Sala de Arturo Martini, Museo del Siglo XX

Los años veinte y treinta, moviéndose entre el movimiento Novecento y el arte abstracto, se desarrollan a través de una secuencia de ‘islas’ de exposiciones de arte dedicadas a Giorgio de Chirico, Giorgio Morandi, Arturo Martini y Fausto Melotti. A Marino Marini se le dedica una sala adecuada, destinada a describir la producción rica y matizada del artista.

Biografía
Arturo Martini (1889-1947) fue un destacado escultor italiano entre la Primera y la Segunda Guerra Mundial. Se movió entre un clasicismo muy vigoroso (casi romano antiguo) y el modernismo. Se asoció con la escultura pública en la Italia fascista, pero luego renunció por completo a su medio.

Los primeros años
Nació en una familia desfavorecida, un tercio de los cuatro hijos de Antonio, un cocinero profesional, y María Della Valle, una criada originaria de Brisighella.

Expulsado de la escuela en 1901, debido a repetidos fracasos, se convirtió en aprendiz en una orfebrería en Treviso e inmediatamente después asistió a la escuela de cerámica (colaboró ​​en particular con el horno de guerra Gregorj) donde aprendió la práctica del modelado artesanal.

Fascinado por esta técnica, comenzó a asistir al estudio del escultor Antonio Carlini en Treviso y, al mismo tiempo, asistió al primer año (1906-07) de la Academia de Bellas Artes de Venecia. Se las arregla para idear un nuevo tipo calcográfico de técnica de grabado que él mismo llama keramografía.

Sus primeras obras conocidas se remontan a este período: el Retrato de Fanny Nado Martini, en terracota (1905) y el Busto del pintor Pinelli, que se refieren a la escultura de finales del siglo XIX.

En 1908 en Venecia participó en la primera edición de las exposiciones de Ca ‘Pesaro con la pequeña escultura Il Palloncino.

Sus inventos y su imaginación plástica pronto le permitirán adquirir fama y notoriedad a nivel internacional, asumiendo un papel predominante en el panorama artístico europeo del que era muy consciente.

El debut en Europa y la revista «Valori Plastici»
Interesado en los movimientos artísticos europeos, asistió a la Escuela Adolf von Hildebrand en Munich en 1909. En 1912 se mudó por unos meses a París, donde profundizó su conocimiento del cubismo y la vanguardia y donde expuso en el Salon d’Automne. .

Participa en la Exposición Internacional Libre Futurista, celebrada en Roma, entre abril y mayo de 1914 con el Retrato de Homero Soppelsa, considerado un homenaje al futurismo. En los mismos años colaboró ​​con la revista futurista L’Eroica, dedicada a los temas de arte, literatura y xilografía.

Futurismo
Martini parece haber sido un activo defensor del movimiento futurista entre 1914 y 1918. Ciertamente correspondió con Umberto Boccioni y produjo un folleto modernista en 1918. Sus primeros trabajos muestran una tendencia arcaica, bidimensionalidad y efectos policromos.

Él interrumpe por la fuerza su actividad debido a la guerra, en la que participa.

Luego se acerca a los gráficos abstractos y nacen los primeros bocetos de su libro de artista Contemplazioni. En lugar del texto, el libro presenta una secuencia de signos geométricos.

En abril de 1920 se casó con Brigida Pessano, de Vado Ligure, donde se estableció por unos años. Maria Antonietta (1921) y Antonio (1928) nacen de su matrimonio. Este es el período en el que se da cuenta de The Dead Lover, Fecundity y The Sleeper.

Colabora, entre 1918 y 22, con Mario Broglio en la revista Valori Plastici, uniéndose al movimiento artístico homónimo. Gracias a esta experiencia, redescubre la escultura antigua, superando así el naturalismo del siglo XIX al que todavía estaba apegado. Entre las obras importantes de este período recordamos La Maternità (1925) e Il Bevitore (1926), esta última es una obra de terracota conservada en la Pinacoteca di Brera.

En 1925 es invitado a exponer en una sala de la III Bienal Romana; Al año siguiente, después de negativas anteriores, participó por primera vez en la Bienal de Venecia. En el mismo año expuso en la primera exposición del siglo XX, un movimiento del cual también estará presente en la segunda edición de 1929 con la escultura El hijo pródigo (1926). En noviembre de 1927 inauguró una exposición de cerámica en Milán en la Galería Pesaro.

La madurez artistica
En el último período define su arte que se traduce en un punto de encuentro ideal entre lo antiguo y lo moderno. En 1928 creó grandes obras como La Pisana, Il Bevitore y la tumba monumental (cuatro metros) de Ippolito Nievo.

En 1929 fue llamado a la silla decorativa de plástico del ISIA de Monza y permaneció allí hasta el año siguiente: su Leda con el cisne, escultura de yeso, permaneció para enriquecer la colección de los Museos Cívicos de Monza.

En 1930, instaló un «horno de estudio» en la fábrica de Ilva Refrattari en Vado Ligure, donde puede modelar y cocinar vajilla sin tener que moverla. Así crea una serie de grandes obras, como The Shepherd y The Sitting Boy (1930), The Dream (1931), Moonlight and Winter Sports (1931-32), obras en las que la alusión al movimiento que parece endurecerse la forma.

En 1931 recibió un premio de cien mil liras en el Primer Cuadrienal de Roma, una suma que le permitió resolver temporalmente los diversos problemas económicos que siempre lo habían atormentado. En 1932 tiene una sala personal en la Bienal de Venecia, de la que obtuvo un gran éxito.

En 1933 se instaló en Milán y realizó una exposición individual en la Galería de Arte Moderno. En este período experimentó con el uso de nuevas técnicas expresivas como la madera, la piedra, la arcilla y el bronce, fue visto regularmente participando en importantes exposiciones nacionales: en la Bienal de Venecia (1934-36-38), en la Triennale di Milan ( 1933-36-40) y la Cuadrienal de Roma (1935-39).

Durante este período realizó numerosas esculturas monumentales, incluido el yeso gigantesco que Moisés salvó del agua, de seis metros de altura, exhibido en la Triennalein de Milán de 1933; La sed (1934), en piedra, donde resurge el recuerdo de los moldes de Pompeya; el bronce de Atenea (1935), de cinco metros de altura; Las muertes de Bligny comenzarían (1936), inspiradas por el discurso de Mussolini contra las sanciones económicas impuestas a Italia después de la ocupación de Etiopía en 1935; El león de Judá (1936), dedicado a la victoria sobre Etiopía; Justicia corporativa, destinada al Palacio de Justicia de Milán; El Grupo Sforza (1938-39), obra destinada al Hospital Niguarda Ca ‘Granda de Milán.

La pintura
En los años 1939 y 1940 comenzó a pintar. En 1940 exhibió con éxito sus obras en la Galería Barbaroux. Escribe, en febrero de 1940, en algunas cartas dirigidas a Carlo Anti, rector de la Universidad de Padua: seré absolutamente un pintor, mi conversión no es un capricho, pero es tan grande y fuerte como la de Van Gogh, y nuevamente estoy feliz, la pintura me divierte y me da otras esperanzas que la escultura ya no me dio

Hizo algunos relieves entre 1940 y 42 para el Palazzo dell’Arengario en Milán: Il Tito Livio y La mujer nadando bajo el agua. En estas obras avanza hacia una libertad expresiva cada vez mayor, convencido de la necesidad de superar el estatuario y de que la escultura «si quiere vivir, debe morir en la abstracción». Él retomará este tema nuevamente en sus charlas sobre escultura.

Los últimos años
De 1942 a 1944 estuvo en Venecia, donde enseñó escultura en la Academia de Bellas Artes. En el verano de 1945 fue suspendido de la enseñanza por unirse al fascismo. Con respecto a esta elección, había escrito: Como me estaba muriendo de hambre con el giolittismo, creía en este movimiento, es decir, en el fascismo.

Al final de su carrera artística recibió el encargo de la estatua del héroe virgiliano Palinuro (1946) para la Universidad de Padua; También creó el monumento funerario dedicado a un partisano caído, el Monumento al partisano Masaccio (1947). Finalmente, diseña un apéndice del libreto La escultura lingua morta, comunicando sus pensamientos al escritor Antonio Pinghelli, quien los publicará póstumamente, en 1948, con el título Maquillaje de Miguel Ángel.

Murió en Milán el 22 de marzo de 1947, sufriendo de parálisis cerebral. Entre sus alumnos está la artista Maria Lai.

La exibición
Arturo Martini fue uno de los escultores más destacados que trabajó en la primera mitad del siglo XX, y sus obras tuvieron una profunda influencia modernizadora en las artes plásticas en la década de 1930. A lo largo de su carrera, el artista produjo obras monumentales y esculturas destinadas a una nueva generación de coleccionistas.

Le stelle (1932)
Busto di ragazzo (1921)
Gli amanti (Il bosco) (1932)
Le collegiali (1927)
Estos coleccionistas fueron el público destinatario de las piezas de terracota y cerámica en las que Martini narra episodios: cuentos independientes o no resueltos como Le collegiali (The Schoolgirls, 1927) y Gli Amanti (The Lovers, 1932).

Las obras monumentales
Como figura en la escena artística nacional, Martini participó en las principales exposiciones de los años treinta, desde la Bienal de Venecia hasta la Cuadrienal de Roma, donde ganó el primer premio de escultura en 1931. En estas exposiciones, presentó obras más grandes con un mayor impacto, piezas de piedra basadas en el estudio de esculturas antiguas como «La sete» (Sed), de 1934, que formaba parte de una serie de obras inspiradas en los descubrimientos de Pompeya.

I morti di Bligny trasalirebbero (1935)
Torso di giovanetto (1929)
Storie di Milano
Creó decoraciones para muchos edificios públicos en los años treinta, incluidos los altos relieves que representan la Storie di Milano (Historias de Milán, 1942-1947) para el Arengario, que ahora alberga el Museo del Novecento.

Museo del siglo XX en Milán.
El Museo del Novecento de Milán es una exposición permanente de obras de arte del siglo XX alojadas en el Palazzo dell’Arengario y el adyacente Palacio Real de Milán. El museo absorbió las colecciones del anterior Museo Cívico de Arte Contemporáneo (CIMAC) que se encuentra en el segundo piso del Palacio Real y que se cerró en 1998.

El Museo del Novecento, ubicado dentro del Palazzo dell’Arengario en la Piazza del Duomo, alberga una colección de más de cuatro mil obras que catalizan el desarrollo del arte italiano del siglo XX.

El Museo del Novecento se estableció el 6 de diciembre de 2010 con el objetivo de difundir el conocimiento del arte del siglo XX y ofrecer una visión más completa de las colecciones que la ciudad de Milán ha heredado con el tiempo. Además de su actividad principal de exhibición, el Museo está activo en la conservación, investigación y promoción del patrimonio cultural y artístico italiano del siglo XX con el objetivo final de llegar a un público cada vez más amplio.

Además de una habitación individual que alberga obras de artistas extranjeros como Braque, Kandinsky, Klee, Léger, Matisse, Mondrian y Picasso, la mayoría de las obras exhibidas en el museo son de artistas italianos. Una sección importante está dedicada a los futuristas italianos, con obras de Giacomo Balla, Umberto Boccioni, Carlo Carrà, Fortunato Depero, Luigi Russolo, Gino Severini, Mario Sironi y Ardengo Soffici. El gran lienzo de Giuseppe Pellizza da Volpedo, Il Quarto Stato (1902), también se exhibe en una habitación propia.

Otras secciones del museo están dedicadas a artistas individuales como Giorgio de Chirico, Lucio Fontana y Morandi. También hay secciones dedicadas a los movimientos artísticos del siglo XX, incluidos el abstraccionismo, el arte povera, el novecento italiano, el postimpresionismo y el realismo, y géneros como el paisaje y el arte monumental.