Sala de Lucio Fontana, Museo del siglo XX.

El último piso del museo está dedicado por completo a Lucio Fontana. El Salón Fontana fue diseñado como un trabajo de inmersión ambiental. Los protagonistas son el emblemático Techo de 1956, creado inicialmente para el comedor del Hotel del Golfo en la isla de Elba y otorgado por el Ministerio de Patrimonio y Actividades Culturales; el Neon propiedad de la Fondazione Fontana; y los conceptos espaciales de la década de 1950.

Biografía
Lucio Fontana (19 de febrero de 1899 – 7 de septiembre de 1968) fue un pintor, escultor y teórico argentino-italiano. Es conocido principalmente como el fundador del espacialismo.

Hijo del escultor italiano Luigi Fontana (1865 – 1946) y de una madre argentina, comenzó su actividad artística en 1921 trabajando en el taller de escultura de su padre y colega y amigo de su padre Giovanni Scarabelli. Luego se convirtió en seguidor de Adolfo Wildt. Desde 1949 rompiendo el lienzo con agujeros y cortes, supera la distinción tradicional entre pintura y escultura. El espacio deja de ser objeto de representación según las reglas convencionales de perspectiva. La superficie del lienzo en sí, interrumpiéndose en relieves y huecos, entra en una relación directa con el espacio y la luz reales. A fines de la década de 1940, colaboró ​​con Fontana Arte en la creación de bases de cerámica para mesas y mesas de café (basadas en el diseño del arquitecto Roberto Menghi), y con la empresa Borsani.

Lucio nació de una relación entre Lucia Bottini, hija del grabador suizo Jean y quien luego se casará con Juan Pablo Maroni, y el padre Luigi que mantendrá a su hijo con él y luego se casará con Anita Campiglio, siempre considerada por Fontana como una verdadera madre. La familia Fontana se sentía bastante cómoda, por lo que el joven Lucio fue enviado a Italia para estudiar primero en universidades importantes y luego al Instituto Técnico Carlo Cattaneo y al instituto artístico Brera. En 1917 se ofreció para unirse al ejército. En 1921, después de obtener el diploma de experto en construcción, regresó a Argentina. En 1924, después de trabajar con su padre, abrió su estudio en Rosario abandonando el estilo realista de su padre y, en cambio, mirando las formas cubistas de Aleksandr Archipenko como en Desnudo (1926) y en La mujer y la balde (1927).

Trabajo
En 1927 regresó a Milán y se matriculó en la Academia Brera y se graduó en 1930. Fue influenciado por su profesor Adolfo Wildt.

Él dirá en 1963 “Tuve un gran maestro como guía: Wildt, fui considerado el mejor alumno del curso. De hecho, Wildt me había expresado varias veces que me convertí en un continuador de su arte. En cambio, tan pronto como Dejé la Academia, tomé una gran cantidad de yeso, le di una estructura aproximadamente figurativa de un hombre sentado y le arrojé alquitrán. Entonces, por una reacción violenta. Wildt se quejó, y ¿qué podría decirle? Le tenía un gran respeto. Estaba agradecido con él, pero estaba interesado en encontrar un nuevo camino, un camino que fuera todo mío “. Una de las obras más importantes del primer período de Fontana nació: The Black Man (1930- ahora perdido). Recordando obras de Archipenko y Zadkine, busca un retorno a los orígenes de la forma. El alquitrán negro y la masa casi sin forma contrastan con la recuperación de las formas romana y etrusca de Arturo Martini y Marino Marini. Junto con Renato Birolli y Aligi Sassu, considera que el expresionismo es una alternativa a la moda del siglo XX como el campeón olímpico (o campeón pendiente) (1932).

También crea numerosas cerámicas con colores brillantes. Conoce la vanguardia arquitectónica milanesa: Figini y Pollini y el grupo BBPR, es decir: Belgioioso, Banfi, Peressutti, Rogers. Adquirió la lección de Le Corbusier. La proximidad a la arquitectura es claramente visible en el monumento a Giuseppe Grandi (El gran escultor de la “Scapigliatura” lombarda), lamentablemente, nunca se hizo (1931) y se diseñó junto con su primo arquitecto Bruno Fontana y el ingeniero Alcide Rizzardi. El proyecto incluye un cono invertido y cristales. Tenga en cuenta la derivación de las obras constructivistas y racionalistas: ver Melnikov (Faro de Colón 1929) y Tatlin (monumento a la III Internacional). En la década de 1930, Fontana siempre estuvo en el equilibrio entre la figuración expresionista y la rarefacción de la forma y la bidimensionalidad.

En 1937 fue a París para la Exposición Universal. Conoce a Tristan Tzara y Costantin Brancusi y ve las obras de Picasso. Visite los talleres de cerámica de Sèvres y haga nuevas cerámicas. De 1940 a 1947 vivió en Argentina y, junto con otros artistas abstractos, escribió Il manifiesto blanco: se requiere un cambio de esencia y forma. Requiere la superación de la pintura, la escultura, la poesía y la música. Se necesita mayor arte de acuerdo con las necesidades del nuevo espíritu.

En 1940 regresó a la Argentina. En Buenos Aires (1946) fundó la academia Altamira junto con algunos de sus alumnos, e hizo público el Manifiesto Blanco, donde se afirma que “La materia, el color y el sonido en movimiento son los fenómenos cuyo desarrollo simultáneo constituye el nuevo arte”. . En el texto, que Fontana no firmó pero al que contribuyó activamente, comenzó a formular las teorías que debía expandir como Spazialismo, o Espacialismo, en cinco manifiestos de 1947 a 1952. A su regreso de Argentina en 1947, él apoyó, junto con escritores y filósofos, el primer manifiesto del espacialismo (Spazialismo) **. Fontana había encontrado su estudio y obras completamente destruidas en los bombardeos aliados de Milán, pero pronto reanudó sus trabajos de cerámica en Albisola. En Milan,

Después de su regreso a Italia en 1948, Fontana exhibió su primer Ambiente spaziale a luce nera (‘Ambiente espacial’) (1949) en la Galleria del Naviglio de Milán, una instalación temporal que consiste en una forma gigante de tipo ameba suspendida en el vacío en un habitación oscura e iluminada por luz de neón. A partir de 1949 comenzó el llamado Concepto espacial o serie de barras, que consiste en agujeros o cortes en la superficie de pinturas monocromas, dibujando un signo de lo que llamó “un arte para la era espacial”. Ideó el título genérico Concetto spaziale (‘concepto espacial’) para estas obras y lo usó para casi todas sus pinturas posteriores. Estos se pueden dividir en amplias categorías: el Buchi (‘agujeros’), que comienza en 1949, y el Tagli (‘barras’), que instituyó a mediados de la década de 1950.

Fontana a menudo cubría el reverso de sus lienzos con una gasa negra para que la oscuridad brillara detrás de los cortes abiertos y creara una misteriosa sensación de ilusión y profundidad. Luego creó un elaborado techo de neón llamado “Luce spaziale” en 1951 para la Trienal de Milán. En su importante serie de Concetto spaziale, La Fine di Dio (1963–64), Fontana usa la forma del huevo. Con su serie Pietre (piedras), comenzada en 1952, Fontana fusionó la escultura con la pintura incrustando las superficies de sus lienzos con un pesado empaste y vidrio de colores. En su ciclo de Buchi (agujeros), que comenzó en 1949-1950, pinchó la superficie de sus lienzos, rompiendo la membrana de la bidimensionalidad para resaltar el espacio detrás de la imagen. A partir de 1958, purificó sus pinturas creando superficies mate y monocromas, enfocando así al espectador ‘ Preste atención a las rodajas que rasgan la piel del lienzo. En 1959, Fontana exhibió pinturas recortadas con múltiples elementos combinables (llamó a los conjuntos quanta), y comenzó Nature, una serie de esculturas hechas cortando una herida en una esfera de arcilla de terracota, que posteriormente fundió en bronce.

Fontana participó en muchos proyectos de colaboración con los arquitectos más importantes de la época, en particular con Luciano Baldessari, quien compartió y apoyó su investigación para Spatial Light – Structure in Neon (1951) en la Novena Trienal y, entre otras cosas, le encargó diseña el techo del cine en el Pabellón Sidercomit en la 21a Feria de Milán en 1953.

Alrededor de 1960, Fontana comenzó a reinventar los cortes y pinchazos que habían caracterizado su estilo tan personal hasta ese momento, cubriendo lienzos con capas de pintura de aceite gruesa aplicada a mano y con brocha y usando un bisturí o un cuchillo Stanley para crear grandes fisuras en su superficie. . En 1961, luego de una invitación para participar junto con los artistas Jean Dubuffet, Mark Rothko, Sam Francis y otros en una exposición de pintura contemporánea titulada “Arte y contemplación”, celebrada en el Palazzo Grassi de Venecia, creó una serie de 22 obras dedicadas a la ciudad de la laguna. Manipuló la pintura con los dedos y varios instrumentos para hacer surcos, a veces incluyendo fragmentos dispersos de cristal de Murano. Posteriormente, Michel Tapié invitó a Fontana a exhibir las obras en la Galería Martha Jackson de Nueva York.

Entre las últimas obras de Fontana se encuentran una serie de Teatrini (“pequeños teatros”), en los que regresó a un idioma esencialmente plano al usar telas encerradas dentro de alas que se asemejan a un marco; La referencia al teatro enfatiza el acto de mirar, mientras que en primer plano una serie de esferas irregulares o siluetas ondulantes y oscilantes crea una animada obra de sombras. Otra obra de esa época, Trinità (Trinity) (1966), consta de tres grandes lienzos blancos marcados por líneas de agujeros, abrazados en un escenario teatral hecho de láminas de plástico ultramarinas que se asemejan vagamente a las alas.

En los últimos años de su carrera, Fontana se interesó cada vez más en la puesta en escena de su trabajo en las numerosas exposiciones que lo honraron en todo el mundo, así como en la idea de pureza lograda en sus últimos lienzos blancos. Estas preocupaciones fueron importantes en la Bienal de Venecia de 1966, para la cual diseñó el entorno para su trabajo. En Documenta IV en Kassel en 1968, colocó una gran barra de yeso como el centro de un laberinto totalmente blanco, que incluye techo y piso (Ambiente spaziale bianco).

Poco antes de su muerte, estuvo presente en la demostración “Destruction Art, Destroy to Create” en el Finch College Museum de Nueva York. Luego dejó su hogar en Milano y fue a Comabbio (en la provincia de Varese, Italia), la ciudad madre de su familia, donde murió en 1968.

Fontana creó una cantidad prolífica de trabajo gráfico con motivos abstractos y figuras, poco conocidas en el mundo del arte, al mismo tiempo que producía sus obras perforadas abstractas. También fue el escultor del busto de Ovidio Lagos, fundador del periódico La Capital, en mármol de Carrara.

Exposiciones
Fontana realizó sus primeras exposiciones individuales en la Galleria del Milione, Milán, en 1931. En 1961, Michel Tapié organizó su primera exposición en los Estados Unidos, una exposición de la serie de Venecia, en la Galería Martha Jackson, Nueva York. Su primera exposición individual en un museo estadounidense se realizó en el Walker Art Center, Minneapolis, en 1966. Participó en la Bienal de São Paulo y en numerosas exposiciones en todo el mundo. Entre otras, las principales retrospectivas han sido organizadas por la Colección Peggy Guggenheim, Venecia (2006), Hayward Gallery, Londres (1999), Fondazione Lucio Fontana (1999) y el Centro Georges Pompidou (1987; viajó a La Fundación ‘la Caixa’ Barcelona; Museo Stedelijk, Amsterdam; Galería Whitechapel, Londres). Desde 1930, el trabajo de Fontana había sido exhibido regularmente en la Bienal de Venecia, y representó a Argentina varias veces; recibió el Gran Premio de Pintura en la Bienal de Venecia de 1966. En 2014, el Museo de Arte Moderno de la Ville de Paris dedica una retrospectiva al artista. El arte de Tornabuoni celebró una exposición paralela en el espacio de la galería Avenue Matignon Paris.

Colecciones
Las obras de Fontana se pueden encontrar en las colecciones permanentes de más de cien museos de todo el mundo. En particular, los ejemplos de la serie Pietre se encuentran en el Museo Stedelijk, Amsterdam, el Centro Pompidou, París, el Museo de Arte Moderno de Nueva York, la Galleria Nazionale d’Arte Moderna en Roma, el Museo de Arte Contemporáneo Villa Croce en Génova y el van Abbemuseum, Eindhoven. Las joyas de Fontana están incluidas en la colección permanente del Museo de Bellas Artes de Boston.

Mercado del arte
El erudito italiano Enrico Crispolti editó un catálogo de dos volúmenes de las pinturas, esculturas y ambientes de Fontana en 2006. En 2013, Luca Massimo Barbero, Nina Ardemagni Laurini y Silvia Ardemagni publicaron un catálogo de tres volúmenes de las obras de Fontana en papel, incluyendo más de 5.500 obras en orden cronológico.

Un trabajo carmesí raro y grande con un solo corte, que Fontana dedicó a su esposa y que siempre se ha conocido como Teresita, obtuvo £ 6,7 millones ($ 11,6 millones) en Christie’s London en 2008, luego un récord de subasta para el artista. El Concetto Spaziale de Fontana, Attese (1965), de la colección de Anna-Stina Malmborg Hoglund y Gunnar Hoglund estableció un nuevo récord para una pintura de tala en £ 8.4 millones en Sotheby’s London en 2015. Aún más populares son los lienzos ovales de Fontana. Sotheby’s vendió una obra titulada Concetto spaziale, la fine di dio (1963) por £ 10.32 millones en 2008. Parte del círculo de Fontana en Venecia, Festival on the Grand Canal se vendió en Christie’s en Nueva York por $ 7 millones en 2008.

La exibición
Nacido en Argentina, Lucio Fontana vivió en Milán desde la década de 1920 en adelante, estableciendo su estudio allí. A lo largo de su carrera artística, Lucio Fontana creó una rica variedad de obras que van desde esculturas de cerámica hasta pinturas y desde esculturas hasta entornos espaciales.

Los años veinte y treinta
En los años veinte, su obra, aún de naturaleza figurativa en ese momento, giraba en torno a la creación de esculturas para clientes privados (“Busto femminile” [Busto femenino], 1931). Por lo tanto, estas obras fueron bastante pequeñas, aunque también abordó piezas más complejas y experimentales en este período, participando en concursos públicos con obras como “Signorina Seduta” (Young Woman Seated, 1934).

Busto femminile (1931)
Signorina seduta (1934)

Ambientes espaciales
Su intensa colaboración con los arquitectos durante los años de entreguerras tuvo una influencia crítica y formativa en el artista, lo que lo llevó a comenzar a diseñar “entornos espaciales” después de la Segunda Guerra Mundial. Los ejemplos incluyen “Struttura al Neon” (Estructura en neón), inaugurado para la Novena Trienal de Milán en 1951, y “Soffitto Spaziale” (Techo espacial) para el Hotel del Golfo en Procchio en 1956.

Struttura al neon per la IX Triennale di Milano (1951)

Concetti spaziali
En su famoso “Concetti spaziali” (Conceptos espaciales), lienzos monocromáticos en los que el artista hizo una serie de agujeros y cortes limpios, Fontana se abrió a una dimensión espacial infinita, yendo más allá de los límites de una pintura tradicional.

Concetto spaziale, Attesa (1960)
Concetto spaziale (1956)
Concetto spaziale, La bara del marinaio (1957)
Concetto spaziale (La notte) (1956)
Concetto spaziale, Attese (1959)

Museo del siglo XX en Milán.
El Museo del Novecento de Milán es una exposición permanente de obras de arte del siglo XX alojadas en el Palazzo dell’Arengario y el adyacente Palacio Real de Milán. El museo absorbió las colecciones del anterior Museo Cívico de Arte Contemporáneo (CIMAC) que se encuentra en el segundo piso del Palacio Real y que se cerró en 1998.

El Museo del Novecento, ubicado dentro del Palazzo dell’Arengario en la Piazza del Duomo, alberga una colección de más de cuatro mil obras que catalizan el desarrollo del arte italiano del siglo XX.

El Museo del Novecento se estableció el 6 de diciembre de 2010 con el objetivo de difundir el conocimiento del arte del siglo XX y ofrecer una visión más completa de las colecciones que la ciudad de Milán ha heredado con el tiempo. Además de su actividad principal de exhibición, el Museo está activo en la conservación, investigación y promoción del patrimonio cultural y artístico italiano del siglo XX con el objetivo final de llegar a un público cada vez más amplio.

Además de una habitación individual que alberga obras de artistas extranjeros como Braque, Kandinsky, Klee, Léger, Matisse, Mondrian y Picasso, la mayoría de las obras exhibidas en el museo son de artistas italianos. Una sección importante está dedicada a los futuristas italianos, con obras de Giacomo Balla, Umberto Boccioni, Carlo Carrà, Fortunato Depero, Luigi Russolo, Gino Severini, Mario Sironi y Ardengo Soffici. El gran lienzo de Giuseppe Pellizza da Volpedo, Il Quarto Stato (1902), también se exhibe en una habitación propia.

Otras secciones del museo están dedicadas a artistas individuales como Giorgio de Chirico, Lucio Fontana y Morandi. También hay secciones dedicadas a los movimientos artísticos del siglo XX, incluidos el abstraccionismo, el arte povera, el novecento italiano, el postimpresionismo y el realismo, y géneros como el paisaje y el arte monumental.