En el tercer piso hay una sala dedicada a Alberto Burri y Art Informel por los principales maestros italianos: Emilio Vedova, Giuseppe Capogrossi, Gastone Novelli, Tancredi, Carla Accardi y Osvaldo Licini. La exposición dedicada a los años cincuenta y sesenta muestra obras de arte de Piero Manzoni y los artistas del grupo Azimuth, desde Enrico Castellani hasta Agostino Bonalumi.

Biografía
Alberto Burri (12 de marzo de 1915 – 13 de febrero de 1995) fue un artista visual, pintor, escultor y médico italiano con sede en Città di Castello. Está asociado con el materialismo del movimiento de arte informal europeo y describió su estilo como polimaterialista. Tuvo conexiones con el espacialismo de Lucio Fontana y, con Antoni Tàpies, una influencia en el renacimiento del arte de la asamblea de posguerra en América (Robert Rauschenberg) como en Europa.

Primeros años
Nació en Città di Castello (Perugia) el 12 de marzo de 1915, hijo mayor de Pietro, un comerciante de vinos, y Carolina Torreggiani, maestra de primaria.

Después de graduarse de la escuela secundaria Annibale Mariotti en Perugia, en 1934 se matriculó en la facultad de medicina de la Universidad de la misma ciudad, graduándose el 12 de junio de 1940.

El 9 de octubre de 1940, con el rango de segundo teniente complementario, fue llamado a las armas y pronto fue despedido para seguir la pasantía en un hospital, con el fin de calificar para ejercer la profesión. Después de graduarse, regresó al ejército y, a principios de marzo de 1943, fue asignado a la décima legión en el norte de África. En los días de la rendición italiana en África, fue capturado por los británicos el 8 de mayo de 1943 y, en manos de los estadounidenses, fue encarcelado, junto con Giuseppe Berto y Beppe Niccolai, en el «campo criminal» por no -cooperadores del campo de concentración de Hereford (en Texas) donde permaneció durante 18 meses. En la primavera de 1944 se negó a firmar una declaración de colaboración propuesta y fue catalogado entre los fascistas «irreductibles».

Pinturas
De la abstracción a la materia.
Una vez que Burri regresó a Italia el 27 de febrero de 1946, su decisión chocó con la severa recesión posterior a la Segunda Guerra Mundial y la insatisfacción de sus padres. Se mudó a Roma como invitado del violinista y compositor Annibale Bucchi, primo de su madre, quien alentó su actividad como pintor.

Mientras estuvo en Roma, tuvo la oportunidad de establecer un contacto con las pocas pero muy activas instituciones dedicadas a la pintura, que estaban creando una nueva plataforma para las artes visuales después de la guerra.

Siguió siendo un artista reservado, trabajando y creando incesantemente, inicialmente en un pequeño estudio en Via Margutta pero con frecuencia mudándose. De hecho, Milton Gendel, un periodista estadounidense que visitó el estudio de Burri en 1954, informó más tarde: «El estudio es de paredes gruesas, encalado, limpio y ascético; su trabajo es ‘sangre y carne’, tela rasgada enrojecida que parece ser paralelo al estancamiento de las heridas que Burri experimentó en tiempos de guerra «.

La primera exposición individual de obras de arte figurativas de Burri tuvo lugar el 10 de julio de 1947 en la galería y librería La Margherita, en Roma, presentada por los poetas Leonardo Sinisgalli y Libero De Libero. Sin embargo, la producción artística de Burri fluyó definitivamente en formas abstractas antes del final del mismo año, el uso de tempera de formato pequeño como resultado de la influencia de artistas como Jean Dubuffet y Joan Miró, cuyo estudio fue visitado por Burri durante un viaje a París en El invierno de 1948.

Alquitranes, Moldes, Jorobados
La investigación artística de Burri se hizo personal en poco tiempo, entre 1948 y 1950 comenzó a experimentar con el uso de materiales inusuales, ‘poco ortodoxos’ como alquitrán, arena, zinc, piedra pómez y polvo de aluminio, así como pegamento de cloruro de polivinilo, este último material se elevó a La misma importancia que los colores al óleo. Durante esta transición artística, el pintor mostró su sensibilidad al tipo de abstracción de medios mixtos de Enrico Prampolini, una figura central en el arte abstracto italiano. No obstante, Burri fue un paso más allá en su Catrami (alquitranes), presentando el alquitrán no como un simple material de collage, sino como un color real que, a través de diferentes tonos lúcidos y opacos en negro monocromo, se mezcló con la totalidad de la pintura. .

Su «Nero 1» (Negro 1) de 1948 fue luego tomado por el artista como un hito inicial de su pintura y estableció la prevalencia del monocromo negro, que se mantendrá como una identidad cercana a lo largo de su carrera, junto con el blanco, desde Bianchi (Blancos) 1949–50 series, y rojo.

La siguiente serie de Muffe (Moldes) presentó literalmente las reacciones espontáneas de los materiales empleados, permitiendo que la materia ‘cobre vida’ en goteos y concreciones que reproducen los efectos y la apariencia del moho real. En algunas obras de arte del mismo período que llamó Gobbi (Jorobados), Burri se centró en la interacción espacial de la pintura, logrando otro resultado original debido a la incorporación de ramas de árboles en la parte posterior del lienzo que empujó la bidimensionalidad hacia el espacio tridimensional. .

En 1949, el crítico Christian Zervos publicó la foto de un Catrame (exhibida en París el año anterior) en el famoso Cahiers d’art.

A pesar de la afinidad de Burri con el informalismo y su amistad con Ettore Colla, que acercó a Alberto al Gruppo Origine (establecido y disuelto en 1951 por el propio Colla, Mario Balocco y Giuseppe Capogrossi), la investigación artística del pintor parecía cada vez más solitaria e independiente.

Sacchi y el surgimiento estadounidense
A partir de 1952, Burri logró una fuerte caracterización personal con los Sacchi (sacos), obras de arte directamente obtenidas de tela de yute ampliamente distribuida por el Plan Marshall: el color casi desapareció por completo, dejando espacio para el material de la superficie para que la pintura coincida con su materia en su autonomía total, ya que no había más separación entre la superficie de la pintura y su forma.

La elegancia artística formal y los equilibrios espaciales obtenidos a través de vapores de aeroformas, cráteres, rasgaduras, capas de color superpuestas y diferentes formas, diferenciaron el arte de Burri, basado en reflexiones atentas y cálculos precisos, de los gestos impulsivos que caracterizaron la pintura de Acción durante el mismo período.

Burri ofreció una vista inicial de estos elementos peculiares en 1949, con SZ1 (acrónimo de Sacco di Zucchero 1 que significa Saco de azúcar, 1): la presencia de una porción de la bandera estadounidense contenida en la obra de arte anticipó el uso del mismo tema hecho por el arte pop. En el caso de Burri, sin embargo, no hubo implicaciones sociales o simbólicas, siendo el equilibrio formal y cromático de la pintura el único foco real.

Censura y éxito
El Sacchi de Burri no ganó la comprensión del público y, en cambio, se los consideró extremadamente alejados de la noción de arte. En 1952, año de su primera participación en la exposición Bienal de Venecia, los Sacos titulados Lo Strappo (The Rip) y Rattoppo (Patch) fueron rechazados.

Nuevamente, en 1959, un punto de orden del Parlamento italiano solicitó la eliminación de una de las obras del pintor de la Galleria Nazionale d’Arte Moderna en Roma.

El trabajo de Burri recibió una consideración diferente y positiva en 1953, cuando James Johnson Sweeney (director del Museo Solomon R. Guggenheim) descubrió las pinturas de Burri en la Galería Obelisco en Roma, y ​​posteriormente presentó el trabajo del artista en los Estados Unidos, en una exposición colectiva. Representante de las nuevas tendencias artísticas europeas. Posteriormente, este encuentro llevó a una amistad de por vida con Sweeney, convirtiéndose en un defensor activo del arte de Burri en los principales museos estadounidenses y escribiendo el primer monogrph sobre el artista en 1955. Durante el mismo año, Robert Rauschenberg visitó el estudio del pintor dos veces: a pesar de Las diferencias lingüísticas entre los dos artistas les impidieron hablar entre ellos, las visitas de Rauschenberg proporcionaron información sustancial para la creación de sus pinturas combinadas.

La fuerte relación de Burri con los Estados Unidos se hizo oficial cuando conoció a Minsa Craig (1928–2003), una bailarina de ballet estadounidense (estudiante de Martha Graham) y coreógrafa con quien se casó el 15 de mayo de 1955 en Westport, Connecticut. Se mantuvieron unidos en las buenas y en las malas, por el resto de sus vidas.

Adopción de fuego.
Después de algunos intentos esporádicos, en 1953–54 Burri realizó una experimentación cuidadosamente planificada con fuego, a través de pequeñas combustiones en papel, que sirvieron como ilustraciones para un libro de poemas de Emilio Villa. El poeta fue uno de los primeros en comprender el potencial artístico revolucionario del pintor, escribió sobre él desde 1951 y trabajó con él en los libros de artista. Más tarde recordó una visita común a un campo petrolero (para un reportaje de 1955 para la revista «Civiltà delle Macchine») como una fuerte influencia para el interés del artista en el uso del fuego.

Combustiones, Maderas, Hierros, Plásticos
El procedimiento adoptado para el Combustioni (Combustiones) pasó del papel al Legni (Woods) alrededor de 1957, en láminas delgadas de chapa de madera fijadas a lienzo y otros soportes.

En el mismo período, Burri también estaba trabajando en Ferri (Hierros), creaciones hechas de láminas de metal cortadas y soldadas con soplete, para apuntar al equilibrio general de los elementos. La aplicación más conocida de este procedimiento se alcanzó en el Plastiche (Plásticos) durante los años sesenta, cuando una apertura crítica gradual hacia el arte de Burri también apareció en Italia.

El soplete era aparentemente solo un dispositivo destructivo. De hecho, los cráteres modelados por la llama en celofán, plástico negro, rojo o transparente o en la serie Bianchi Plastica (plástico blanco), en la que el plástico transparente se coloca sobre un soporte blanco o negro, fueron ligeramente dirigidos por el soplo del pintor. Los equilibrios del asunto fueron así resaltados una vez más, en una especie de «desafío» hacia la aleatoriedad de la llama, por un lado, y en una especie de intento de «dominar el azar», intrínseco a la filosofía de Burri, por el otro.

De Cretto a Cellotex
A partir de 1963, Burri y su esposa comenzaron a pasar sus inviernos en Los Ángeles. El pintor se separó progresivamente de la comunidad artística de la ciudad, centrándose profundamente en su propio trabajo. Durante sus viajes recurrentes al Parque Nacional del Valle de la Muerte, el artista encontró en el agrietamiento natural del desierto el estímulo visual que lo llevó, a partir de 1973, a crear Cretti (Cracks) desarrollando el uso del efecto de pintura craquelada de sus obras de arte de 1940.

Empleando una mezcla especial de caolín, resinas y pigmentos, el pintor secó su superficie con el calor de un horno. Burri detuvo el proceso de calentamiento en el momento deseado usando una capa de pegamento PVA, obteniendo así mayores y menores efectos de agrietamiento, que siempre fueron equilibrados gracias al amplio conocimiento del pintor sobre química.

Grande Cretto en Gibellina
Burri reprodujo el procedimiento utilizado para el Cretti, ya sea negro o blanco, también en escultura, en grandes extensiones en la Universidad de California, Los Ángeles y Nápoles (Museo di Capodimonte) Grandi Cretti (Grandes grietas) hechas de arcilla cocida (ambas 49 x 16) y, lo más importante, en la vasta cubierta de cemento del Gran Cretto en Gibellina, sobre las ruinas de la antigua pequeña ciudad siciliana destruida por el terremoto de 1968. Comenzó en 1984 e interrumpió en 1989, el trabajo se completó en 2015, para el centenario de nacimiento del artista. Es una de las obras de arte más grandes jamás realizadas, que se extiende sobre un área de aproximadamente 85,000 metros cuadrados. Su cubierta de hormigón blanco se expande sobre la ciudad, siguiendo el viejo mapa de calles en largos caminos arteriales y corredores, que son transitables, por lo que simbólicamente devuelve la vida a la devastada ciudad.

Cellotex y los grandes ciclos de pinturas
Durante los años setenta, el arte de Burri vio una transición gradual hacia dimensiones más amplias, mientras que las retrospectivas se sucedieron en todo el mundo. La gran exposición individual que cruzó los Estados Unidos en 1977–78 y terminó en el Museo Solomon R. Guggenheim en Nueva York es un ejemplo.

En el ciclo de pinturas de 1979 llamado Il Viaggio (El viaje), Burri recorrió, a través de diez composiciones monumentales, los momentos clave de su producción artística.

El material privilegiado durante esta fase es Celotex (el autor agregó un l a su nombre), una mezcla industrial de desechos de producción de madera y adhesivos, que se usa muy a menudo en la fabricación de tableros aislantes. Hasta entonces, el pintor había utilizado este material en sus trabajos anteriores desde principios de la década de 1950 como soporte para sus trabajos de acetato y acrílico.

Después de eso, Cellotex se usó para series cíclicas concebidas como políptico en una estructura geométrica dominante y clara, a través de tonos rayados extremadamente delgados o yuxtaposiciones de porciones lisas y ásperas como Orsanmichele (1981), o en variaciones de monocromos negros como Annottarsi (Up to Nite, 1985 ), así como en formas multicolores como Sestante (Sextant, 1983) o el homenaje al oro de los mosaicos de Ravenna en su última serie Nero e Oro (Black and Gold).

Escultura y escenografía
Toda la producción artística de Burri fue concebida por el autor como un conjunto inseparable de forma y espacio, tanto en pintura como en escultura. Un ejemplo es el motivo recurrente de la arquivolta, visto en su forma simple en la pintura y en perspectiva en esculturas de hierro como el Teatro Scultura, una obra presentada en la Bienal de Venecia de 1984, y en la serie de cerámica Ogive de 1972.

La fuerte continuidad de las obras escultóricas de Burri con sus pinturas también se puede ver en la cerámica de Los Ángeles UCLA y Nápoles Capodimonte Grandi Cretti (con la ayuda del ceramista colaborador Massimo Baldelli), o en el Grande Ferro (Gran Hierro) exhibido en Perugia con motivo de la reunión de 1980 entre el artista y Joseph Beuys.

The Large Cretto en Gibellina no pertenece adecuadamente a la categoría de land art, pero tiene características que combinan arquitectura, escultura y espacio. Otras esculturas en hierro se llevan a cabo de forma permanente en los museos Città di Castello, Ravenna, Celle (Pistoia), Perugia y Milán, donde las alas giratorias del Teatro Continuo (Teatro Continuo) son un verdadero espacio escénico y escultura, empleando el parque del Castillo Sforza como tela natural de fondo.

Escenarios de teatro
El teatro tuvo un papel privilegiado en la producción artística de Burri. Aunque en intervenciones aisladas, el pintor trabajó en los campos de la prosa, el ballet y la ópera. En 1963, Burri diseñó los sets para Spirituals, el ballet de Morton Gould en La Scala, en Milán. Plastiche, del pintor, enfatizó la fuerza dramática de obras de teatro como la adaptación teatral Ignazio Silone de 1969 en San Miniato (Pisa) y Tristan e Iseult, realizadas en 1975 en el Teatro Regio de Turín.

En 1973, Burri diseñó decorados y vestuarios para Steps de noviembre, concebido por su esposa Minsa Craig, con una partitura de Toru Takemitsu. El ballet estaba interactuando con un ejemplo temprano de arte visual en un clip de película que representa cómo surgió progresivamente el Cretti.

Obra gráfica
Burri nunca consideró el arte gráfico de importancia secundaria para la pintura. Participó intensamente en la experimentación de nuevas técnicas de impresión como la reproducción en 1965 de la Combustioni, en la que los hermanos Valter y Eleonora Rossi lograron imitar perfectamente el efecto de la quema en papel, o las cavidades irregulares de Cretti (1971) con las mismas impresoras. .

Otros desarrollos innovadores se pueden encontrar en las pantallas de seda Sestante (1987–89), con la ayuda del viejo amigo y colaborador de Burri, Nuvolo, de la serie Mixoblack (1988), creada en Los Ángeles con los impresores Luis y Lea Remba sobre polvo de mármol y arena en particular efectos tridimensionales.

Un hecho revelador es que Burri utilizó el dinero del Premio Feltrinelli para gráficos, que le otorgó en 1973 la Accademia dei Lincei, para promover y apoyar la restauración de los frescos de Luca Signorelli en el pequeño oratorio de San Crescentino, a solo unos pocos kilómetros de La casa de campo de Burri en Città di Castello; Un ejemplo más de lo moderno y contemporáneo que son mentalmente cercanos en el arte de Burri.

Legado
Alberto Burri murió sin hijos el 13 de febrero de 1995 en Niza, en la Riviera francesa, donde se había mudado por la facilidad de vivir y por un enfisema pulmonar.

Justo antes de su muerte, el pintor recibió la Legión de Honor y el título de Orden del Mérito de la República Italiana, además de ser nombrado miembro honorario de la Academia Americana de las Artes y las Letras. Su serie gráfica Oro e Nero (Oro y Negro), fue donada por el artista, entre otros, en la Galería Uffizi en Florencia 1994, momento en el que ya comenzaba a ser considerado más un artista «clásico» que un artista «contemporáneo».

El arte de Alberto Burri capturó el interés de muchos colegas artistas contemporáneos, desde Lucio Fontana y Giorgio Morandi hasta Jannis Kounellis, Michelangelo Pistoletto y Anselm Kiefer, quienes reconocieron la grandeza de Burri y, en algunos casos, su influencia, una y otra vez.

Fundación y los museos.
De acuerdo con el testamento del pintor, la Fondazione Palazzo Albizzini se estableció en Città di Castello en 1978, para proteger los derechos de autor del propio trabajo de Burri. La primera colección del museo, inaugurada en 1981, es la que se encuentra dentro del edificio de apartamentos Albizzini Renaissance. La casa patricia del siglo XV, perteneciente a los patrocinadores de la Boda de la Virgen de Rafael, fue restaurada por los arquitectos Alberto Zanmatti y Tiziano Sarteanesi de acuerdo con los propios planes de Burri.

La segunda colección es la de los antiguos cobertizos de secado de tabaco de Città di Castello, una estructura industrial que fue abandonada gradualmente durante la década de 1960 e inaugurada en 1990, expandiéndose en un área de 11,500 metros cuadrados. En la actualidad, la estructura presenta la totalidad de grandes ciclos de pintura del artista, esculturas monumentales y, a partir de marzo de 2017, toda la producción gráfica del pintor.

El exterior negro de la estructura y las adaptaciones espaciales particulares representan un último intento de Burri para crear una obra de arte total, en continuidad con la idea del equilibrio formal y psicológico que persiguió constantemente.

Crítica
Alberto Burri es actualmente reconocido como un innovador radical de la segunda mitad del siglo XX, como precursor de las soluciones encontradas por movimientos artísticos como Arte Povera, Neo-Dada, Nouveau réalisme, Postminimalismo y arte de proceso, dejando abiertas muchas interpretaciones críticas. e interpretaciones metodológicas de su obra.

En su monografía de 1963, Cesare Brandi destacó la esencialidad de la pintura de Burri y su rechazo tanto de los detalles decorativos como de las provocaciones históricas de vanguardia (por ejemplo, el futurismo), favoreciendo un nuevo enfoque a través de un concepto de «pintura sin pintar».

Por otro lado, Enrico Crispolti interpretó el uso de material por parte de Burri desde un punto de vista existencial, como James Johnson Sweeney hizo de manera similar en la primera monografía sobre Burri publicada en 1955, lo que implica una crítica hacia una cierta deriva ética de la posguerra.

Pierre Restany lo consideró como un «caso especial» en la historia del minimalismo, al haber sido «el extraño monumental y el precursor genial al mismo tiempo». Maurizio Calvesi adoptó una lectura psicoanalítica durante los años, encontrando «valores éticos» en su arte, identificando al mismo tiempo los orígenes renacentistas de la tierra natal de Burri: Piero della Francesca habría inspirado en Burri el sentido del espacio y la solemnidad de las masas que el pintor luego transferido en el bosque quemado o los sacos gastados.

Más recientemente, la posición de Burri ha sido reevaluada gracias a la gran exposición retrospectiva de 2015 Alberto Burri: El trauma de la pintura comisariada por Emily Braun para el Museo Solomon R. Guggenheim y a la exposición colectiva 2016 Burri Lo spazio di Materia tra Europa e USA editada por el actual presidente de la Fundación, Bruno Corà, que destacó el cambio radical en la pintura occidental tradicional y el collage moderno provocado por Burri, al tiempo que se centró en su recuperación ‘psicológica’ de los equilibrios formales de la pintura clásica vivos.

Entre las muchas lecturas históricas, el juicio de Giulio Carlo Argan (escrito en el catálogo de la Bienal de Venecia de 1960) sigue siendo emblemático: «Para Burri debemos hablar por un Trompe-l’œil volcado, porque ya no es más pintura para simular la realidad, pero es realidad para simular pintura «.

Mercado del arte
El 11 de febrero de 2014, Christie’s estableció el récord del artista con la obra Combustione Plastica, vendida por £ 4,674,500 (rango estimado de £ 600,000 a £ 800,000). El trabajo (firmado y fechado en la parte posterior) en plástico, acrílico y combustión (4 pies x 5 pies) se realizó entre 1960 y 1961.

El récord del artista se estableció en 2016 en Londres cuando, durante la noche dedicada por Sotheby’s al Sacco e Rosso contemporáneo de 1959, la obra de arte se vendió por más de £ 9 millones, duplicando así el récord anterior.

Tributos
El arte de Alberto Burri ha inspirado a muchos directores italianos, entre los que se encuentra Michelangelo Antonioni, quien se inspiró en la investigación material del pintor para su Desierto Rojo de 1964.

El compositor Salvatore Sciarrino escribió un homenaje para conmemorar el fallecimiento del pintor en 1995, encargado por el Festival delle Nazioni de Città di Castello. Para el mismo festival, los antiguos cobertizos de secado de tabaco se convirtieron en el escenario de una composición de Alvin Curran en 2002.

The Large Cretto en Gibellina ha funcionado varias veces como escenario del Festival Orestiadi y como escenario de una actuación de 2015 de los artistas Giancarlo Neri y Robert Del Naja (Massive Attack). El Ballet November Steps de 1973, con los sets y disfraces de Burri, fue propuesto nuevamente en 2015 por el Museo Guggenheim de Nueva York. En 2016, el coreógrafo Virgilio Sieni creó la obra Quintetti sul Nero, inspirada en el maestro de Umbría. En 2017, John Densmore (The Doors) actuó frente al Grande Nero Cretto (Large Black Crack) en ucla, Los Ángeles, durante el evento Burri Prometheia.

A lo largo de los años, los diseñadores de moda se han inspirado en Burri, en Roberto Capucci, con su prenda de vestir Omaggio a Burri de 1969 que tiene características asimétricas que recrean los efectos Cretti, hasta Laura Biagiotti para su (última) colección 2017.

En 1987, Burri creó los carteles oficiales de la Copa Mundial de la FIFA 1990. El Umbria Jazz Festival utilizó la serie Sestante para el póster de la edición de 2015, celebrando el centenario de nacimiento del artista.

Museo del siglo XX en Milán.
El Museo del Novecento de Milán es una exposición permanente de obras de arte del siglo XX alojadas en el Palazzo dell’Arengario y el adyacente Palacio Real de Milán. El museo absorbió las colecciones del anterior Museo Cívico de Arte Contemporáneo (CIMAC) que se encuentra en el segundo piso del Palacio Real y que se cerró en 1998.

El Museo del Novecento, ubicado dentro del Palazzo dell’Arengario en la Piazza del Duomo, alberga una colección de más de cuatro mil obras que catalizan el desarrollo del arte italiano del siglo XX.

El Museo del Novecento se estableció el 6 de diciembre de 2010 con el objetivo de difundir el conocimiento del arte del siglo XX y ofrecer una visión más completa de las colecciones que la ciudad de Milán ha heredado con el tiempo. Además de su actividad principal de exhibición, el Museo está activo en la conservación, investigación y promoción del patrimonio cultural y artístico italiano del siglo XX con el objetivo final de llegar a un público cada vez más amplio.

Además de una habitación individual que alberga obras de artistas extranjeros como Braque, Kandinsky, Klee, Léger, Matisse, Mondrian y Picasso, la mayoría de las obras exhibidas en el museo son de artistas italianos. Una sección importante está dedicada a los futuristas italianos, con obras de Giacomo Balla, Umberto Boccioni, Carlo Carrà, Fortunato Depero, Luigi Russolo, Gino Severini, Mario Sironi y Ardengo Soffici. El gran lienzo de Giuseppe Pellizza da Volpedo, Il Quarto Stato (1902), también se exhibe en una habitación propia.

Otras secciones del museo están dedicadas a artistas individuales como Giorgio de Chirico, Lucio Fontana y Morandi. También hay secciones dedicadas a los movimientos artísticos del siglo XX, incluidos el abstraccionismo, el arte povera, el novecento italiano, el postimpresionismo y el realismo, y géneros como el paisaje y el arte monumental.