Revisión de la Bienal de Arte de Venecia 2015, lugares de exposición de la ciudad, Italia

La 56a Exposición Internacional de Arte, titulada Todos los futuros del mundo, está abierta al público del 9 de mayo al 22 de noviembre de 2015 en la Giardini della Biennale y en el Arsenale. Celebrando el 120 aniversario, la Exposición forma un itinerario unitario que comienza en el Pabellón Central (Giardini) y continúa en el Arsenale. La Bienal se construye sobre su propia historia, y avanza año tras año, que está formada por muchos recuerdos pero, en particular, una larga sucesión de diferentes perspectivas desde las que observar el fenómeno de la creación artística contemporánea.

Comisariada por Okwui Enwezor y organizada por la Biennale di Venezia presidida por Paolo Baratta, art Participations se exhibió en los pabellones históricos de Giardini, en el Arsenale y en la ciudad de Venecia. Con más de 136 artistas de 53 países. De las obras expuestas, 159 están expresamente realizadas para la edición de este año. Los países que participan por primera vez en la Exposición son Granada, Mauricio, Mongolia, República de Mozambique y República de Seychelles. Otros países están participando este año después de años de ausencia: Ecuador, Filipinas y Guatemala.

44 Collateral Events, aprobados por el comisario de la Exposición Internacional y promovidos por instituciones sin ánimo de lucro nacionales e internacionales, presentan sus exposiciones e iniciativas en varios lugares de la ciudad de Venecia.

Todos los futuros del mundo
La Bienal observa la relación entre el arte y el desarrollo del mundo humano, social y político, a medida que las fuerzas y los fenómenos externos se ciernen sobre él. All the World’s Futures investiga cómo las tensiones del mundo exterior actúan sobre las sensibilidades y las energías vitales y expresivas de los artistas, sobre sus deseos y su canto interior. El mundo que tenemos ante nosotros hoy presenta profundas divisiones y heridas, pronunciadas desigualdades e incertidumbres en cuanto al futuro. A pesar de los grandes avances en el conocimiento y la tecnología, actualmente estamos atravesando una «era de ansiedad».

La pregunta principal que plantea la exposición es la siguiente: ¿cómo pueden los artistas, a través de imágenes, objetos, palabras, movimientos, acciones, textos y sonidos, reunir al público en el acto de escuchar, reaccionar, involucrarse y hablar, con el objetivo de hacer sentido de los trastornos de esta era? Más brevemente: ¿cómo reacciona el arte ante la situación actual?

Por tanto, esta bienal parte de la urgencia de hacer un balance de la «situación». Reconociendo la complejidad actual, un tema inclusivo y propone una exposición que reúne una multiplicidad de contenidos, tanto desde un punto de vista temporal – con obras del pasado y del presente, muchas de las cuales han sido encargadas para esta ocasión – y el lenguaje . El corazón de esta visión es el espacio de la Arena, en el Pabellón Central, que fue escenario de lecturas, representaciones, conciertos y piezas teatrales, que ofrecen visiones sincrónicas y diacrónicas de la sociedad contemporánea.

Todo se exhibe en el contexto de los 120 años de historia de la Bienal. En cada rincón se pueden encontrar fragmentos del pasado de diversa índole, dado que la Bienal está activa en Arte, Arquitectura, Danza, Teatro, Música y Cine. Es la realidad compleja y multifacética la que ayuda a la exposición a evitar peligros como estos. La gran montaña de los fragmentos de nuestra historia crece año tras año. Enfrente se encuentra la montaña aún mayor de todo lo que no se mostró en las bienales pasadas.

Pabellones nacionales

Pabellón de Albania: Trilogía albanesa: una serie de estratagemas tortuosas
La «Trilogía albanesa: una serie de estratagemas tortuosas» de Armando Lulaj, con sede en Tirana, te envía hacia atrás para mirar hacia adelante. Lulaj, que no es ajeno a la Bienal de Venecia, habiendo expuesto anteriormente en la edición de 2007, utiliza su experiencia diversa como dramaturgo, autor y director de video para examinar regiones en conflicto y territorios en peligro. En su opinión, la memoria colectiva y las tradiciones culturales de Albania corren el riesgo de perderse. Una reflexión sobre la historia social albanesa, un solo corpus narrativo articulado en tres momentos distintos: Albanian Trilogy es una especie de cápsula del tiempo del pasado, con extraños recuerdos y trofeos que presenta, contemporáneamente, material de ficción y documental. Combinando evocación y documentación,el proyecto se concentra en una fase histórico-política de suma importancia para la construcción de una identidad no solo albanesa sino internacional.

Para la Bienal, las expresiones visuales de Lulaj del período de la Guerra Fría en su país de origen toman el pulso de un pasado turbulento y reelaboran una narrativa incrustada para llevar la historia albanesa al momento presente. La serie de tres partes comienza con It Wears as It Grows (2011), seguida de la popular NEVER (2012), y termina con Recapitulation (2015), creada específicamente para la Bienal. Se exhiben tres videos y materiales de archivo, así como un enorme esqueleto de ballena, que es a la vez protagonista y testigo silencioso, una encarnación del gigante-Leviatán, el principio de soberanía hobbesiano. Para Armando Lulaj Albanian Trilogy representa la conclusión de muchos años de investigación sobre el período de la Guerra Fría en Albania y, en particular, sobre los temas relativos de la memoria colectiva y la experiencia histórica,reunidos en una trilogía cinematográfica en la que tres fetiches míticos simbolizan el mar, el aire y la tierra.

Pabellón de Andorra: Paisajes interiores. Enfrentamientos
Ante la tiranía de una memoria numérica gigantesca impuesta por el soft power vertical de las grandes firmas de internet, o donde la amnesia es totalmente imposible porque todos los datos están almacenados, el perímetro de privacidad de mil millones de individuos ha desaparecido. La instalación del pintor Joan Xandri, una veintena de cuadros presentados como la larga proa de un barco, colocados en posición vertical en el suelo y en desorden, muchas veces de vuelta a la fuente, ocultando también partes de obras adyacentes, nos invita a reflexionar y comprender los límites que todos debemos asumir ahora para proteger nuestra privacidad, o incluso nuestras almas. Al hacer esto, también nos lleva a un espacio inusual donde el observador es atraído por su imaginación hacia una segunda visualización, donde el flujo se inspira en una obra que deliberadamente desdibuja los códigos tradicionales de la pintura.

La obra del escultor Agustí Roqué debe entenderse como un bello paisaje, tendiente a la horizontal, sin un verdadero foco ni centro de simetría, base de los bodegones posmodernos, destinados a hacer receptivos a sus espectadores al encuentro con el desconocido a través de un enfrentamiento con ellos mismos, y un espacio con el que pueden jugar juegos mentales. Agustí Roqué se mueve con soltura en un posmodernismo en el que ha erigido una obra con total autonomía, que identificándose plenamente con las diversas potencialidades de un sistema de producción preciso, logra conservar su libertad. Tres obras agrupadas bajo la evocadora etiqueta Inside-Inside, que aclara, por si fuera necesario aclarar, el maravilloso trabajo sobre el espacio al que durante mucho tiempo ha dedicado toda su energía creativa,dando a la escultura el objeto adicional de un evento espacio-temporal.

Pabellón de Angola: sobre formas de viajar
«Sobre las formas de viajar». Coincidiendo con los 40 años de independencia desde Portugal en 1975, esta exposición colectiva se embarca en un viaje a través de la historia nacional para abrir caminos viables para los años venideros. Alojado en el Palazzo Pisani construido a lo largo de los siglos XV y XVII, una época en la que las grandes potencias marítimas estaban extendiendo sus imperios de ultramar, la época en que Portugal se estableció en Angola durante medio milenio. Como se desprende de «On Ways of Travelling», las repercusiones de la ocupación siguen siendo vívidas en la Angola contemporánea, especialmente al abordar cuestiones como cómo conciliar la tradición con la modernidad. Los recientes conflictos civiles dispersaron aún más la frágil construcción de un yo angoleño. Pero en el secuelas de un pasado traumático soplan vientos de esperanza.La selección de obras reúne a artistas emergentes en torno a Antonio Ole, este diálogo generacional ofrece una mirada refrescante de los desarrollos sociales y culturales de una nueva Angola.

Existe un fuerte impulso para que la generación más joven se haga cargo de los esfuerzos para dar forma a un futuro más brillante. Símbolo de la resistencia angoleña, el machete es el soporte de una notable representación pictórica; Délio Jasse muestra un estudio, en forma fotográfica, de la memoria, su sedimentación y el motivo del olvido; Nelo Teixeira sigue con una obra en la que la madera forma la estructura básica y donde la incorporación del objeto trouvé acentúa las narrativas paralelas; y finalmente Binelde Hyrcan, un artista muy ecléctico en sus elecciones estéticas, presenta video e instalación de su investigación más reciente. La pieza central de Ole está formada por dos paredes de láminas de metal, un material utilizado en las depresiones en las afueras de los centros urbanos africanos. La resistencia y la supervivencia humanas es un tema central en su obra. Tierra,Botellas de vidrio vacías y trozos de tela rasgada importada de Angola se apilan en vitrinas incorporadas, lo que sugiere la presencia de habitantes de tales edificios improvisados. Cerca de allí, dos esculturas monumentales hechas de cubos de plástico apilados desafían las leyes de la gravedad.

Pabellón de Argentina: El levantamiento de la forma
La exposición titulada «La rebelión de la forma», recordando a los artistas premiados en diferentes bienales -Julio Le Park, Antonio Berni y León Ferrari. La muestra reflexiona sobre la condición humana, donde el cuerpo / cuerpos son un territorio privilegiado de experiencia, figuras que escapan o que se presionan en tensiones y caídas modificando su relación con el espacio y la materia. El resto de piezas, de las 23 expuestas, son en color y con esa resina especial y envolvente que parece encapsular sus obras. La muerte tiene un reloj y encima grabados, avisos del ítem 59, los que ofrecen servicios sexuales: es la maravilla del arte griego trasplantado a un travesti del siglo XXI. A la entrada del Pabellón, las esculturas a la misma distancia del ojo humano porque carecen de pedestales,lo que genera un diálogo muy fuerte con la gente. Obras de Juan Carlos Distéfano para trascender el ámbito local. levantarse en el panorama del arte universal, que ignora las fronteras físicas y temporales.

‘Emma traviesa’ es un homenaje a Spilimbergo de la serie de una prostituta que lleva ese nombre, una gran pero terrible escultura, se trata de la figura de una travesti que tiene una zapatilla a muerte que le está chupando el cuello blanco y negro, y debajo hay un piso que también es un tablero de ajedrez en esos dos colores. ‘Los enluminados’, que alude fuertemente a la violencia, donde los diferentes niveles de poder miran hacia un lado, con las manos unidas sobre las rodillas, en postura de oración y la cabeza echada hacia atrás, mostrando la absoluta indiferencia de todo un sector. del poder en relación con lo que sucedía durante la dictadura militar. La escultura de Distéfamo muestra a un trabajador que ve una cometa enredada y se monta en un poste de luz, usando unos alicates para cortar el cable.Quiere que la cometa vuelva a volar a riesgo de electrocutarse en una metáfora del hombre que se inmola por el bien de los demás.

Pabellón de Armenia
Ganador del premio Golden Lion
El Pabellón de Armenia conmemora los 100 años del genocidio de más de un millón de armenios por parte de los turcos otomanos durante la Primera Guerra Mundial. La Exposición replantea la noción de «Armeniaidad» y amplía esta reflexión a los conceptos de identidad y memoria, justicia y reconciliación, en nombre de los cuales aún se desarrollan muchas luchas contemporáneas. Se exhibe una colección de obras de artistas relacionados con la diáspora de varios países de Europa, América y Medio Oriente. La instalación en sí tiene lugar en el Monasterio Mejitarista Armenio, en una pequeña isla al sureste de Venecia a la que se puede acceder en vaporetto. Muchas obras importantes de la literatura europea y los textos religiosos fueron primero traducido al armenio en esta pintoresca isla.Durante sus trescientos años de historia, el Monasterio de San Lazzaro con sus jardines, antigua imprenta, claustros, museo y biblioteca, ha ayudado a preservar el patrimonio cultural único de Armenia.

«Armenidad», una autoidentidad compleja e irregularmente construida de la diáspora desplazada de sobrevivientes del genocidio y sus antepasados. Las contribuciones ejemplares al pabellón incluyen las de Nina Katchadourian y Aram Jibilian. En Accent Elimination (2005), Katchadourian investiga la psicología detrás de la asimilación electiva comprando los servicios de entrenadores de acento (que publicitan mucho en las comunidades diaspóricas) y luego entrenando a sus padres para que hablen un inglés «natural». Jibilian, fotógrafo y trabajador social de Nueva York, presenta una serie de obras de 2008 a 2015 que investigan el legado polivalente del famoso pintor armenio Arshile Gorky: en imágenes meticulosamente dispuestas, Jibilian y su familia habitan espacios simbólicamente ricos mientras llevan máscaras pintadas para lucir como Gorky,exponer la modestia y el disfraz que se requiere de los sobrevivientes del genocidio y cuestionar el legado de tragedias pasadas en la obra de arte de las generaciones futuras.

Pabellón de Australia: Fiona Hall: Wrong Way Time
«Wrong Way Time» se centra en la «locura, la maldad y la tristeza» de tres campos principales: disputas globales, finanzas y medio ambiente. «Wrong Way Time» entró en un espacio oscuro donde los objetos iluminados emergían de las sombras, los relojes pintados hacían tictac y cuclillas fuera del tiempo; los armarios carbonizados estaban llenos de colecciones de billetes, periódicos y atlas; de las latas de sardinas surgían intrincadas esculturas de hojalata martilladas; y los nidos de pájaros esculpidos estaban hechos de billetes triturados. La exposición reúne miles de elementos en una exploración de los temas de «locura, maldad y tristeza». Fiona Hall explica su exposición como «un intento personal de conciliar un estado de tristeza y caos con la curiosidad y el cariño por el lugar donde todos vivimos».

El nuevo Pabellón de Australia reabrió en la 56ª Exposición Internacional de Arte de la Bienal de Venecia. Este nuevo y elegante edificio representa un capítulo ambicioso para el arte australiano a nivel internacional, respetando la importancia del patrimonio de Venecia y mostrando lo mejor del arte y la arquitectura australianos para las generaciones futuras en el escenario internacional. La exposición colateral, Country, presentó el trabajo de 30 artistas aborígenes e isleños del Estrecho de Torres de varias áreas del interior de Australia. La exposición fue el resultado de la estadía de un año y medio de la artista italiana Giorgia Severi en Australia con escalas en espacios de arte en todo el continente. Country abordó el «crisol de culturas diferentes en las comunidades australianas», examinando los vínculos entre la memoria y la tradición.

Pabellón de Austria: Heimo Zobernig
Zobernig exploró estos temas a través de la pintura, el video y la instalación. Además de mostrar obras independientes, Zobernig ha modificado el pabellón en sí, en un gesto hacia el desafío particular de crear arte en un espacio inherentemente nacionalista y competitivo. El punto de partida para las deliberaciones de Heimo Zobernig: ¿cómo se puede contribuir adecuadamente a un entorno basado en la representatividad del Estado-nación donde las voces individuales compiten constantemente por la máxima atención? ¿Qué fenómenos son significativos en tal contexto? Y precisamente para tales fines, el Pabellón de Austria, con su lenguaje formal tanto clásico como moderno, ofrece un espacio de exposición ideal.

El Pabellón de Austria diseñado por Josef Hoffmann y Robert Kramreiter y construido en 1934, con sus clásicos arcos de medio punto y majestuosos ejes visuales, por un lado, y sus formas racionales claras y materiales modernos, por el otro, la estructura cambia entre la historicidad y el modernismo. . Zobernig quita de la vista los elementos arquitectónicos historizantes del edificio mediante un monolito negro que parece flotar bajo el techo proyectando su sombra sobre todo el espacio del piso del pabellón, y una construcción de piso negro que elimina los diferentes niveles del pabellón. La compleja intervención de Zobernig relativiza los límites entre el espacio arquitectónico y la naturaleza, dentro y fuera. Su intervención arquitectónica, cuyos planos isométricos recuerdan la Nationalgalerie de Berlín de Mies van der Rohe,junto con el jardín y la pared trasera del patio, constituye un sitio cerrado donde uno puede detenerse y reflexionar sobre los modos de presentación del arte y sobre la presencia humana en el espacio.

Pabellón de Azerbaiyán: más allá de la línea
Vita Vitale y Beyond the Line, reúne a artistas contemporáneos internacionales cuyo trabajo expresa preocupaciones sobre el destino de nuestro planeta. La exposición muestra por primera vez el arte original de la vanguardia azerbaiyana del siglo pasado a una amplia audiencia de profesionales del arte. El aislamiento de los artistas oficialmente no aceptados en Azerbaiyán en la época de la Unión Soviética fue total. Los artistas tuvieron que profundizar en sí mismos en busca de inspiración, pero también la encontraron en la tradición azerí centenaria de artes y oficios y fabricación de alfombras. Tofik Javadov, Javad Mirjavadov, Ashraf Murad, Rasim Babayev y Fazil Najafov son maestros de talentos únicos, cada uno de los cuales cultivó su propia práctica artística distintiva. Están unidos por imágenes que expresan sus profundas influencias culturales,un lenguaje visual simbólico y el uso de estilos nacionales y folclóricos del Medio Oriente de notable sofisticación.

Las dos exposiciones revelan un país que contempla su pasado y su futuro, así como el impacto de las transformaciones sociales e industriales del siglo XX en su propio suelo y el del mundo. Beyond the Line revisa un momento crucial en la historia de Azerbaiyán y devuelve sus voces a los artistas de mediados de siglo de la nación, que fueron silenciados o ignorados bajo el dominio soviético. Con Vita Vitale, Azerbaiyán mira hacia adelante, y más allá de sus fronteras geográficas, proporcionando una plataforma para artistas y científicos internacionales que lidian con los desafíos ecológicos que enfrentamos a nivel mundial hoy y mañana como resultado de nuestros avances tecnológicos y el consiguiente aumento del consumismo. Ambas exposiciones muestran la gravedad de la voz del artista sobre los problemas sociales y ambientales que definen no solo el pasado, el presente,y futuro de Azerbaiyán, pero del planeta.

Pabellón de Bielorrusia: Archivo de testigos de guerra
War Witness Archive es un inventario artístico de la memoria sobre las guerras mundiales. El proyecto se centra en una persona: un testigo de la guerra, el conflicto, el dolor de otro ser humano, el sufrimiento, el miedo al futuro. «El espacio de la comunicación» se crea con la ayuda de los archivos fotográficos de los momentos decisivos del siglo XX, la Primera y la Segunda Guerra Mundial. El proyecto comenzó como la investigación de un archivo fotográfico relacionado con la historia de la Primera Guerra Mundial y ahora se está desarrollando en contraste con el archivo fotográfico de la Segunda Guerra Mundial. El Archivo forma su cuerpo recolectando testimonios sobre hechos pasados ​​almacenados en la memoria de los contemporáneos. La exposición en el Museo de Arte Contemporáneo en 2014 se ha convertido en la primera encarnación de WWA. El proyecto continúa su ciclo de vida donde un archivo fotográfico tradicional adquiere un nuevo estado,un estado de metaarchivo.

Pabellón de Bélgica:
«Personne et les autres» contó con exposiciones individuales o en dúo de artistas belgas. Desafía la noción de representación nacional alejándose del formato tradicional de una exposición individual y abriéndose para incluir múltiples posiciones y puntos de vista. La exposición explora las consecuencias de las interacciones políticas, históricas, culturales y artísticas entre Europa y África durante la época de la modernidad colonial y sus secuelas. Sondea microhistorias desconocidas o pasadas por alto, presenta versiones alternativas de la modernidad que surgieron como resultado de los encuentros coloniales y relata historias que se desarrollaron fuera de las jerarquías coloniales aceptadas y en reacción a ellas. El proyecto tiene como objetivo proporcionar una visión de las diversas formas, ya sean artísticas, culturales o intelectuales, que se produjeron durante este tiempo.

En «Personne et les autres», el artista belga Vincent Meessen, y un grupo de artistas internacionales que seleccionó como sus colaboradores, miran hacia el tenso pasado colonial de Bélgica y el futuro que ha dado forma. La exposición, que lleva el nombre de un guión teatral perdido de André Frankin, un crítico de arte belga y miembro temprano de la Internacional Situacionista (un grupo radical de artistas y filósofos que se dice que influyeron en la revolución congoleña) sugiere la necesidad de una nueva comprensión de los efectos del colonialismo en el arte y el trabajo. Cuestiona la idea eurocéntrica de la modernidad examinando una herencia de vanguardia compartida, marcada por la polinización artística e intelectual entre Europa y África, que generó las llamadas «contramodernidades» pluralistas.

Pabellón de Brasil: tanto que no cabe aquí
«Tanto que no cabe aquí», recontextualiza el activismo del país de las décadas de 1960 y 1970 en la realidad social fragmentada del Brasil contemporáneo. En la década de 1970, las intervenciones de Antonio Manuel intercalaron titulares surrealistas e imágenes manipuladas con artículos auténticos curados por su sensacionalismo. Manuel representa una generación de artistas brasileños impulsados ​​por el autoritarismo a involucrarse con temas de violencia, inestabilidad y el cuerpo. André Komatsu y Berna Reale hacen un trabajo que se remonta a los motivos elegidos por Manuel. Komatsu hace esculturas prefabricadas a partir de los detritos del capitalismo tardío: ladrillos rotos y bloques de cemento; pintura derramada y paredes abandonadas; herramientas eléctricas congeladas en el acto de demolición. A diferencia de los habitantes de la ciudad Manuel y Komatsu,Reale proviene del estado más remoto del norte de Pará, donde mantiene una carrera alternativa como experta criminal. Su experiencia profesional informa sus performances e instalaciones, que utilizan la presentación disruptiva del cuerpo para abordar los problemas de criminalidad, violencia y heterogeneidad social endémica de la sociedad brasileña contemporánea.

Pabellón de Canadá: Canadassimo
La enorme instalación inmersiva titulada Canadassimo, ofrece un camino extraño a través del Pabellón de Canadá, que se ha transformado por completo. Debajo del andamio que oscurece parcialmente la fachada del edificio, creando la impresión de que la exposición aún está en construcción, se encuentra la entrada a un dépanneur, una de las pequeñas tiendas de conveniencia del vecindario que se encuentran en Quebec y que venden productos enlatados y otros artículos esenciales para el hogar. Más allá de esta tienda típicamente caótica y en mal estado, hay un espacio habitable tipo loft: aunque mucho más organizado, esta área es evidentemente el dominio exclusivo de los entusiastas del reciclaje. Luego viene lo que BGL ha denominado «el estudio», un lugar abarrotado de innumerables objetos de todo tipo, incluidas pilas de latas cubiertas con gotas de pintura.Después de haber atravesado este extraño dominio de vida / trabajo, los espectadores pueden relajarse un rato en una terraza que ofrece una vista maravillosa sobre los Giardini.

BGL, un colectivo canadiense conocido por la instalación inmersiva y la intervención pública. A menudo descrita como provocadora y crítica, la práctica de BGL emplea el humor y la extravagancia para explorar el mundo de los objetos, al mismo tiempo que plantea problemas sociales y políticos relacionados con la naturaleza, los estilos de vida contemporáneos, la economía y el sistema artístico. Además de esculturas y performances, las obras del colectivo incluyen enormes instalaciones que sumergen a los espectadores en situaciones inesperadas, lo que los lleva a cuestionar su propio comportamiento y a revisar su visión de la realidad. BGL ha estado fascinado por una estética marginal y personas marginales que viven fuera de la corriente principal, el bricoleur, el coleccionista. No solo reciclar, sino reutilizar y transformar el objeto cotidiano en otra cosa. En una sociedad de consumo,el reciclaje se convierte en una forma de cuestionar a la sociedad.

Pabellón de Chile:
Poéticas de la Disidencia reúne el trabajo de dos artistas chilenas, la fotógrafa Paz Errázuriz y la artista de performance y video Lotty Rosenfeld. Inspiradas en la historia política reciente de Chile, las tres mujeres representan una generación de activistas chilenas que se desarrolló durante la políticamente tumultuosa década de 1970, una década en la que el general Augusto Pinochet derrocó al gobierno democrático de Salvador Allende en un sangriento golpe de estado e impuso el suyo casi 20- dictadura militar de un año. «Poéticas de la Disidencia», sin embargo, se centra en el Chile actual, explorando su transición de una dictadura a un gobierno democrático.

La fotógrafa Paz Errázuriz navegó por la Santiago de los 80 para capturar vidas al margen de la estricta sociedad de Pinochet. Su épico ensayo fotográfico La manzana de Adán presentó retratos y biografías de travestis clandestinos, prostitutas, una comunidad que enfrenta la presión existencial de la indiferencia oficial y la violencia estatal. La curadora del pabellón, Nelly Richard, es una destacada crítica cultural de la misma generación; el enfoque compartido de estos tres pensadores indica el compromiso de Chile de abordar los problemas que plantea su historia reciente. La exposición indica un interés continuo en las cuestiones planteadas por el gobierno autoritario: las del poder, la riqueza, el género y la libertad.

Pabellón de China: Otro futuro
«Civil Future» expresó un entendimiento, el «Otro Futuro», todo está entre las personas y apunta hacia el futuro. El orden del mundo no debe ser determinado por unos pocos. A medida que pasa el tiempo, el comportamiento de las masas crea orden, dirección y futuro en un movimiento aparentemente inconsciente. Los desarrollos de la tecnología digital y la tecnología de los medios están facilitando cada vez más este proceso. El impacto que cada individuo puede tener en el futuro del mundo es cada vez más evidente. Si algunas carreteras van a aparecer en una tierra virgen, es menos probable que sean el resultado del diseño de los urbanistas y la construcción de los trabajadores; por el contrario, es más probable que se formen en el largo proceso de pisada espontánea de las masas de una manera aparentemente desordenada.Las masas no son solo transeúntes que se dirigen a ciegas. Son sabios, activos y espontáneos.

Xu Bing, Qiu Zhijie, Ji Dachun y Cao Fei presentan actualmente su trabajo en diferentes espacios de esta Bienal. Xu Bing es uno de los principales artistas contemporáneos chinos del movimiento de vanguardia de finales de los años ochenta. Xu creó dos impresionantes esculturas gigantes y magníficas, el «Proyecto Phoenix 2015» a partir de los escombros de los sitios de construcción en toda China. Qiu Zhijie pertenece a una generación más joven que se ocupa del vídeo y la fotografía como un nuevo medio. Su proyecto se titula «La circular histórica» ​​y habla de cómo circula la historia de vez en cuando. La pantalla parece estar muy llena, bastante difícil de comprender pero estéticamente equilibrada. Ji Dachun muestra la relación multifacética entre los rostros orientales y occidentales de China en sus ocho pinturas, mientras que Cao Fei,quien es la artista más joven de esta exposición, presenta su trabajo en video «La Town». Cao es conocida internacionalmente por sus obras de arte multimedia como un intento de plantear sus preguntas sociales y políticas sobre China.

Pabellón de Croacia: Estudios sobre los escalofríos: el tercer grado
El Pabellón de Croacia amplía la poética de las dos últimas películas de Damir Očko, TK (2014) y The Third Degree (2015). Ambas películas cuestionan las limitaciones sociales impuestas al cuerpo como ser físico y social, al tiempo que indagan sobre las normas subyacentes inherentes a nuestras sociedades. En El tercer grado, se puede ver un primer plano de cicatrices en la piel resultantes de quemaduras de tercer grado, rodeadas por un sonido microtonal de una nota cristalina. Filmada a través de una instalación de espejos rotos que también reflejan el rodaje de la tripulación, la textura de la piel se convierte casi en un elemento abstracto. Al incluir el contexto del set de filmación, The Third Degree revela lo que generalmente se oculta a la vista y, por lo tanto, integra al espectador en el desarrollo artístico.

En esta sala Sin título se presenta un conjunto de 16 dibujos realizados por uno de los principales protagonistas de la película TK, un anciano que padece la enfermedad de Parkinson. Cada uno de estos dibujos lee el comienzo de una frase de un poema escrito por Damir Očko que comienza con las palabras «En tranquilidad …» Analizando y escenificando el esquema de codependencia entre el artista, el público y la exposición, Damir Očko involucra a los espectadores para que tomen conciencia de su papel dentro del proceso artístico. Porque si el contexto informa, también se transforma al hacer cambios semánticos y al mostrar las estructuras internas de la creación de arte para crear un nuevo tipo de retórica, un mecanismo que refuerza nuestra posición como testigos y actores del complejo mundo de hoy.

Pabellón de Cuba: El artista entre la individualidad y el contexto
El Pabellón de Cuba resalta la gama imaginaria y reflexiva del artista, precariamente equilibrada entre los polos distintivos de la individualidad y el contexto en el que se encuentran trabajando. El pabellón subraya la capacidad de los artistas para dar vida a un diálogo y una estructura narrativa que, partiendo del bagaje eidético e identificador del individuo, conduce a una experiencia que se abre al mundo y a los vivos, así como al contexto social y cultural, el campo político, y esferas normalizadas. La exposición subraya la capacidad del artista para imaginar y reflexionar entre las diferentes individualidades y contextos en los que vive y trabaja. El artista entre la individualidad y el contexto nos lleva a reflexionar no solo sobre los microsistemas y el contexto cubano, sino también sobre el espacio global,la red digital, los procesos económicos globales y el área antropológica y ontológica de interés en áreas geográficas.

Cuatro artistas cubanos Luis Gómez Armenteros, Susana Pilar Delahante Matienzo, Grethell Rasúa y Celia-Yunior junto a cuatro artistas internacionales Lida Abdul, Olga Chernysheva, Lin Yilin y Giuseppe Stampone, representa simbólicamente un espacio medio, un área infinitamente vulnerable donde estamos. Animado a emprender un viaje. Este viaje radica en el cambio sustancial de nuestros sistemas perceptivos, en la contaminación de los procesos creativos con el tejido urbano, el diseño y la renovación tecnológica, que son sólo sistemas lejanos de la realidad en Cuba. Este proyecto presenta una selección de las prácticas artísticas de una generación que, por un lado, absorbe la fuerza de sus propios archivos, sus huellas ideológicas intrínsecas revolucionarias, la intimidad y la subjetividad como fuente infinita de insumos y, por otro,atraviesa la realidad social y transita la ética y la transformación estética.

Pabellón de Chipre: dos días después de la eternidad
«Two Days After Forever» toma como punto de partida la invención de la arqueología y su papel fundamental en la construcción de la narrativa maestra de la historia. Reflexionar sobre lo que significa coreografiar una historia, navegar por sus múltiples polos y existir en un presente tan lastrado por el peso de ideologías controvertidas. Las décadas de 1960 y 1970 fueron un período de transición importante para la República de Chipre. Christodoulos Panayiotou investiga y se apropia de materiales de archivo de esta época de la historia de su país, centrándose en las construcciones oficiales y accidentales de la identidad nacional, especialmente a través del lente de la ceremonia y el espectáculo culturales.

Utilizando una diversidad de estrategias, Panayiotou cuestiona cómo se forma la tradición y cómo se gobierna la autoría y la autenticidad. A través de un acto de puesta en escena meticulosa, el artista critica el tejido hiperbólico y aspiracional de la modernidad y su noción inconsistente de progreso. Las teselas antiguas, tomadas del Museo Arqueológico de Nicosia, se recomponen como obras de arte efímeras, antes de ser devueltas a su hogar en Chipre, donde vuelven a su estado anterior como ruinas anónimas al final de la exposición. Two Days After Forever adopta una multiplicidad de modos, es una exposición que duerme, despierta y encarna diferentes temporalidades. Como tal, se manifiesta como una antropología del movimiento en el pabellón y más allá, comprometiéndose con diferentes públicos del Mediterráneo.En el centro de esta coreografía se encuentra la variación de Panayiotou de La muerte de Nikiya de La Bayadère, que pone la arqueología y la última posición de ballet del Arabesco en una conversación directa a través de una actuación continua que fusiona la biografía con los imaginarios históricos.

Pabellón checo y eslovaco: apoteosis
«Apoteosis» basada en la monumental pintura Apoteosis de los eslavos: eslavos para la humanidad del artista secesionista checo Alphonse Mucha. David aborda la pintura de Mucha desde la posición de un artista contemporáneo gesto de apropiación y reinterpretación de la obra de Mucha, representado por una reelaboración en blanco y negro de la imagen original, constituye simultáneamente un acto de deconstrucción realzado por su sutil intervención en las partes individuales de la composición. en forma de apócrifos. El punto de la instalación con cruces intertextuales es el espectador activo, con toda una gama de interesantes experiencias mentales, emocionales y visuales a través de la participación en un espacio vacío y estrecho con el punto focal clave de un pasillo,que presenta al espectador el desafío de sumergirse en la «arqueología del conocimiento y la memoria». El espectador / participante se encuentra con la Apoteosis reinterpretada, reflejada en una pared de espejos de idénticas dimensiones, y se convierte en una parte efímera de ella.

El espejo es una metáfora importante en el contexto de esta obra, porque ofrece al espectador la posibilidad de autorreflexión e introspección. La instalación basada en la meditación y la alegría motiva a los destinatarios a considerar cuestiones geopolíticas y socioculturales en una línea de tiempo de más de un siglo y les hace preguntas relacionadas con la reevaluación de conceptos como hogar, país, nación, estado, la historia de los checos y la etnia eslava. De esta manera, Apoteosis también se convierte en una instalación temporal específica que es un estímulo para el pensamiento crítico sobre una serie de cuestiones políticas, económicas, socioculturales, filosóficas y sociológicas serias que hacen referencia al pasado y al presente del mundo en las relaciones más amplias. en el que se cruzan cuestiones locales y globales.

Pabellón de Ecuador: Agua dorada: Espejos negros apocalípticos
«Agua dorada: Espejos negros apocalípticos», un verdadero manifiesto a favor de la vida y el arte. Maria Veronica crea un paisaje multimedia con sus nuevas instalaciones de polípticos de video audio, incorporando dibujos, video, fotografía, objetos y sonido como técnicas visuales interrelacionadas, que se despliegan, como ella dice, en un «tecno-teatro» donde el elemento agua, como un fuente de vida proclama un nuevo estado de ánimo. Sus videos se preocupan por crear nuevas experiencias a través de la relación entre el impacto del espectador versus las proyecciones inusuales, y con la forma en que el mensaje se inscribe misteriosamente después de la experiencia con lo inesperado, creando realidades que transforman la naturaleza del objeto para colocarlo en un lugar desconocido. contexto que le proporciona una nueva identidad. El artista deplora los excesos, la exageración,intoxicación y deriva de la industria, que penetra hasta el corazón mismo de la naturaleza y altera la «energía de vibración del agua» y el «significado simbólico, histórico y cultural del oro».

El proyecto se articula en torno a un símbolo fuerte: la chimenea, que tiene forma de cubo como cocina de vanguardia, aunque con una nueva identidad. La relevancia de esta estructura realista radica en su universalidad, lo que permite al artista crear una obra original que evoca metafóricamente a la humanidad en el proceso de olvido de sí misma. Una pared de una serie de microondas empotradas en rieles muestra las imágenes de un paraíso perdido que recuerda las paredes de la Cueva de Platón. Varios videos muestran las imágenes de una planta embotelladora de agua: ritmos mezclados sobre un fondo de metal dan lugar a estrellas que se abren y se transforman como nuevas galaxias. Otro video muestra oro virtual e incandescente en una lucha eterna contra el agua y evoca el caos. El oro como índice económico se convierte en una promesa de belleza.

Pabellón de Egipto: ¿Puedes ver?
«¿Puedes ver?» Desafía al espectador: los artistas han ocultado un mensaje a plena vista. La palabra PAZ está escrita en cinco estructuras de hierba tridimensionales que abruman la escala humana de legibilidad. Mientras navega por este espacio textual incierto, el espectador se enfrenta a una «realidad aumentada» superpuesta en el espacio de la galería a través de la interfaz de tabletas adjuntas. Esta interacción virtual ofrece a los espectadores la opción de elegir dos narrativas ramificadas, positivas o negativas, que se desarrollan en el espacio, alterando la palabra PAZ en escenas variables y, a veces, conflictivas.

Un camino estrecho creado en MDF blanco y cubierto de vientos de césped artificial alrededor del espacio, creando rampas, desniveles empinados y pasillos. Un puñado de tabletas Samsung se han instalado en soportes en todo el espacio de una manera que tiene las señales visuales de un espectáculo de «arte» patrocinado por una empresa bastante poco convincente. Una banda sonora que podría llevar el título «Meadow in Springtime» en las obras de Muzak. Las tabletas tienen sus cámaras apuntando a un logo pegado en la hierba falsa que deletrea «PAZ» tanto en el alfabeto latino como en la escritura árabe. Resulta que las rampas y los caminos también crean esta misma insignia si se ven desde arriba.

Pabellón de Estonia: No apto para trabajar. Un cuento del presidente
«No apto para el trabajo. Un cuento del presidente», representada como una ópera ficticia fragmentada, la exposición es una instalación multimedia con videos y objetos encontrados que se muestran junto con materiales de archivo. A Chairman’s Tale es una ópera ficticia fragmentada, que sigue a un presidente de una granja colectiva estonio soviético enjuiciado por actos de homosexualidad en la década de 1960. La exposición reúne materiales de archivo de la Estonia soviética y la elegante estética de la ópera.

Samma adopta una estrategia similar, que se destaca con el título No apto para el trabajo tomado de la jerga de Internet 3 y aplicado al relato del presidente para enfatizar la precaria posición profesional y social de todos los individuos sujetos al escrutinio del poder. Además, la terminología informática se refiere al carácter omnipresente de la sociedad mediática, que nos convierte en testigos pasivos de la historia y sus discriminaciones, discordias y contradicciones. El debate social sobre los derechos LGBTI intercepta el tema más amplio de la violación de los derechos humanos fundamentales, tan común tanto en el pasado como en la actualidad. En este sentido, la historia del presidente se convierte en la punta del iceberg de una denuncia más amplia dirigida a todo tipo de discriminación: cultural, social, política, religiosa, sexual y racial. Por lo tanto,una vez más, para recordarnos que el arte es siempre para la convivencia de las diferencias.

Pabellón de Finlandia: horas, años, eones
IC-98 transforma el Pabellón en una cámara que guía a los espectadores hacia el Giardini en otro plano de temporalidad: el tiempo profundo comienza a resonar a través de ciclos fugaces de la vida y el espacio aparece como materia oscura infinita. El jardín como microcosmos de conocimiento y poder colonial sobre el mundo de la diversidad cultural, así como la biodiversidad, aparece ahora como un reino regido por las transformaciones que solo un árbol puede vivir. Como sugiere el entrelazamiento de diferentes escalas de tiempo y relaciones causales en el trabajo de IC-98, la teleología nos falla aquí y los horizontes futuros flaquean. Los árboles bien pueden heredar la tierra, pero qué tipo de tierra debemos pedir.

Animaciones e instalaciones que crean reinos cargados metafóricamente de coordenadas inciertas, estos paisajes están formados por fuerzas entrelazadas de la naturaleza y la tecnología, la navegación y la explotación, el clima y la migración. Se invita al espectador a entrar en este mundo. La nueva instalación de técnica mixta de IC-98 continúa su ciclo Abendland de obras que, en palabras del propio artista, pretende «mostrar un mundo sin seres humanos, el nuevo paisaje mutado construido sobre los restos de la civilización humana. paraíso, no una existencia pastoral recuperada. Horas, años, eones encapsula las investigaciones críticas a largo plazo de los artistas, desde las salas de juntas del poder y los límites del espacio público hasta las fronteras ecológicas, en una nueva obra épica en la que la materia y el mito se fusionan en la cara. de los cambios sísmicos de hoy.Esto es lo que significa lidiar con los resultados finales del Antropoceno.

Pabellón de Francia: rêvolutions
«Rêvolutions», como un ecosistema experimental que revela el estado de la naturaleza en constante evolución a través del sonido, la luz y el movimiento. Céleste boursier-mougenot transforma el pabellón francés de un vasto espacio abovedado en un oasis boscoso cinético destinado a la reflexión y el retiro. A través de la interacción entre el artificio y la forma orgánica, el pabellón se transforma en un ecosistema surrealista de poesía y experiencia meditativa. La obra de Boursier-Mougenot utiliza con frecuencia la intervención tecnológica para crear entornos multisensoriales, poniendo al espectador en contacto directo con un mundo experiencial que el artista describe como un fenómeno, como un organismo vivo, indisociable de las condiciones de su aparición y las circunstancias del presente.

Los visitantes son guiados hacia y a través del espacio por tres árboles artificiales temblorosos y asombrosos, que forman patrones más grandes de movimiento coreografiado y generan su propio zumbido. A primera vista, no te das cuenta de que el árbol, que se encuentra en medio del aireado pabellón de Francia, se mueve. Sólo mirando con atención, desde las habitaciones laterales del pabellón, a este imponente pino silvestre, se percibe su «danza». Combinando naturaleza y tecnología, Céleste Boursier-Mougenot, artista y músico, concibió una instalación (que también es una coreografía) inspirada en las «cosas maravillosas» de los jardines manieristas. El árbol se mueve por el pabellón en función de su metabolismo, de su flujo de savia y de la variación de luz y sombra del entorno.Los elementos de diseño y el mobiliario dentro del pabellón ofrecen puntos de referencia variables para los espectadores, y la estructura misma está parcialmente untada en una espuma artificial, diseñada para una serie anterior, que fluye y se expande en respuesta a los sonidos de la instalación.

Pabellón de Georgia: Crawling Border
«Crawling Border» es la realidad a la que se enfrentan Georgia y otros países postsoviéticos y que debe su existencia a la posición geopolítica del país. El pabellón de Georgia pretende resaltar al máximo esta realidad y hacer una cierta intervención en uno de los plataformas más importantes para el arte contemporáneo. Sirve como un mensaje político y social que trae una especie de disonancia al panorama político actual de Europa. El concepto principal es una narrativa de eventos estructurada como una analogía de la cadena de ADN, que existe en su entorno habitual y que a menudo pasa desapercibida antes de ser impactada por provocando factores externos. Crawling Border se asocia principalmente con el trazado de fronteras de manera sigilosa, y la tragedia personal de muchas personas detrás de ella a menudo escapa a nuestra atención.

El Pabellón de Georgia adopta la forma de una logia kamikaze que alberga una exposición del Grupo Bouillon, Thea Djordjadze, Nikoloz Lutidze, Gela Patashuri con Ei Arakawa y Sergei Tcherepnin, y Gio Sumbadze. La exposición analiza la creación de dicha arquitectura informal, una manifestación del rechazo de las estructuras dominantes, para incorporar la libertad provisional, la autodeterminación local y la apropiación contemporánea del legado infraestructural de los planes maestros soviéticos. La exposición tiene como objetivo presentar la extraordinaria gama de informalidad, soluciones de abajo hacia arriba y el concepto de autoorganización en el arte y la arquitectura georgianos.

Pabellón de Alemania: Fabrik
Fabrik, alude a una fábrica donde, más que bienes, se producen imágenes. Por tanto, las seis obras expuestas dentro del pabellón, adoptan la metáfora de las imágenes para expresar las interconexiones y la circulación de personas, ideas y bienes en el mundo contemporáneo, globalizado y digital. «Fabrik» presenta cuatro respuestas artísticas a cuestiones de trabajo, migración y revuelta, y cada proyecto tiene su propio escenario dentro del voluminoso edificio, desde el sótano hasta el techo. El Pabellón Alemán actúa como una fábrica dinámica de arte e ideas, continuando con el uso histórico del país del espacio de exhibición de techos altos como un reflejo de la historia, la memoria y la identidad. Uniendo estos diversos enfoques de la creación de arte,el pabellón alemán tiene como objetivo arrojar luz sobre las formas en que los medios visuales transforman la realidad en ficción para suscitar los comentarios sociales necesarios.

Olaf Nicolai ocupa el área del techo para un evento de exhibición de siete meses de duración, donde los actores fueron coreografiados en una misteriosa cadena de producción. Activa la azotea como una «heterotopía» de libertad potencial. La video instalación de Hito Steyerl Factory of the Sun (2015) se construye en algún lugar entre el documental y la imaginación virtual, como es típico de su enfoque teórico comprometido. Los intereses políticos reales se canalizan a través de una lente de ficción para pensar en el futuro de la cultura visual y la circulación de imágenes. Tobias Zielony continúa su trabajo de documental intensificado de personas al margen de la sociedad que reúne fotografías de refugiados africanos en Berlín y Hamburgo en una narrativa sobre la migración. La película de Asmina Metwaly y Philip Rizk Out on the Street (2015) es una «obra de cámara experimental «ambientada en una comunidad de clase trabajadora en Egipto, donde la pareja ha estado documentando disturbios desde 2011. Este caso de dinámica de poder dentro de una fábrica privatizada plantea preocupaciones de explotación y dominación capitalista relevantes en todo el mundo.

Pabellón de Gran Bretaña: Sarah Lucas
«I Scream Daddio», exposición individual de Sarah Lucas, retoma y reinventa los temas que han llegado a definir su arte poderosamente irreverente, el género, la muerte, el sexo y la insinuación que reside en los objetos cotidianos. El humor se trata de negociar las contradicciones que plantea la convención. Hasta cierto punto, el humor y la seriedad son intercambiables. De lo contrario, no sería gracioso. O devastador. A lo largo de este último grupo de trabajos, el cuerpo – sexual, cómico, majestuoso – sigue siendo un punto de retorno crucial, mientras que el trabajo de Lucas continúa confrontando grandes temas con un ingenio distintivo. Estas musas obscenas y empoderadas forman una línea de coro que cambia la objetivación tradicional de la forma femenina en la historia del arte masculino, al tiempo que recuerda los elencos corporales incompletos que Lucas ha creado a lo largo de su carrera.como Tú sabes qué (1998) o CNUT (2004).

Las obras de la exposición incluyen a Maradona, una figura grandiosa en reposo alegre, en parte hombre, en parte árbol de mayo y en parte mantis religiosa, que se encuentra por duplicado en el centro de la exposición. Nombrado en honor al icónico futbolista argentino, la figura se pone en cuclillas en el suelo. El cuerpo femenino aparece más literalmente en una serie de esculturas de yeso de pares fragmentarios de piernas que están elegantemente animadas a través de su combinación con el mobiliario doméstico ordinario que se ha presentado desde las primeras instalaciones de Lucas. Otras obras son más domésticas en escala y temática. Las esculturas Tit Cat de Lucas, de nuevo derivadas de modelos hechos con medias rellenas, combinan las formas nervudas de los gatos con orbes colgantes y atados. Arqueándose y haciendo cabriolas, sus colas inclinadas y encabritadas de diversas formas,estas extrañas criaturas metamórficas personifican la forma en que el arte de Lucas se desliza entre registros reales y surrealistas.

Pabellón de Grecia: ¿Por qué mirar a los animales? Agrimiká.
La instalación titulada «¿Por qué mirar a los animales?» recrear una tienda de pieles de animales y cuero de la ciudad griega central de Volos dentro del edificio neoclásico. AGRIMIKÁ sugiere que el antropocentrismo de los humanos, que nos lleva a definirnos como «no salvajes y diferentes de todos los demás animales», despierta una serie de preocupaciones que van desde la política y la historia hasta la economía y las tradiciones. Los AGRIMIKÁ de la preocupación de Papadimitriou, junto con la tienda de Volos, son esos animales que resisten tenazmente a la domesticación. Coexisten con los humanos en una condición en la que los roles de presa y depredador cambian constantemente, pero el cazador humano generalmente prevalece con la presa animal como trofeo. No obstante, estos son los animales que aparecen en la mayoría de las cosmologías y mitologías fundamentales.

La pequeña tienda de Volos es un «objet trouvé» ubicado dentro del pabellón griego. La realidad de la tienda es la expresión y documentación de la personalidad única de su propietario, que ha sido testigo de gran parte de la historia de la Grecia moderna y ha mantenido una actitud crítica hacia ella. La tienda Agrimiká, que aparece inalterada por el tiempo y el lugar, es análoga al espacio circundante del pabellón neoclásico, también dejado inalterado. El pabellón crea el contexto que carga y revela este «objet trouvé» espacial. En el paisaje «arruinado» del pabellón griego, los animales no domesticables, los agrimiká, se convierten en el vehículo de una alegoría contemporánea de los desposeídos, y intenta galvanizar nuestra resistencia instintiva a la decadencia que nos rodea.Esta presentación de la relación del ser humano con los animales despierta una serie de inquietudes que van desde la política y la historia hasta la economía y las tradiciones, la ética y la estética, el miedo a lo ajeno y lo incomprensible, y nuestro profundo antropocentrismo que nos permite definirnos como no salvajes. diferente de todos los demás animales.

Pabellón de Guatemala: Dulce Muerte
«Dulce muerte» presenta la decadencia de la sociedad contemporánea en sus diferentes expresiones, golpes directos al corazón. La exposición es una expresión notable de la sociedad contemporánea. Los artistas capturaron no solo la esencia de la decadencia que afecta a diferentes entornos de nuestra sociedad, sino que expresaron con ironía esta muerte lenta e inexorable. «El sueño de los italianos» que representa el cadáver de Berlusconi creado por Garullo & Ottocento con una expresión de dicha en un ataúd de vidrio transparente, como una especie de Blancanieves lista para despertar en cualquier momento, está creando un contraste entre la supuesta santidad de este el hombre y la verdad innegable de la decadencia de la política italiana. La decadencia de la muerte en Italia está afectando también a la industria del cine,representada por la escultura dedicada a Luchino Visconti y su Muerte en Venecia en recuerdo de una elegancia antigua y perdida de la producción cinematográfica italiana.

La sección más dramática de la exposición es la dedicada a las obras de artistas guatemaltecos. Testiculos qui non habet, Papa Esse non posset (es decir, no se puede ser papa sin testículos) de Mariadolores Castellanos y que muestra la figura emblemática y mítica de la papa Juana, símbolo de la herejía y debilidad de una creencia religiosa gobernada durante siglos únicamente por hombres. La decadencia y la muerte son las que se manifiestan en la representación de una infancia distorsionada y perdida en la que los personajes de Disney, Barbie y Dolls asumen un significado negativo. De gran impacto es la calavera gigante y negra creada por Sabrina Bertolelli dominando la sala de Memento Mori y Vanitas, a la que sigue la última exposición centrada en la muerte culinaria. Los artistas del grupo «La Grande Bouffe» se burlan de las nuevas tendencias culinarias,como la cocina molecular. Uno de los trabajos principales es el propuesto por Luigi Citatella y que muestra a un niño frente a un plato flaco símbolo de una impresionante brecha alimentaria entre países como Guatemala e Italia.

Pabellón de la Santa Sede: In Principio… la parola si fece carne
«En el principio … el Verbo se hizo carne», estructurado en dos polos: El Verbo trascendente, que revela la naturaleza comunicativa del Dios de Jesucristo; y el Verbo hecho carne, trayendo la presencia de Dios en la humanidad, especialmente cuando aparece herida y sufriendo. Su unidad inseparable produce un dinamismo dialéctico, irregular, elíptico, que se acelera abruptamente, se desacelera abruptamente, para solicitar en los artistas como en el público una reflexión sobre una combinación que está en la raíz de la humanidad misma. A la luz de la consonancia de su actual viaje de investigación con el tema elegido, por la variedad de técnicas utilizadas y por su procedencia geográfica y cultural, tres jóvenes artistas elegidos para la exhibición traen las influencias de diferentes orígenes, con diferentes experiencias, visión ,ética y estética.

Pabellón de Hungría: Identidades sostenibles
«Identidades sostenibles» reflexiona sobre cómo los conceptos clave de nuestro mundo se han reducido a eslóganes pegadizos. El concepto curatorial se basa en el espacio del pabellón húngaro en Venecia y los objetos móviles de Cseke. El foco de la instalación es el espacio cognitivo creado por el movimiento y la electrónica. La instalación con una red luminosa y cinética de tubos de lámina de PVC que se cruzan suspendidos sobre las cabezas de los espectadores. Estos canales translúcidos contienen bolas blancas que los ventiladores empujan a través de los caminos. A veces, las bolas se encuentran y chocan, emulando los patrones migratorios humanos y los conflictos que a veces provocan. Un gran cojín de aluminio, que se infla y desinfla como si respirara, conecta la instalación en un establo,masa orgánica y sirve como un contrapunto de equilibrio al frenético sistema de movimiento de arriba. Una pieza sonora, realizada en colaboración entre Cseke y Ábris Gryllus, complementa la instalación.

Pabellón de Indonesia: Voyage Trokomod
Titulada «Trokomod», la exposición incluye un trabajo específico del lugar y con el tema del viaje que Heri Dono desarrolló junto con arquitectos y artesanos locales de Bandung, Java Occidental y Yogyakarta. La pieza central del espectáculo, una combinación del caballo de Troya griego y un dragón de Komodo indonesio, es un gran barco con la forma del reptil nativo de Indonesia, su piel de metal deslustrada es un comentario sobre la minería de oro colonial. Los espectadores pudieron ingresar al dragón para mirar a través de periscopios los artefactos occidentales, como una estatua de un hombre con una peluca blanca de pelo de caballo rizado, cambiando la dirección tradicional orientada hacia el este de la mirada exótica.

Pabellón de Irán: Lo más destacado de Irán
Titulado «El gran juego», el pabellón de Irán está lleno de obras de artistas de todo el Medio Oriente y el sudeste asiático. La exposición toma como inspiración los enredos históricos, políticos, económicos, religiosos y sociales de la región y presenta a un grupo de artistas deseosos de responder a su realidad cotidiana. Irán, India, Pakistán, Afganistán, Irak, Repúblicas de Asia Central, Región Kurda, considerando que el área geográfica de estos Países es, de hecho, un territorio históricamente único, su destino indisolublemente ligado por su situación histórica y cultural: alrededor de estos lugares allí se llevó a cabo, y aún se lleva a cabo, lo que desde el siglo XIX se conoce como «El Gran Juego» por la supremacía en Asia. Una maraña de políticas, económicas, religiosas,y situaciones sociales también encuentra expresión e interpretación en el arte que se produce en estos lugares.

La exposición espera mostrar a través de la obra de unos cuarenta artistas que trabajan en la región y que son particularmente conscientes de las cuestiones sociopolíticas. La exposición demuestra la centralidad de esta cuestión y cómo es percibida y restablecida por un público internacional a través del lenguaje del arte contemporáneo; ya se ha expresado en importantes ferias internacionales, pero todavía se ve obstaculizado por las auténticas dificultades existenciales de quienes tienen la experiencia de primera mano de una maraña de contradicciones: un reflejo preciso de lo que podría ser el resultado lingüístico de la globalización. Por lo tanto, esta no es una descripción general del arte de estos países, que a estas alturas, al menos para algunos de ellos, es bien conocido, sino que es un verdadero «impulso» conceptualen uno de los lugares que es un protagonista cotidiano y superficialmente considerado de los medios de comunicación. El tema elegido de la muestra implica obviamente que estas obras han sido elegidas entre las que abordan de manera más significativa los problemas bajo análisis.

Pabellón de Irak: Belleza Invisible
«Invisible Beauty» presenta a cinco artistas contemporáneos de todo Irak y la diáspora. Los artistas trabajan en una variedad de medios y el Pabellón incluye nuevas obras que se han producido específicamente para la exposición, así como obras que han sido redescubiertas después de largos períodos de inatención. La exposición estuvo acompañada de una muestra de más de 500 dibujos realizados por refugiados en el norte de Irak. El artista de renombre mundial Ai Weiwei ha seleccionado varios de estos dibujos para una publicación importante que se lanzará en la Bienal. La «Belleza Invisible» es como una frágil membrana que registra las oscilaciones de una práctica artística impregnada de la condición actual del país y del estado de las artes.

«Belleza invisible» se refiere tanto a los temas inusuales o inesperados en las obras que se exhibieron como a la inevitable invisibilidad de los artistas iraquíes en el escenario internacional. La relación del arte con la supervivencia, el mantenimiento de registros, la terapia y la belleza se encuentran entre los muchos temas planteados por la exposición. El título infinitamente interpretable pretende revelar las múltiples formas de abordar el arte generadas por un país que ha sido sometido a guerras, genocidio, violaciones de los derechos humanos y, en el último año, el ascenso de Isis. La demolición sistemática del patrimonio cultural de Irak por parte de Isis, observada recientemente en la destrucción de sitios históricos centenarios en Hatra, Nimrud y Nínive y los eventos en el Museo de Mosul, ha hecho que sea más importante que nunca centrarse en los artistas que continúan trabajar en Irak.

Pabellón de Irlanda: Aventura: Capital
Titulado «Aventura: Capital que traza un viaje del mito al minimalismo por Irlanda y Gran Bretaña». Combinando elementos escultóricos, de video y de archivo, Adventure: Capital fue el proyecto más ambicioso de Lynch hasta la fecha, reuniendo a los dioses del río de billetes, arte público en aeropuertos regionales, canteras abandonadas, un campo en Cork y una rotonda en Wexford, en un viaje narrativo que explora nociones. del valor y el flujo de capital a través de una lente antropológica.

La práctica multimedia de Sean Lynch lo posiciona en algún lugar entre el artista y el narrador. Similar a un historiador o etnógrafo, revela historias no escritas e historias olvidadas, extrayendo lecturas alternativas de lugares, eventos y artefactos a través de sus obras. Las proyecciones, fotografías e instalaciones escultóricas de Lynch hacen referencia a una forma contemporánea de la tradición irlandesa Bardic; Las narrativas perdidas de la herencia social y cultural irlandesa se reviven y se les da una nueva forma a través de su práctica artística.

Pabellón de Israel: Tsibi Geva | Arqueología del presente
El Pabellón de Israel, una instalación específica del sitio, incluye paredes cubiertas con contraventanas y un trabajo a gran escala que consiste en objetos domésticos encontrados, que se empaquetan en una esquina detrás de las paredes de vidrio. Tsibi Geva envolvió el edificio en neumáticos viejos y lo llenó con una mezcla de objetos arquitectónicos y domésticos encontrados. El exterior del pabellón está cubierto por una cuadrícula de más de 1,000 llantas de automóvil usadas importadas de Israel y unidas para crear una capa protectora que cubre las paredes de la estructura, incluidas las ventanas, dejando solo la entrada expuesta.

Al intervenir directamente en la estructura de la galería, Geva erosiona de manera similar las cómodas categorías que gobiernan la experiencia tradicional del arte, «adentro» y «afuera», «obra de arte» y «pared de la galería». El espacio resultante, titulado «Arqueología del presente», concentra las muchas ambigüedades —políticas, formales, existenciales, espaciales— presentes en la obra de Geva en un lugar singular de estimulación visual. Pinturas con baldosas de terrazo, eslabones de cadena, ventanas y celosías, y una modificación de la estructura del pabellón utilizando materiales de construcción encontrados y reutilizados, como neumáticos y bloques de cemento, que se extiende desde las superficies interiores a exteriores, lo que perturba las cualidades excluyentes de lo físico. pared. En los niveles superiores,Geva ha instalado pinturas a gran escala y más esculturas de objetos encontrados, que presentan una variedad de artefactos contenidos dentro de jaulas de metal con un perfil triangular. Cada uno de estos presenta un patrón diferente en la celosía de metal, con algunos emulando ladrillos y otros que parecen más abstractos.

Pabellón de Italia: Codice Italia
Con el título «Codice Italia», la exposición es un viaje a través del arte contemporáneo de Italia, destacando algunas constantes que comparten un «código genético» común. Los artistas de Codice Italia tienen como objetivo reinventar los medios, mientras que, al mismo tiempo, se basan en el material iconográfico y cultural existente de una manera problemática. Si bien la obra de estos artistas está en sintonía con los resultados más audaces de la investigación artística internacional, evitan la dictadura del presente. La exposición otorga autonomía a la obra de cada artista y se organiza en «salas», cada una de las cuales alberga una obra de arte y un archivo de memoria. Junto con el trabajo de los artistas invitados, la exposición presenta algunos homenajes de Peter Greenaway,William Kentridge y Jean-Marie Straub y una videoinstalación de Davide Ferrario que presenta una visión de qué memoria de Umberto Eco.

Pabellón de Japón: la llave en la mano
La instalación, titulada «La llave en la mano», una instalación de Chiharu Shiota, que consta de dos botes, hilo rojo y una gran cantidad de llaves, de una red de hilo rojo oscuro, cada hilo unido a una llave, desde el techo. La inmensa acumulación de claves entrelazadas, solicitadas a donantes internacionales en el sitio web del artista, imbuye el espacio de energía psíquica, enfocando los recuerdos individuales en una especie de memoria compartida global. El rico simbolismo de la clave inspira aún más al espectador a seguir el camino conceptual de Shiota, emergiendo de tragedias colectivas y dramas personales hacia un futuro optimista y desconocido de conexiones novedosas y oportunidades no especificadas.

Las llaves son cosas familiares y muy valiosas que protegen a personas y espacios importantes en nuestras vidas. También nos inspiran a abrir la puerta a mundos desconocidos. Chiharu Shiota usa claves proporcionadas por el público en general que están imbuidas de varios recuerdos y recuerdos que se han acumulado durante un largo período de uso diario. A medida que creo el trabajo en el espacio, los recuerdos de todos los que le dan a Chiharu Shiota sus claves se superponen con mis propios recuerdos por primera vez. Estos recuerdos superpuestos a su vez se combinan con los de las personas de todo el mundo que vienen a ver la bienal, dándoles la oportunidad de comunicarse de una manera nueva y comprender mejor los sentimientos de los demás.

Pabellón de Corea: las formas de plegar el espacio y volar
«The Ways of Folding Space & Flying», explora el papel del artista en una sociedad que cambia rápidamente. Los artistas Moon Kyungwon y Jeon Joonho presentan este nuevo trabajo específico del sitio, una compleja pieza de arquitectura, que presenta una pared de vidrio diseñada por Kim Seok-chul y Franco Mancuso, en Corea, y filmaron un video sobre un universo postapocalíptico. El trabajo se refiere a los conceptos taoístas de distancia física y la capacidad sobrenatural de moverse entre el tiempo y el espacio. Una obra sobre la necesidad de los seres humanos de superar los obstáculos y la fisiología de la forma en que los artistas imaginan y desafían las limitaciones físicas.

El título se deriva de las palabras coreanas chukjibeop y bihaengsul, en la cultura oriental, estas nociones han sido investigadas no solo como medios de práctica meditativa, sino también como un medio para llegar a un estado de emancipación completa tanto en la mente como en el cuerpo, de la física. limitaciones y fuerzas naturales. La exposición reflexiona sobre el deseo humano de superar las barreras y estructuras físicas y percibidas que nos unen, a pesar de lo absurdo de tales imaginaciones. Si bien algunas teorías e hipótesis científicas han apoyado la posibilidad de realizar estas nociones aparentemente descabelladas, permanecen en gran medida en los reinos de la parábola y la fantasía, personificando así nuestro anhelo intrínseco de transformar el mundo que nos rodea.

Pabellón de Kosovo: especulando con el azul
«Speculating on the Blue», presentación individual de Flaka Haliti, reflexionando sobre el significado de las fronteras, la democracia, la libertad y la movilidad «. Su enfoque es el de recontextualizar la política global a través de la desconexión de su régimen de aparición. La metáfora del horizonte, simultáneamente El emblema de la posibilidad y el enigma de nuestras limitaciones está tejido en el tejido de nuestro pasado y presente. Al aprovechar el significado universal de esta metáfora, el artista elimina la economía de la imagen del horizonte de cualquier contexto espacio-temporal específico y especula sobre su validez. como una verdad eterna Con Speculating on the Blue, Flaka Haliti posiciona al observador en un espacio intermedio que oscila entre expansión y confinamiento, proximidad y distancia;un espacio que abre múltiples dimensiones temporales simultáneamente y como resultado se vive como un trabajo de actualización constante.

Los esqueletos de objetos a modo de barrera que ocupan el espacio expositivo son una referencia a la estética de los muros de hormigón que se erigen entre naciones y regiones como materialización del conflicto. La instalación de Haliti tiene como objetivo desmilitarizar y descontextualizar este régimen estético específico despojando las columnas hasta su esencia material y yuxtaponiéndolas con elementos que son por naturaleza resistentes al concepto de fronteras. En este escenario, el horizonte y el fondo pictórico azul crean una imagen contraria al concepto de fronteras y funcionan como una herramienta para plantear nuevas perspectivas. La interacción de los elementos y las diferentes imágenes que generan es el método de la artista para crear un espacio intermedio que permite la experiencia subjetiva de los espectadores que se involucran con su trabajo.

Pabellón de Letonia: Axila
Formas innovadoras del pabellón de Letonia que se encuentran en la vida cotidiana. En garajes que asemejan laboratorios domésticos y talleres instalados en patios rurales, estos hombres demuestran que nuestra actitud hacia las tecnologías y el mundo de los productos fabricados industrialmente no debe ser de consumo pasivo. «ARMPIT», una instalación de arte multimedia de Katrīna Neiburga y Andris Eglītis. Se trata de un sistema esculpido de construcciones de edificios entretejidos con video-historias sobre un peculiar fenómeno local, los «duendes del garaje», que suelen dedicar su tiempo libre a juguetear con diversos mecanismos en talleres habilitados para esta afición.

Andris Eglītis ha creado un elenco improvisado del peculiar microcosmos de las comunidades de garaje. Es un sistema caleidoscópico de estructuras de construcción esculpidas, hechas de materiales de construcción prefabricados de la arquitectura vernácula de los barrios marginales. La estructura del edificio está entretejida con las narraciones en video de Katrīna Neiburga. Sus retratos de los miembros de las comunidades de garaje residen como habitantes imaginarios de la vivienda recién instalada, que recuerda una mezcla entre un convento y una fábrica de ropa. Katrīna Neiburga suele trabajar con medios basados ​​en el tiempo, utilizándolos en su arte de investigación socioantropológica, instalaciones multimedia y escenografía. Andris Eglītis tiende hacia lo tradicional en su elección de medios;su deseo de experimentar con la pintura y las formas escultóricas novedosas lo ha llevado a recurrir a los ejercicios arquitectónicos como una práctica experimentada corporalmente frente al arte basado en conceptos.

Pabellón de Lituania: Museo
Titulado «Museo», un proyecto deconstruye los mitos de la historia del arte lituano que ganaron terreno durante el período de la ocupación soviética. La historia «Museo» es una narración hipertextual en primera persona de Dainius Liškevičius, entrelazada, por lógica, conceptual y vínculos formales, formas de protesta política del período soviético presentadas en la exposición, las personalidades históricas que representan estas formas y artefactos culturales, con fragmentos y piezas de la carrera del artista y su arte.

Pabellón de Luxemburgo: Paradiso Lussemburgo. Filip Markiewicz
Titulada «Paradiso Lussemburgo», una obra toma la forma de un vasto teatro total que ocupa en su totalidad seis salas del pabellón. Filip Markiewicz presenta una imagen mental de Luxemburgo combinada con una reflexión sobre la identidad contemporánea. Las diversas oleadas de inmigración registradas desde principios del siglo XX en Luxemburgo han hecho que el país sea visto como una especie de refugio de integración. De nuevo, hay una fuerte alusión a la imagen de Luxemburgo que dan algunos medios extranjeros, el paraíso fiscal, tema que aquí se aborda de frente pero también con cierta ironía.

A la vez museo, laboratorio creativo, lugar de entretenimiento cultural que combina danza, performance, DJing, lectura, arquitectura y música, Paradiso Lussemburgo presenta a Luxemburgo, en el contexto europeo y global, como una muestra nacional en la que las diversas nacionalidades y culturas que constituyen el misma identidad, se combinan. Es un viaje a los límites exteriores de una identidad plural y compleja, de una manera crítica, política y fantástica.

Pabellón de Macedonia: todos estamos solos en esto
Con el título «Todos estamos solos en esto», Hristina Ivanoska y Yane Calovski abordan la noción de fe en las condiciones sociopolíticas concurrentes y múltiples de hoy. El proyecto hace referencia a una serie de fuentes intrincadas: un fresco de la iglesia de St. Gjorgi en Kurbinovo, pintado por un autor desconocido en el siglo XII, así como escritos de Simone Weil, Luce Irigaray y notas personales de Paul Thek que datan desde la década de 1970. Mientras busca valores políticos en las representaciones de fuentes estéticas y literarias formales, el trabajo conlleva una urgencia específica para articular formas en las que continuamente involucramos y desconectamos el pasado del presente mientras cuestionamos la noción de fe.

Mientras busca valores políticos en las representaciones de fuentes estéticas y literarias formales, el trabajo conlleva una urgencia específica para articular formas en las que continuamente involucramos y desconectamos el pasado del presente mientras cuestionamos la noción de fe. Los dibujos y collages de Yane Calovski se refieren a correspondencias recientemente descubiertas de Paul Thek en la Colección Marzona de Berlín, abordando la dificultad de sobrevivir mientras se crea, produce y mantiene el propio trabajo y se mantiene la fe en el idealismo de la producción colaborativa. Además, al abordar el valor de la poética oculta en los detalles situados mucho más allá de los clichés mundanos de la propia necesidad de producir lenguaje, Calovski pinta literalmente iconos invisibles, obtenidos mediante la disposición física de la imagen como símbolo religioso.

Pabellón de Mauricio: de un ciudadano se obtiene una idea
El Pabellón de Mauricio, basado en un diálogo entre artistas mauricianos y europeos, no es solo una parte de la escena artística de Mauricio, sino también una versión de las convenciones occidentales cuando se trata de evaluar el «arte ahora». Desafiando los cánones estéticos e ideológicos de los demás , discutiendo la teoría y la práctica del arte, la herencia colonial y las relaciones poscoloniales, la educación y la politización de la cultura. Con este enfoque indirecto de la idea de inclusión y diferencia, llevado a cabo por el trabajo de trece destacados artistas en sus respectivos países, el Pabellón de Mauricio tiene como objetivo para «tomar la temperatura» del mundo del arte global y posiblemente proporcionar, además de muchas preguntas y algunas respuestas.

Pabellón de México: Poseer la naturaleza
«Possessing Nature» investiga la relación entre arquitectura, infraestructura y poder global. «Poseer la naturaleza» partió de múltiples puntos de investigación, paralelismos, intenciones, urgencias y actos de reflexión. Concebido como un aparato de ingeniería cuya función es evocar, Possessing Nature se presenta como una escultura monumental, un sistema hidráulico, una cámara de resonancia, un espejo y un canal. Pieza de (contra) infraestructura, enfatiza dos momentos de la modernidad: la materialidad y el dinamismo, así como su soberbia y los límites de su sueño. Es evocador porque es la naturaleza la que fluctúa, la que fluye, se cae, se baña y se desborda.

Como escultura monumental, crea una tensión en el espacio de exposición de tal manera que llega a oprimirlo. Como sistema hidráulico, utiliza la presión del agua extraída de la laguna para generar turbulencias en el interior del monumento, calmando así el agua de su desembocadura. Este espejo de agua recibe y refracta las imágenes que se proyectan en su superficie. La ‘agua’ que se produce entre espejo y proyección genera a su vez una preocupación en la textura de la imagen, que acaba descargando violentamente su propio carácter espectral. La escultura forma parte del «sistema de drenaje», como monumento, ruinas y espectro, pero también del «drenaje» como acción simbólica que, cíclica y atemporalmente, drena todo flujo natural y vital en una posesión, es decir, desposeída. Por lo tanto,Poseer la naturaleza es una herida, un conducto, una zanja: un sistema de drenaje colocado en el corazón militar de una ciudad postrada en el agua.

Pabellón de Mongolia: Otro hogar
El Pabellón de Mongolia presenta a Unen Enkh y Enkhbold Togmidshiirev, dos artistas que trabajan con materiales orgánicos de la vida nómada de Mongolia y plantean preguntas sobre los problemas globales de la alteridad cultural y la alienación moderna de la naturaleza. Sobre la base del legado histórico de la relación de Venecia con los nómadas y los mongoles, el Pabellón de Mongolia consta de dos tipos de presentación de arte: un espacio de pabellón sedentario en el Palazzo Mora y un pabellón nómada. La nueva era de globalización es característica de la alta tecnología y la movilidad entre continentes, lo que a menudo resulta en cuestiones de pertenencia. El Pabellón de Mongolia responde al problema mundial del desplazamiento a través de una noción multifacética del «hogar» de uno.como el sitio para compartir energías entre pueblos y culturas en cualquier parte del mundo global.

Pabellón de Mozambique: coexistencia de tradición y modernidad en el Mozambique contemporáneo
El pabellón de Mozambique, un país de cultura heterogénea. La exposición de producción de arte contemporáneo centrada en objetos tradicionales y modernos para explicar las relaciones del arte con la espiritualidad. La exhibición incorpora elementos de producción cultural como reposacabezas, cerámica, máscaras, abalorios, esculturas, estatuas, cestas y escarificaciones corporales, que se utilizan para expresar la identidad cultural, la belleza y el estatus social de los miembros de la comunidad; y, especialmente, objetos utilizados para rituales de adivinación. Se sugiere que esta exposición tiene como objetivo resaltar la importancia y la relevancia continua que tiene el arte tradicional en la época contemporánea y explorar su papel en los desarrollos culturales actuales. En este análisis de los objetos tradicionales es importante aclarar el papel de la adivinación y su lugar central en la sociedad.

El valor espiritual y el propósito de un objeto afecta su valor estético para los africanos. Estos objetos pueden ser importantes para las personas porque son reliquias familiares, que vinculan al individuo con los antepasados, o porque tienen un significado histórico. Los objetos también son importantes porque, además de ser transmisores de espiritualidad, vinculan al individuo con un pasado cultural. Uno de los principales desafíos es el hecho de que el arte tradicional, como componente importante del arte moderno, así como de la vida cotidiana, está ganando su lugar dentro del concepto dominante de arte en todo el mundo, influenciado por movimientos artísticos, de los cuales la juventud creativa destacan de manera destacada, hacia el futuro de la humanidad.

Pabellón de Holanda: herman de vries – to be all way to be
El proyecto titulado «ser todas las formas de ser», uso de materiales orgánicos y pabellón holandés rediseñado, pigmentos de la tierra, en el Giardini y más allá, en múltiples ubicaciones en la laguna. Representación de la naturaleza concebida por Herman de Vries. Junto con obras de arte recientes del artista holandés, el pabellón alberga obras creadas específicamente para la ciudad de Venecia, que ha sido analizada como un hábitat, un ecosistema a explorar. Natura mater se encuentra en Lazzaretto Vecchio. La isla ahora deshabitada alguna vez albergó un área de cuarentena para aquellos que se cree que sufren la plaga o los brotes posteriores de enfermedades infecciosas. Déjate decorar con capullos de rosa, plantas de pantano.

Pabellón de Nueva Zelanda: Poder secreto
El proyecto de Simon Denny para el pabellón de Nueva Zelanda se dividió en dos espacios: las áreas de llegadas del aeropuerto Marco Polo y las salas monumentales de la Biblioteca Nazionale Marciana en Piazzetta San Marco. La instalación en el aeropuerto se encuentra dentro del área de la zona de operaciones. Secret Power aborda la intersección del conocimiento y la geografía en la era posterior a Snowden. Investiga lenguajes actuales y obsoletos para describir el espacio geopolítico, centrándose en los roles que desempeñan la tecnología y el diseño. Los contextos e historias de ambos lugares proporcionan marcos altamente productivos para Secret Power, y se han involucrado directamente a través del trabajo.

Simon Denny es el primer artista de la Bienal en utilizar la terminal del aeropuerto Marco Polo. Las instalaciones de Denny’s operan entre fronteras nacionales, mezclando los lenguajes de la exhibición comercial, el diseño de interiores de aeropuertos contemporáneos y representaciones históricas del valor del conocimiento. Denny ha «arrastrado y soltado» dos reproducciones fotográficas a tamaño real del interior decorado de la Biblioteca en el piso y las paredes de la sala de llegadas, atravesando la frontera entre el espacio Schengen y el espacio no Schengen. En la Biblioteca Marciana, fue en parte una vitrina impulsada por el impacto de las filtraciones de diapositivas de PowerPoint del denunciante de la NSA Edward Snowden que describen los programas de vigilancia de las telecomunicaciones estadounidenses de alto secreto a los medios de comunicación mundiales, que comenzaron en 2013. Estas diapositivas destacaron el papel de Nueva Zelanda en el trabajo de inteligencia de los Estados Unidos,como miembro de la alianza Five Eyes liderada por Estados Unidos.

Pabellón del pabellón nórdico: Rapture
«rapto», como un conjunto de actuaciones de músicos y vocalistas en momentos específicos; y una publicación en tres partes que explora la relación entre el cuerpo humano y el sonido, a través del cuerpo visual, sonoro y arquitectónico. El sonido, por su naturaleza , impregna las fronteras, incluso las invisibles. A lo largo de la historia, el miedo se ha asociado con los efectos paradójicos que la música tiene en el cuerpo y la mente, y su poder como un descentralizador del control que otorga recompensas. Camille Norment trabaja con la armónica de vidrio que crea música etérea con el toque de los dedos sobre el vidrio y el agua, y un coro de 12 voces femeninas.Tejiendo estos elementos dentro del propio pabellón, norment crea un espacio inmersivo y multisensorial, que reflexiona sobre la historia del sonido, los conceptos contemporáneos de consonancia y disonancia,y el agua, el vaso y la luz de Venecia.

Antoinette, la armónica de cristal se celebró al principio por curar a la gente con su música fascinante, pero luego se prohibió porque se pensaba que inducía estados de éxtasis y excitaba la excitación sexual en las mujeres. Reconocida como capaz de inducir estados similares al sexo y las drogas, la música todavía es vista por muchos en el mundo como una experiencia que debe ser controlada, especialmente en relación con el cuerpo femenino, y sin embargo, también se usa cada vez más como una herramienta de control. especialmente bajo las justificaciones de la guerra. En un contexto contemporáneo, Norment explora las tensiones que esta música suscita hoy mediante la creación de un espacio multisensorial, que reflexiona sobre la historia del sonido, los conceptos contemporáneos de consonancia y disonancia, y el agua, el vidrio y la luz de Venecia.El artista compone un coro de voces que corresponden a las notas no resueltas del tan censurado tritono de los «diablos» y de la armónica de cristal, y este coro sumerge a los visitantes en «Rapture».

Pabellón de Perú: ruinas perdidas
Titulado «Ruinas perdidas», de Gilda Mantilla y Raimond Chaves, aborda los problemas de involucrar la diferencia cultural, evocando las negociaciones traslacionales y transnacionales requeridas por la movilidad internacional y la «pertenencia» social, cultural, ideológica y lingüística. Abundan las alusiones al Perú: arquitectura precolombina, expansión urbana, periodismo sensacionalista, economía sumergida, eventos de la historia reciente, música tradicional, carreteras llenas de vallas publicitarias e incluso las condiciones climáticas locales (los cielos generalmente nublados de Lima). Sin embargo, estas alusiones, traducidas por los artistas, se convierten en citas ambiguas: la referencia culturalmente específica es traicionada por los puntos ciegos de su traducción: agendas políticas, intereses creados, equívocos.Mantilla y Chaves sugieren que lo que diferentes grupos de personas podrían considerar «propio»: cultura, historia, tradiciones, es siempre un lugar de lucha.

Pabellón de Filipinas: atar una cuerda alrededor del mundo
El Pabellón de Filipinas en el Palazzo Mora muestra la película Genghis Khan de 1950 de Manuel Conde junto a obras de artistas contemporáneos como el artista mediático José Tence Ruiz y el cineasta Mariano Montelibano III. La exposición promete generar un diálogo sobre la «historia del mar y su relación con el mundo actual, las reivindicaciones patrimoniales y la lucha de los estados-nación por una naturaleza vasta e intensamente disputada».

En una tangente a Genghis Khan, la obra de José Tence Ruiz hace referencia a la Sierra Madre en la obra Shoal. Ruiz evoca la nave espectral como una silueta ambivalente de un banco de arena a través de un ensamblaje de metal, terciopelo y madera. Manny Montelibano presenta el video multicanal Un estado discontinuo en el mar de Filipinas occidental. Se basa en el sonido de las epopeyas y las frecuencias de radio que atraviesan la extensión y las viñetas de formas de vida aparentemente tranquilas en las islas. Desde el mirador de Palawan, umbral de Borneo y el Mar de China Meridional, filma las condiciones de lo imposible: lo que hace un mar común y donde se encuentran la frontera y el borde, la melancolía y la migración.

Pabellón de Polonia: Halka / Haití. 18 ° 48’05 «N 72 ° 23’01» O
Un compromiso con el tema multicultural, marcado por Joanna Malinowska y Christian Tomaszewski, decidió revisar su loco plan de llevar la ópera a los trópicos. La ópera que se decidió poner en escena fue Halka, de Stanisław Moniuszko, una trágica historia de amor destruida por la diferencia de clases, considerada la «ópera nacional» de Polonia desde su estreno en Varsovia en 1858. El trasfondo histórico de esta ópera fue que, a principios del siglo XIX, Napoleón envió su tropas en el Haití colonial para sofocar una insurgencia de esclavos. Una legión polaca, que buscaba aliarse con Francia contra sus propios ocupantes, Prusia y Austria, se unió al ejército; al darse cuenta de que los haitianos luchaban por su libertad, los soldados polacos se volvieron contra los franceses y ayudaron en la revolución.

En un intento por socavar el romanticismo colonial de Fitzcarraldo, deciden confrontar un conjunto de realidades históricas y sociopolíticas particulares poniendo en escena «Halka», considerada la «ópera nacional» de Polonia, en el aparentemente improbable lugar de Cazale, Haití, un pueblo habitado por los descendientes. El 7 de febrero de 2015, se presentó una actuación única de «Halka» a una audiencia local absorta en un camino de tierra sinuoso. Una colaboración entre artistas polacos y haitianos, el evento fue filmado en una sola toma para ser presentado más tarde como un panorama proyectado a gran escala en el Pabellón de Polonia en la Bienal de Venecia.

Pabellón de Portugal: yo era tu espejo / poemas y problemas
El proyecto «I’ll Be Your Mirror» de João Louro toma prestado el título de una canción de Velvet Underground. Las obras creadas específicamente para el Pabellón de Portugal y que han sido extraordinariamente bien adaptadas al espacio de cada sala de la Biblioteca Palazzo Loredan, resaltan la preocupación que siempre ha mostrado João Louro por generar nuevos aspectos semánticos y suscitar dudas sobre las normas aceptadas por nuestra visual. cultura, así como en convertir el papel del espectador en participante, creando lugares inventados e imaginando escenas y habitando palabras que nos permitan cultivar nuestros más profundos deseos y aspiraciones. En estas creaciones Louro enfatiza el lenguaje visual y sus métodos de expresión, y considera la interpretación como una forma de comunicación entre la obra de arte y el espectador.intentando constituir nuevas esferas de pensamiento para sentir, reflexionar e intercambiar.

Louro hace un repaso de su trayectoria, de sus convicciones artísticas y culturales, de sus inquietudes y de sus decisiones estéticas y sociológicas. A través de elementos tomados del Minimalismo y el Arte Conceptual, Louro construye su propio mundo según las huellas que sus lecturas, la música y el cine han dejado en su camino; fusionando estas huellas construye una especie de autobiografía, un diario personal, en el que los textos o hechos se cargan de sentido. Reitera su cuestionamiento sobre el significado y la eficiencia simbólica de la imagen y el lenguaje, utilizando la invisibilidad o el borrado como estrategias para recordarnos que se nos niega el acceso y que el espectador es siempre parte de la obra: la obra se erige como un espejo, otorgando al espectador el papel principal. João Louro ‘La obra conceptual es un cuestionamiento sobre los límites y la capacidad expresiva de la imagen, reflejándose fuera del estrecho margen de la propia obra de arte.

Pabellón Romani: Adrian Ghenie: La habitación de Darwin
«La habitación de Darwin», una exposición de pinturas recientes de Adrian Ghenie. Adrian Ghenie es conocido por pinturas de mal humor, a menudo retratos o interiores, que adorna con parches de abstracción pincelada. Ghenie profundiza en el personaje de Charles Darwin y el desarrollo y las posteriores perversiones del siglo XX de su hipótesis de coronación, la evolución. La exposición de tres partes abarca varios años de la producción reciente de Ghenie, incluida una serie de autorretratos que el artista creó como Darwin. En sus pinturas, el artista despoja a las principales figuras históricas de su seriedad y, a su vez, de la propia usabilidad de la historia como narrativa definitoria y orientadora.

El título «La habitación de Darwin» se refiere no sólo a una serie de retratos (y autorretratos disfrazados) del gran naturalista británico, sino también a la exploración de Ghenie de la historia del siglo XX como un «laboratorio de evolución» ampliado, con ideas seminales que luchan por la supervivencia y el dominio como parte de un entrelazamiento alegórico de historias pasadas y futuras. La construcción conceptual detrás de la exposición en su conjunto se basa en la visión del artista del mundo contemporáneo, definida por la memoria y el deseo, la agitación y el espectáculo.

Pabellón de Rusia: el pabellón verde
El Pabellón Ruso presenta El Pabellón Verde de Irina Nakhova.
La pintora y artista de instalaciones Irina Nakhova ha contribuido al desarrollo del conceptualismo moscovita (o ruso), un movimiento que intentó socavar la ideología y las imágenes socialistas. Nakhova describe los entornos como «una instalación total en» colaboración «con Shchusev». El exterior del pabellón, pintado en verde, se remonta al Pabellón Rojo de Kabakov (1993), cuya fachada vibrante e interior vacío durante la 45a Bienal de Venecia enfatizó la la importancia del color para el posmodernismo ruso, así como el concepto de vacío, «como algo que flota en el aire», que era fundamental para los conceptualistas de Moscú.

La división de Shchusev del Pabellón Ruso en cinco espacios discretos llevó a Nakhova a volver a visitar su serie Rooms de la década de 1980, donde el espectador participó activamente en un experimento artístico. Nakhova hace un uso decidido de los colores «supremastistas», verde, rojo brillante y negro; un uso inventivo de videos, como para la impresionante «cabeza de piloto» en la sala 1; y una sorprendente manipulación de la arquitectura del pabellón, una apertura cadenciada de un tragaluz para establecer una conexión rítmica entre los diferentes niveles del pabellón y al mismo tiempo entre los visitantes, por ejemplo, para crear una experiencia verdaderamente inmersiva, casi física, para el público. Como Kabakov para la Bienal para mostrar el arte contemporáneo ruso pasando del localismo a la escena artística internacional, Nakhova’s «El Pabellón Verde «vuelve a mirar hacia el exterior, al lugar global de los artistas rusos en la era postsoviética.

Pabellón de San Marino:
Bajo el título «Proyecto de amistad: escultura y arquitectura del arte», el pabellón de la República de San Marino exhibió 10 esculturas dentro de la sala del Ateneo Veneto. Las estructuras se muestran dentro de telas blancas suspendidas del suelo, con vetas grabadas en las losas. Enrico Muscioni y Massimiliano Raggi colaboraron con los escultores chinos Fan Haimin, Fu Yuxiang, Min Yiming, Nie Jingzhu, Wu Wei, Wang Yi, Shen Jingdong, Zhang Hongmei, Zhang Zhaohong y Zhu Shangxi, y un grupo de estudio de profesores y estudiantes de la Universidad de San Marino.

Pabellón de Serbia: Naciones Unidas
Bajo el título de «Naciones Unidas muertas», la instalación tiene como objetivo establecer un diálogo sobre lo que representa la noción de nación en nuestros tiempos post-globales poniendo en foco las naciones que ya no existen como tales, pero cuyos fantasmas siguen condicionando la geografía. : Imperio Austro-Húngaro, Imperio Otomano, Unión Soviética, República Democrática Alemana, Yugoslavia, etc. Al hacerlo, se considera el espectro multifacético de deseos y conflictos, que encarna la noción de nación, y las cuestiones de naturaleza y permanencia de se están imponiendo las naciones de hoy. United Dead Nations recrea una política ausente y habilita su vida alternativa en el régimen estético del arte abriendo nuevas relaciones de representación dentro del campo de lo visual, el espacio donde la realidad social se traduce en formas e imágenes.

Ivan Grubanov enfatiza el proceso de creación de imágenes al involucrar las banderas muertas como modelos, medios y material durante su ritual de pintura. La intención del artista radica en la creación de un nuevo campo simbólico, que cuestiona los marcos de valor del arte, permitiendo al mismo tiempo que las autoridades restablecidas de naciones muertas sigan compitiendo en el dominio de lo visible. La memoria de culturas perdidas por la agitación social y política del siglo XX. Presumiblemente inspirado por el cambio de nombre de su país de origen de Yugoslavia a «Serbia», Grubanov explora la historia reciente de una nación, desde la disolución hasta el inicio. Grubanov explora el legado de naciones recientemente disueltas, en una instalación que reúne sus banderas. Sucios y arrugados uno encima del otro en el suelo del pabellón,el montón de símbolos nacionales obsoletos explora la naturaleza efímera de la identidad frente a la agitación política.

Pabellón de Seychelles: una puesta de sol mecánica
El Pabellón de Seychelles le dice a la comunidad internacional que son más que la postal perfecta de playas de arena, palmeras y aguas turquesas. Las Seychelles son una cultura rica y compleja cuyas historias se cuentan a través de su artista. George Camille utiliza multitud de cables industriales gruesos. Cada cable se retira y luego se arranca el cableado interno de su carcasa oscura y se le da forma de hojas. Este trabajo multimedia utiliza materiales que han sido desmantelados, recuperados y obtenidos localmente en Seychelles. El trabajo de Leon Wilma Lois Radegonde consiste en lienzos desgastados, ‘objets trouves’, donde deja sus marcas de manchas de petróleo, blanqueamiento solar y tierra en descomposición, todo inscrito, cosido y chamuscado. Para especular sobre el futuro de uno, debe comprender la historia de uno. .La identidad de las Seychelles se está redefiniendo a gran velocidad. Las voces a menudo silenciadas de sus artistas arrojan una nueva luz sobre la riqueza y complejidad de su cultura.

Pabellón de Singapur: Sea State
Sea State es un proyecto iniciado en 2005 por el artista y ex navegante olímpico Charles Lim que examina la relación de Singapur con el mar a través de material fílmico, fotográfico y de archivo. Cuando pensamos en una nación como una cosa física, imaginamos una masa de tierra. Sin embargo, la verdadera frontera de cualquier país que toque el mar no es el límite de la tierra, sino el agua. La frontera real y la frontera imaginada son bastante diferentes, especialmente para una isla como Singapur. Sea State hace que esa frontera sea visible. Pone de relieve lo que habitualmente se mantiene en segundo plano, las verdaderas profundidades del mar y nuestro incómodo inconsciente marítimo.

La estructura del proyecto está inspirada en el código de la Organización Meteorológica Mundial para medir las condiciones del mar, que enumera los diferentes estados que van desde calma, moderada y fenomenal. Busca cuestionar y redefinir la comprensión de Singapur de sus fronteras terrestres y marítimas, y el impulso del país para recuperar el control sobre su medio ambiente. La práctica de Charles Lim surge de un compromiso íntimo con el mundo natural, mediado e informado por la investigación de campo y la experimentación, la interpretación, el dibujo, la fotografía y el video. Sus obras visibilizan una ecología costera dinámica, mostrando cómo las infraestructuras del capitalismo global no reemplazan el medio marítimo, sino que lo habitan y lo transforman. En una era de rápido intercambio global, el complejo,Los espacios transnacionales del mar albergan una interacción dinámica entre la naturaleza y la cultura, enmarcando muchas de las ansiedades clave de nuestro tiempo. Abarcando una variedad de medios y disciplinas, el Pabellón de Singapur nos lleva a lugares que hasta hace poco eran solo una cuestión de teoría onírica.

Pabellón de Eslovenia: UTTER / la necesidad violenta de la presencia encarnada de la esperanza
El proyecto titulado «UTTER / La necesidad violenta de la presencia encarnada de la esperanza», abraza el núcleo mismo del objetivo de Jaša de crear una obra de arte como una postura poética y una presencia dinámica y politizada. La obra se concibe como una instalación espacial y una performance in situ que unen al artista, sus colaboradores y el público. El proyecto consiste en una instalación, un dibujo arquitectónico activado para convertirse en un reflejo de pensamientos y una performance duradera que expresa la necesidad de (re) actuar como una forma encarnada. Estos elementos coexisten y se entrelazan para formar la experiencia integral de la obra de arte. El proyecto se centra en tres temas principales: resistencia, colaboración y esperanza. La postura enérgica de cada tema se resolvió, en parte,a través de una coexistencia a largo plazo de un cuerpo performativo dentro de un caparazón arquitectónico, la co-creación de acciones performativas repetitivas y la producción de momentos armónicos. Una situación polifónica de lo visual, sonoro y escénico fue sometida a un riguroso guión semanal.

JAŠA, uno de los artistas contemporáneos más prolíficos y más reconocidos por la crítica de Eslovenia, está impulsado por sus interpretaciones rapsódicas de la situación, la narrativa, la escultura y la actuación. A través de su conexión alquimista con el material y el contenido, JAŠA transforma los espacios en experiencias, conduciéndolos hacia sus potenciales poéticos y extáticos. En su creación, una instalación en un lugar específico, una actuación duradera basada en la ideología de la unión complementa su impulso de reaccionar y formular una visión de la experiencia comunitaria del arte como realidad. Considerando las demandas y éxtasis de la ejecución repetitiva y duradera, el proyecto es un acto estructurado de disciplina. Es un llamado a la sensibilidad colectiva. A través de continuas acciones repetitivas, conocimientos, gestos y la transformación de estos gestos en rituales,el grupo de intérpretes convoca una fuerza rebelde, que por el poder de la poesía llama a una realización pandémica de la idea de comunidad y unificación.

Pabellón de España: Los sujetos
El Pabellón de España explora el Dalí de entrevistas y palabras, Dalí el tema. Proyecto colectivo donde Dalí estuvo presente como sujeto, aunque no representado por su obra. Revela a Dalí a través de otras voces, las de artistas que están conceptualmente vinculados a él y entre sí. Tomando como punto de partida la sensualidad del sujeto-persona, la exposición pasa a explorar otros temas que también se prestan a interpretaciones extraordinarias. Homenaje a «la persistencia de la memoria», sus palabras y entrevistas, más que su obra, inspiran tres proyectos dentro del Pabellón de España. Dalí se convierte en un concepto sobre el que Salazar, Cabello / Carceller y Ruiz utilizan películas, cómics y objetos para reinventar las esferas pública y privada de un icono. Como sugiere el título del pabellón, los «sujetos»no solo reflejan la conceptualización social de Dalí, sino que también refractan los medios por los cuales la sociedad crea identidad.

Cabello / Carceller han diseñado una propuesta artística que gira en torno a la idea de identidades múltiples y la posibilidad de la indefinición. Su trabajo de performance, cine e instalación, arraigado en posturas feministas y teoría queer, ofrece una visión crítica de la definición de identidad y la lucha política del individuo. El espíritu de Dalí también estará presente en el diario del mítico artista. En el Pabellón de España, Pepo Salazar presenta una obra acorde con su particular modus operandi, una creación atomizada que mezcla momentos y tipos y crea un marco en el que todas las opciones son posibles. Al igual que Dalí, Pepo Salazar amplía el abanico de la acción artística burlando las convenciones y cultivando un conocimiento profundo de lo que significa trabajar en el campo del arte. Salazar ‘El proyecto del pabellón está ligado a la Declaración de Independencia de la Imaginación y de los Derechos del Hombre a la Locura de Salvador Dalí.

Pabellón de Sudáfrica: What Remains Is Tomorrow
El Pabellón de Sudáfrica, titulado «Lo que queda es mañana» presenta una variedad de obras de artistas que están profundamente comprometidos con las iteraciones locales de poder, libertad y libertad civil. El proyecto no solo quiere representar un trabajo reciente e importante de Sudáfrica, sino también poner en marcha un debate complejo y dinámico sobre la relación entre el momento contemporáneo y las narrativas del pasado. La dosis del proyecto no quería simplemente presentar obras que sean un espejo de nuestra sociedad, u ofrecer una letanía de errores e injusticias para dar a una audiencia internacional un sentido del zeitgeist local. En algún ámbito hemos comprometido el pasado, de forma individual y conjunta, por ejemplo, el sector público, el diseño y curaduría de museos, la práctica arquitectónica, que nos han obligado en ocasiones a habitar el pasado.

Para explorar el camino del futuro, debe tener una comprensión clara y un pensamiento profundo sobre el pasado. El pasado de Sudáfrica fue complicado. Nos conectan con un conglomerado de relaciones que no solo emergen del pasado (del imperialismo y el colonialismo) sino que también se apartan un poco de las grandes narrativas de la historia que dan origen a las nociones de nación y estado. Los artistas cuyas obras se presentan aquí se adentran en este terreno. Están en desacuerdo con las suposiciones profundamente arraigadas sobre quién está dentro y quién está fuera. Tienen la sensación de que hay una narrativa de pertenencia que debe ser interrogada. formas de violencia «más lentas» que nos están comiendo de adentro hacia afuera. Haberlo hecho nos ha hecho desconfiar de la nostalgia y de los peligros de un enfoque museológico y mitológico de la historia. Pero aun así,no hemos abandonado la idea de que el pasado es una referencia importante, la clave para saber qué hacer, aunque, como seres humanos, parezcamos incapaces de aprender de nuestros errores.

Pabellón de la República Árabe Siria: Origini della civiltà
La exposición «Orígenes de la civilización» reitera su apoyo al desarrollo de un diálogo entre expresiones estéticas libres que representan la apariencia cambiante y múltiple de lo contemporáneo. Para dar respuesta a este tema, el Pabellón presenta el trabajo de los artistas sirios Narine Ali, Ehsan Alar, Fouad Dahdouh y Nassouh Zaghlouleh, Italia Aldo Damioli, Mauro Reggio y Andrea Zucchi, China Liu Shuishi, España Felipe Cardeña, Albania Helidon Xhixha y Ukrain Svitlana Grebenyuk, centrándose en una fisonomía estilística que ha madurado en circunstancias ambientales e históricas muy diferentes, pero capaz de superar las fronteras nacionales.

Helidon Xhixha también hizo un iceberg rodeado por las aguas de Venecia, que amenazan con sumergirse por la marea del mar. Hecho de acero inoxidable pulido con un brillo de espejo, refleja la ciudad y su entorno acuático. Iceberg (2015) de Xhixha se balancea junto con el movimiento de las corrientes y el viento. Tal movimiento, junto con la luz y el clima cambiantes y el paso de barcos y personas, hacen que la superficie reflectante del iceberg cambie tan continuamente como el mundo que refleja. Pero si bien estas visiones deleitan la vista, este trabajo también sirve como recordatorio y advertencia. Después de todo, fue el derretimiento de los glaciares lo que formó los parches de tierra en el agua sobre los que se fundó Venecia. Y ahora, gracias al aumento de las temperaturas provocado por nuestra degradación del medio ambiente,es el derretimiento de los glaciares (entre otros factores) lo que amenaza con borrar del mapa la ciudad y sus tesoros artísticos e históricos.

Pabellón de Suecia: Lina Selander. Excavación de la imagen: huella, sombra, espectro, pensamiento
Título «Excavación de la imagen: huella, espectro de sombras, pensamiento». Las instalaciones cinematográficas de Selander a menudo se basan en eventos históricos, y utiliza enfoques tanto ensayísticos como arqueológicos para descubrir la forma en que las imágenes públicas y privadas definen la memoria o la historia. Selander presenta sus obras separadas en una especie de metamontaje general, que va bien con la forma de las obras individuales, entre otras cosas porque hay referencias, temas e incluso imágenes que tienen en común.

Todas las obras giran de una forma u otra en torno al estatus de la imagen, como representación, memoria, objeto, impronta o superficie, y nuestras relaciones con ella. Examinan las representaciones oficiales de eventos históricos, así como los lenguajes y aparatos visuales que los producen, subrayando que la historia en muchos aspectos es la historia de los dispositivos y tecnologías de grabación. Además, las obras comparten una relación con los deseos y fracasos de la modernidad, por ejemplo a través de los desastres de Chernobyl e Hiroshima, que se yuxtaponen con imágenes de la naturaleza, cruzando los efectos visuales de los procesos fotográficos, geológicos y nucleares para crear nuevas sedimentaciones. de significado.

Pabellón de Suiza: nuestro producto
La instalación inmersiva titulada «Nuestro producto», activa el conocimiento movilizado en el desarrollo tecnológico, científico y conceptual de los productos, subvirtiendo los significados del arte culturalmente consolidados. El proyecto está compuesto por elementos inmateriales como luz, color, aroma, sonido y componentes orgánicos como hormonas e incluso bacterias. Materiales elegidos por Pamela Rosenkranz, por ejemplo, bionina, evian, necrion, neoteno, silicona … La gente está más familiarizada con las sustancias físicas que las componen. sin embargo, sus cualidades estéticas aparentemente puras y atemporales que emiten, tienen una base biológica. Abeel, Abeen, Aben, Afriam, Afrim, Afristil, Albatom…. son los ingredientes de Nuestro Producto, productos químicos y biotecnológicos imaginarios,creado por una industria hiper-avanzada para transmitir sensaciones, funciones vitales, incluso alivio a nuestros dolores. Sus nombres científicos e industriales son declamados sin cesar.

Rosenkranz aísla los espacios interiores del pabellón suizo con plásticos, llenándolos con una masa monocromática de líquido, el color ahora se utiliza en la industria publicitaria actual como un medio probado para mejorar físicamente la atención. El color de piel eurocéntrico, que se deriva de una historia natural más amplia que implica migración, exposición al sol y nutrición, contrasta con una capa verde que cubre el manto del edificio. el patio exterior está iluminado por una luz verde artificial que borra la distinción entre el interior y el exterior; mientras que una pintura de pared que es biológicamente atractiva, disuelve aún más esta separación entre cultura y naturaleza. La instalación se apropia de reflejos estéticos inmemoriales en los que se basan tanto el arte como la cultura comercial, pero los vuelve cognitivamente perturbadores.

Pabellón de Tailandia: tierra, aire, fuego y agua
En muchas cosmovisiones clásicas se cree que cuatro elementos básicos constituyen los componentes esenciales de los que todo consiste. Tierra, Aire, Fuego y Agua. El concepto de Tassananchalee era que, independientemente de lo lejos que haya progresado el mundo y de los caminos que pueda tomar «Todos los futuros del mundo», los elementos constitutivos básicos de la vida son eternos. Después de haber desarrollado la imaginación de su concepto a través de pinturas de técnica mixta, Tassananchalee transforma sus símbolos de Tierra, Aire, Fuego y Agua en esculturas grandes, hidráulicas y cortadas con láser, de acero inoxidable, aluminio y luz de neón. La luz y la sombra juegan un papel central en estas obras. Iluminadas con luces de neón ambientales y tintadas, perfiladas, las composiciones de láser e hidrocorte de los símbolos elementales se irradian en las placas metálicas proyectadas y fundidas.Las grandes esculturas, presentadas en el Pabellón Nacional de Tailandia, son metáforas del Tiempo y el Mundo. Los elementos clásicos se relacionan con conceptos filosóficos antiguos que hoy en día se comparan generalmente con los «estados de la materia» contemporáneos. El estado sólido, estado gaseoso, plasma y estado líquido.

Pabellón de Turquía: Respiro
La exposición, titulada «Respiro» (que significa «aliento» en italiano), llena la Sale d’Armi del Arsenale con obras multimedia que utilizan el símbolo universalmente reconocido de un arco iris para explorar conceptos de transformación y experiencia humana compartida. Dos arcoíris de neón a gran escala, específicos del lugar, hechos de líneas de color frágiles y vacilantes, iluminan una serie de 36 vidrieras que representan imágenes relacionadas con la naturaleza, la espiritualidad y lo sublime. «Respiro se extiende más allá de la geopolítica, a un contexto más expansivo de más de un millón de años, que se remonta a la creación del universo y al comienzo de los tiempos, al primer arco iris, el primer punto mágico de ruptura de la luz. paisaje sonoro meditativo,arreglado por Jacopo Baboni-Schilingi e inspirado en un dibujo de Sarkis que ilustra los colores del arco iris como un «sistema de particiones», juega sobre la instalación, día y noche.

Pabellón de Tuvalu: cruzando la marea
Titulado «Crossing the Tide», se refleja en la petición de las pequeñas naciones insulares que enfrentan los efectos del cambio climático global. Esto se manifiesta por el aumento del nivel del mar y el aumento de tormentas severas que causan inundaciones y, en última instancia, amenaza el futuro de estas pequeñas naciones insulares como Tuvalu, ubicada en el Océano Pacífico. El proyecto cuenta con un pabellón inundado. Conecta la inundación del Tuvalu con la inundación de Venecia. Al cruzar la marea en el Pabellón de Tuvalu sobre pasarelas ligeramente sumergidas, los visitantes se encuentran en un espacio imaginario, un paisaje de ensueño, que consiste solo en cielo y agua.

El Pabellón de Tuvalu representa un entorno natural, pero esencialmente creado por el hombre y es obra del artista chino taiwanés Vincent JF Huang. El proyecto revela un mundo que consta solo de cielo y agua. El primer capítulo del antiguo libro chino de Zhuangzi, «Libre y fácil deambular», describe un mundo así en la historia de un pez gigante llamado Kun que se transforma en un pájaro enorme llamado Peng. Cuando Peng bate sus alas, el mar se agita. Peng se eleva a una altura enorme. El cielo es azul, y cuando el pájaro mira hacia abajo, todo también es azul. El libro de Zhuangzi es uno de los textos fundamentales de la filosofía taoísta. Considera formas para que la humanidad alcance la felicidad y la libertad viviendo en armonía con el mundo natural, y se vuelva «libre y vagabunda».Pero la verdad es que ya no vivimos de acuerdo con la naturaleza, sino que nos enfrentamos a muchos desastres medioambientales.

Pabellón de Ucrania: ¡Esperanza!
Titulado «¡Esperanza!», La declaración optimista del Pabellón de Ucrania sobre el futuro de este país inestable en medio de una lucha política interna. Este optimismo, sin embargo, y la dramática transparencia de la estructura del pabellón de vidrio, son problematizados por el matiz moral presente en las obras que se exhiben en su interior. Al destacar el trabajo de artistas jóvenes, revele una actitud crítica y no partidista hacia el conflicto mientras está marcado por un profundo compromiso personal y solidario con Ucrania. En lugar de dejar que la ideología impulse la narrativa, el pabellón ucraniano moviliza el arte como una fuerza crítica, introduciendo una consideración radical en una nación consumida por la reacción.

Pabellón de los Emiratos Árabes Unidos: 1980 – Hoy: Exposiciones en los Emiratos Árabes Unidos
El pabellón de los Emiratos Árabes Unidos se remonta a presentar 100 pinturas, esculturas, fotografías y otros objetos de arte creados durante las últimas cuatro décadas por 15 artistas emiratíes. Hassan Sharif se apropió e hizo sus propios tropos, conceptos y materiales de los movimientos Fluxus y Constructionism británico. Las obras hacen un amplio uso de plástico comercial de colores y otros objetos encontrados. Las esculturas de Al Saadi con forma de animales, las esculturas aquí están hechas de madera y huesos de animales que encontró en sus viajes por los Emiratos Árabes Unidos. Sus coloridos collares en una vitrina adyacente usan madera, hueso, fragmentos de cerámica y plásticos comerciales. Las esculturas de metal, roca y madera de Mohammed Abdullah Bulhiah, varias de las cuales recuerdan la elegante simplicidad.Todos están instalados en el espacio de 250 metros cuadrados como una colección abarrotada de obras en conversación entre sí, más que en cronología didáctica.

Pabellón de los Estados Unidos de América: Joan Jonas: vienen a nosotros sin una palabra
La instalación titulada «Vienen a nosotros sin una palabra», del pionero artista de video y performance joan jonas, que busca evocar la fragilidad de la naturaleza dentro de una situación que cambia rápidamente a través de una video instalación que incluye dibujos y elementos escultóricos. Parcialmente influenciadas por los escritos del autor islandés Halldór laxness y su representación poética del mundo natural, cada una de las galerías del pabellón de EE. UU. Trata un tema específico relacionado con la naturaleza, como las abejas o los peces, y están vinculadas a través de fragmentos de historias de fantasmas procedentes de una tradición oral en Cape Breton, Nueva Escocia, que forma una narrativa no lineal que une una galería con la siguiente. En cada sala, dos videoproyecciones dialogan entre sí, una que representa el motivo principal del espacio,y el otro como la narrativa fantasma, creando un hilo visual continuo que corre a lo largo.

Espejos ondulados independientes concebidos por jonas y hechos a mano en murano específicamente para esta exposición, se colocan dentro de cada habitación; junto con los dibujos y cometas distintivos de la artista, y una selección curada de objetos que se utilizaron como accesorios en sus videos. esta organización de diferentes elementos crea la sensación de un escenario. La rotonda del pabellón también está bordeada por espejos similares, con viejas cuentas de cristal veneciano que cuelgan de una estructura similar a una araña suspendida en el medio del techo. La atmósfera general refleja al espectador y el exterior del contexto del pabellón de los Estados Unidos dentro del giardini pubblici, cruzado por imágenes en movimiento. El proyecto involucra la pregunta de cómo el mundo está cambiando tan rápida y radicalmente, pero no aborda el tema de manera directa o didáctica,las ideas están implícitas poéticamente a través del sonido, la iluminación y la yuxtaposición de imágenes de niños, animales y paisajes.

Pabellón de Uruguay: Global Myopia II (Lápiz y Papel)
Titulado «Global Myopia» (lápiz y papel), una instalación específica del sitio de papel, pegatinas y lápices. Los dibujos, esculturas e instalaciones de Marco Maggi codifican el mundo. Compuesto por patrones lineales que sugieren placas de circuitos, vistas aéreas de ciudades imposibles, ingeniería genética o sistemas nerviosos, sus dibujos son un tesauro de lo infinitesimal y lo indescifrable. El lenguaje abstracto de Marco Maggi se refiere a la forma en que se procesa la información en una era global, y su trabajo desafía la noción de dibujo en sí. Los diminutos papeles se difunden o conectan siguiendo las reglas de tráfico específicas y la sintaxis dictada por cualquier acumulación de sedimentos.

Una piel de papel sin letras, ni caligrafía, libre de mensajes, desplegada lentamente, según ningún plano anterior, en las paredes del pabellón uruguayo. Las colonias de pegatinas de papel en las paredes dialogan con una pista de iluminación personalizada proporcionada por Erco. Miríadas de sombras de alta definición y proyecciones incandescentes infinitesimales apuntan a ralentizar al espectador. El proyecto divide el acto de dibujar en dos etapas. Primero, cortando un alfabeto de 10.000 elementos durante el transcurso de 2014 en Nueva York, y segundo utilizando los elementos precortados para escribir en las paredes del pabellón durante la primavera de 2015. De la misma forma, el proyecto separa los dos elementos clave de dibujo, lápiz y papel, en dos espacios: dibujos en papel en el espacio principal y una instalación de lápices en la primera sala.

Pabellón de Zimbabwe: Pixels of Ubuntu / Unhu: Explorando todas las diferentes facetas de las identidades sociales, físicas y culturales de nuestras sociedades contemporáneas del pasado, presente y futuro
Titulado «Píxeles de Ubuntu / Unhu», Explorando las identidades sociales y culturales del siglo XXI. Cuando se crean obras o arte, adquieren nuevos significados que hacen que el concepto siga creciendo. Las obras de la exposición están unificadas por un toque ligero y una sensación casi mínima, con el blanco como fondo dominante y el «gráfico» como estilo dominante en la mayoría de las obras, juntos, nos traen la rumia y la meditación sobre las debilidades de la vida con una pequeña «l» y la conciencia de la vida con una «L» mayúscula, que es una gran parte de la filosofía de Zimbabwe, subrayada por Ubuntu en el título del pabellón. El pabellón de Zimbabwe traza un camino de estabilidad y autodeterminación, que es un paradigma para su futuro y una contribución reflexiva a «Todos los futuros del mundo».

La serie de diez piezas de Msimba Hwati hace que todos los visitantes aprecien quiénes somos en esta vida. Cada una es una interpretación en blanco y negro de una fotografía, el único color y la diferencia en cada pieza son entregados por un parche circular con la marca, una alusión irónica tanto a la historia del retrato como a la pérdida del individualismo en la era de la marca, las redes sociales. y Tecnología. «La presencia del pasado» de Chazunguza es una oscilación entre el video en una habitación y el trabajo impreso en la otra, cada uno de los cuales nos proporciona viñetas dramatizadas de la vida de Zimbabwe. Lienzos de Nyandoro que se han roto, dibujos que se convierten en pinturas y pinturas que se convierten en instalaciones. . La obra es tanto una respuesta a un presente, que desafía cualquier medida de normalidad o convención, como una búsqueda para inventar un futuro,que puede ofrecer esperanza sin exigir el cumplimiento de la convención.

Eventos colaterales

001 Inverso Mundus. AES + F
Magazzino del Sale n. 5, Dorsoduro, Organización: VITRARIA Glass + A Museum
El grabado medieval Inverso Mundus representa a un cerdo destripando al carnicero, un niño castigando a su maestro, un hombre que lleva un burro a la espalda, hombres y mujeres intercambiando papeles y disfraces, y un mendigo vestido con harapos dando limosna majestuosa a un hombre rico. En este grabado hay demonios, quimeras, peces volando por el cielo y la muerte misma, ya sea con una guadaña, o detrás de la máscara del Doctor Plague.

En nuestra interpretación de Inverso Mundus, las escenas absurdas del carnaval medieval aparecen como episodios de la vida contemporánea. Los personajes representan escenas de absurdas utopías sociales, cambiando sus propias máscaras. Los limpiadores metrosexuales bañan la ciudad de escombros. Las mujeres inquisidoras torturan a los hombres con dispositivos al estilo IKEA. Los niños y las personas mayores están encerrados en un partido de kickboxing. Inverso Mundus es un mundo donde las quimeras son mascotas y el entretenimiento de Apocalipsis.

Cataluña en Venecia: Singularidad
Cantieri Navali, Organización: Institut Ramon Llull
Si hoy Raymond Williams decidiera sobre más entradas para su celebrado texto Palabras clave, seguramente incluiría «singularidad». El término se refiere al momento en que las inteligencias artificiales superan la capacidad humana y el control humano. En matemáticas, describe un punto en el que un objeto matemático dado no está definido o «se comporta bien», por ejemplo, infinito o no diferenciable.

El cineasta Albert Serra Juanola toma esta noción como punto de partida en su nueva película. El cine de Serra afirma que ser consciente del mundo no es simplemente un resultado de la existencia de la mente, sino que es la mente en acción. Vincular el cine con la condición de singularidad significa fomentar la creencia en la noción de que el pensamiento, la voluntad y la imaginación no están hechos de la misma sustancia que el mundo, los objetos y las cosas, sino de imágenes, sentimientos e ideas.

Conversión. Reciclar grupo
Chiesa di Sant’Antonin, Organización: Museo de Arte Moderno de Moscú
Esta instalación de sitio específico propone que la globalización de las redes de información y el culto a las nuevas tecnologías son en cierto modo comparables a la conversión histórica al cristianismo. The Recycle Group recurre con frecuencia a la historia para ilustrar temas de actualidad y aspectos impactantes del estilo de vida contemporáneo.

Sus esculturas y bajorrelieves en materiales modernos con frecuencia adquieren la apariencia de monumentos antiguos que muestran los estragos del tiempo, como artefactos de alguna civilización perdida. Aunque las formas y composiciones de este proyecto están influenciadas por la iconografía cristiana tradicional, introducen motivos contemporáneos. Conversión propone un paralelo entre la ilustración cristiana y la revolución tecnológica digital donde el conocimiento sagrado que antes residía en los cielos ahora se encuentra en el espacio intangible de «La Nube.

País
Fundación Gervasuti Foundamentalis, Organización: Fundación Gervasuti
Una exposición que es el resultado de la estancia de un año y medio de la artista italiana Giorgia Severi en los territorios australianos, en contacto directo con la comunidad de artistas indígenas. Su viaje implicó diversas escalas en espacios artísticos de todo el continente. El país es un crisol de culturas diferentes, sus trabajos son una investigación sobre la memoria y la tradición.

Al desplegar una variedad de medios, desde la artesanía hasta el arte sonoro, se nos invita a contemplar el equilibrio volátil entre los seres humanos y la naturaleza.

Dansaekhwa
Palazzo Contarini-Polignac, Organización: La Fundación Boghossian
Dansaekhwa describe una forma y movimiento de arte coreano que surgió a principios de la década de 1970 y continuó hasta la década de 1980. Aunque se puede entender que Dansaekhwa comparte similitudes con el arte monocromático occidental y el minimalismo, se diferencia de ambos en términos de su trasfondo histórico, práctica estética y crítica social subyacente.

Dansaekhwa articula una flexibilidad y afinidad pictórica al eliminar el exceso de color. Cepillar, arrancar, rayar la pintura y empujar las pinturas al óleo a través de la parte posterior del lienzo es un acto físico, que aparece como un elemento y un desempeño importante del proceso de producción, y hace que la pintura sea impredecible. El trasfondo de Dansaekhwa son elementos fundamentales que tienen en cuenta los valores estéticos en constante cambio y la historia en curso del activismo y la crítica política que refleja los fenómenos sociales.

Despojo
Palazzo Donà Brusa, Organización: Capital Europea de la Cultura Wroclaw 2016
Organizada por la ciudad de Wroclaw, Capital Europea de la Cultura de 2016, la exposición toma como punto de partida la historia de los desplazamientos de la ciudad de la posguerra. Partiendo de este contexto histórico, explora las dimensiones contemporáneas de los desplazamientos, la pérdida del hogar y la búsqueda de refugio en un lugar nuevo, a menudo hostil, extranjero.

Artistas de Polonia, Ucrania y Alemania se guían por el reconocimiento de una dimensión universal y atemporal del despojo y sus manifestaciones psicológicas y materiales. La desposesión, relacionada tanto con la privación como con el exorcismo, insinúa una distinción entre «nuestro», «el propio» y un «otro» no bienvenido. Es en esta pérdida y deseo de pertenencia que analizamos una compleja relación entre espacio e identidad.

EM15 presenta Leisure Land Golf de Doug Fishbone
Muelles de Arsenale, Organización: EM15
The Leisure Principle es el tema curatorial que impulsa la presentación principal de EM15 en la Biennale y se manifiesta a través de dos productos artísticos recientemente comisionados: Leisure Land Golf de Doug Fishbone, un campo de golf en miniatura diseñado por un artista totalmente jugable al que los visitantes están invitados a jugar, y Sunscreen (www .sun-screen.uk), un proyecto online que explora el espacio difuso que existe entre el trabajo y el ocio.

El Principio del Ocio considera el concepto de turismo y comercio como una metáfora para explorar las complejidades económicas globales actuales a través de uno de los principios definitorios del ocio: el del consumo y cómo este consumo da forma a nuestra identidad. EM15 es un colectivo de East Midlands, Reino Unido, y comprende Beacon Art Project, One Thoresby Street, QUAD y New Art Exchange en asociación con Nottingham Trent University.

Eredità e Sperimentazione
Grand Hotel Hungaria & Ausonia, Organización: Istituto Nazionale di BioArchitettura – Sezione di Padova
Este evento se desarrolla a través de la representación de un proceso decorativo creado por el artista inglés Joe Tilson que involucra una fachada sin decorar del edificio Art Nouveau del Grande Hotel Ausonia & Hungaria en el Lido de Venecia.

Existe una visión diurna con material y instrumentos tridimensionales y una visión nocturna con instrumentos de video. Visión nocturna: representación multimedia con proyección de la decoración propuesta para una fachada del hotel. Visión diurna: dos exposiciones didácticas con piezas construidas a escala. En el exterior, en el jardín, hay una estructura de 12 metros cuadrados con azulejos de cristal de Murano y soporte estructural, el prototipo del revestimiento que se colocó en la pared. Junto al lobby del hotel, en la histórica Sala de Reuniones, se encuentra una exposición de documentos históricos, bocetos, pinturas del artista y planos.

Fronteras reinventadas
Museo di Palazzo Grimani, Organización: Tagore Foundation International
El fenómeno de la globalización, donde las culturas chocan y se fusionan como nunca antes, ofrece fuentes de inspiración ricas y complejas para los artistas. Frontiers Reimagined examina los resultados de estos enredos culturales a través del trabajo de cuarenta y cuatro pintores, escultores, fotógrafos y artistas de instalaciones que están explorando la noción de fronteras culturales.

Estos artistas emergentes y establecidos, que provienen de un vasto paisaje geográfico que se extiende desde el oeste hasta Asia y África, comparten una perspectiva verdaderamente global, tanto en su existencia física, viviendo y trabajando entre culturas, como en sus esfuerzos artísticos. Cada uno demuestra la riqueza intelectual y estética que surge cuando los artistas se involucran en un diálogo intercultural.

Glasstress Gotika
Fondazione Berengo, Organización: Museo Estatal del Hermitage
La exposición presenta obras de arte contemporáneo realizadas en vidrio, todas con temática gótica, por más de cincuenta artistas invitados de más de veinte países que han creado obras con los maestros del vidrio de Murano. Estas obras se yuxtaponen con artefactos de vidrio medievales elegidos de la colección permanente del Museo Estatal del Hermitage en San Petersburgo, uno de los museos más antiguos y famosos del mundo.

Glasstress Gotika explora cómo las ideas medievales se han infiltrado imperceptiblemente en la conciencia moderna a pesar de todos los avances tecnológicos de la sociedad actual y cómo el concepto gótico informa el arte contemporáneo.

Graham Fagen: Escocia + Venecia 2015
Palazzo Fontana, Organización: Escocia + Venecia
La ambición del trabajo de Fagen y la complejidad de su vocabulario lo posiciona como uno de los artistas más influyentes que trabajan en Escocia en la actualidad. Se basa en la fascinación por la poesía, las formas musicales específicas y el artificio teatral para centrarse en ideas de lo nacional, social y político.

Trabajar con escritores, directores de teatro, músicos y compositores le permite aprovechar la experiencia, el conocimiento y las especialidades fuera de los suyos. En este nuevo trabajo, las contribuciones de la compositora clásica Sally Beamish, el cantante y músico de reggae Ghetto Priest y el productor musical Adrian Sherwood están claramente arraigadas, pero la autoría de Fagen nunca se distrae ni se erosiona. La instalación de Fagen atrae al espectador en un viaje, una ruta coreografiada.

Grisha Bruskin. Colección de un arqueólogo
Ex Chiesa di Santa Caterina, Organización: Centro Studi sulle Arti della Russia (CSAR), Università Ca ‘Foscari Venezia
Un viaje al futuro entre las ruinas del Imperio Soviético. Una gran instalación de treinta y tres esculturas que surgen de excavaciones arqueológicas en el interior de una antigua iglesia. Son los pseudo artefactos de una civilización reciente y perecida.

Para este proyecto, Bruskin utiliza personajes de su pintura Fundamental’nyi leksikon (1985-1986), una colección de arquetipos de la URSS. Reproduce las figuras a tamaño natural, luego destruye las esculturas, recoge los fragmentos y los moldea en bronce. Luego los entierra en Toscana durante tres años junto a las ruinas ya enterradas del Imperio Romano. Finalmente las desenterra, y ahora las estatuas emergen de las turbias aguas en las que se encuentra Venecia. Varios imperios perecidos se encuentran en el presente.

Bienal de Venecia
La Bienal de Arte de Venecia, una exposición de arte visual contemporáneo, se llama así porque se celebra cada dos años, en años impares; es la bienal original sobre la que se modelan otros en otras partes del mundo. La Fundación Biennale tiene una existencia continua apoyando las artes, además de organizar los siguientes eventos separados:

La Biennale di Venezia fue fundada en 1895. Paolo Baratta ha sido su presidente desde 2008, y antes de 1998 a 2001. La Biennale, que se encuentra a la vanguardia de la investigación y promoción de las nuevas tendencias del arte contemporáneo, organiza exposiciones, festivales e investigaciones. en todos sus sectores específicos: Artes (1895), Arquitectura (1980), Cine (1932), Danza (1999), Música (1930) y Teatro (1934). Sus actividades están documentadas en el Archivo Histórico de Arte Contemporáneo (ASAC) que recientemente ha sido completamente renovado.

Este modelo expositivo ha dado lugar a un pluralismo de expresiones: para acomodarlas, los espacios expositivos han crecido por necesidades estratégicas, incluida una ambiciosa restauración de la zona del Arsenale que aún continúa. La Biennale Arte ha sido reconocida como líder mundial en exposiciones de arte contemporáneo, y los países participantes han aumentado de 59 (en 1999) a 89 en 2015. La Biennale Architettura también ha sido reconocida como la mejor del mundo.

La relación con la comunidad local se ha fortalecido a través de actividades educativas y visitas guiadas, con la participación de un número creciente de escuelas de la región del Véneto y más allá. Esto difunde la creatividad en la nueva generación (3.000 profesores y 30.000 alumnos implicados en 2014). Estas actividades han sido apoyadas por la Cámara de Comercio de Venecia. También se ha establecido una cooperación con universidades e institutos de investigación que realizan visitas especiales y estancias en las exposiciones. En los tres años de 2012-2014, 227 universidades (79 italianas y 148 internacionales) se han unido al proyecto Biennale Sessions.

En todos los sectores ha habido más oportunidades de investigación y producción dirigidas a la generación más joven de artistas, en contacto directo con profesores de renombre; esto se ha vuelto más sistemático y continuo a través del proyecto internacional Biennale College, que ahora se ejecuta en las secciones de Danza, Teatro, Música y Cine.