Reseña de la Bienal de Arte de Venecia 2011, Italia
La 54ª Exposición Internacional de Arte, abierta al público del 4 de junio al 27 de noviembre de 2011 en el Giardini y en el Arsenale. Esta edición de la bienal cubre la Exposición Internacional de Arte en el Pabellón Central en Giardini y Arsenale, así como 89 participaciones nacionales y 37 eventos colaterales en la ciudad.
El tema de la exposición titulado «ILLUMInations», enfatiza la importancia de la luz y la iluminación, literalmente llama la atención sobre la importancia de tales esfuerzos en un mundo globalizado. La Biennale di Venezia siempre ha estado animada por un espíritu internacional, y más ahora en una época en la que los propios artistas se han convertido en turistas multifacéticos, exigentes y culturales.
La exposición se centra en los temas de la luz y la iluminación, al mismo tiempo que explora ideas relacionadas con la «nación». Incorpora varias obras del viejo maestro veneciano Tintoretto (1518-1594), poco ortodoxas y experimentales para su época, que se distinguen por una iluminación dramática. Además, como parte del concepto curatorial de esta edición, se pidió a cuatro artistas que crearan ‘Para-Pavilions’, estructuras escultóricas capaces de albergar obras de otros artistas.
Luces
ILLUMInations enfatiza la percepción intuitiva y la iluminación del pensamiento que es fomentada por un encuentro con el arte y su capacidad para agudizar las herramientas de la percepción. La exposición respeta e incluso defiende el valor de la idealización de la razón ilustrada y un particular de la práctica académica occidental europea. ILLUMInations se centra en la «luz» de la experiencia iluminadora, en las epifanías que vienen con la comprensión intelectual intercomunicativa. La Era de la Iluminación también resuena en ILLUMInations, testificando la vitalidad perdurable de su legado.
Las cuestiones de identidad y patrimonio han sido durante mucho tiempo cruciales para el arte contemporáneo y es poco probable que la intensidad de la investigación artística sobre estos temas disminuya en un futuro próximo. Históricamente, desde la Edad Media hasta el Renacimiento, se puede descubrir el proceso de «ILUMINACIONES» en el arte y la cultura.
El título también sugiere una amplia gama de asociaciones, desde las «Illuminations» tremendamente poéticas de Arthur Rimbaud y las «Iluminaciones profanas» de Walter Benjamin sobre la experiencia surrealista hasta el venerable arte de los manuscritos iluminados medievales y la filosofía de la iluminación en la Persia del siglo XII. El arte es un semillero de experimentación con nuevas formas de «comunidad» y de estudios de diferencias y afinidades que sirven de modelo para el futuro.
El arte contemporáneo se caracteriza por tendencias colectivas e identidades fragmentadas, por alianzas temporales y objetos en los que se inscribe lo transitorio, incluso si están fundidos en bronce. El impulso expansivo que ha impulsado el arte desde la década de 1960 se ha vuelto hacia adentro. El arte ya no cultiva el patetismo del antiarte. La percepción ahora se centra en los fundamentos de la cultura y el arte para iluminar las convenciones semánticas desde dentro. Por un lado, el artefacto ha dado paso a un énfasis en el proceso, mientras que, por el otro, el resurgimiento de géneros «clásicos» como la escultura, la pintura, la fotografía y el cine está motivado por el interés en diseccionar sus códigos y activar su potencial latente. . Estas inquietudes van de la mano con otro aspecto de gran relevancia en la actualidad:El arte atrae y compromete fuertemente a sus espectadores.
Muchas de las obras presentadas en la 54ª Exposición Internacional de Arte han sido creadas especialmente para la ocasión refiriéndose directamente al tema de ILLUMInations. En las obras del pintor y arquitecto veneciano juegan un papel destacado en el establecimiento de la relación artística, histórica y emocional con el contexto local. Las obras de los pintores de arte clásico rara vez se muestran en exposiciones de arte contemporáneo. A través del tema de «ILLUMInations», es fácil encontrar que hay algunos elementos que han inspirado lo contemporáneo.
Estas pinturas ejercen un atractivo especial hoy en día con su iluminación casi febril y extática y un enfoque casi imprudente de la composición que cambia el orden clásico bien definido del Renacimiento. Aunque la autorreflexión es un factor definitorio del arte contemporáneo, rara vez se mueve más allá del territorio cubierto por la historia del Modernismo.
La incorporación de la obra del pintor veneciano del siglo XVI a la Biennale di Venezia transmite señales inesperadas y estimulantes y arroja luz sobre las convenciones del comercio del arte con respecto al arte antiguo y contemporáneo. Las analogías de interés en esta yuxtaposición no son de naturaleza formal, sino que refuerzan la importancia de las obras de arte como vehículos visuales de energía.
El arte es un terreno altamente autorreflexivo que cultiva una visión lúcida del mundo exterior. El aspecto comunicativo es crucial para las ideas subyacentes a ILLUMInazioni, como se demuestra en el arte que a menudo declara y busca la cercanía a la vitalidad de la vida. Esto es más importante ahora que nunca, en una época en la que nuestro sentido de la realidad se ve profundamente desafiado por los mundos virtuales y simulados.
Aspectos destacados de los pabellones nacionales
Pabellón de Australia: el hilo de oro
«The Golden Thread» de Hany Armanious, la invocación de formas y culturas antiguas, su aceptación de una transformación casi alquímica de un material en otro, y su interés en incorporar los procesos de creación y exhibición de obras de arte en las esculturas mismas, subrayan su deseo de localizar lo misterioso dentro de lo mundano. Al argumentar que los objetos de nuestra vida cotidiana, sopladores de hojas, jarrones, teteras, cestas, planchas, persianas o incluso una corona de cartón de Burger King, pueden llevar tanto placer visual, tanto potencial de belleza, como esas cosas diseñadas o Considerado en el dominio de la estética, su trabajo es un reconocimiento de que hay más en este mundo de lo que parece.
El proyecto es panorámico y abarca ideas e imágenes sin importar el lugar. El trabajo de Armanious es perspicaz, conmovedor y, a menudo, divertido. Basadas en el proceso de fundición, las esculturas de Armanious presentan una doble visión de objetos que van desde la historia antigua hasta lo cotidiano. Sus meticulosos moldes de objetos encontrados, generalmente elementos redundantes o desechados que presentan el desgaste de sus vidas pasadas, se crean deliberadamente con materiales no preciosos, más comúnmente resina de poliuretano. La exposición redefine la intención tradicional de fundición, creando múltiples reproducciones idénticas de un objeto y, en cambio, utiliza el proceso para crear objetos únicos. Tanto el objeto original como el molde a menudo se destruyen, y los objetos inanimados escrupulosamente fundidos se convierten en artefactos de todo tipo,desviar temporalmente el enfoque del objeto mismo al proceso de su creación y evolución.
Pabellón de Canadá: Steven Shearer: exhumar para consumir
La exposición individual «Exhume to Consume» incluye una selección de pinturas, dibujos y esculturas de Steven Shearer, con obras nuevas y nunca antes vistas, que se basan en diversas influencias como la historia del arte, la cultura popular y la arquitectura vernácula. Adoptando y elaborando estilos y temas específicos de la historia de la pintura de figuras, incluidos los asociados con el simbolismo, el expresionismo y el fauvismo, Shearer establece paralelismos formales y temáticos entre la historia del arte y los aspectos olvidados o descartados de la sociedad.
Steven Shearer exhuma objetos, imágenes e ideas de la historia, pero también de su propio pasado, volviendo a infundirles significado insertándolos en un contexto contemporáneo. Su trabajo proviene de su compilación continua de miles de imágenes que se seleccionan de fuentes como fanzines, foros de mensajes en línea y santuarios de imágenes en sitios web personales. Estas fuentes fragmentarias funcionan generativamente a medida que se combinan y reciclan en su trabajo. Su arte provoca el potencial psíquico y emotivo dentro de estas imágenes y las transforma para reflejar su experiencia subjetiva.
Pabellón de China: Pervasion
La exposición «Pervasion» muestra obras de arte creadas por Cai zhisong, Liang yuanwei, Pan gongkai, Yang maoyuan y Yuan gong. Peng feng presenta cinco instalaciones de un solo artista que huelen a aromas asociados con la tradición cultural del país (a diferencia del enfoque tradicional de Occidente en la estética): té, loto, licor, incienso y hierbas medicinales. El trabajo de Cai evoca el té; yuanes, olor a incienso; yang, hierbas medicinales; pan’s, el olor a flor de loto; y liang es el olor acre del espíritu blanco tradicional de China: ‘baijiu’. ‘Cloud-tea’ de cai zhisong los ‘dispositivos’ pintados de blanco están hechos de acero y carillones de viento y té. cuando las mueve el viento, las nubes emiten el aroma del té y el sonido del propio viento. la fragancia proviene del té longjing,que los monjes budistas beben té para mantener un estado de ánimo puro y fresco. la instalación está diseñada para inducir sentimientos de vigilia e iluminación.
Aunque apropiadamente relacionada, la niebla circundante es incidentalmente parte de otro trabajo, ‘incienso vacío’ de yuan gong. Usando veinte juegos de atomizadores ultrasónicos, el sistema de agua nebulizada a alta presión de la instalación llena el pabellón con niebla de incienso atomizado cada dos horas, a partir de un cuadrado de guijarros blancos colocados sobre el césped. ‘Todas las cosas son visibles’ de Yang Maoyuan en el suelo de la cisterna del arsenal, los visitantes encuentran miles de botes de medicinas. Las recetas médicas tradicionales chinas están grabadas en el interior de estas vasijas, pero en el exterior no hay señales. Según la teoría de la medicina tradicional china, todas las cosas son visibles, ya sean los puntos de acupuntura, meridianos o colaterales, sin embargo, no existen en absoluto para la ciencia moderna.
Pabellón de Chipre: taxonomía temporal
«Taxonomía temporal», propone una sinergia entre los dibujos de objetos ‘emocionales’ de Doering y las topografías ‘científicas’ de Christofides. Tiene como objetivo crear un dinamismo especial a través de una museografía del tiempo y el espacio, la exposición tiene como objetivo explorar por un lado las relaciones sociales, políticas y culturales, así como las tendencias y tensiones a nivel local y global, y por otro lado. intenta operar a la manera de los «manuscritos iluminados» medievales que transmiten conocimientos nuevos y valiosos.
Chipre está representado por dos artistas, Marianna Christofides y Elizabeth Hoak-Doering. Tomando la experiencia chipriota y la realidad histórica como punto de partida, ambos artistas abordan temas de historicidad, identidad y memoria de una manera particular, rastreando y mapeando datos de una historia cultural más amplia. El trabajo de ambos artistas se aparta de la experiencia de Chipre y del campo de la sociopolítica, pero se extiende y se transforma para articular un discurso sustancial como parte de un sistema global mucho más amplio. Los temas de multiculturalismo, cruces, desplazamiento, migración e hibridación son puntos en común en sus investigaciones. Su reunión dentro del Pabellón de Chipre busca resaltar y negociar las posiciones y contradicciones existentes en torno a la aparente homogeneidad de un entorno globalizado,mientras que simultáneamente aborda la necesidad profundamente humana de transgresión espiritual e intelectual: una que conduce a una redefinición de los sistemas espacio-temporales de existencia, así como a una reformulación de la experiencia humana.
Pabellón de Egipto: 30 días corriendo en el espacio
Multimedia «30 días de correr en el espacio» de Basiony, registró las escenas reales de El Cairo durante la Primavera Árabe. Una visualización digital de la actividad física del artista mientras corría en su lugar dentro de una cámara especialmente instalada. Sus signos vitales destellaron en las paredes como gráficos y líneas. La pieza se repitió en la Bienal de 2011, junto con imágenes documentales que Basiony filmó de las protestas de la Plaza Tahrir mientras sucedían, del 25 al 27 de enero.
Pabellón de Estonia: una mujer ocupa poco espacio
«Una mujer ocupa poco espacio» consta de seis instalaciones de habitaciones conectadas conceptualmente en un ambiente hogareño parecido a un apartamento. En sus fotos, videos y salas de instalaciones específicas, la artista explora varios temas, que van desde la feminidad y el espacio social hasta diferentes representaciones de las mujeres en la sociedad contemporánea, así como trabajos ‘femeninos’. Junto con un enfoque en el espacio, también hay un fuerte énfasis en el tiempo, los círculos del tiempo y un cierto elemento de repetición ritual y «no llegar a ninguna parte».
La serie de fotografías captura a mujeres de diferentes edades y estatus social en sus lugares de trabajo. La serie está inspirada en una afirmación hecha en una columna de opinión sobre igualdad de género que apareció en los medios de comunicación estonios hace unos años afirmando que las mujeres necesitan menos espacio para su trabajo diario que los hombres. Una de las preguntas que recorre la exposición toca los mecanismos que permiten que tales ideas continúen relativamente sin trabas como resultado de un acuerdo no dicho entre todas las partes. Junto al trabajo que se centra en la esfera privada y el cuerpo, también se encuentra el video Horas Unsociales que explora el modelo del ciclo del trabajo y la vida social de las mujeres a través de la alimentación.
Pabellón de Francia: Chance
Una espectacular instalación titulada «Chance» de Christian Boltanski, trata sobre un tema que le es querido: la suerte, la mala suerte y el azar, fuerzas que nos fascinan e imponen sus propias leyes. Un entorno frenético donde los elementos en constante movimiento evocan la lotería interminable de la vida. Este conjunto de obras de Christian Boltanski también se presenta como un relato filosófico en el que el espectador no se contenta con registrar pasivamente una historia, sino que se involucra en un verdadero juego. Él mismo puede ser elegido por el destino y, si la suerte le sonríe, puede ganar una de las obras de la exposición.
«Chance» se abre a un examen más amplio del destino. El desarrollo de la vida y el ritmo de los nacimientos y las muertes plantean la cuestión de lo universal y lo individual en una nueva forma, de lo que distingue a un ser de otro. Lejos de ser sombrío, el ambiente aquí es acogedor. Aunque la brutalidad de un sistema industrial y mecánico frustra la armonía neoclásica del edificio, aquí la luz filtrada ilumina los rostros de los recién nacidos. Periódicamente, uno de ellos es elegido y, si nada lo distingue de los demás en apariencia, puede que sea él quien tenga su poder y fama en la historia.
Pabellón de Alemania: Christoph Schlingensief
Premio León de Oro a la Mejor Participación Nacional
En la sala principal del Pabellón Alemán se presentó el escenario del oratorio Fluxus A Church of Fear vs. the Alien Within, que Schlingensief concibió para la Ruhrtriennale 2008. En A Church of Fear vs. the Alien Within, Schlingensief usa sus propias experiencias personales para lidiar abiertamente con los temas universales y existenciales de la vida, el sufrimiento y la muerte. El escenario de la obra, que consta de muchas proyecciones de películas y videos y una multitud de elementos escultóricos, espaciales y pictóricos, ofrece a los espectadores, más que cualquier otro de sus escenarios, una instalación total que lo abarca todo. Una de las dos alas laterales del pabellón cuenta con una sala de cine donde se proyecta en una pantalla grande un programa de seis películas seleccionadas de diferentes momentos de la carrera de Schlingensief. Todas las películas se digitalizan a partir de películas originales,y han sido parcialmente restaurados. El teatro es accesible en todo momento durante el horario de apertura de la Bienal y ofrece a un público internacional la oportunidad de ver una selección significativa de las películas de Schlingensief, incluidas algunas películas que están subtituladas por primera vez.
El ala izquierda del pabellón está dedicada a Operndorf Afrika de Schlingensief, su pueblo de ópera en África. Ubicado cerca de Uagadugú, la capital de Burkina Faso, incluye una escuela que alberga aulas de cine y música, una cafetería, un hospital y un edificio de teatro central con una sala de festivales. El pueblo de la ópera está bajo la dirección de Aino Laberenz y fue planificado con el arquitecto Francis Kéré. Junto a fotografías y documentación de las partes ya realizadas del proyecto africano, y junto con escenas seleccionadas de Via Intolleranza II, la última obra de Schlingensief en la que colaboró con actores de Burkina Faso, esta parte del pabellón presenta una proyección panorámica a gran escala. de imágenes del paisaje natural que rodea el sitio de construcción del pueblo de la ópera,filmado por un cineasta africano que el propio Schlingensief había encargado para su uso en el pabellón alemán.
Pabellón de Grecia: más allá de la reforma
Una instalación específica del sitio titulada «Más allá de la reforma» de Diohandi, explora el espacio y el tiempo. Con el interior y el exterior del pabellón revisados, como un espacio existente, que se sitúa en un momento determinado. La fachada de estilo bizantino era visible a través de pequeñas grietas en la superficie de una nueva capa exterior que cubre la estructura original, mientras que el agua, la luz y el sonido eran elementos dominantes del interior del pabellón. El acceso al interior era desde un pasillo ascendente que corría a lo largo del Pabellón entre una superficie de agua, conduciendo hasta la luz pura. Tras una extensa investigación sobre la arquitectura y la historia del Pabellón Griego, el nuevo espacio de Diohandi ve cómo el entorno circundante se mezcla con el interior, ofreciendo nuevas formas en las que la estructura del edificio, la luz, el sonido y el agua pueden coexistir.
Diohandi entiende el tema «ILLUMInations» en su sentido más profundo y básico. Partiendo de un espacio muy concreto, concreto, estrictamente racional, tanto en el exterior como en el interior: se remodela todo el espacio, aunque ninguna de estas intervenciones afecta realmente a la estructura existente. También se destacan el sonido y la luz, indispensables para el trabajo. La instalación en el Pabellón Griego refleja de alguna manera, con el trabajo específico de Diohandi, el estado político actual de Europa y del mundo en general. Es al mismo tiempo, obviamente, un comentario sobre la experiencia griega contemporánea de la recesión económica y la tutela del FMI: un lugar de luz arrojado a la oscuridad y el declive, que se aferra, al parecer casi de cualquier manera, a las esperanzas de reconstrucción espiritual y sociopolítica. ; en otras palabras,a una visión de luz que debería traer claridad mental, como si fuera la catarsis definitiva.
Pabellón de la India: todos están de acuerdo: está a punto de explotar
El primer pabellón de la India en la Bienal de Venecia, titulado «Todos están de acuerdo: está a punto de explotar», muestra la colección de Zarina Hashmi, grabadora y escultora, Gigi Scaria, pintora y videoartista, Praneet Soi, artista de medios mixtos y El colectivo de la máquina del deseo. Este pabellón aborda esa idea a través de los tropos de la práctica transcultural, la migración y la polinización cruzada. De hecho, este pabellón está destinado a servir como un laboratorio en el que probamos ciertas propuestas clave sobre la escena del arte indio contemporáneo. A través de él, podríamos ver a la India como una entidad conceptual que no solo tiene una base territorial, sino que también es extensa en un espacio global de la imaginación.
El objetivo de Hoskote, al hacer su selección de artistas, es representar un conjunto de prácticas artísticas conceptualmente rigurosas y estéticamente ricas que se escenifican en paralelo al mercado del arte. Además, estos aún no han sido valorizados por el sistema de galerías y el circuito de casas de subastas. La manifestación india también se centra en posiciones artísticas que enfatizan la naturaleza transcultural de la producción artística contemporánea: algunas de las obras de arte más importantes que se están creando hoy se basan en una diversidad de lugares, diferentes economías de creación de imágenes y variadas historias culturales.
Pabellón de Irak: Agua Herida
«Wounded Water», una emocionante selección curada profesionalmente de 6 artistas iraquíes de dos generaciones, que incluye diversos medios artísticos (pintura, performance, video, fotografía, escultura / instalación). Son tiempos extraordinarios para Irak. El proyecto de creación de un pabellón nacional oficial para la 54ª Bienal de Venecia es un trabajo múltiple y participativo en marcha desde 2004. Históricamente, llega en un período de gran renovación después de más de 30 años de guerra y conflicto en ese país. El Pabellón de Irak presenta a seis artistas iraquíes contemporáneos de renombre internacional que son emblemáticos en su investigación artística experimental individual, resultado de vivir tanto dentro como fuera de su país.
Representan dos generaciones: una, nacida a principios de la década de 1950, ha experimentado tanto la inestabilidad política como la riqueza cultural de ese período en Irak. Ali Assaf, Azad Nanakeli y Walid Siti alcanzaron la mayoría de edad en la década de 1970 durante el período de creación del socialismo político que marcó sus antecedentes. La segunda generación, que incluía a Adel Abidin, Ahmed Alsoudani y Halim Al Karim, creció durante el drama de la guerra Irán-Irak (1980-1988), la invasión de Kuwait, las abrumadoras sanciones económicas de la ONU y el posterior aislamiento artístico. Esta generación de artistas abandonó el país antes de la invasión de 2003, encontrando refugio en Europa y Estados Unidos por pura fortuna junto con la virtud artística de su trabajo.Los seis artistas tienen así identidades indudablemente forjadas con la práctica artística contemporánea que une la situación global con la experiencia iraquí y representan un enfoque sofisticado y experimental de alcance completamente internacional.
Pabellón de Israel: el suelo de un hombre son los sentimientos de otro
«El suelo de un hombre es el sentimiento de otro hombre» de Sigalit Landau, uniendo lo metafórico y lo material en una imagen, poética y política, el título alusivo genera un concepto con amplio espacio para la imaginación. Trabajando con tres elementos esenciales: agua, tierra y sal, el proyecto de Landau se relaciona con el pabellón israelí en sí. El proyecto es específico del sitio, celebrando el agua que está allí, los problemas de interdependencia, las comunidades y sociedades que viven en esta región, adyacentes entre sí, compartiendo tierra y cultura.
Pabellón de Italia: Ministerio de Patrimonio y Actividades Culturales
Para la sede tradicional del Pabellón de Italia, ampliado con motivo del 150 aniversario de la Unificación de Italia, se seleccionaron 200 grandes personalidades de reconocido prestigio internacional a las que se les ha pedido que indiquen un artista que haya tenido una trascendencia en la primera década de este milenio, de 2001 a 2011. Se exhibieron 200 artistas, resultado de 200 formas diferentes de entender el arte. Una representación caleidoscópica que no se limita a las elecciones de los críticos y no sigue las tendencias de las galerías, sino que alimenta la extraordinaria unión entre arte, literatura, filosofía. El Arsenal también expuso el Museo de la Mafia, traído desde Salemi en Venecia, ofreciendo el leit-motivo de la exposición: «El arte no es nuestro».
La exposición Italia: 150 / Bienal: 116. pretendía mostrar una colección de especial importancia por su variedad, coherencia y calidad artística. La exposición incluyó las obras de Augusto Sezanne, Ettore Tito, Marcello Dudovich, Carlo Scarpa, Albe Steiner, Milton Glaser, Ettore Sottsass, Gianluigi Toccafondo y Studio Tapiro con sede en Venecia. La exposición se realizó con recursos internos de La Biennale, en particular de la ASAC (Archivo Histórico de Arte Contemporáneo), dentro del proyecto más amplio de puesta en valor de sus Fondos. La exposición fue posible gracias a la reciente remodelación e inventario de toda la colección de carteles con 3500 piezas, representadas por 360 carteles generales, así como carteles secundarios, carteles y anuncios.
Pabellón de Japón: Tabaimo: teleco-soup
La instalación titulada «teleco-soup» de Tabaimo, creada mediante la proyección de una animación multicanal en paneles de espejo, este entorno multimedia inmersivo explora la identidad del país como estado insular. «Teleco-sopa» connota la idea de una sopa «invertida», o la inversión de las relaciones entre agua y cielo, fluido y recipiente, yo y mundo. Acuñada por el artista, esta frase se basa en una tradición intelectual en Japón que lidia con la identidad del país como estado insular, o lo que en los últimos años se conoce como el «síndrome de Galápagos», originalmente utilizado para describir la incompatibilidad entre los japoneses tecnología y mercados internacionales, pero ahora aplicable a múltiples facetas de la sociedad japonesa en la era de la globalización.La estructura de la exposición también hace referencia a un proverbio atribuido al filósofo chino Zhuangzi, «Una rana en un pozo no puede concebir el océano», y un apéndice a la versión japonesa de la misma, «Pero conoce la altura del cielo». »
Mediante el uso de una proyección de animación multicanal y paneles de espejo, Tabaimo transforma el interior del Pabellón de Japón en un pozo y el espacio abierto debajo del Pabellón, que se eleva sobre pilotis, hacia el cielo. La sucesión de imágenes conduce al reconocimiento de la amplitud inimaginable del pozo, o del Japón contemporáneo, y a través de la orientación antigravitacional de la instalación se conecta a una profundidad / altura infinita en el mundo eterno del cielo de abajo, visible a través de una abertura en el piso en el centro del pabellón. De esta manera, extendiéndose más allá de los confines del Pabellón, la instalación desestabiliza las relaciones entre arriba y abajo, interior y exterior, perspectivas amplias y estrechas, y sumerge a los visitantes en una experiencia corporal que les invita a cuestionar,¿Es el mundo de una rana viviendo en un pozo realmente tan pequeño? Y, ¿cómo podemos negociar los puntos de contacto entre el individuo y la comunidad? ¿Cómo negociamos nuestros propios síndromes de Galápagos?
Pabellón de Lituania: detrás del telón blanco
Behind the White Curtain es una obra de Darius Mikšys, que intenta reunir y mostrar una exposición simbólica comisariada por un estado moderno y convertirla en una verdadera exposición y archivo nacional. Actuando como un espejo público autoconstruido y autoorganizado, Behind the White Curtain constituye una colección de obras de arte de artistas que recibieron la Beca Estatal del Ministerio de Cultura de la República de Lituania durante las últimas dos décadas (1992-2010) .
El estado lituano selecciona artistas para una exposición simbólica mediante la asignación de premios y subvenciones para promover la práctica de los artistas lituanos. Podría verse como una programación específica de productos culturales. De esta manera, el Estado actúa como curador, cuya sala de exposiciones no tiene paredes, y cuya exposición se exhibe desde hace décadas. ¿Es posible ver una exposición así? ¿Cómo se visita? Detrás de la cortina blanca hay una instalación y una actuación que se lleva a cabo a ambos lados de la cortina. Un lado sirve como espacio de almacenamiento para toda la colección, mientras que el segundo funciona como exposición rotativa; conformado de acuerdo a los intereses específicos de cada visitante.
Pabellón de Luxemburgo: Le Cercle Fermé
«Le Cercle Fermé» de Martine Feipel & Jean Bechameil, se da cuenta de que la noción de espacio es central. Al observador se le presenta una sola idea: la obvia necesidad de encontrar un nuevo tipo de espacio. La obra de arte puede entenderse en varios niveles diferentes que tocan tanto la filosofía como la historia del arte o la sociedad. En este proyecto, la gestión del espacio está en crisis. Siguiendo la estela de la filosofía de Jacques Derrida, se trata de intentar traspasar el límite de un lugar para encontrar uno nuevo. Esto se reduce a pensar en el significado del límite y el significado del espacio que es principalmente el resultado de la tradición.
Lo importante no es sobrepasar o transgredir la ley cruzando el límite, sino «abrir» un espacio en el corazón mismo del espacio anterior. Esta apertura no crea un nuevo espacio para ocupar, sino una especie de bolsillo escondido dentro del antiguo significado del límite. Se trata de una apertura en el espacio según el principio de deslizamiento. Este deslizamiento interno y la recreación del espacio implica siempre la destrucción de una institución. La situación todavía parece abierta, pero carecemos de conceptos de acción capaces de responder a la crisis ecológica y a la crisis de civilización. Hoy, sin duda, es más urgente que nunca considerar cualquier reflexión sobre la cuestión del espacio como obra de civilización, como remodelación de civilización. Modificar el día a día remodela completamente nuestro mundo.
Pabellón de Montenegro: The Fridge Factory y Clear Waters
La exposición titulada «The Fridge Factory and Clear Waters», artistas de performance conjunta exhibidos junto con Marina Abramović, llija Soskic y Natalija Vujosevic. Obod es una antigua fábrica de frigoríficos de 140.000 metros cuadrados situada en Cetinje, capital del antiguo reino de Montenegro, construida durante el régimen comunista de Tito. Obod fue fundada para producir refrigeradores para toda la ex Yugoslavia, y sigue siendo hoy un ejemplo perfectamente conservado de los ideales del comunismo, la industrialización y el modernismo que estaban tan cerca de las bibliotecas, palacios, monasterios y montañas centenarias que hacen Montenegro una ubicación geográfica tan convincente. El espacio se convirtió en un laboratorio de producción, presentación, distribución y desarrollo de diferentes formas de arte desde la performance, la danza,teatro, ópera, cine, y también estar fomentando la arquitectura, la ciencia y las nuevas tecnologías.
El trabajo de Marina consiste en un video que presenta una narrativa original y una breve biografía sobre sus raíces montenegrinas, y explica su ambicioso proyecto de establecer dos centros de performance simultáneamente en Montenegro (Europa) y en Hudson, Nueva York. El trabajo de Marina Abramović también se puede ver en «Estructuras personales», comisariada por Karlyn de Jongh y Sarah Gold, que se llevó a cabo en el impresionante Palazzo Bembo cerca del Puente de Rialto en el Canal Grande. Esta muestra colectiva reúne una interesante combinación de 28 artistas, de los 5 continentes. Ya sean artistas consagrados o menos conocidos, todos están unidos por un interés común: la dedicación al concepto de tiempo, espacio y existencia.
Pabellón de Nueva Zelanda: una primera mirada al Homer de Chapman
«En la primera mirada al Homero de Chapman» de Michael Parekowhai, rinde homenaje al poema del mismo título del poeta romántico inglés del siglo XIX John Keats, y hace referencia a las nociones de descubrimiento, exploración y la interacción cultural entre el Viejo y el Nuevo Mundo. . El artista entiende el trabajo de Chapman Homer de una manera combinada con el arte escénico, gran parte del significado real del trabajo proviene de la música, que llena el espacio como ningún objeto puede hacerlo. Michael Parekowhai crea una sensación de drama y sorpresa para el público.
Pabellón de Noruega: el estado de las cosas
Reflexionando sobre los principios del Pasaporte Nansen hoy, y sobre la posibilidad de que la imagen de una nación pueda de hecho ser definida por su internacionalismo, la Oficina de Arte Contemporáneo de Noruega (OCA) está organizando ‘El estado de las cosas’, una serie de conferencias públicas que forma parte de la representación de Noruega para la 54ª edición de la Bienal de Venecia. Las conferencias públicas, impartidas por intelectuales de prestigio internacional, reflexionan sobre temas como la diversidad, Europa, el medio ambiente, la pacificación, los derechos humanos, el capital, la sostenibilidad, la migración, el asilo, la estética y la guerra. Cada uno de los artículos aborda el ‘estado de cosas’ actual, basándose en los campos de actividad e investigación de los ponentes, y en lo que consideran las prioridades intelectuales y políticas de hoy.
Pabellón de Rusia: zonas vacías
«Zonas vacías», un intento de ver las acciones de CA retrospectivamente como vida en el arte. Centrada en la paradoja de la escala, la exposición muestra el arte como la producción de uno mismo más que de objetos (pinturas, esculturas, instalaciones). Empty Zones es el concepto de vida como una obra de arte única. Y esta vida en el arte se demostró mediante el uso de metáforas creadas para el espacio del Pabellón Ruso.
Fue el primer ejemplo en Rusia del tipo de arte que saca al espectador de su condición pasiva habitual y le ofrece un papel activo en la creación de un evento artístico «. Los eventos estéticos espacio-temporales que componen las ‘acciones’ de CA se han desarrollado tanto en grandes espacios rurales (campos, bosques, ríos, etc.) y en los textos que introducen las acciones, las acompañan y comentan los hechos de una acción. Sin embargo, también se han realizado algunas acciones en la ciudad y en espacios cerrados. cuando el proceso de desarrollo de un lenguaje estético contemporáneo lo ha requerido, CA ha realizado 125 acciones y compilado 10 volúmenes (se está trabajando en el 11PthP) de los libros Trips out of Town.
Pabellón de Arabia Saudita: El Arco Negro
«The Black Arch» de Mona Khazindar y Robin Start, se trata en gran medida de un punto de encuentro de los dos artistas; de dos visiones del mundo; de la oscuridad a la luz, y de dos ciudades, La Meca y Venecia. La obra es un escenario, diseñado para proyectar la memoria colectiva de los artistas sobre el negro, la monumental ausencia de color y la representación física del negro, en referencia a su pasado. La narrativa está impulsada por los relatos inspiradores contados por sus tías y abuelas, y está anclada en La Meca, donde las hermanas crecieron en la década de 1970.
La experiencia con la presencia física de Black, la primera parte de la instalación, es impactante para las artistas, inspiradas en las siluetas negras de las mujeres saudíes. Como contrapunto, la segunda parte de la instalación es una imagen en espejo, reflejando el presente. Estos son los parámetros estéticos de la obra. El Arco Negro también trata de un viaje, de transición; inspirado por Marco Polo y su compañero viajero del siglo XIII Ibn Battuta, ambos ejemplos de cómo unir culturas a través de los viajes. Los artistas se centran en las similitudes entre las dos ciudades cosmopolitas y sus poderes inspiradores. La doble visión de dos mujeres, dos hermanas, dos artistas se despliega en un mundo de ritual y tradición que, sin embargo, confronta con sencillez la realidad cotidiana del comportamiento humano.
Pabellón de Eslovenia: Calentadores para los sentimientos de calor
La instalación de esculturas de Mirko Bratuša Heaters for Hot Feelings está compuesta por ocho piezas táctiles, antropo y biomórficas, cada una de las cuales mide aproximadamente 2 m de altura. Los accesorios eléctricos ocultos calientan, humedecen y enfrían las esculturas de arcilla cocida. El calor generado por el enfriamiento de las primeras esculturas se utilizó para calentar las demás. Se configura una red de conexiones como un sistema de cuerpos artificiales, que indican su mutua dependencia. Las metafóricas de un sistema artístico construido de esta manera son universalmente aplicables a la sociedad moderna, en la que todo sucede en relación mutua: acumular riqueza en un lado del planeta conduce a la pobreza en el otro, explotar la naturaleza provoca desastres naturales, disturbios sociales cambios políticos sistemas.
Las esculturas de Mirko Bratuša se capturan en varios estados de emoción. Son fantásticamente expresivos, diseñados con extravagancia escultórica y humor refinado. Insinuando fenómenos excéntricos de la tradición católica occidental, nos revelan lo exótico en el lugar común. Por lo tanto, para lograr un mayor nivel de empatía, están hechos del material decididamente expresivo y que ya no se comercializa masivamente de arcilla cocida. Son táctiles, cálidos y fríos. Nos muestran el aspecto psicótico de nuestra vida cotidiana, reflejan nuestros miedos y hablan de nuestra sensación de estar perdido en la cultura moderna, donde parece que ya no podemos afectar la política y las relaciones sociales de poder y que ya no es posible frenar la procesos de destrucción de la naturaleza. Por lo tanto, sugiere Bratuša, tenemos que volver a las percepciones elementales,al reino de la sensibilidad perdida.
Pabellón de Turquía: Plan B
«Plan B» de Ayşe Erkmen, se basa en la relación ineludible y compleja que Venecia tiene con el agua. El proyecto de Erkmen transforma una habitación dentro del Arsenale en una compleja unidad de purificación de agua donde las máquinas actúan como esculturas, envolviendo a la audiencia dentro del proceso de filtración que eventualmente devuelve agua potable y limpia al canal. Cada componente de la unidad de filtración se ha separado, diseminando la maquinaria por la habitación y luego reconectando los elementos con tuberías extendidas. Erkmen coreografia las elegantes formas industriales para llamar la atención sobre el proceso de transformación, al final del cual el agua purificada se devuelve al canal: un gesto inútil pero valiente contra la escala abrumadora del canal y el océano.
Formalmente, la práctica de Erkmen suele comentar la relación del minimalismo entre las formas industriales y el cuerpo. Aquí la instalación genera una experiencia visceral para los espectadores que se encarnan dentro del mecanismo de transformación. El «Plan B» transmite de manera abstracta los sistemas y procesos de los que formamos parte cotidiana: sangre circulando por el cuerpo, Capital fluyendo a través de las fronteras, los mecanismos de autoridad, el suministro de recursos naturales mientras nos ofrece una referencia poética a la potencialidad del cambio. Al mismo tiempo, la obra es una crítica sutilmente humorística de la euforia por soluciones y cambios insostenibles de corta duración dentro de los complejos sistemas y estructuras que nos rodean.
Pabellón de Reino Unido: yo, impostor
«I, imposter» de Mike Nelson, una instalación inmersiva para el pabellón británico. La nueva adaptación combina capas de tiempo y espacio al reinventar la historia de una posada de carretera del siglo XVII. Diseñado para admitir rutas comerciales mercantiles en Asia, África del Norte y el Sudeste de Europa, el espacio era suntuoso durante su mejor momento. La última reinterpretación espacial, por lo tanto, colapsa el tiempo al integrar la arquitectura del siglo XVII con artefactos del presente reciente, como muebles de plástico y una televisión obsoleta. El desplazamiento de la instalación de Estambul a Venecia también distorsiona la percepción de la geografía, pero une las historias compartidas de las dos ciudades como antiguos centros comerciales.
Pabellón de Estados Unidos de América: Gloria
Título «Gloria», el pabellón estadounidense reorganizado, hay mucho polvo en el aire afuera, y con todo el cartón y los escombros tirados a su alrededor como una zona de guerra. Un tanque británico de 60 toneladas al revés, llamado Track and Field, han arreglado una cinta de correr en la parte superior del carril derecho del tanque. Con actuaciones de gimnastas estadounidenses se llevó a cabo dentro del pabellón. Una réplica de la estatua simbólica de la Libertad se colocó junto a Algorithm, una tubería montada junto con un cajero automático en funcionamiento, donde el órgano solo reproduce música durante una transacción.
Allora y Guillermo Calzadilla en representación de Estados Unidos con cinco instalaciones. Los más artísticos entienden el evento que a menudo se llama los Juegos Olímpicos del mundo del arte. Como los atletas, se preparan rigurosamente y eventualmente compiten por el oro. Gloria, como en la gloria olímpica, o la gloria del arte, o la gloria de la guerra. Pero un tanque volcado se puede interpretar fácilmente como un símbolo de la gloria desvaída de Estados Unidos. El visitante puede ver la relación entre el militarismo, pensar en la guerra. La escultura también se relaciona con la gravedad, el peso, el ensamblaje, la interpretación, el sonido. Por lo tanto, tiene todo este tipo de registros múltiples que lo hacen superar un único fin útil, práctico y funcional.