francesas guardan silencio sobre la muerte de rojo, mientras que Vasari describe un repentino cambio de su fortuna, que le llevó al suicidio. En esta información, muchos han expresado sus dudas, sin embargo, si no es confirmada por documentos, tampoco es refutable.
Acusando injustamente robado su amigo el pintor Francesco Pellegrino, que la queja también había sufrido la tortura, el Rojo fue atacado por los sentimientos de culpa, incluso para la reacción violenta de los acusados. Él consiguió un veneno muy potente, se suicidó el 14 de noviembre de 1540. Todas las obras que en la corte que le habían encargado, a continuación, fueron confiados a Francesco Primaticcio, que dio a luz, continuando el trabajo de la Red, la escuela de Fontainebleau.
A menudo hizo el Rojo numerosos dibujos preparatorios de sus pinturas, de las cuales sólo una parte hemos llegado. En particular había un cuerpo de dibujos relacionados con el período de Fontainebleau que tenía varios propietarios y que se dividió entre varios pasos, incluyendo Cherubino Alberti, Gian Giacomo Caraglio, René Boyvin y otros. El término de la Escuela de Fontainebleau se utilizó por primera vez en 1818 para marcar y reordenar los dibujos preparatorios de los frescos del castillo, que a menudo estaban en hojas sin marcar.