La 16ª Exposición Internacional de Arquitectura, titulada «Freespace», comisariada por Yvonne Farrell y Shelley McNamara y organizada por Paolo Baratta, tuvo lugar del 26 de mayo al 25 de noviembre de 2018. El tema de este año muestra la Exposición Internacional de Arquitectura se centra en la cuestión del espacio , con el objetivo de promover el «deseo» de la arquitectura, la calidad del espacio, el espacio abierto y libre.

El parámetro fundamental de referencia se indica con gran claridad, el deseo de crear Freespace puede convertirse en la característica individual específica de cada proyecto individual. Entender la arquitectura como «pensamiento aplicado al espacio donde vivimos, que habitamos», y ofrecer ejemplos , enseñanzas y temas de discusión.

La invención y la creatividad descubiertas a escala micro y macro de los edificios históricos liberados por la inteligencia de los arquitectos; edificios olvidados revisados ​​y revividos; tipologías transformadoras de vivienda; necesidades de infraestructura traducidas en instalaciones públicas y cívicas.

Un componente clave para atender la continuidad de la tradición en arquitectura es la práctica de la docencia. Muchos de los practicantes invitados participan activamente en la enseñanza. El mundo de la fabricación y la construcción se fusiona con el mundo imaginativo que se destaca dentro de la Exposición.

La Exposición FREESPACE se desarrolla desde el Pabellón Central (Giardini) hasta el Arsenale, e incluye 71 participantes. Reunidos en dos Secciones Especiales: la primera, de 16 participantes, se titula Encuentro Cercano, encuentros con proyectos destacados y presentará obras que tienen su origen en una reflexión sobre edificios conocidos del pasado; el segundo, que cuenta con 13 participantes y se titula La práctica de la docencia, recogerá proyectos desarrollados como parte de las experiencias docentes.

La exposición también incluye 63 participaciones nacionales en los pabellones históricos de Giardini, en el Arsenale y en el centro histórico de la ciudad de Venecia. 6 países participan en la Biennale Architettura por primera vez: Antigua y Barbuda, Arabia Saudita, Guatemala, Líbano, Pakistán y la Santa Sede (con su propio pabellón ubicado en la isla de San Giorgio Maggiore).

El pabellón italiano en el Tese delle Vergini en el Arsenale, patrocinado y promovido por el Ministero dei Beni e delle Attività Culturali e del Turismo, Direzione Generale Arte e Architettura Contemporanee e Periferie Urbane, está comisariado por Mario Cucinella y titulado Arcipelago Italia.

Participantes
Arquitectos de todo el mundo, junto con las secciones especiales Encuentro cercano y La práctica de la enseñanza, responden al Manifiesto de Yvonne Farrell y Shelley McNamara, con el fin de revelar, dejar al descubierto, el ingrediente del espacio libre incrustado en su trabajo.

ARQUITECTOS 6A
La historia natural de Churchill College
La obra de 6a es una letanía de materiales disciplinados, transformaciones de estructuras existentes, tejidos de nuevos y viejos, siempre inventivos, siempre sensuales. Su South London Gallery expone la estructura, controla la luz, pliega el espacio y absorbe el paisaje. El edificio del siglo XVIII, que alberga el Centro de Exposiciones de Arte Contemporáneo Raven Row, se ha despertado a través de su hábil comprensión de la historia y las capas posteriores. Dar vida a los materiales parece ser un ingrediente central de su trabajo: madera en diversas formas; una escalera de roble verde del Belvedere Zollikon que permite vistas al lago de Zúrich; el hormigón del estudio fotográfico de Jürgen Teller; la fachada de hierro fundido de la tienda Albemarle Street de Paul Smith. Un zumaque y un eucalipto son participantes activos en su creación de espacio, como un par de 1830 ‘Se modifican las cabañas.

Para esta Biennale Architettura, 6a se enfoca en su residencia de estudiantes para Churchill College, Universidad de Cambridge, donde el roble recuperado sin tratar forma la nueva ‘corteza’ del edificio, donde el roble nuevo contrasta con el viejo, agregando refinamiento. El bosque de abedules recién plantado en el patio resuena con el proverbio griego incrustado en el manifiesto FREESPACE.

Arquitectos A2
Francisco Javier Sáenz de Oiza, Museo-Fundación Oteiza, Alzuza, España
A2 ARCHITECTS es el resultado de una exploración iterativa del trabajo compartido del arquitecto Francisco Javier Sáenz de Oiza y el escultor Jorge Oteiza. La propuesta es una representación abstracta de la Fundación Oteiza en Alzuza, Navarra, España. Un artefacto fundamentalmente espacial y energético que tiene la oscuridad y el misterio en su núcleo. Este espacio circulatorio o intermedio del edificio de la Fundación: luz indirecta y circulación en rampa; oscuridad central del salón principal; y galerías inclinadas con techo iluminado arriba. Para hacer esto manifiesto, un ‘espacio oscuro externo’ dentro de un espacio interior en capas para explorar la brecha entre el grosor, la profundidad y la intimidad.

Oteiza se propone hacerlos agudos y silenciosos, vigilantes y vacíos. En sus sucesivos estados puede verse mutar con absoluta autonomía, como un ser animado. Estas obras son artefactos vivos; Instrumentos de protección y defensa. Con controles de luz para formar atmósfera; cómo establece relaciones con la obra de Oteiza y cómo guía el movimiento.

Aires Mateus
Francisco Aires Mateus, Manuel Aires Mateus
La isla de Laputa (Los viajes de Gulliver) que sugiere la imagen del Mateus Atelier como una isla flotante habitada por intelectuales obsesionados por las matemáticas, la astronomía, la música y la tecnología. La obra construida de Aires Mateus manifiesta un refinamiento de pensamiento, de forma, de lenguaje arquitectónico. El trabajo se basa mucho en la realidad, en temas reales, en lugares reales, en el uso de materiales reales con respeto y sensibilidad. Sus bocetos describen lo que los Smithson llamaron el «vacío cargado», los espacios intermedios donde cualquier cosa puede suceder, como en su museo de fotografía y artes aplicadas en Lausana.

Todos los bocetos mostraban la escala de un ser humano, ya sea como espectador o como habitante. Esto refleja su creencia ética de que «la arquitectura funciona principalmente de por vida». La instalación realizada con sus alumnos la describen como «una reflexión sensible, poética y matemática, sobre el espacio». Incrustado en el amor por la fisicalidad y la materialidad de la arquitectura, este espacio producido por sus estudiantes ejerce una pureza poética y una presencia tan apropiada en el maravilloso espacio de la Artiglierie.

Arquitectos de Alison Brooks
Cuando Alison Brooks habla de arquitectura, usa términos que incluyen generosidad, civismo, la búsqueda de autenticidad y belleza. Ella ve la belleza como objetiva, diciendo que habla a los sentidos. Es una expresión de cuidado, un ejemplo de oficio y el valor de la ciudadanía. En esta Biennale Architettura que explora el espacio libre, presenta formas de experimentar «el espacio habitable como infraestructura cívica que habilita el potencial humano», agrupando elementos para realzar las experiencias, utilizando la madera como material vinculante y versátil.

Refiriéndose a la benigna influencia de la belleza, confirma que los momentos de belleza ofrecen seguridad, esperanza, apego e identidad. La belleza es un lenguaje que se ha perdido. Ella comprende e interpreta la historia y la cultura, los materiales y la estructura, abarcando escalas desde la escala urbana hasta la íntima. Ella asume desafíos. Al diagnosticar la vida contemporánea para que el cambio, la modificación y el crecimiento formen parte de sus propuestas de vivienda, ve la vivienda como la forma de arquitectura más trabajadora. Con el objetivo de la generosidad en volumen y altura, aboga por techos de 2,6 m de altura para garantizar la luz natural, creyendo que si las proporciones son malas, la expresión será mala. Para ella, la proporción, la artesanía y la belleza se entrelazan. La versatilidad en la vivienda inventa futuras posibilidades de uso.

Álvaro Siza
La exposición de Álvaro Siza es esta respuesta poética muy personal que expresa la base del manifiesto FREESPACE. Una pantalla curva colocada frente a un banco curvo forma un suave abrazo, implica un cerramiento, un nicho que refleja la luz y las sombras a lo largo del día, con una pieza escultórica sobre la que contemplar en un momento de reposo. También hay un sentido de ironía agregado con la colocación de una escalera en el espacio, y en el título, Evasão, evasión o escape. Esto imparte el valor de la libertad, el valor de hacer espacio que encierra pero no atrapa al usuario, de hacer espacio que libera el espíritu.

Este sentimiento de envolvente sin límites definidos es una cualidad inspiradora en la obra de Álvaro Siza; vivido por primera vez bajo el voladizo del Centro Gallego de Arte Contemporáneo en Santiago de Compostela, donde el espacio se mantiene lo suficiente para marcar un espacio para estar de pie, un espacio desde el que el contexto circundante se enmarca y se hace más presente.

Estudio de Arquitectura Amateur
Cómo ‘legalizar’ las estructuras ilegales construidas espontáneamente en la ciudad mediante el diseño
Amateur Architecture Studio enseña, prueba materiales, construye prototipos, cambia las opiniones de las personas y busca darles tiempo para ver otra forma de progresar. Esto no implica la destrucción del pasado, sino que encuentra la manera de tejer los deseos contemporáneos con artesanías reevaluadas, valorando la cultura. Kenneth Frampton escribe en la exposición titulada The Architect’s Studio en el Museo de Arte Moderno de Luisiana, Dinamarca: «Con sede en Hangzhou, Wang Shu y Lu Wenyu han sido testigos de primera mano del gigante de maximizar la modernización china a partir de su impacto en su propia ciudad. Tres Hace décadas, Hangzhou había sido elegido expresamente por ellos como un lugar deseable para vivir y trabajar, en gran parte debido a CP01 sus venerables tradiciones artísticas y su relación armoniosa con la naturaleza … «.

Amateur Architecture Studio da vida a las pinturas de paisajes chinos; se enriquecen con ellos, observando que estos cuadros invitan a entrar, a entrar en ellos espacialmente. Utilizando lápices, no ordenadores, son los guardianes del lugar y la atmósfera. Las brechas ‘encontradas’ dentro del tejido urbano en evolución de la aldea de Guashan brindan a Amateur Architecture Studio la oportunidad de investigación para desarrollar prototipos dentro de pequeños fragmentos de FREESPACE. Aquí, manipulan inteligentemente el espacio para proporcionar al trabajador migrante y al trabajador de bajos ingresos invención y dignidad considerada.

Andra Matin
Elevación
La propia casa de Andra Matin con sus plataformas de espacios entrelazados, sintetiza la artesanía contemporánea, fusiona la modernidad con una comprensión fluida de la tradición espacial. Su trabajo busca formas de valorar y fusionar la tradición en el trabajo contemporáneo. Como expresión de la humanidad en este frágil planeta, las formas de construcción tradicionales son evidencia de imaginación e invención.

Con una población de más de 265 millones de personas, Indonesia tiene la cuarta población más grande del mundo, de la cual más del 55% de la población vive en áreas urbanas. A lo largo de este extenso archipiélago, la construcción tradicional ha sido un método probado, probado y aceptado de encerrar la vida cotidiana en la construcción. Durante largos períodos de tiempo, ha respondido al clima, creencias, normas sociales y materiales disponibles. Andra Matin recorre una distancia de más de 5.000 kilómetros en el archipiélago indonesio desde Sabang hasta Merauke, que son lugares ubicados 6 grados por encima y 8 grados por debajo del ecuador, y presenta una investigación sobre los lenguajes arquitectónicos locales, que crecieron naturalmente en este clima tropical. Esta investigación revela relaciones con el suelo, el cielo, las brisas, enfatizando la versatilidad del pensamiento humano, las tradiciones,habilidad material y técnica que forman estos recintos. Representa la maravilla de la capacidad inventiva humana.

Angela Deuber Arquitecta
Presencia física
Al explorar un tema de anular la frontera entre el interior y el exterior, de disolver los límites, de ser consciente de la integración y la continuidad del espacio y los contextos, Angela Deuber utiliza el dibujo como método de superposición, para fusionar los límites de los dibujos arquitectónicos tradicionales; una mota blanca en el mar de color se convierte en el lugar de anclaje del proyecto; los planos del sitio y las secciones del sitio tallan en el paisaje; los planos y las secciones de los edificios se ciernen; dibujos tridimensionales fusionan planos y secciones; las modificaciones de color a gran escala se refieren a métodos de construcción.

Lo que Deuber llama Analytiques es un tipo de palimpsesto, que fusiona y superpone las diferentes escalas del dibujo arquitectónico. En la escuela de Thal, Suiza, Angela Deuber libera el espacio con claridad estructural. The Cluer House en la isla de Harris, Escocia, modifica el paisaje pedregoso y evocador, reclamando un nuevo territorio. Se capturan vistas lejanas entre un techo nuevo y el paisaje del ático. «Estar en esta casa es para olvidar pero perfectamente seguro y libre» (Divisare). Nos gustaría que el visitante se detuviera y registrara estos paneles y les diera tiempo a cada uno de ellos, porque a medida que busca estos dibujos, aprende a desentrañar las historias de los edificios que representan.

Architecten De Vylder Vinck Taillieu
A menos que siempre haya gente – Caritas for Freespace
El proyecto que de Vylder Vinck Taillieu presenta en esta Biennale Architettura es CARITAS, la intervención en una antigua clínica psiquiátrica en Melle, Bélgica, donde originalmente cada departamento tenía su propia villa, formando un lugar único unido por su particular estilo arquitectónico. Dos componentes particulares de nuestro manifiesto resuenan profundamente con el trabajo del arquitecto de Vylder Vinck Taillieu. La primera es: «FREESPACE fomenta la revisión de formas de pensar, nuevas formas de ver el mundo, de inventar soluciones donde la arquitectura asegure el bienestar y la dignidad de cada ciudadano de este frágil planeta». La segunda es: «FREESPACE puede ser un espacio de oportunidad, un espacio democrático, no programado y libre para usos aún no concebidos».

Con los años, los edificios fueron demolidos, destruyendo la composición de este campus. Un nuevo director detuvo el proceso de demolición, iniciando un concurso de arquitectura. Afortunadamente, fue ganado por De Vylder Vinck Taillieu y con su inteligencia arquitectónica, habilidad y humanidad llevan la historia de este lugar hacia adelante desde ese punto. Hicieron una pregunta fundamental: ¿Qué se hace con un edificio medio demolido? El pensamiento estratégico radical libre empleado por estos arquitectos conduce a una solución completamente inesperada y maravillosa, donde el pasado y el presente, la materialidad táctil y la memoria efímera se entrelazan.

Armar
El piso de la fábrica
El grupo denominado «Ensamblar» representa valores profundamente opuestos a los de las direcciones actuales de propiedad y planificación y de los arquitectos que los sirven. Donde los altos valores de la tierra en el sur de Inglaterra y otras partes del país están exprimiendo la mayoría de las cosas a las que no se puede asignar un precio, defienden los beneficios no cuantificables de, en particular, la sociedad humana, de personas que disfrutan de la vida juntos porque es mejor que hacerlo. por su cuenta.

Presentan varios de sus proyectos: Granby Four Streets, Liverpool, ganador del Turner Prize 2015; el Cineroleum; y Folly for a Flyover, un subterráneo de la autopista en Londres, que forma un nuevo espacio público. Repiensan situaciones, inventan. Su exhibición, The Factory Floor, presentada en la Sala Chini involucra miles de tejas de arcilla, lo que crea un territorio distintivo solo a través del material. Desarrollado por Granby Workshop Liverpool, cada mosaico captura un momento de oportunidad en el acto de hacer. Después de esta Bienal de Arquitectura, estos azulejos únicos se instalarán de forma permanente en el jardín de la Fundación VAC en Venecia.

Atelier Peter Zumthor
Sueños y promesas – Modelos de Atelier Peter Zumthor
Empapado de Heidegger, su pensamiento está fundamentalmente conectado a la experiencia del lugar. Para él, los lugares y espacios están almacenados en nuestro cuerpo y son el terreno fértil y los puntos de partida de su trabajo … «el proceso de pensamiento no es abstracto, sino que trabaja con imágenes espaciales. Tiene componentes sensuales». Su sentido háptico altamente articulado le permite estar en sus espacios imaginados en el futuro, mientras que simultáneamente está en experiencias anteriores. Inventa espacios que espera que alguien «… recuerde con gusto …».

En esta Exposición, Zumthor propone un taller de sus modelos para que disfrutemos, brindándonos la oportunidad de explorar su propio viaje desde pensamientos y recuerdos a la actualidad, a sus espacios que nutren el alma. En una sociedad que celebra lo no esencial, la arquitectura puede oponer resistencia, contrarrestar el desperdicio de formas y significados y hablar su propio idioma. Creo que el lenguaje de la arquitectura no se trata de un estilo específico. Cada edificio está construido para un uso específico en un lugar específico y para una sociedad específica. Mis edificios intentan responder a las preguntas que surgen de estos simples hechos de la manera más precisa y crítica posible.

Aurelio Galfetti
La casa de Paros y la transmisión del conocimiento
Aurelio Galfetti realizó una película que registra una maravillosa conferencia que dio a estudiantes y colegas, utilizando dibujos de tiza blanca en una pizarra, describiendo tanto sus valores humanos como su filosofía arquitectónica. La conferencia describe el proceso de diseño de su casa en una isla griega. A través de sus bocetos de tiza, describe y teje sus primeras experiencias de vivir en un valle profundo en Suiza y su búsqueda del sitio de sus sueños en un paisaje idealizado con un gran horizonte. La casa forma un gran espacio colectivo dentro de la escala del paisaje extendido.

Aurelio Galfetti ha tenido un papel clave como profesor, director de escuela y fundador de la Accademia di architettura di Mendrisio, USI. Su obra construida ha tenido una enorme influencia dentro de la cultura de la arquitectura y sobre nosotros como jóvenes arquitectos. Los edificios de Galfetti describen su continua creencia en la necesaria armonía entre la arquitectura, la infraestructura social y el territorio que ocupa, tanto físico como cultural. La sencillez, generosidad y franqueza de su estilo de presentación representa para nosotros el epítome de cómo comunicar los verdaderos valores de la arquitectura. Para nosotros, esta conferencia reúne la energía imaginativa creativa del arquitecto en ejercicio con la capacidad de encender la imaginación y el entusiasmo de estudiantes y colegas.

Barclay y Crousse
La presencia de la ausencia
Los proyectos que buscan como arqueólogos, posicionan la arquitectura contemporánea como el testimonio silencioso del paisaje, el movimiento y la materialidad, como tiernos y abstractos recintos humanos frente a océanos y desiertos con un espacio infinito. Cuando se habla de construcción en Perú, es posible «nutrir la imperfección», con lo que quieren decir que es posible en Perú aprovechar los métodos de construcción locales de una manera que libera la arquitectura y permite a los arquitectos «la oportunidad de maravillarse», con recursos limitados. , con la libertad de inventar. Cuando observan el mundo, hablan de construir en Europa, donde el foco está en el detalle, la ilusión de control y eficiencia.

Hablando sobre su Museo del Sitio Julio C. Tello, los arquitectos describen «la pátina dejada por los constructores en el cemento pulido le da al museo un aspecto cerámico que se asemeja a las cerámicas precolombinas que se exponen en el interior», donde se fusiona un cemento puzolana de tonos rojos. el nuevo edificio con los tonos del desierto circundante.

Bc Architects & Studies
El acto de construir
La tierra modificada, el trabajo humano y el pensamiento construyen una biblioteca en Muyinga, Burundi, África. Es una escuela inclusiva para niños con discapacidad auditiva. A partir de una investigación profunda sobre su clima de sol intenso y lluvias torrenciales, así como el estudio de la cultura y las técnicas de construcción, se desarrolló un método de construcción con participación local. La mampostería de bloques de tierra comprimida y las tejas de arcilla cocida responden a un sistema estructural simple. El volumen y la ventilación cruzada simple brindan comodidad.

En un nivel superior, una hamaca de cuerda de sisal hecha a mano actúa como un mundo suspendido independiente e inventivo para los niños. Este es el tipo de pensamiento y de hacer que es fundamental para el método de investigación arquitectónica de BC Architects & Studies: encontrar la necesidad; investigar una forma de lograr que implique participación; animar a las personas a sentirse empoderadas mediante la planificación; imaginando algo nuevo y haciéndolo realidad. Bajo el título The Act of Building, estos investigadores basados ​​en la acción presentan cuatro proyectos que utilizan cinco métodos para transmitir sus estrategias de investigación, el uso de herramientas y la técnica de construcción.

Bearth & Deplazes Architekten
Amurs – Microcosmi
Esta pequeña exhibición ubicada en el gran espacio heroico de la Corderie. Plantea la cuestión de la presencia, la intimidad y el descubrimiento en la arquitectura. Bearth describe las dos partes como práctica (Amurs) y enseñanza (Microcosmi). Lo que también es intrigante, es que el trabajo del profesor, Microcosmi, se exhibió en este pequeño espacio, lo suficientemente fuerte como para sobrevivir al gran paisaje y al duro clima de las montañas suizas.

La dualidad de la estructura también es intrigante. El mundo del profesor y el trabajo de Bearth & Deplazes en una mitad de la cajita, el mundo del alumno en la otra. El trabajo de los estudiantes es una exploración continua de las formas de vida, las formas de habitación y el microcosmos de la vida cotidiana íntima para la que la arquitectura es el marco. Esta exhibición celebra los mundos separados e interactivos del maestro y el alumno. Si bien las conexiones no son obvias en términos del trabajo producido, lo que disfruta el visitante son las diferentes energías de ambos. Las cualidades compartidas tienen más que ver con la curiosidad, el rigor, la construcción, la materialidad, la creación de espacios y la síntesis. Una ‘pequeña cabaña’ llena de ricos tesoros por descubrir.

Benedetta Tagliabue – Miralles Tagliabue Embt
Arquitectura de tejido
Al hacer una nueva estación de metro en un suburbio del este de París, Tagliague describe el área como carente de identidad. La nueva estación y la plaza contigua son una oportunidad para transformar el lugar gris y abandonado en una colorida plaza, donde las formas del techo de la pérgola, basadas en los patrones decorativos y colores de África, dan nueva vida al espacio. Esta pérgola forma parte de la Biennale Architettura, donde el arquitecto teje el significado en patrones repetidos, fusionando la artesanía con la arquitectura, lo personal y lo general.

Las maravillas naturales del mundo se ven como fuentes de inspiración, entretejidas en la obra de este arquitecto. Observó el movimiento de bandadas de pájaros mientras volaban sobre el paisaje circundante. Los dibujos de estas murmuraciones, los patrones de vuelo de los pájaros, se convirtieron en la base inspiradora de su propuesta, donde el movimiento, la construcción y el paisaje se fusionaron.

Grupo Big-Bjarke Ingels
Big U: Humanhattan 2050
En colaboración con la ciudad de Nueva York, la propuesta BIG U se desarrolló para proteger el Bajo Manhattan de las inundaciones, las tormentas y las consecuencias del cambio climático. El proyecto forma un ‘collar’ de diez millas alrededor de un área baja de Manhattan que forma un sistema de protección, un sistema que también brinda servicios comunitarios necesarios a nivel local. Los árboles y plantas resistentes y tolerantes a la sal, ubicados en el nuevo parque público añaden protección, al mismo tiempo que brindan placer a los ciudadanos en las áreas recreativas recién construidas.

El proyecto inventivo y estimulante, además de proporcionar una inversión en infraestructura muy necesaria, captura un componente cívico con generosidad. Esperamos que este proyecto en Nueva York pueda ser de inspiración para los muchos lugares del mundo que tienen que lidiar con problemas similares, ya sea de inmediato o en un futuro cercano, y que todos podamos beneficiarnos de sus experiencias compartidas. Este amplio equipo con experiencia en interconexión está investigando soluciones a problemas reales y, al mismo tiempo, proporciona componentes cívicos preparados para el futuro.

Arquitectos Boyd Cody
Eileen Gray, E-1027, Roquebrune & Tempe à Pailla, Castellar, Alpes Maritimes, Francia
Este proyecto es una exploración de la ubicación o puesta a tierra de dos de las casas de Eileen Gray, E-1027 y la menos conocida Tempe à Pailla. Hay una comprensión contextual demostrada en el diseño de estas dos casas que afirma aún más la habilidad innata de Gray como arquitecto.

Dos de los dibujos originales del sitio, una sección y un plano, como plantillas espaciales para dos grandes piezas de pared, traduciendo sus líneas exquisitamente renderizadas en espacio material. Cada casa está ausente de los estudios; lo que queda es el suelo o el FREESPACE que ella manipula para ellos. Estos modelos no son solo representaciones, sino que cuando se ven desde otra perspectiva y se leen a otra escala, se convierten en experiencias espaciales fundamentadas en sí mismos.

Arquitectos Bucholz Mcevoy
Frederick Law Olmsted, Delaware Park, Buffalo, EE. UU.
La intención subyacente del trabajo de Olmsted en Buffalo hace referencia a la ubicación de una ciudad en un parque en oposición a los parques en una ciudad. La naturaleza se considera un sustrato nutritivo de la ciudad. También es un primer plano complejo, multifacético, revelador y coreografiado, que apoya los sistemas vivos, ofrece espacios y lugares para el compromiso con la naturaleza-ciudad, proporcionando una estructura para un futuro en sincronía con el tiempo, que encarna el cambio. Creando una rica paleta de lugares cívicos verdes, diversos, democráticos, igualitarios, formales e informales, vías verdes, paisajes pastorales, espacios ceremoniales, espacios ventajosos, lugares ajardinados que apoyan la recreación y la socialización, apoyando el ideal de una ciudad de vida saludable.

La propuesta en su composición busca explorar las cualidades del trabajo de Olmsted en Buffalo a través de métodos de elaboración, unión, tejido, estratificación, transformación y expresión de algunas de las cualidades espaciales, hápticas y experienciales de los paisajes de Olmsted. Colaborar con los sistemas naturales, calibrar el paso del tiempo, presenciar historias de la ciudad a lo largo del tiempo, encarnar memorias culturales, adaptarse a nuevos patrones de uso. El sistema conectado: una serie de espacios de parque, avenidas, círculos verdes como tejido conectivo, un collar de espacios verdes, acomodando caminos de movimiento (peatones, ciclistas, carruajes, patinadores), todo creando una infraestructura verde cohesionada. Tejido cuidadoso de la topografía, entrelazando los sistemas naturales y construidos, con una capa del plano del suelo para acomodar los caminos de la superficie, el agua subterránea,y drenaje, mientras crea y dirige vistas.

Burkhalter Sumi Architekten con Marco Pogacnik
Konrad Wachsmann – La estructura de Grapevine
Burkhalter Sumi combina la construcción y la investigación con una fascinación por la modernidad y la tectónica de la arquitectura. Su libro reciente se centra en la sección como el ADN del espacio. Su trabajo abarca desde proyectos complejos hasta dibujos viscerales con tiza que tallan papel y reclaman espacio. La suya es la capacidad de «romper» la esencia de las estructuras históricas, describiendo orígenes y fuentes, colocando el trabajo dentro de su marco histórico.

En la XVI Muestra Internacional de Arquitectura presentan una obra de Konrad Wachsmann, considerado uno de los máximos exponentes de la prefabricación industrial, como Alberto Mangiarotti, Marco Zanuso, Buckminster Fuller y Jean Prouvé. Con la vid, Wachsmann inventa un sistema similar a una vid, donde los nudos y las estructuras de soporte forman una entidad. Este es posiblemente uno de los diseños constructivos más radicales de la época de Wachsmann, que hasta ahora solo existía como dibujo. Realizada especialmente para la Biennale Architettura 2018, una construcción a escala 1: 1, colocada en el Giardini, permitirá comprender y disfrutar esta escultura masiva, esta ‘doble columna’.

Carla Juaçaba
Lastre
Cedric Price quería crear una imagen del futuro, su intención era diferente porque estaba lidiando con lo que era posible hacer, con una conexión directa con la realidad, esta estructura de andamio de contención radical y efímera de 90.000 m2 no era un estudio de forma, sino una especie de abstracción.

Cuando su pabellón de 2012 se abrió al público, había una cola de personas de un kilómetro de largo para acceder a este edificio gratuito. Sus proyectos construyen con una claridad de construcción, discutiendo el tipo de suelo debajo de los cimientos, la industria de la construcción donde los dibujos a veces no son necesarios, en un clima donde la naturaleza exuberante invade en muy poco tiempo. Haciendo referencia a la fabricación histórica de cuerdas en Corderie y utilizando el término náutico Ballast, Juaçaba aporta una idea del peso y la masa del hormigón, y la propiedad de tracción de la cuerda a la Biennale Architettura, presentada como tótems de hormigón en Giardini.

Carr Cotter y Naessens Architects
Auguste Perret, Salle Cortot, París, Francia
Un instrumento muy afinado para tocar y escuchar, la Salle establece una relación entre la música y el oyente que es íntima e intensa. El plan es ingenioso, una respuesta particular al sitio restringido, pero tipológicamente derivado de una rica tradición de salas de reuniones: el bouleuterion griego, el Teatro Olímpico y el Teatro Farnese. La experiencia esencial de este espacio arquetípico es la conexión entre la música y la audiencia. La música avanza en sus notas, acordes y armonías a lo largo del tiempo, modificada y afinada por el espacio y la forma del edificio en sí, pero también por los espectadores sentados. Sin asiento a más de 17 metros del escenario ovalado, el público reduce la reverberación, mientras que los ángulos y curvas del recinto difractan y reflejan el sonido.

Salle Cortot es famosa por su magnífica acústica y su espacio íntimo. El edificio presenta un frontispicio sobrio y bellamente labrado a la calle, que revela poco de la sorpresa de este espacio extraordinario, moldeado de hormigón bronceado y madera contrachapada. El entorno acústico está finamente ajustado y los medios por los que se consigue, volumen, proporción, articulación y estratificación de materiales están completamente integrados en el diseño del edificio.

Caruso St John Architects con Philip Heckhausen
La fachada es la ventana al alma de la arquitectura
Dentro del espíritu del tema de FREESPACE, Caruso St John se centra en la fachada, revelando su riqueza histórica y potencial de generosidad social. A través de su propio trabajo y de fachadas seleccionadas de diferentes lugares y de diferentes épocas que les han influido, el visitante de la Biennale Architettura puede profundizar «en la construcción de estas fachadas y en la misteriosa relación entre imagen urbana y realidad material «.

En todo su trabajo, Adam Caruso y Peter St John discuten el potencial emocional y las cualidades físicas de la construcción. La práctica comprende y orquesta los materiales, hermanando los mundos de investigación de la enseñanza y la prueba mediante la construcción inventiva. El lugar y el breve dado alimentan su imaginación, anclando sensualmente sus edificios. La memoria y la familiaridad se transforman en belleza y elegancia contemporáneas.

Diseño de caja
Una escuela en ciernes
Un campus de Case Design, que es una colección de estructuras simples dispuestas alrededor de una serie informal de pasillos, patios, jardines y terrazas. Case Design establece que FREESPACE es creado por participantes reflexivos que están dispuestos a participar en el acto de hacer, describiendo momentos de intimidad. En la XVI Muestra Internacional de Arquitectura presentan maquetas, mesas, taburetes, luces, biombos formando espacios a escala en los que sentir otros lugares y otras vidas.

Este nuevo campus escolar, la Academia Avasara, está cerca de la aldea de Lavale, cerca de Pune, y brinda educación a mujeres jóvenes en la India. Las habitaciones se han colocado alrededor del perímetro de los edificios, lo que permite que el núcleo central esté completamente abierto para servir únicamente con fines de circulación. Esta parte de la India es cálida y húmeda. La respuesta ambiental natural es aspirar aire desde el exterior a través de una serie de conductos de tierra, donde se enfría previamente pasivamente, antes de ser suministrado a las aulas y espacios habitables. Estas chimeneas solares utilizan el calor del sol, diseñadas para impulsar todo el flujo de aire. Una estructura de hormigón proporciona una matriz abierta de espacios con mamparas de bambú que proporcionan sombra.

Cino Zucchi Architetti
Maravillas cotidianas: CZ lee LCD
El arquitecto milanés Cino Zucchi para presentar la obra de Caccia desde su propia perspectiva. un arquitecto que descifraría y llevaría a la comunidad de arquitectos y a un público más amplio algo de arquitectura italiana específica. Mostrar la importancia de la arquitectura italiana en el escenario mundial, nos llevó a mirar la arquitectura italiana reciente.

Cino Zucchi respondió que la arquitectura es el escenario amado de nuestras vidas. su método como arquitecto como un tipo de enfoque de mezcla y combinación, donde el análisis por sí solo no sirve y la invención por sí sola no sirve, donde los hábitos y la cultura filtran los datos en bruto para hacer arquitectura. Declara que sus valores son la urbanidad, la belleza de las ciudades y la nueva responsabilidad ambiental. Cino Zucchi explora la obra de Caccia Dominioni bajo tres títulos. Fachadas: mamparas habitadas en la ciudad; Espacios interiores: cuevas talladas por el movimiento y la luz; y Detalles: la narrativa se entrelaza entre el material y la forma.

Arquitectos de Clancy Moore
Kay Otto Fisker, Hornbækhus, Copenhague, Dinamarca
El Hornbækhus hace una arquitectura generosa de medios mínimos. Es una arquitectura de infraestructura. La línea extendida de su fachada marca un territorio dentro del cual una comunidad se ha unido gentilmente. Su éxito reside en la calibración de su arquitectura, la cuidadosa articulación de varios elementos. Solo se conservan seis dibujos de Hornbækhus de Kay Fisker. Estas hojas narran la creación de una ciudad como una conversación entre estrategia y detalle. Su economía y precisión describiendo los mínimos requeridos para permitir su habitabilidad. El proyecto rehace esta arquitectura de relieve en tres fragmentos que representan la esencia de los Hornbækhus. La forma de estas piezas describe las diferentes condiciones de las esquinas del bloque. Mientras que su articulación superficial, tanto interior como exterior, se extrae del edificio ‘s diferentes fachadas.

Esta actitud radica de manera más potente en el tratamiento de las fachadas del edificio. Aunque macizo, sus fachadas externas son suaves con las ventanas que dan a la ciudad expresadas hacia adelante, acompañadas de generosas bandas de yeso. Estos captan la luz y desmaterializan las grandes paredes de ladrillo. Al hacerlo, esta fachada se convierte en una cortina corrida unida en cada uno de sus ángulos agudos por costuras de piedra. Se cuelga de una cornisa enfatizando su carácter de tejido tenso que se dirige a la ciudad. En contraste, su cara interna está definida por ventanas que se empotran suavemente. Se hace un rostro más fuerte al recinto más íntimo. Las esquinas internas de esta sala común están achaflanadas para que su abrazo sea más completo.

Historiadores de la arquitectura carmesí
Una ciudad de idas y venidas
Crimson Architectural Historians es un trabajo colectivo entre la investigación histórica, la crítica y la práctica arquitectónica, con la ciudad contemporánea como tema. Ellos ven la historia no como un evento cerrado en el pasado, sino como algo que puede dotar de significado a la ciudad a través del tiempo, y sus proyectos intentan poner en funcionamiento este potencial histórico latente en el presente.

FREESPACE fomenta la revisión de formas de pensar, nuevas formas de ver el mundo, de inventar soluciones donde la arquitectura asegure el bienestar y la dignidad de cada ciudadano de este frágil planeta.Una ciudad de idas y venidas capta un nuevo sentimiento, un nuevo sentido de posibilidades. Tienen preguntas que podrían afectarnos: ¿Qué pensamos sobre el cambio? ¿Qué nuevas políticas podrían adaptarse a la inclusión? ¿Cómo puede la sociedad enriquecerse con la alteridad? ¿Cómo podemos ver la dinámica de la migración como beneficiosa y enriquecedora tanto cultural como económicamente? ¿Cómo pueden las ciudades responder, absorber y facilitar el cambio y las oportunidades? A nivel práctico y físico, ¿cómo se pueden combinar la arquitectura, el urbanismo, las políticas espaciales y económicas para hacer un mundo mejor?

David Chipperfield Architects
Más allá / Propósito
David Chipperfield confirmando el impacto total que la arquitectura tiene en los ciudadanos de este mundo. Describe la belleza de una pintura del siglo XIV que representa a Siena como «espacial y normal» y critica gran parte de la arquitectura contemporánea, especialmente el desarrollo de la ciudad, «como algo que nos sucede a nosotros». En la creación de arquitectura, domina la idea y la construcción en la producción de obras contemporáneas.

Como curador de la Biennale Architettura de 2012 bajo el tema Common Ground, animó a los participantes a declarar sus fuentes, para encontrar lo que se comparte. Parece fundamental para el trabajo de su oficina, que una profunda comprensión y respeto por el pasado sean el trampolín hacia una nueva visión de la modernidad. El diálogo se considera un proceso inclusivo y la colaboración es fundamental para la producción de arquitectura. Construir sobre la historia, no borrarla, comunicar, escuchar, enriquecer la calidad física del espacio: estos son valores confirmados por su obra. En la respuesta de David Chipperfield a FREESPACE, el dibujo de Karl Friedrich Schinkel del Altes Museum se convierte en un enfoque en la generosidad del espacio y la construcción pública. La James-Simon-Galerie, que está en construcción en la Isla de los Museos de Berlín,se convierte en el vehículo para discutir y describir los valores de desarrollar un lenguaje cívico.

Arquitectos de Blacam y Meagher
Círculo de espacio libre
De Blacam y Meagher son maestros en el oficio de la construcción. Para la 16ª Exposición Internacional de Arquitectura, hacen una maravillosa conexión con Venecia a través de la pintura y el dibujo de Gentile Bellini, Procesión en la Plaza de San Marcos. Trabajando con la artista Alice Hanratty, han realizado un dibujo, ‘después de Bellini’, del espacio social central de su edificio en el Instituto de Tecnología de Cork. Este dibujo establece el escenario para los valores expresados ​​en su instalación FREESPACE.

El proyecto Cork se presenta junto a Canada House con vistas a St Stephen’s Green en Dublín. El edificio de ladrillo rojo Cork inventa un espacio público atemporal para esta institución. El edificio de piedra blanca de Roach Bed Portland crea una nueva y sólida piedra angular en la ciudad que consolida la plaza de Dublín del siglo XVII. Las paredes rojas y blancas y la magia de Venecia penetran en el pensamiento de estos arquitectos. El edificio Red Cork es un conjunto extraordinario de superficies y espacios de ladrillo. El edificio de piedra blanca de Dublín tiene una quietud y un aplomo clásicos. La instalación muestra otras obras en Ibiza y la combinación de dibujos, libros y fotos, crea una atmósfera de tranquila contemplación donde se siente la capacidad de estos arquitectos para entregar una arquitectura que verdaderamente enriquece nuestra vida cívica.

Depaor
Giovanni Michelucci, Chiesa di San Giovanni Battista «dell’Autostrada», Campi Bisenzio, Florencia, Italia.
Un encuentro cercano se refiere a una clasificación de experiencias de lo desconocido, de arriba hacia abajo, en orden de proximidad: avistamiento, evidencia física y contacto. Imagínese el cartel de Spielberg. Se trata de dibujos de la Iglesia de la Autostrada, hechos a distancia, tras un encuentro. ¿Cuándo estamos lo suficientemente cerca para saberlo? Este es un viejo dilema entre la arquitectura y su representación, la paradoja de la exhibición, la curaduría y por supuesto la docencia.

La iglesia de Giovanni Michelucci es un edificio extremadamente hermoso y eficaz. Con el ceño fruncido ante «la intencionalidad de las imágenes de la estructura y los espacios caprichosos», tal vez inevitable cuando miramos imágenes, como todos hacemos y a menudo. Algo pasó entre la primera edición y la segunda, entre imagen y texto, y espacio y tiempo. Él visitó. Michelucci habló del desafío de llamar la atención en la nueva A1 de Milán a Nápoles. Dijo que quería hacer una «parroquia para los turistas» en una nueva cultura del automóvil y así la iconografía de la peregrinación: la travesía del Mar Rojo, el viaje de los Reyes Magos y los pueblos donantes en silueta voladora. Dijo que quería hacer un edificio sin fin, un nudo en la Carretera del Sol.

Diller Scofidio + Renfro
Post-ocupación: el Centro Educativo Roy y Diana Vagelos
Esta torre de aprendizaje, una escuela de medicina, ofrece una forma de crear un espacio vertical fluido, rompiendo la tiranía de la placa de piso repetida normalmente asociada con la construcción de torres. La calidad teatral de la cinta vertical de espacios formados por escaleras, anfiteatros sociales y de estudio, generosas galerías y descansillos, todo trabaja para unificar este edificio de catorce pisos en un espacio libre y agradable. Esta instalación imaginativa combina la presencia de un gran modelo físico con un método vibrante de documentar la vida del edificio utilizando dos videos de drones.

Se trata de una universidad vertical dinámica, optimista y liberadora para estudiantes y profesores, un generoso espacio libre donde se celebra la interacción social y donde se promueve el descubrimiento del conocimiento dentro del dinamismo de la forma y la fluidez de los espacios. Citando la influencia de la forma de filmar The Player de Robert Altman y el uso de drones de manera similar para registrar la vida de un edificio ocupado terminado, es como si el visitante fuera una presencia invisible que mira a través de las ventanas, o una ‘mosca en el aire’. wall ‘, presenciando las actividades en el interior.

Dna_Design y Arquitectura
La historia de Songyang
Ubicada en siete aldeas en el condado de Songyang, provincia de Zhejiang en China, esta serie de siete proyectos representa la diversidad de la arquitectura y su capacidad para enriquecer la vida cotidiana de las comunidades existentes. El nivel de ambición que impulsa cada uno de los proyectos es impresionante, al igual que el componente imaginativo que se aplica a cada contexto específico. Una Casa de Té, un Teatro de Bambú, un Puente Peatonal, un Museo Hakka, un Taller de Azúcar Morena que también es un espacio de entretenimiento y un Estudio de Teñido Tradicional; cada uno destinado a proporcionar un nuevo espacio libre público.

La arquitectura aquí se muestra como el vehículo de expresión colectiva de cada una de estas comunidades. Se siente el compromiso y la capacidad del arquitecto para escuchar, colaborar, operar con un verdadero espíritu de generosidad con la máxima habilidad y sensibilidad. El visitante entra en el mapa de esta vasta área que describe un sentido de la escala del paisaje en el que se realizan estos proyectos. Lo maravilloso es la variedad de formas, estrategias, técnicas arquitectónicas y materiales utilizados. Hay un poder optimista en estas intervenciones relativamente modestas. La superposición del trabajo con el entretenimiento, el teatro con la vida colectiva, el ritual con la convivencia, la tradición con la economía, muestra el pensamiento progresivo en juego.

Dominic Stevens, arquitectos Jfoc
Alejandro de la Sota, Gimnasio Maravillas, Madrid, España
De la Sota crea un escenario tridimensional para la acción, es un espectáculo en el que la gente participa, inventa y reinventa esta acción a diario. Concibió el espacio para esto con la fuerza bruta de la estructura en bruto y el material simple. El modelo de la Biennale Architettura se preocupa por las personas, actores que se encuentran en un espacio antes inimaginado, albergado por la invención estructural de Alejandro de la Sota. Gente, estructura y espectáculo.

Donaghy + Dimond Architects
João Batista Vilanova Artigas, Carlos Cascaldi – Club de Tenis Anhembi, São Paulo, Brasil
Vilanova Artigas concibió la infraestructura social desde una perspectiva paulista y comunista, basándose en su formación inicial en ingeniería y práctica temprana en arquitectura. Estos hilos son evidentes en la naturaleza del espacio creado a través de la estructura en relación con una idea comunitaria de sociedad. El proceso de estudio es material, probando la ecuación del peso y su distribución, la materia y sus innumerables cualidades en relación con la luz y el aire, a través de los cuales se carga el espacio. Vilanova Artigas destaca como un arquitecto que abrazó las cualidades de la materia prima, cuya presencia en estructuras articuladas crea FREESPACE en concierto con el suelo sobre el que se apoyan.

Aquí se estudia el campo exoesquelético de la cubierta como tropo en la obra de Vilanova Artigas, colaborando aquí con Carlos Cascaldi: una captación, un datum perforado que drena, abriga, sombrea y modula la luz arriba, mientras que la topografía fluye libremente de suelo habitado, actividades y paisaje se juega debajo. Vilanova Artigas crea una arboleda debajo y dentro de la cual vaga el alojamiento en sección. El plan es un contrapunto a la estructura serial cuyo orden filtra elementos y entrelaza jardines para liberar un LIBRE ESPACIO dentro de su envergadura y trasfondo.

Dorte Mandrup A / S
Condiciones Icefiord Centre, Ilulissat, Groenlandia
El proyecto ubicado en el extraordinario Centro Icefiord en Groenlandia. Este es un proyecto que se ocupa de los desafíos más extremos imaginables en términos de clima. De ahí el título elegido por los arquitectos – CONDICIONES. También es un edificio muy cargado en términos de su ambición y función. La importancia histórica del lugar donde «el pueblo inuit y los europeos (nórdicos) se reunieron», combinado con la creación de un lugar habitable para la interacción social dentro de la «superpotencia de la naturaleza», ha producido un proyecto lo suficientemente robusto como para asentarse con ligereza en la tierra y para ejercer una presencia singularmente poética.

El cuerpo de trabajo producido por esta práctica refleja muchos de los valores expresados ​​en el manifiesto Freespace. El perfil de la práctica se refiere a «tener una comprensión firme de la realidad mientras sueña en voz alta». El trabajo es producto de un pensamiento creativo y refrescante que produce proyectos altamente logrados que van desde un almacén de Ikea hasta complejos edificios urbanos y escuelas de uso mixto. Otra veta de obra muy sensible se sitúa en el paisaje. Proyectos como el Wadden Sea Center construido completamente con paja y el Trilateral Wadden Sea Center en Wilhelmshaven, construido sobre un búnker de hormigón existente. Este trabajo muestra el dominio de la interpretación de las condiciones culturales, ecológicas y climáticas dadas.

Elemental
Espacio libre: el valor de lo que no se construye
Elemental a veces actúa como pensador estratégico e inventivo y, a veces, como creador activo de edificios terminados. El trabajo abarca desde varios proyectos de viviendas incrementales de ‘sistema abierto’ hasta la forma escultural clara del Centro de Innovación para el Grupo Angelini. FREESPACE fomenta «nuevas formas de ver el mundo inventando soluciones donde la arquitectura asegure el bienestar y la dignidad de cada ciudadano en esta frágil tierra». Alejandro Aravena de ELEMENTAL hace una campaña continua por esta causa, destacando la necesidad de que la arquitectura se ocupe del enorme problema de proporcionar ‘sistemas abiertos’ en lugar de objetos terminados, para albergar con dignidad a la creciente población del mundo y de nuestras ciudades.

Propone que Freespace se use como un verbo, «un mandamiento para dejar vacíos desocupados» para capitalizar la iniciativa espontánea de las personas para expandirse y construir por sí mismas. Su llamado a dejar el espacio libre como una «reserva de espacio público» es loable. Cita que la proporción de terrenos privados y espacios públicos en los países desarrollados es de 1: 1, cayendo a 1:10 en los países subdesarrollados. Sus argumentos están hechos a través de sus propios bocetos y texto como se exhibe aquí en esta Biennale Architettura. Las grandes ideas que van al grano se expresan de forma simple y clara y no pueden ignorarse.

Arquitectos Elisabeth y Martin Boesch
Reutilización, negro amarillo rojo
Martin y Elisabeth Boesch presentan el contenido del hermoso libro Yellowred. Nacido de la necesidad de relacionarse con un grupo multilingüe de estudiantes en Ginebra, se desarrolló un sistema claro de dibujo para comunicarse en una situación lingüística «babelesca». Los colores describen los elementos nuevos y viejos fusionándose en una «nueva unidad silenciosa». Los proyectos de reutilización ejemplares se presentan maravillosamente utilizando esta técnica que también describe el rigor, la precisión y el pensamiento creativo de este arquitecto.

Martin Boesch es un pionero en el pensamiento progresivo sobre la reutilización y la construcción dentro del tejido existente. Construir siempre significa reutilizar, su enfoque de la evaluación de nuestro patrimonio construido no excluye la demolición y el reemplazo como la decisión final, tomada solo después de un análisis serio del potencial de una reutilización significativa. Ha mapeado cómo el crecimiento en la apreciación de los edificios existentes y las condiciones «tal como se encuentran» han llevado a los arquitectos a un enfoque más reflexivo en el diseño de nuevos edificios, encontrando un equilibrio entre lo antiguo y lo nuevo. Ha enseñado este enfoque en muchas escuelas de arquitectura y seguramente influye en el trabajo futuro de quienes estudian y luego practican la arquitectura.

Elizabeth Hatz Architects
Freespace: línea, luz, locus
Las habilidades y la sensibilidad de Elizabeth Hatz la posicionaron para elegir ejemplos de dibujos importantes de la historia, de modo que el público en general y la comunidad arquitectónica pudieran ver los dibujos de nuevo, disfrutar de su impacto y reevaluar su legado. El proyecto desea mostrar varias formas de ver el mundo en el espacio libre del tiempo y la memoria, construyendo sobre capas culturales heredadas, tejiendo lo arcaico con lo contemporáneo. Ejemplos significativos de dibujos arquitectónicos. Un hilo humano único de líneas, no solo de nuestro mundo contemporáneo, sino también evidencia de épocas anteriores.

La energía visceral de un dibujo, el poder de la mano y la mente humanas para imaginar, grabar, representar de una manera nueva, son mostrados por Elizabeth Hatz en un formato lado a lado, formando nuevas e inesperadas relaciones. Las obras conocidas y las menos conocidas se colocan juntas. Son posibles nuevos entendimientos, nuevas interpretaciones. Podemos recordar tesoros olvidados. Podemos tomarnos un tiempo para escudriñar, mirar, ver, disfrutar.

Estudio Carme Pinós
Cubo. Torre de Oficinas, Puerta de Hierro
Carme Pinós se centra en CUBE I Office Tower, explicando en profundidad el proceso de imaginar y hacer, la estructura y la vida de este ejemplar edificio. Al pensar en la amplia gama de edificios altos del mundo, un edificio destaca por su invención, elegancia y técnica. Se trata de la Torre de Oficinas CUBE I de Carme Pinós en Guadalajara, México. Sus tres estructuras de hormigón curvas independientes liberan tres plataformas en voladizo en forma de cuña que forman un vacío central, un patio vertical abierto al aire. Varios niveles de su sección deslizada modifican la escala del conjunto general. Las contraventanas de madera forman una capa exterior para proteger los interiores de la oficina del sol mexicano. Las rutas talladas absorben coches. Escaleras sinuosas conectan con el suelo, formando una entrada generosa y acogedora.

En el Museo, Auditorio y Centro Cultural Caixa Forum en Zaragoza, España, enormes vigas estructurales de hormigón liberan los bordes y proporcionan espacio libre. Su refinado Pabellón Río Blanco de piedra y vidrio se posa en su sitio panorámico, mientras que las vigas del techo se mantienen en su lugar por sus detalles de «estribos». Hernán Díaz Alonso describe a Carme Pinós como verdaderamente radical, desafiando el status quo, observando que en su mente no hay distinción entre el boceto arquitectónico y el dibujo de construcción.

Flores y Prats
Luz líquida
El proyecto de vivienda en Terrassa, cerca de Barcelona, ​​Edificio 111, tiene una complejidad social y espacial que enriquece la vida de los ocupantes con la misma intención de hacer un organismo suelto como marco para vivir. El nuevo teatro Sala Beckett de Barcelona, ​​que ocupa un edificio abandonado existente que alguna vez fue un club de trabajadores sociales. Un agujero en el techo del edificio semi-abandonado existente reveló una oportunidad para permitir que la ‘luz líquida’ se filtre hacia el interior. La exhibición atrapa la luz dentro de la forma sinuosa y lleva al visitante a un viaje de descubrimiento.

El trabajo de Flores & Prats tiene la misma calidad de capas que sus hermosos dibujos. En dos edificios de Flores & Prats en Palma de Mallorca, Casa Balaguer y el Museu dels Molins fuimos testigos del rico vocabulario de su lenguaje arquitectónico. El trabajo es riguroso y preciso, pero también se siente suelto y orgánico, diseñado para encajar en contextos existentes. Estos contextos pueden ser una nueva ventana o puerta en una pared, un corte en un piso o techo existente para permitir el movimiento o la luz, la transformación de un espacio sobrante en un espacio público íntimo. Su saber hacer estructural, su conocimiento de los materiales produce un maravilloso collage de lo nuevo y lo antiguo.

Francesca Torzo Architetto
Z33, casa de arte contemporáneo
Francesca Torzo se remonta a los primeros principios en su exploración del lenguaje arquitectónico y el lenguaje de los materiales y la construcción. Combina invención y practicidad, con fluidez intelectual y rigor, y con amor por hacer y construir. En el pasado, ha estudiado el hormigón en profundidad, llevando la capacidad de ciertas mezclas de hormigón al límite, a través de la fabricación de modelos prácticos y las pruebas de laboratorio.

El proyecto es la ampliación de Z33, casa de arte contemporáneo en Bélgica, es un trabajo de amor. Se han fabricado ladrillos a medida según su ‘receta’ para lograr un cierto color y tamaño, y para hacer una maravillosa pared de ladrillos sólidos, con una textura y un color de superficie excepcionalmente hermosos. El collage de espacios nuevos y existentes se unen para formar un conjunto de habitaciones, que parecen haber sido extraídas de algún almacén personal de experiencias diversas. Esta forma de coreografiar secuencias espaciales puede parecer aleatoria y completamente intuitiva, pero da como resultado una totalidad cohesiva muy precisa. Este es uno de sus primeros edificios y muestra un nivel de habilidad, talento y sensibilidad poética tan refrescante como inspirador.

Gion a. Caminada
Veser Vrin
Visitar la obra de Gion A. Caminada, incrustada en lo profundo de las montañas de Suiza, es experimentar un tejido de lo contemporáneo y lo antiguo, donde los patrones existentes se reinterpretan, animan y transforman. En la remota aldea de Vrin, que se vio gravemente afectada por la migración. A partir de la década de 1980, la fundación Pro Vrin inició un proyecto para mejorar la infraestructura de la aldea y tratar de reducir la pérdida de población. Para evitar la especulación, el municipio compró todos los terrenos edificables disponibles. Caminada, hijo de un agricultor local, lleva más de treinta años construyendo proyectos en esta tierra.

Caminada utiliza la historia para el momento de la gente en la arquitectura, se sumerge en experiencias enriquecedoras y múltiples influencias. Utiliza el término «cosmopolitismo», que difiere del «globalismo», definiendo al primero como centrado en un lugar específico y, al mismo tiempo, plenamente informado sobre cómo funciona el mundo. Interesado por todo, se refiere al bricolage como método de síntesis. Centrándose en el lugar, fortalece la diferencia para registrar y respetar identidades separadas. Esta estrategia de reforzar lo local tiene consecuencias ecológicas beneficiosas consecuentes.

Arquitectos Gkmp
José Antonio Coderch de Sentmenat, Edificio Girasol, Madrid, España
El Edificio Girasol o ‘El girasol’ ejemplifica el abrazo de la arquitectura de lo que FREESPACE describe como «los obsequios gratuitos de la naturaleza de luz: luz del sol y de la luna; aire; gravedad; materiales: recursos naturales y creados por el hombre». El edificio gira en ángulo hacia la calle Madrid para recibir el sol de la tarde en lo profundo del plano. Está hecho de líneas finas de estructura de acero, líneas sinuosas de paredes con baldosas de terracota, líneas verticales relucientes de contraventanas de teca. Las líneas varían en grosor y densidad para mantener el espacio y dar diferentes grados de transparencia y privacidad. Las paredes de azulejos parecen desafiar la gravedad y colgar sobre la calle.

La instalación consta de una plataforma escalonada y dos pantallas sinuosas que juntas evocan el profundo espacio del umbral del Girasol. Este espacio permite a los habitantes estar en la ciudad y aislados al mismo tiempo. Las capas de líneas entre el interior y el exterior crean una sensación de lo que Sáenz de Oiza describe como un «organismo semiabierto». Al acercarse por las galerías del Pabellón Central, las pantallas curvas presentan un enigmático límite cerrado que evoca la presencia urbana del edificio. El visitante pasa detrás de estos, gira y sube a una pequeña habitación sostenida por las pantallas curvas y por una serie de pantallas transparentes escalonadas que se elevan desde la plataforma, configurando vistas diagonales hacia el espacio de la galería.

Gruposp
Espacios sin nombre
La presentación de la Bienal de GrupoSP se titula Espacios sin nombre, donde comparten notables espacios de arquitectura que son fuente de inspiración para ellos. Buscando conexiones dentro del manifiesto FREESPACE, entrelazan una selección de ocho de sus proyectos, desde 2004 hasta 2017, con las obras de Oscar Niemeyer, Lina Bo Bardi, Roberto Burle Marx, Vilanova Artigas y Paulo Mendes da Rocha.

La escuela del GrupoSP en Votorantim, en las afueras de São Paulo, Brasil, ubicada en ángulo recto con la calle, la organización divide el programa en dos partes mientras una rampa conecta el paisaje con el edificio y es en sí misma el paisaje de la escuela. La instalación deportiva está incrustada en el corazón del complejo y también está excavada en el suelo. Las lamas de madera forman una capa exterior que protege del sol. Manteniendo el terreno libre, el espacio fluye debajo de su Sede SEBRAE (Servicio Brasileño de Apoyo a la Micro y Pequeña Empresa) en Brasilia, que es una especie de campus organizado alrededor de una plaza hacia la que se enfrentan las funciones públicas. El edificio está envuelto en protectores solares metálicos ajustables.

Arquitectos Gumuchdjian
Un festival lineal a lo largo del Sendero Transcaucásico
Esta colaboración entre los arquitectos y un aventurero se centra en forjar un sendero de 750 km de largo de norte a sur de Armenia, llamado Sendero Transcaucásico. Los arquitectos ven su papel como catalizadores, como creadores de espacios públicos a lo largo de esta ruta, generando lugares donde las experiencias culturales se involucrarán con las comunidades locales. La ambición de este proyecto es pertinente al espíritu del tema Freespace en la forma en que promueve la cultura sobre el consumismo y promueve una alternativa a la «mano muerta del turismo convencional».

Esta será una labor de amor, construida pacientemente con el tiempo, en seis etapas. Hay un convencimiento en la propuesta de los arquitectos de que pequeñas intervenciones en este enorme paisaje unirán a las personas. La idea es que un proyecto de este tipo valore el pasado y mire hacia el futuro y que su implementación involucre la actividad creativa de los jóvenes. Hay un refrescante sentimiento de impaciencia por alejarse del enfoque sentimental y oportunista tanto de la cultura como del paisaje de Armenia y facilitar una forma de ver los recursos y el legado histórico con ojos nuevos. Describen esta obra como «un apacible manifiesto arquitectónico con un ambicioso objetivo cultural».

Hall Mcknight
Instrumentos únicos: espacios expectantes
El proyecto se presentó como un conjunto, haciendo referencias cruzadas a varios de sus proyectos, incluida la reinvención de nuevos espacios cívicos desde una variedad de perspectivas diferentes. La metáfora, el símil y la narración de historias están en el corazón del trabajo de Hall McKnight. Su plaza Vartov, ganadora del concurso, una secuencia de nuevos espacios públicos adyacentes al Ayuntamiento en el centro de Copenhague, incluye un nuevo bosque de 120 cerezos y un nuevo espacio público. Esta plaza está dominada por el más antiguo de los edificios vecinos. Un personaje de una historia poco conocida de Hans Christian Andersen mira hacia el espacio desde una ventana en uno de estos edificios. El patrón de la superficie de la nueva plaza es generado por las ventanas de este mismo edificio.

Su alojamiento en Greenwich, Londres, se basa en una idea del estudio espacial de composiciones de tres formas, al igual que en los bodegones. Interpretaron sus propias observaciones de la interacción humana en el campus de la Universidad de Gallaudet a una escala diferente, utilizando un mueble con una colección de vasijas, cada una de las cuales fue hecha por un carpintero, un ceramista y un metalúrgico. Este conjunto afirma los valores de creación y experiencia por encima de la imagen y el efecto.

Hassett Ducatez Architects
Angelo Mangiarotti, Bruno Morassutti, Edificio per abitazioni en Via Quadronno 24, Milán, Italia
El proyecto combinó las piezas interpretativas de este edificio en un solo objeto. Son las dimensiones y la forma exactas del edificio a 1:25, colocado sobre un zócalo. Queríamos que pareciera un edificio pero también un objeto abstracto. Al explicar la gran secuencia de entrada y la relación del suelo, se vuelve más legible. Los materiales son los habituales en el diseño italiano de los años 50 y 60; negro opaco brillante y una pequeña cantidad de plexiglás blanco semibrillante, acero y nogal. Estamos utilizando las esculturales torres estriadas del concepto de Mangiarotti. Las piezas se cortan. Se revela una versión abstracta del dispositivo de pared del armario, que es un elemento habilitador clave en la holgura del plan. Aquí es un dispositivo para transmitir la ocupación humana y la escala.

Este es un trabajo generoso y memorable. Un acantilado habitado suelto y lírico. Formado por rejas, es alto y estrecho, más torre que losa, aunque carece de la presencia dominante de algunas torres. La mezcla de masculino / femenino está igualmente ponderada. Todos los verticales elegantes, como los dibujos de rascacielos de vidrio de Mies van der Rohe (1922), se pueden leer como un conjunto de volúmenes delgados. No ejerce su peso cuando aterriza en la tierra, se sienta suavemente, desapareciendo en una disposición de alojamientos acondicionados alrededor de la calle y el borde del parque. Con una rejilla de fachada notablemente ligera, escalada al tamaño de una persona, alta de nuevo, elegante, con sombras, estrías y madera, como un hermoso mueble pulido resonante. Detrás de todo este modelado bien elaborado, este carácter cortés y generoso,los espacios habitables están dispuestos y distribuidos en una cuadrícula acodada. Parecen llenos de posibilidades y matices, grandes y pequeños momentos.

Arquitectos de Heneghan Peng
Gordon Bunshaft ‘Skidmore, Owings and Merrill’ (SOM), Biblioteca de manuscritos y libros raros de Beinecke, Universidad de Yale, New Haven, EE. UU.
La cercha Vierendeel es la solución de un arquitecto a un problema de ingeniería; el proyecto expone las fuerzas invisibles detrás de la fachada, un truss segmentado de Vierendeel. La premisa comienza adoptando una postura «reaccionaria» contra las técnicas predecibles empleadas por los arquitectos para hacer «cosas», es decir, los sentidos, con lo visual dominando. Por lo tanto, la piedra translúcida se ignora en su totalidad, ya que es el núcleo de la técnica arquitectónica, la visibilidad. Mira la geometría pero la geometría invisible; nota, la regulación de la geometría / líneas, como los sistemas de proporción, es decir, el rectángulo dorado, se considera visible.

Nês Lobo, Arquitectos
Un banco para cien personas, Piazzale Marconi
El proyecto de Lobo para el rediseño de Piazzale Guglielmo Marconi en Bérgamo, Italia, es un acto de transformación. Está en una ubicación muy particular, con capas de lo preexistente, la naturaleza y el artificio. La ambición del proyecto es reformular el significado urbano y rearticular las relaciones urbanas. Un banco circular, rodeado de ocho Cerezos Agrios y vegetación perfumada, que incide de manera especial en el espacio, constituye el nuevo foco de energía. Para la 16ª Exposición Internacional de Arquitectura, se presentan elementos del proyecto Piazzale Guglielmo Marconi de manera que se comunique al visitante la lógica del proyecto.

En la escuela secundaria Francisco Rodrigues Lobo de Leiria, Portugal, y en las numerosas escuelas y otros proyectos que ha realizado, la invención y la elegancia son las características de la obra de Inês Lobo. El objetivo principal de la arquitectura es construir un mundo mejor para todos. Se refiere a las palabras de Lina Bo Bardi: «En el fondo veo la arquitectura como un servicio colectivo y como poesía. Algo que no tiene nada que ver con el arte, una especie de vida entre el descubrimiento y la práctica científica. Es un camino duro, pero es el camino de la arquitectura «.

Jensen y Skodvin Arkitekter como
Techo protector sobre la fuente de agua del manantial de Moya
Jensen y Skodvin son, para nosotros, una presencia importante en la arquitectura desde la década de 1990 debido a su enfoque imaginativo, impredecible y altamente sensible. Su Liasanden Stop Point, que formaba parte del Proyecto de Carretera Turística Nacional en Sognefjell (Noruega 1997), mostró una combinación original de habilidades de paisaje, arquitectura e ingeniería en una solución de diseño simple. Su compromiso con los componentes humanísticos, tectónicos y ecológicos de la arquitectura, los ha convertido en importantes participantes en Freespace.

El proyecto de Jensen y Skodvin presentado en Venecia, el techo protector sobre la fuente de agua del manantial de Moya, Changbai, China, muestra la resolución del considerable desafío práctico de construir en una reserva forestal, parte de un área de conservación donde no se permite maquinaria. la forma del techo, la estructura y el camino se determinan mediante un mapeo preciso del sitio; mediante el mapeo de las posiciones de los árboles y la preservación de estos árboles; por la forma de la fuente de agua; y encontrando una forma de mediar entre estas geometrías complejas. La sofisticación y la belleza resultantes de las formas reflejan un profundo respeto por este medio ambiente y, por supuesto, la base misma de todo el esfuerzo es proteger una fuente de agua potable, uno de los desafíos clave para los arquitectos a nivel mundial, tanto ahora como en el futuro.

Arquitectos John Wardle
En algún lugar otro
El proyecto reflexiona sobre la cuestión de que Australia está «al revés en el fondo del mundo», con un fuerte hilo intelectual y creativo que libera a ambos. La idea de revertir las escenas callejeras de Scamozzi trompe-l’œil en el Teatro Olímpico de Palladio como un medio para enfocarse hacia afuera y capturar una audiencia, además de ser intercultural, mostró una apertura y un deseo de interactuar espacialmente con el visitante.

Han construido una serie de lentes tridimensionales como una forma de describir su visión del mundo desde su ubicación particular en la tierra, utilizando la luz, el color, la artesanía y los elementos arquitectónicos de marcos y portales. Estas características en sus proyectos construidos, que muestran esa sensación de manipular continuamente el espacio, acercándose y alejándose, incluso a la escala de infraestructura como el hermoso Puente Tanderrum.

Kazuyo Sejima + Ryue Nishizawa / Sanaa
Guruguru
La idea de que el proyecto sea una espiral, sin principio ni fin; la idea de que es una bobina casi invisible, que apenas forma un recinto, una fina película de material que sugiere una separación entre el interior y el exterior. Esto de alguna manera describe una visión alternativa del mundo. Una alternativa a la masa y al peso. Una estructura invisible, siendo la propia forma la estructura. Esta respuesta poética y precisa al tema de FREESPACE toca otra nota, expresa otra sensibilidad, que difiere de nuestra propia percepción del espacio.

El trabajo de SANAA siempre nos evoca, esta sensación de espacios y edificios sentados suavemente sobre la tierra. El Centro de Aprendizaje Rolex en Lausana, con su gran vientre de hormigón ondulado, se siente como una nube o una ola que baña el sitio en su camino a otro lugar. La ambición expresada por SANAA para muchos de sus proyectos es que el edificio no llame la atención sobre sí mismo. Edificios como el Louvre Lens Museum en el norte de Francia o el Grace Farm Building en los Estados Unidos, están tan finamente afinados que la delgadez de los elementos del techo y las columnas dota a los edificios de una maravillosa y luminosa cualidad etérea, al igual que su instalación aquí. .

Arquitectura de Kéré
Zoí
Francis Diébédo Kéré hace arquitectura a través de la construcción. Enseña a su comunidad en Burkina Faso a construir sus edificios. Enseña a sus alumnos a hacer arquitectura a través del acto de construir. Es un símbolo de esperanza, exuda pasión y creencia en el poder de la arquitectura para inspirar. Empodera a las comunidades, utilizando siempre los recursos locales. Enseña el valor de la invención, transformando materiales ordinarios en sofisticadas piezas de arquitectura. Todos los que colaboran con él sienten orgullo y logro. Con la tarea de construir algo que mejore la vida de las personas. Su inventiva creatividad pragmática está impulsada por un sofisticado sentido de la estructura, los materiales y la interpretación de las influencias culturales.

Atelier Kéré realiza un proyecto construido, primero en un centro de refugiados para solicitantes de asilo ubicado en el antiguo aeropuerto de Tempelhof en Berlín y luego transportado a Venecia. Fabricada en madera, esta ‘caja mágica’ adaptable tiene múltiples configuraciones, a veces formando un recinto, a veces abriéndose hacia el exterior. La estructura tiene una cualidad lúdica y alegre como el juguete de un niño, que es tan apta en un entorno de emergencia restrictivo. Una modesta intervención arquitectónica destinada a escenificar y albergar interacciones sociales inesperadas y no programadas.

Kevin donovan, ryan w. Arquitectos Kennihan
Jean Prouvé, Eugène Beaudouin, Marcel Lods, Vladimir Bodiansky, Maison du Peuple, Clichy, Francia
La Maison du Peuple (Clichy, 1936-1939) es un ejercicio de síntesis programática, material y operativa, que proporciona espacios plurales y adaptables para un electorado de la clase trabajadora. Los complejos requerimientos del mercado, auditorio y cine ocupan secuencialmente el mismo conjunto de espacios, mediante el despliegue de pantallas móviles, piso apilable, balaustradas abatibles, techo corredizo y otros elementos móviles. El proyecto se realiza a través del montaje: de elementos realizados en chapa fina reforzada por una combinación de métodos artesanales y cuasi-industriales, pero también de ideas y grupos de personas involucradas (arquitectos, fabricantes, ingenieros, clientes y usuarios).

De manera similar, nuestra exhibición también demuestra características de espacio libre. El espacio y las superficies móviles, superpuestas con dibujos y fotografías originales de la Maison du Peuple, pueden ser reconfiguradas a voluntad por los visitantes, quienes hacen paredes al aire libre y asientos con contrapesos de mármol mientras leen la información. A medida que se rehace el espacio, se forman nuevas combinaciones de información, volviendo a contar la historia en un contexto en constante cambio. El objeto de exhibición, elaborado utilizando una combinación de técnicas artesanales e industriales, fue ensamblado y transportado al sitio a través de un acto de colaboración entre arquitectos y fabricantes.

Kieran Long; Johan Örn; James Taylor-Foster con Arkdes; Petra Gipp; Mikael Olsson
De pie
Todo el archivo de Sigurd Lewerentz se encuentra en el Centro Nacional de Arquitectura y Diseño de Suecia: ArkDes. Respondiendo a líneas particulares del manifiesto FREESPACE, «regalos espaciales adicionales» y «generosidad inesperada», tres capillas, que datan de 1925, 1943 y 1960 demuestran el desarrollo del pensamiento y la creación de Lewerentz. Estas tres capillas se presentan utilizando obra nueva y original, centrándose en los intereses fundamentales de Lewerentz: material para el lugar, ritual y paisaje.

Lo que para los mortales menores se llama «detalle» fue un medio de realzar y transfigurar lo mundano, y en eso él pertenece a la compañía de Hawksmoor y Borromini. La forma en que se colocó un ladrillo, un par de vigas a horcajadas sobre una columna, un trozo de vidrio se sujeta a través de una abertura en una pared, se corta un camino a través de un bosque.

Lacaton y Vassal
Libertad de uso
Una generosa rampa en la école nationale supérieure d’architecture une dos nuevos espacios públicos, uniendo la ciudad con el cielo. Un edificio abandonado en París se inyecta de vida, ya que su remodelación lo transforma. Para Lacaton & Vassal, los edificios de los años sesenta y setenta no son fracasos de la historia. Lacaton & Vassal profundizan en cada proyecto para encontrar una nueva comprensión, una forma de liberar componentes latentes y no descubiertos, de modo que cada proyecto sea refrescantemente inventivo, a la vez alegre y serio.

Su trabajo es consistente y sorprendente. La suya es una especie de honestidad práctica, hermanada con absoluto rigor intelectual. Investigando sus fortalezas, evitando la demolición, las transformaciones cambian vidas. Para ellos, la generosidad del espacio, la libertad de uso y la economía son valores inseparables. Su espacio libre es el que no cuesta nada y sin embargo es imprescindible. Lo cambia todo: uso, relaciones y clima.

Arquitectos Laura Peretti
Rigenerare Corviale_The Crossing
La topografía del escaparate del proyecto se manipula cuidadosamente transformando lo que el arquitecto describe como el «edificio de ‘presa’ de un kilómetro de largo en un edificio de ‘filtro'». El FREESPACE resultante forma una escala intermedia entre la forma construida heroica y el mundo íntimo de los apartamentos y habitantes. 7000 ocupantes habitan esta megaestructura social, originalmente concebida como un límite protector entre la ciudad en expansión y las tierras agrícolas. Se emplean herramientas básicas como movimiento de tierras, caminos, caminos, rampas, biodiversidad, luz solar y biología para formar espacios públicos democráticos, y para establecer una conexión con la naturaleza y con el agro romano circundante.

Laura Peretti ha completado trabajos pequeños extremadamente refinados hasta la fecha, pero ha mostrado continuamente un compromiso con la idea de la transformación del lugar a la escala del territorio y esto se evidencia en sus muchos concursos y trabajos fuera de Italia. Esta experiencia y habilidad ha dado sus frutos en este proyecto ejemplar de Rigenerare Corviale. La ambición de este proyecto es real, imaginativa y una empresa heroica para todos los involucrados. Trabajando solo con el FREESPACE entre y debajo de los edificios, se propone un territorio completamente nuevo. Por tanto, la circulación y el movimiento se vuelven más porosos, más agradables, más seguros y más placenteros.

Maria Giuseppina Grasso Cannizzo
INMERSIÓN EN
Maria Giuseppina Grasso Cannizzo diseña edificios, estructuras, instalaciones de arquitectura y enseña. Tiene una mente muy abierta que la lleva a colaborar con muchas disciplinas diferentes. Conocida por su trabajo impresionante, a pequeña escala y altamente sofisticado en Sicilia, también es conocida por su habilidad para ejecutar estas obras a menudo con el mínimo de medios. Un ejemplo de ello es la casa de vacaciones en Noto, donde asumió el papel de arquitecta, ingeniera, inventora, adivinadora de agua, controladora de costes y directora del sitio, con una obra maravillosamente fresca e inspiradora.

También es conocida por sus exposiciones imaginativas donde revela sus diversos intereses y habilidad para comunicar ideas a menudo complejas y más abstractas. El proyecto presenta una película de una instalación realizada por ella que se relaciona con el tema de la Entrada. Esta pieza aúna sonido, movimiento y materialidad. Se siente como si uno estuviera entrando y moviéndose a través de un instrumento musical, una cortina musical o un umbral, donde el movimiento del cuerpo humano crea una corriente de aire, activando la musicalidad de las piezas tintineando. Este arquitecto tan original está continuamente explorando y avanzando; siempre sorprendiéndonos con el placer de sus nuevos descubrimientos.

Marie-José Van Hee Architecten
Siéntete libre, toma asiento
Cuando Yvonne Farrell visitó la casa de Marie-José Van Hee, experimentó una atmósfera que le recordó una obra de Samuel Beckett. Durante una conversación con Marie-José se supo que, de hecho, admira mucho la obra de Beckett. Esta observación de alguna manera toca el componente misterioso intangible de la obra de Van Hee, que es agradablemente bastante difícil de identificar. El trabajo de Van Hee abarca desde pequeñas intervenciones reflexivas en contextos domésticos hasta la creación de nuevos espacios públicos y ricas superficies de suelo que reúnen a las personas. Siempre hay un sentido de cuidado presente, una profundidad de pensamiento, una exploración del lenguaje de la construcción, una atmósfera de quietud y calma incrustada en el lenguaje espacial.

El edificio Stadshal de Gante es uno de los proyectos urbanos poéticos más relevantes que hemos visto en mucho tiempo. Para esta exposición se centra, a través de sus dibujos, en la búsqueda de la arquitectura en cada proyecto. La energía de los dibujos expresa una impaciencia casi frenética por encontrar ese espacio que busca. Lo que es muy importante para nosotros como curadores es que el visitante aprecie el proceso y el viaje del arquitecto en la realización de la arquitectura.

Marina Tabassum Architects
Sabiduría de la tierra
Marina Tabassum ha completado una hermosa mezquita en Bait Ur Rouf, en Dhaka, Bangladesh, así como varios otros edificios muy elaborados, sofisticados y sorprendentes. Ella ha elegido para esta Biennale Architettura presentar un componente de su trabajo que brinda una visión profunda de la construcción de estructuras vernáculas y habitacionales centradas en el patio bengalí. Ella explora la existencia del espacio libre dentro de la morfología orgánica de los patios bengalíes y documenta la vida cotidiana de estas comunidades.

Ella registra sus técnicas de creación de espacios, de creación de recintos y de creación de un sentido de comunidad. Es una arquitectura adaptable en constante cambio que, al mismo tiempo, está precisamente en sintonía con la vida de los habitantes. Este proceso de observación aguda, sensible y paciente permite al arquitecto realizar intervenciones mínimas y reflexivas. La arquitectura se realiza de forma modesta en ausencia de imposiciones prescriptivas o soluciones de diseño. Ver con inocencia y curiosidad creemos que es la clave para que el arquitecto encuentre una solución que no está predeterminada, sino que surge de la consulta y el respeto mutuo, lo que a menudo conduce a resultados maravillosos, inesperados para el arquitecto o el usuario.

Mario Botta Architetti
Mario Botta: introducción all’architettura
Botta presenta un recinto circular de madera táctil, que responde a la masa estructural de la Corderie, en la que el trabajo de los estudiantes de la Accademia di architettura enriquece el interior con una investigación arquitectónica similar a un tabernáculo. Impresionó la presencia abstracta y física de la Escuela Secundaria en Morbio Inferiore y la casa torre vertical con el puente de metal rojo de Mario Botta.

Hubo una época en la que no se valoraba mucho la importancia del lugar, el contexto y la cultura. Hubo una exposición del trabajo de arquitectos en el Cantón Ticino de Suiza en la década de 1970 que produjo un catálogo horizontal de tamaño A4, con cubierta azul, que registraba proyectos construidos y propuestos en la región de Ticino. No se debe subestimar la influencia de este catálogo. En su interior se encontraban respuestas arquitectónicas radicales y contemporáneas al lugar. Este documento con su poderoso contenido, combinado con los escritos de Kenneth Frampton sobre regionalismo crítico, fueron influencias significativas en los jóvenes arquitectos en Irlanda.

Mary Laheen Architects, Aoibheann Ní Mhearáin
Jean Renaudie, Centre Jeanne Hachette, Ivry-sur-Seine, París, Francia
En la década de 1970, en su sueño de entornos de vida de alta calidad para todos, el arquitecto Jean Renaudie creó una arquitectura humana, generosa y hermosa en el suburbio parisino de Ivry-sur-Seine, administrado por los comunistas. En el Centre Jeanne Hachette, la arquitectura de Renaudie pone la complejidad espacial al servicio de la vida urbana colectiva y conectada y una estrecha relación entre la vida doméstica y el mundo natural. La multiplicidad e individualidad de los cuarenta apartamentos, cada uno único, junto con las terrazas plantadas y la forma en que se interconectan y se miran entre sí, reflejan estas ideas centrales.

El proyecto se centra en el «regalo de las terrazas». Esta generosidad de espacio y conexión con la naturaleza es un regalo para el habitante del apartamento, mientras que la abundante plantación es un regalo para la ciudad. Un modelo parcial del edificio (escala 1:25) muestra terrazas, muros de pantalla y cuatro apartamentos; comienza en el nivel de la calle y se eleva hasta el nivel del techo, mostrando las importantes escaleras exteriores desde la calle, así como la escalera interior circulante central y el núcleo del ascensor que da servicio a veintisiete apartamentos. Se invita al espectador a mirar a través de estos apartamentos, desde la parte trasera del modelo a través de las terrazas, y también, desde «afuera» a través de las terrazas y las paredes de la pantalla. Las terrazas translúcidas y texturizadas representan los elementos plantados y el efecto visual que tienen de proyectar los apartamentos.de cambiar constantemente la luz internamente, y de ofrecer un contrapunto a la solidez y resolución de la construcción de hormigón.

Asociados Matharoo
Noción de movimiento
Los arquitectos principalmente como constructores del espacio, ya sea a escala de la ciudad, del paisaje o del perfil de la fachada. El trabajo de Matharoo Associates está representado aquí por un proyecto que se ocupa de la creación de espacio libre dentro de una parcela urbana apretada utilizando medios económicos. Los arquitectos hablan de liberar la estructura de su función de soporte de carga, utilizándola más bien como un elemento de creación de espacio, formando una serie de planos entrelazados, doblados y plegados entre sí. El esfuerzo consiste en eliminar los límites percibidos y permitir que los espacios pequeños se perciban como más grandes de lo que realmente son.

Este proyecto es importante para el espacio libre por su enfoque en la estructura, uno de los elementos básicos de la arquitectura, y también porque imbuye y superpone un sentido de juego y deleite en lo que de otro modo podría concebirse como un componente mudo y silencioso. Vemos esta cualidad en gran parte del trabajo de Matharoo Associates, que es a la vez serio y divertido, como House with Balls o Moving Landscapes House. Quizás esto sea producto de cómo describen su aspiración de que la arquitectura y la estructura se «liberen de esta carga teórica».

Arquitectura de Michael Maltzan
Apartamentos estrella
Michael Maltzan construyó su reputación con encargos de prestigiosos museos y casas privadas de lujo, también conocido por brindar refugio y otros alojamientos para los pobres de su ciudad. En los apartamentos Star de Maltzan, que albergan a personas sin hogar a largo plazo, el componente de espacio libre crea un mundo donde las personas pueden encontrar el espacio para experimentar una nueva visión de sí mismos, un espacio donde una nueva comunidad puede evolucionar. Se modifican e incorporan los edificios existentes de una sola planta a pie de calle. Sobre el techo de estos edificios callejeros conservados, se ciernen 102 apartamentos. El espacio intermedio forma una oportunidad de espacio libre inventada para la nueva comunidad. Confirmando la creencia de Maltzan de que el buen diseño es parte de la curación, este proyecto enriquece la vida de las personas, así como de la ciudad de Los Ángeles.

Michele Arnaboldi Architetti
En el territorio
Michele Arnaboldi está comprometido con la integración de la escala del territorio con la escala de proyectos individuales. Después de haber trabajado con Luigi Snozzi, continúa con esta filosofía de que la arquitectura, el paisaje, la cultura y la comunidad están entrelazados. Ha promovido la idea de ‘Città Ticino’ como una forma de afrontar la urbanización del paisaje ticinés.

En esta exposición, hace una conexión directa entre el pensamiento detrás de la construcción de edificios y la realización de intervenciones territoriales estratégicas. Planos a gran escala y fotografías de modelos describen la inmensidad de la escala del trabajo del alumno ampliando su capacidad de análisis, de encontrar nuevas interpretaciones y lecturas, de imaginar nuevas posibilidades. Luego cambia de escala y ve el gran paisaje de adentro hacia afuera. A través de las ventanas, desde debajo de las marquesinas, los voladizos de su propia obra construida, enmarca, captura y enfoca hacia afuera desde adentro. Este contraste de enfoque y escala se refleja espacialmente en el diseño de la instalación.Las herramientas racionales independientes de los dibujos y modelos arquitectónicos se utilizan como un punto de referencia desde el cual uno se acerca directamente a un espacio doméstico creando un disfrute real de las relaciones recíprocas dinámicas.

Miller y Maranta
Espacio de pensamiento
Thoughtscape, descrito por Quintus Miller como una «vasta topografía de pensamientos interrelacionados». Como practicantes, Miller & Maranta tienen una habilidad única para hacer avanzar las técnicas de construcción antiguas haciéndolas relevantes en la construcción de edificios contemporáneos. Esto imbuye a sus edificios de un sentido de la cultura y un sentido de la memoria. Esta conexión con la memoria es algo que creen necesario hacer presente. Los medios utilizados en su trabajo son inventivos, táctiles y sofisticados. Obviamente, esto proviene del cultivo de lo que han llamado su «paisaje mental», que es una combinación de lo aleatorio, lo intuitivo, lo erudito y lo preciso.

Al presentar esta ‘constelación desconocida’ de fragmentos, de espacios, de materiales, el visitante curioso se embarca en un viaje emocionante, activando sus propios recuerdos o experiencias y dando una idea de la maravillosa capacidad de la arquitectura para envolver y dar forma a asociaciones inesperadas. . Esta exposición que representa el FREESPACE del pensamiento y la creatividad, nos recuerda la forma en que AS Byatt describe la realización de la poesía donde habla de «una especie de ritmo musical de células encendidas con contenido sensorial, una combinación de lo preciso y lo aleatorio». . La exhibición muestra bellamente el mundo interior, la fuerza impulsora en la creación de la arquitectura.

Níall Mclaughlin Architects
Presencias
Que los arquitectos piensen en los materiales de la arquitectura como obsequios de la naturaleza; aire, luz del día, luz del sol, luz de la luna, viento, gravedad. Aquí el arquitecto ha realizado una plataforma, un planetario, donde los ritmos de la vida diaria, del clima, del uso, de la reunión social, se pueden mapear y superponer en los espacios de los edificios. Los edificios se ven aquí como artefactos que canalizan, reúnen y facilitan la vida, y que pueden desarrollar una vida activa propia en virtud de esta pátina de uso.

Esta es una posición profunda a la que suscribimos, y esta obra presenta una visión del espacio libre que es abierto en su pensamiento, riguroso y poético en su elaboración. Estas son cualidades que se reflejan en el maravilloso trabajo construido de esta práctica.

Noreile Breen
Luis Barragán, Casa Luis Barragán, Ciudad de México, México
Luis Barragán es un maestro de la luz. Crea espacios modelados por la luz con superficies que la contienen y la alteran. La luz es un recurso gratuito y el material de construcción más importante de la arquitectura. El proyecto se enfoca en él haciendo modelos físicos a gran escala, utilícelos para explorar más allá de las ideas del espacio, hacia su experiencia. Luis Barragán visitó México para obtener una comprensión más profunda de estos espacios y descubrió que fue una experiencia espacial humana rica y convincente.

La maqueta de la Exposición es una traducción personal de esta experiencia de varias de sus casas, concretamente del pasillo de la Casa Luis Barragán. Captura el carácter de la luz que encontré allí. Considera la fuente y su geometría; detalle de apertura y su orientación; superficies y su reflectancia; su textura y mi relación con ellos. Su luz, ambiental y directa, se filtra, refleja y colorea dentro de una serie de espacios interconectados. Este es un instrumento para mirar, entrenar el ojo para ver. Su exterior es secundario e intrascendente, imprescindible solo para suspender el interior. Una segunda traducción ocurre entre la luz de México y la luz de Venecia. Este modelo se convierte en un dispositivo, un registro de dos lugares, orientaciones y tiempos.

Obras Architectes
Niveles
Operando como arquitecto, paisajista, historiador y profesor, Bonnet tiene una visión del mundo singularmente amplia y académica que se manifiesta en la riqueza de su propio trabajo y en el trabajo de sus estudiantes. Al abordar la falta de acogida recibida por millones de migrantes y refugiados al entrar en Europa, el proyecto responde hacia los demás, la curiosidad y el deseo de alteridad.

Para esta Biennale Architettura presenta una pieza del paisaje de Ticino en forma de modelo, una especie de organismo separado bajo escrutinio. El estudiante Atelier proporciona un método alternativo de planificación maestra muy necesario en el que «cada intervención a veces modesta, a veces heroica, a veces monumental y singular, a veces bastante ordinaria, cumple su propio objetivo preciso». El trabajo del Atelier y de OBRAS aquí presentado juntos, es un maravilloso testimonio de la capacidad de la arquitectura para «reunir todas las dimensiones territoriales» al mismo tiempo y para abordar y promover un sentido de humanidad y generosidad en todas las escalas, desde la más modesta hasta la más modesta. heroico.

O’donnell + Tuomey
Paisaje plegable / Este y Oeste
Al comparar y combinar dos proyectos de escala, ubicación y uso completamente diferentes, en una especie de forma de ‘gemelo siamés’, O’Donnell y Tuomey demuestran a la fuerza la maravillosa capacidad de la arquitectura para trascender la escala, para encapsular valores que abarcan el tiempo y la distancia, y sentirse absolutamente apropiados para su uso, y su contexto cultural y geográfico diverso.

La fertilización cruzada de culturas en el lenguaje arquitectónico también se expresa en esta exhibición. Como arquitectos en ejercicio, somos libres de aprovechar el rico legado de la arquitectura del mundo, tanto antiguo como contemporáneo. La tarea es cómo adaptar y afinar estas influencias, fusionarlas y tejerlas en el idioma local, refrescar y renovar lo familiar absorbiendo la energía y la inspiración de lo desconocido. Estos arquitectos han desarrollado una habilidad única en esta capacidad de hacer un trabajo que sea tanto local como universal. Un pequeño proyecto pintoresco en el oeste de Irlanda se asienta cómodamente en el gran paisaje de Connemara. Una gran ciudad de la ópera en Shanghai forma un nuevo paisaje en un recodo del río Huangpu. Ambos tienen un sentido innato del oficio, una riqueza de formas y materiales y, sobre todo, un sentido de pertenencia.

Paredes Pedrosa Arquitectos
El sueño del espacio produce formas
La herramienta arquitectónica que explora la forma espacial, la altura y profundidad del volumen a crear, a ser ocupado por la luz, por el tiempo o por el sonido, herramientas de diseño clave en nuestra práctica diaria. Esta idea de «nada» como los espacios intermedios, los espacios no determinados por la necesidad, los espacios que actúan como el cartílago que mantiene todo junto, lo que Alison y Peter Smithson describen como «el vacío cargado». El sofisticado cuerpo de trabajo producido por estos arquitectos es un testimonio de su habilidad ejemplar como creadores de espacios.

Las exhibiciones aparecen como instrumentos utilizados para determinar la medida, la escala, la calidad superficial de los espacios por venir. Hay una sensación de esculpir, de manipular el espacio, y en sus proyectos los arquitectos buscan utilizar el espacio libre como el vacío que une más que separa. El espacio libre está dominado por lo material del plano horizontal y por lo espiritual de la dimensión vertical.

Paulo Mendes Da Rocha
É Projeto
La descripción de Paulo Mendes da Rocha de Venecia como «la capital del mundo imaginado» está siempre en nuestras mentes a medida que conocemos mejor esta ciudad; ya que continuamente somos renovados y desafiados por su belleza. Paulo Mendes da Rocha compartió su trabajo con nosotros dándonos total libertad en cuanto a cómo lo interpretamos y cómo lo presentamos. Su generosidad y franqueza fue una revelación y una lección para nosotros. Él ve claramente la cultura de la arquitectura como un espacio libre, donde los arquitectos pueden vagar libremente, buscar, descubrir y aprender unos de otros. Su arquitectura tiene ese mismo sentimiento de apertura y generosidad, siempre dando la bienvenida al mundo exterior al interior, siempre conectando con el territorio más grande, siempre buscando el gran horizonte.

Peter Rich Architects
Arquitectura del paisaje | Arquitectura del paisaje
Peter Rich parece pensar y ver con la mano. Sus dibujos fluidos y vibrantes muestran una aguda observación del mundo que lo rodea, recogiendo el más mínimo detalle en la pared, en el suelo, en el contorno del terreno, en las formas orgánicas sueltas de los edificios vernáculos, los recintos. , los grupos habitacionales de Sudáfrica.

Esta exhibición crea un mundo con sus bocetos hechos a mano. Hay una fuerza de energía incrustada en estos dibujos que comunica respeto y sensibilidad por la tierra, por los recursos, por los ocupantes, por las comunidades. En sus propias obras, Rich abraza esta tradición con los brazos abiertos y crea sofisticados edificios ejemplares altamente elaborados enriquecidos por la profunda comprensión de su contexto cultural específico. La tierra se siente ligada a los edificios; los edificios están formados por la trama del terreno; la vida cotidiana y los rituales de las comunidades reciben cobijo, protección, respeto, haciendo una arquitectura absolutamente en sintonía con la cultura, el clima y el legado milenario de este lugar. Los dibujos de Rich muestran una incansable curiosidad y pasión,descubriendo cualidades secretas ocultas liberadas por la profundidad de su incansable exploración y búsqueda.

Proap / Global
Spazio pubblico_Continuità e fragilità
Como arquitectos paisajistas, João Nunes y João Gomes da Silva ofrecen una perspectiva muy especial del mundo. Traen esto a Venecia en la forma en que describen el espacio público del agua como un «espacio público que viene del mar», o un «cuerpo de agua en calma que es el espacio público real conectado con un cuerpo de agua más grande que es el Mediterraneo». El espacio público se describe como vivo y en movimiento con el flujo del agua. Describen los elementos naturales «el agua y la niebla son el mismo material … hay ausencia de gravedad, de memoria clara de límites físicos». Esta sensibilidad se traduce en la capacidad de re-presentarse un lugar a uno mismo, re-imaginándolo cada vez con nuevas palabras, nuevas imágenes, nuevas observaciones.

En esta exposición, somos testigos de la presencia de esta habilidad creativa clave necesaria en la creación de nuevos mundos imaginarios. Se crea un espacio dentro del cual el visitante puede ver el trabajo de los estudiantes codo con codo con el trabajo profesional no académico de los profesores. Se vislumbran dos mundos, ambos enriquecidos por el intercambio de ideas, observaciones y trabajos de investigación. Presentan proyectos dentro de un recinto azul que evoca la atmósfera misteriosa de Venecia.

Rafael Moneo, Arquitecto
Espacio libre
Rafael Moneo nos enseña una lección de moderación, de consideración, de hacer espacio para contemplar y estar quieto. Esto recuerda a Laurent Beaudouin, quien describe la arquitectura «como una máquina para ralentizar el tiempo». En la Biennale Architettura 2012, en la pared junto a los hermosos dibujos originales a lápiz que exhibió, Rafael Moneo incluyó un texto sobre el tema Common Ground que nos pareció conmovedor y memorable.

La idea de una «tablilla» en la pared con una «tablilla» en el suelo, inmediatamente trae a la mente espacios sagrados donde se colocan memoriales y personas o eventos se recuerdan en piedra. Este gesto aparentemente modesto muestra la autoridad de un arquitecto tan consumado que puede evocar momentos en la historia de la arquitectura con un toque tan hábil. La inclusión de su proyecto del Ayuntamiento de Murcia inscrito en el panel del suelo, de nuevo, en un proyecto, toca todos los valores que expresamos en nuestro manifiesto Freespace. Este proyecto, junto con muchos otros de Moneo, ha influido, inspirado y mostrado el camino a muchas generaciones de arquitectos.

Riccardo Blumer
Siete arquitecturas automáticas y otros ejercicios
Riccardo Blumer, arquitecto y profesor, actúa a la manera de un inventor, un coreógrafo, un constructor de mecanismos y hermosos objetos funcionales. Nuestra primera introducción al trabajo de su atelier fue una serie de jaulas para pájaros hechas por estudiantes en madera y dispuestas en una línea de aproximadamente 30 metros de largo. Cada estudiante tuvo que hacer un hueco en la jaula que permitiría al pájaro conectarse con su vecino. El resultado fue que los pájaros volaban a lo largo de las jaulas interconectadas que parecían piezas arquitectónicas, todas diferentes; una terraza de pájaros en la calle.

El atelier de Blumer construye invenciones colectivamente y las muestra a la escuela como una actuación, un gran final de sus grandes esfuerzos y logros. Estos exploran fenómenos arquitectónicos como la gravedad, la luz, el líquido y el movimiento. Para esta Biennale Architettura, puede experimentar directamente uno de los siete inventos mecanizados creados por estudiantes, ‘metamorfoseando’ elementos dados de la arquitectura, en este caso la pared líquida. Este muro es tan delgado que apenas existe y, de hecho, cuando existe es momentáneo. Es intrigante y hermoso, provocador y juguetón. Con reminiscencias de las experimentaciones de la Bauhaus y de las esculturas mecánicas de Jean Tinguely, la magia de la mariposa metamorfoseada, que nos enseña a maravillarnos de nuevo.

Rintala Eggertsson Architects
Corte del Forte
Diseñado por Rintala Eggertsson, el edificio es optimista, alegre, construido por los arquitectos y sus asistentes. Ubicado al borde del agua, un edificio de madera crea un patio rodeado por una pasarela cubierta, un escenario, un bar, lugares para sentarse a la sombra. Puede ser utilizado por grupos pequeños para reunirse, actuar, bailar, socializar.

La arquitectura ofrece a las personas atmósferas, sentimientos, experiencias significativas y necesarias, para crear entornos para una buena vida. La capacidad única de diseñar y construir hermosos edificios y puentes, y debido a su capacidad natural para interactuar con la gente y con las particularidades de cada lugar. En Corderie, tendrá una idea del proceso de pensamiento y trabajará detrás de este edificio, experimentará el espacio libre de Rintala Eggertsson para la danza y la vida cordial.

Arquitectos Rma
Umbrales suaves
Rahul Mehrotra es un arquitecto y académico en ejercicio, cuya amplia experiencia incluye proyectos de conservación del patrimonio cultural en áreas históricas altamente sensibles, estrategias relacionadas con el desarrollo de ciudades, así como la construcción de edificios contemporáneos.
Rahul Mehrotra presenta tres proyectos. Uno identifica un método de estratificación espacial en un complejo de oficinas donde se crean nuevas superposiciones, donde el mundo del oficinista y el mundo del jardinero se entrelazan. Las divisiones jerárquicas creadas por las diferencias de clase en la India pueden de alguna manera ajustarse mediante esta estratificación arquitectónica. En el segundo proyecto, viviendas de bajo costo estructuran el paisaje de una antigua cantera de arena, creando una serie de cuerpos de agua para recolectar agua de lluvia. El tercer proyecto es una nueva biblioteca, donde los arquitectos en formación experimentan el impacto de la arquitectura, donde pueden activar respuestas a las condiciones climáticas locales.

Robert Mccarter
Freespace en su lugar: cuatro diseños arquitectónicos modernos no realizados para Venecia
Robert McCarter es un arquitecto y académico que ha escrito extensamente sobre Scarpa, Kahn, Wright y otros arquitectos. El proyecto discute la libertad de imaginar el espacio libre del tiempo y la memoria, uniendo pasado, presente y futuro juntos, construyendo sobre capas culturales heredadas, tejiendo lo arcaico con lo contemporáneo. Repasamos el pasado a través de edificios realmente construidos, pero también es posible ver el pasado a través de capas culturales de propuestas arquitectónicas, que no se convirtieron en realidades.

En 1972, Carlo Scarpa comisarió y diseñó para la 36ª Exposición Internacional de Arte Quattro progetti per Venezia, que presentó proyectos de maestros de la arquitectura moderna: The Masieri Memorial de Frank Lloyd Wright; el Hospital de Venecia de Le Corbusier; el Palazzo dei Congressi de Louis Kahn; y un parque entre el mar y la laguna en Jesolo del escultor y diseñador japonés-estadounidense Isamu Noguchi. Cada uno de estos proyectos se había propuesto para Venecia entre 1953 y 1970, pero no se construyó ninguno. A nivel global, ¿cómo informamos nuestras actitudes en relación con los entornos urbanos históricos? El paso del tiempo nos permite la distancia para valorar y evaluar las decisiones tomadas, aprendiendo lecciones de las experiencias de los demás. Después de cuarenta y seis años, McCarter vuelve a presentar la exposición de 1972 de Carlo Scarpa de estas obras en Venecia.

Sala 11 Arquitectos
Estás aquí
El trabajo de estos arquitectos reflexiona sobre cómo deberíamos ocupar este planeta, expresando el tema de «la Tierra como Cliente» como se representa en el manifiesto FREESPACE. Su práctica está impulsada por la ambición de hacer un trabajo significativo, sincero y al servicio de la humanidad. Existe una resistencia a realizar intervenciones que erosionarían los valiosos recursos del paisaje dado. Si bien los diseños del proyecto son bastante familiares en su lenguaje y materialidad, obviamente hay otro nivel de percepción en marcha. Se despierta nuestra curiosidad sobre cómo esta diferencia de percepción afecta la experiencia del espacio, de la luz y la sombra, la relación con el gran horizonte y con la tierra firme.

En esta exposición se invita al visitante a descubrir Tasmania a través de los ojos de la Sala 11. Mediante tres proyectos, presentan la percepción del paisaje desde el interior de los espacios, fusionándose con los espacios y alejándose de los espacios. Describen la sensación del paisaje alejándose de nuestros pies, «como arena limosa bajo los dedos de los pies … la ola cae hacia el mar … creando una inseguridad placentera que resuena con la existencia de una isla aislada 45 ° Sur». Una conciencia apenas perceptible de la ubicación de uno en la Tierra, una especie de inversión de la atracción de las fuerzas de la gravedad, acentuada por la simplicidad y apertura de la arquitectura.

Rozana Montiel Estudio De Arquitectura
Defender su posición
La obra de Rozana Montiel es altamente sofisticada, libre de indulgencias, con una determinación palpable de construir una forma de arquitectura que ella describe como «construcción social». La obra abarca desde casas particulares, viviendas sociales de bajo costo, parques infantiles, un santuario circular que forma parte de un camino de peregrino, hasta diseños prototípicos para estaciones de incineración y domos de recolección de agua. Este arraigo en la creencia de que la arquitectura debe responder a las necesidades extremas en México, está impulsado por la creencia de que la arquitectura siempre tiene que aportar «más».

Esta exposición comunica los valores de la práctica, el deseo de «convertir las barreras en fronteras» para abrir nuevos horizontes, dando la sensación de que esta sección de la pared de Corderie se elimina y se reemplaza al traer la vida del mundo exterior de Venecia a la espacio asignado. Lo que resulta tan atractivo de este trabajo es el rechazo a separar la belleza de la necesidad y la función, y continuar creando y promoviendo las posibilidades oníricas de la arquitectura oníricas.

Diseño Salter Collingridge
Propuesta B
Los dibujos exquisitamente detallados y hermosos de Peter Salter y Fenella Collingridge describen un mundo y una sensibilidad que a menudo se teme perderse. Este es un mundo donde la construcción, la artesanía, la erudición, la habilidad sublime y la invención están indisolublemente unidas. La atención sensual al pequeño detalle, el perfil ahuecado de la silla para mayor comodidad, el borde redondeado de la mesa, los empalmes, bridas, soldaduras, pernos, ruedas de patineta, zapatos de cobre y anteojeras de fieltro, todos se unen para hacer lo que describe como un espacio de intimidad para chismes y charlas.

El edificio se siente como una especie de construcción medieval contemporánea construida con amor y dedicación, por arquitectos originales y creativos. Un testimonio construido de su posición, un trabajo de resistencia radical a la presión contemporánea para destruir la artesanía. La pieza presentada en Venecia está influenciada por la tradicional puerta del beso que permite el paso de personas, pero no de ganado, pero recuerda obras de Jean Prouvé y de Pierre Chareau, y los inventos, máquinas y dibujos de Leonardo da Vinci. . Esta exhibición es lúdica, las partes móviles para disfrutar, todo diseñado para fomentar la interacción social. La pequeña escala de la pieza aún logra encapsular la amplitud y el alcance de la arquitectura.

Sauerbruch Hutton
Oxímoron
El proyecto de Sauerbruch Hutton, por ejemplo, el primer edificio de oficinas de GSW en Berlín, el edificio Jessop West para la Universidad de Sheffield, el alojamiento para estudiantes ‘Woodie’ en Hamburgo, los numerosos museos y edificios de oficinas centrales, que muestran la capacidad de crear un ambiente palpable sensación de bienestar dentro de sus espacios. Esto se logra gracias a su habilidad innata para crear ambientes físicos placenteros que irradian una sensación de calma y comodidad.

Esta exhibición invita al visitante, ofrece un lugar de reposo y refleja la generosidad del espíritu del edificio del Museo M9 en Mestre, donde abren espacios a la comunidad, y utilizan «hormigón visto y cerámica para brindar una materialidad háptica Se corresponde con los acabados de cocciopesto de los edificios históricos existentes ”. Sauerbruch Hutton es conocido por su uso del color como parte inherente de su lenguaje arquitectónico. Dicen que el color difumina las limitaciones físicas del espacio, proporciona deleite visual y enriquece la percepción y la experiencia táctil. Esta colorida exhibición de celebración representa su propio trabajo, pero también recuerda los estandartes, banderas, máscaras y disfraces festivos de Venecia, por lo que logra transportar una parte de esta maravillosa ciudad a la Corderie.

Arquitectos Sergison Bates
Práctica docente
Sergison Bates es conocido por un cuerpo de trabajo impresionante finamente elaborado en toda Europa y recientemente en China. Al describirse a sí mismos como una práctica basada en la investigación, también son profesores y escritores comprometidos. Esta exposición abre las puertas a dos mundos paralelos, el de la práctica de Sergison Bates y el del taller de enseñanza. La exhibición nos muestra estos dos mundos y presenta lo que Jonathan Sergison describe como «ambas formas de práctica», una al lado de la otra. La arquitectura aquí se explora como una «práctica creativa y reflexiva», donde se comparten intercambios críticos y actividades colaborativas.

En este íntimo «espacio libre temporal», una película muestra el trabajo de practicantes altamente consumados junto con el de sus aspirantes. Este espacio temporal está hecho de marcos de lona estirados flotantes. Uno siente una sensación de privilegio, invitado ‘detrás del escenario’, donde uno presencia y se le ofrece acceso a un espacio donde los mundos imaginados se hacen reales. Las pantallas de lienzo sugieren el espacio suficiente para enfocar, pero lo suficientemente abierto para permitir que nuevas ideas e influencias entren en este proceso de exploración y desarrollo de diseño en constante cambio. Hay una generosidad y claridad en esta exhibición que describe maravillosamente la superposición y el rico intercambio que ocurre en la práctica de la enseñanza.

Skälsö Arkitekter
Bungenäs
El tema de la instalación de Skälsö es bastante surrealista, ya que han estado trabajando dentro de un sitio militar defensivo que contiene búnkeres militares de hormigón, ubicado en una isla en el mar Báltico.
Inicialmente nos pareció imposible humanizar la presencia opresiva de estos símbolos bélicos y transformarlos en lugares donde los seres humanos se sentirían felices de visitarlos o quedarse.

Su trabajo muestra una confianza absoluta en los poderes transformadores de la arquitectura. Mientras muchos participantes buscaban la luz del sol, Skälsö abraza la oscuridad, las sombras, la suave y sombría luz del norte. Su instalación consta de grandes bloques de hormigón apoyados en el suelo. Este es el material que se quitó de los búnkers de hormigón para hacer espacios habitables. Estos bloques tienen una presencia inquietante que contrasta con los espacios maravillosamente inventivos creados por su ausencia. El material expuesto describe el compromiso con el paisaje y con las estructuras existentes. La precisión de las intervenciones libera una nueva energía positiva. Los espacios se liberan a través del proceso de excavación, abriendo los mundos sólidos de los búnkeres al horizonte, al cielo, al aire y a la luz.El lugar es transformado por el poder de la arquitectura.

Souto Moura – Arquitectos
Vol de jour
Además de los nuevos e innovadores edificios realizados por Eduardo Souto de Moura, el arquitecto también ha trabajado en la exquisita transformación de edificios en ruinas para su reutilización. Terminada hace más de veinte años, la transformación del Convento de Santa Maria do Bouro en un hotel ofreció un acercamiento a la restauración, poseyendo una vitalidad y autoridad no muy evidente desde la obra de Carlo Scarpa en Verona.

En el proyecto de Alentejo se produce una transformación a una escala diferente. Souto de Moura describe la «naturaleza urbana del monte», un mini-universo, con sus calles, plazas, claustros y dependencias. La única forma de preservar el patrimonio es vivir con él y usarlo; solo la vida cotidiana lo transforma en algo y le otorga estatus de patrimonio. El efecto de este tipo de trabajo, si es demasiado lo estropearemos, si no hacemos lo suficiente, no funcionará. Las áreas de prensa de aceitunas se convierten en sala de estar o bar; un establo se convierte en restaurante.

Steve Larkin Architects
Kaija y Heikki Siren, Capilla Otaniemi, Espoo, Finlandia
Esta capilla enfatiza una relación sagrada con el paisaje finlandés. Hay tres espacios principales: el patio, la capilla y el ábside. El patio de entrada está ligeramente esbozado en el paisaje natural, un campanario marca su significado. La capilla mayor está formada por muros a dos aguas de ladrillo y un techo a dos aguas que proporciona dos ventanas, un rosetón alto y vista al paisaje detrás del sencillo altar. Una elegante cercha de madera, hecha de pequeñas secciones de madera y esbeltos tirantes de acero, nos recuerda que es un espacio formado tanto dentro como desde el bosque. El espacio más significativo es el ábside. Este es el bosque. Marcado por una gran cruz blanca, coloca lo sagrado dentro del paisaje.

El modelo rearticula esta mirada, que se enmarca en improvisaciones sobre la cruz, las ventanas, la cercha de madera y el frontón. La armadura deja caer sus patas para hacer una habitación en el bosque. Los altos rosetones y la superficie del techo internalizan el espacio del dosel de madera bajo la luz blanca del norte. La cruz se coloca centralmente en el interior del bosque para formar la ventana entre el espacio de la capilla y el ábside. La construcción de madera apilada se utiliza para enfatizar la comprensión de la Capilla Otaniemi de su lugar en la tradición finlandesa de construcción de iglesias.

Estudio Anna Heringer
Esta no es una camisa. Este es un patio de recreo
En el trabajo de Anna Heringer, se formularon tres preguntas fundamentales: ¿Qué materiales locales están disponibles? ¿Cuáles son las fuentes de energía locales? ¿Qué habilidades locales están disponibles? Las respuestas a estas tres preguntas son: barro y bambú, personas y personas. Uno de los países más densamente poblados del mundo, Bangladesh, con más de 163 millones de personas, es un foco del trabajo de Heringer. La arquitectura es una herramienta para mejorar vidas. No es solo un techo sobre nuestras cabezas, hace comunidades, genera confianza en nosotros mismos, cuida la belleza y la identidad cultural, todo lo cual está fuertemente ligado a la dignidad.

Esta no es una camisa. Este es un parque infantil que nos presenta el pueblo, su tejido, su gente. Nos muestra las implicaciones de lo que hacemos, lo que aceptamos. Nos ayuda a ver el mundo de otra manera. En lugar de mudarse a ciudades donde las comunidades se deshacen, junto con la ONG de Bangladesh Dipshikha, Anna Heringer y Veronika Lena Lang iniciaron Didi Textiles, un grupo que ofrece oportunidades para que los sastres permanezcan en su propia aldea. Esto permite que las personas permanezcan en sus propios hogares, involucrando a los miembros mayores de la familia y los niños en su vida diaria, construyendo y sosteniendo comunidades.

Studio Gang
Centro Arcus para el liderazgo en justicia social, Kalamazoo, EE. UU.
La idea de hacer un muro de mampostería de madera fue una hermosa combinación y una idea que nunca habíamos considerado. Studio Gang ha construido un muro de este tipo en el Arcus Center. Siempre es muy gratificante en arquitectura ver y sentir la gran idea resonando con la materialidad táctil de un edificio. El trabajo grande, urbano y técnicamente sofisticado de la práctica se encuentra al lado de proyectos de una escala más modesta que parecen ser utilizados como un laboratorio de investigación sobre el uso inventivo e imaginativo de materiales naturales, y la creación de una relación directa entre materialidad, uso y contexto.

En el Arcus Center, nos encanta la exploración del ciclo de vida de la madera y la creencia expresada por los arquitectos de que la madera tiene la notable capacidad de conectar personas y arquitectura a través de culturas y tiempos a través de su ‘resonancia elemental’. Esto es evidente en las cerchas de madera y las fachadas de celosía de madera estructural del Glencoe Writers Theatre, o en la dinámica estructura ondulada del techo del Eleanor Boathouse en Chicago. Su trabajo también se relaciona con las comunidades desfavorecidas de una manera inventiva, creando lugares con adyacencias inesperadas de diversos usos para actuar como un catalizador para la integración de tales comunidades en la sociedad.

Estudio Odile Decq
Fantasma del fantasma
En Phantom’s Phantom, Odile Decq comparte su pasión por jugar con la ambigüedad, donde los espejos te hacen reevaluar la dimensión y el espacio mismo. Odile Decq recibió una impresionante lista de premios y distinciones, incluido el León de Oro en la Exposición Internacional de Arquitectura de 1996. Arquitecta en ejercicio, urbanista, académica y profesora, es la fundadora de su propia Escuela de Arquitectura en Lyon, Francia, llamada Confluence Institute for Innovative and Creative Strategies in Architecture. Para ella, la arquitectura es más poderosa que el diseño. Es una cultura única en sí misma.

Dar nuevos usos a edificios existentes es una parte normal del trabajo de un arquitecto. Insertar un uso contemporáneo en una estructura protegida y altamente sensible (la ópera del siglo XIX, el Segundo Imperio y la ópera Beaux-Arts en París de Charles Garnier) requiere habilidad creativa, valentía y conocimiento material. Permitido sólo tocar el suelo, este «rompedor de reglas» crea una pared de vidrio sinuosa, haciendo «no» vidrio, aumentando la ilusión. La cúpula histórica debía verse, no ocultarse. Su estructura de acero hecha a mano, voladizos, yeso moldeado son inserciones valientes. El banco sinuoso reinterpreta el lujo contemporáneo, utilizando el color para agregar dramatismo.

Arquitectos Taka
Rogelio Salmona, Centro Comunal y Recreativo Nueva Santa Fe, Bogotá, Colombia
Rogelio Salmona, el arquitecto colombiano más destacado del siglo XX, es conocido por su dominio del ladrillo y la construcción de espacios. Salmona se basa en influencias colombianas, europeas, precolombinas y contemporáneas para crear ricas singularidades. Su obra es a la vez local y extranjera, tanto en términos de tiempo como de lugar. Trabaja dentro del espacio libre del tiempo y la memoria, construyendo sobre capas culturales heredadas, tejiendo lo arcaico con lo contemporáneo.

Loom es un reconocimiento a la generosidad del espacio libre de un patrimonio cultural comunitario, producido y compartido cuando los arquitectos construyen edificios. Loom es una respuesta construida a un trabajo específico de Salmona: el Centro Comunal y Recreativo Nueva Santa Fe. El objeto construido entrelaza la fascinación de Salmona por la arquitectura precolombina y nuestro cariño por su obra. Mirando a través de la lente de la arquitectura de Salmona, las fascinaciones personales (tanto irlandesas como de otro tipo) que se ciernen en nuestra memoria, se convocan a la vista y se entrelazan con su trabajo.

Talli Arquitectura y Diseño
Tila
La Casa Tila en Helsinki, como una tipología transformadora de vivienda, ya que proporciona el espacio libre para que los ocupantes habiten un volumen determinado de diversas formas, comunica un marco de vida extremadamente inventivo. Se proporcionan las instalaciones y servicios compartidos, pero los espacios de vida privados se ofrecen al habitante como un caparazón sin terminar. Los movimientos estratégicos son la invención del proyecto y la provisión de generosos obsequios espaciales al usuario. Comunican una rica historia, el resultado final de un viaje complejo y desafiante para los arquitectos.

El esqueleto estructural y los huesos del edificio facilitan la habitación libre. Se proporciona un volumen de 5 m de altura. La estructura primaria está diseñada para que cada habitante pueda construir espacios entrepisos. Las regulaciones de construcción se manejan inteligentemente. Los espacios de circulación común y el acceso a la terraza cubierta generan una atmósfera agradable. La exhibición crea un espacio doméstico íntimo dentro del cual esta historia se revela en dos actos: el marco para la vida y la historia de la ocupación. Estos arquitectos se liberaron de los métodos restrictivos normales de proporcionar lugares para vivir, desafiando el enfoque típico del desarrollo, decididos a demostrar que las alternativas son posibles.

Arquitectos Tezuka
Jardín de infancia Fuji
El jardín de infancia Fuji se exhibe en Venecia como una experiencia interactiva viva, que invita a la participación tanto emocional como intelectual. El jardín de infancia Fuji se construyó en 2007 y Tezuka ha continuado construyendo muchos espacios de juego y escuelas para niños. El tema del juego es fundamental tanto para los adultos como para los niños. Este encantador proyecto muestra la arquitectura como una herramienta para la celebración de la energía ilimitada de los niños. La forma ovalada del edificio, las barreras aparentemente invisibles, la integración de los árboles, el espacio libre del techo, se combinan para mostrar la capacidad de la arquitectura para liberar el cuerpo y el espíritu.

La proyección de la vida y el sonido del edificio sobre el techo ovalado de la maqueta trae la risa de los niños a la Corderie. En Nueva Zelanda reemplazaron una escuela destruida por un terremoto con una estructura de madera resistente a los sismos informada por los edificios de madera de Nueva Zelanda. Su proyecto Ring Around a Tree es una estructura de juego lírico poético que se envuelve suavemente alrededor del tronco del árbol y el dosel de hojas y ramas. Su reciente jardín de infancia Asahi construido en una pendiente muestra a los niños trepando por debajo, por encima y dentro de la robusta estructura de madera que debe sentirse como una especie de casa de árbol mágica, un espacio libre de la imaginación.

Toyo Ito & Associates, arquitectos
Naturaleza virtual
Toyo Ito siempre sorprendió, inspiró y refrescó por la naturaleza continuamente progresiva y desafiante de los espacios y los edificios. Los espacios reflejan la filosofía del arquitecto de que la arquitectura es para los seres humanos. Afirma que sus edificios están diseñados para verse bien, no cuando están vacíos, sino cuando están habitados por humanos. Existe un deseo subyacente de hacer conexiones con la naturaleza, a través de la estructura, o mediante la creación de luz ondulada o reflejada como cuando está rodeado de árboles. Sus estructuras son extraordinariamente innovadoras, como se ve en la Mediateca de Sendai, por ejemplo, donde los tubos con forma de tronco de árbol crean una especie de bosque estructural.

En la Biennale Architettura 2018 hace un espacio «libre del ego del arquitecto». No quiere que la gente viva alejada de la naturaleza, respondiendo al tema Freespace, su proyecto donde los visitantes pueden sentir la naturaleza a pesar de que el espacio es artificial. Un espacio que ofrece paz y tranquilidad en medio de la bulliciosa exposición Corderie, un espacio donde el visitante puede sentir una sensación de unión. Esto representa el papel clave de la arquitectura. Hay una sensación de liberación en sus edificios, donde las personas pueden encontrar su propio lugar dentro de la comunidad de usuarios.

Valerio Olgiati
Experiencia del espacio
Valerio Olgiati inserta un grupo suelto de columnas blancas en el espacio de la Corderie. La estoica masa de las columnas de Corderie contrasta con las nuevas columnas más efímeras. Como en un templo griego, hay suficiente espacio para moverse en los vacíos. Un espacio que ya está repleto de columnas se llena con aún más columnas para aumentar la conciencia de la calidad existente de Corderie.

Esta instalación es muy representativa del trabajo de Olgiati. Cada proyecto es un ejercicio de intenso enfoque en un elemento específico de la arquitectura. Este elemento puede tener que ver con un espacio, una atmósfera, un material, una estructura. El resultado es un artefacto que encarna una intensidad de pensamiento. Creyendo en la universalidad de las ideas y conceptos como punto de partida, y en la capacidad de la arquitectura para traer una nueva conciencia a las condiciones existentes, lo extranjero informa a lo familiar. Promoviendo el interés por la epistemología, volviendo a los primeros principios en el estudio del lenguaje y las ideas arquitectónicas, la destilación del pensamiento antes de la acción, la calidad material de la arquitectura, la razón fundamental de la estructura, el taller Olgiati se presenta aquí junto a Experience of Space. .

Arquitectos vectoriales
Recipiente de conexión
The Seashore Library de Vector Architects, ubicada en una playa, sola al borde del mar. El hecho de ser una biblioteca añadió otro nivel de riqueza a este sueño, ya que la Biblioteca como institución es uno de los espacios libres más importantes de nuestra sociedad. El proyecto de Vector contó la maravillosa historia de cómo este «pequeño espacio provocó tal nivel de energía social», atrayendo a tres mil personas al día de todo el país.

Los hermosos dibujos expresan el pensamiento, la búsqueda y la creación. Los dibujos están trabajados, como herramientas gastadas, capas de grafito que acumulan energía propia. La exhibición es un espacio construido que se siente como un capullo, un espacio de anfiteatro, un lugar de reflexión y calma, de misterio, que representa la calidad de esta maravillosa Biblioteca Seashore. Los arquitectos han presenciado un nivel de uso completamente inesperado de este pequeño edificio, originalmente destinado a setenta y cinco lectores. En este caso, la arquitectura refleja y satisface una «fuerte sed de alimento cultural y espiritual» en una época en la que los valores comerciales se promueven de manera tan prominente.

Arquitectos Vtn
Estalactita de bambú
La campaña del proyecto de VTN para la integración de árboles en cada pieza de arquitectura; su confianza en el efecto positivo de los árboles en los seres humanos; su creencia en hacer arquitectura para los pobres y no solo para la minoría rica del mundo; y su uso de materiales ecológicamente económicos. Su trabajo ejemplifica numerosos valores expresados, en particular la consideración de «la Tierra como Cliente».

Los dibujos de la estructura de la estalactita de bambú son increíblemente hermosos, especialmente sus dibujos del plano. Aparecen como dibujos de refuerzo de acero para un techo tenso de hormigón, lo que por supuesto coincide con la descripción de Vo Trong Nghia de que el bambú es el «acero verde del siglo XXI». El término estalactita es intrigante y sugiere que esta estructura fue concebida como colgando del cielo, tocando el suelo en puntos para no volar. La forma en que se trabaja, se dobla y se ata el bambú crea una fuerza independiente asombrosa, que solo necesita ser anclado. Transportado a Venecia desde Vietnam, este visitante cultural se yergue orgulloso junto al agua, prestando la sombra de su luz moteada, posando como una bailarina de pies ligeros.añadiendo una sensación de teatro a este delantal de suelo industrial. Es un símbolo maravilloso de un futuro optimista en arquitectura.

Walter Angonese, arquitecto / arquitecto
Übernahme / Consegna / Adquisición
Walter Angonese ejerce una fuerza de energía, pasión y fe ética en su práctica y enseñanza. Conocido por sus edificios elaborados, reflexivos y sofisticados, realizados principalmente en su propia región de Bolzano, Italia, una región a la que está dedicado, Angonese cree en el papel del arquitecto dentro de las pequeñas comunidades y felizmente realiza el trabajo en todas las escalas. Como maestro inspira dedicación, curiosidad y coraje.

La exhibición involucra una estrategia para la remodelación de un centro de visitantes que completó hace algunos años. Es un proceso de rectificación, reivindicando la dignidad de espacios dañados por intereses comerciales. Paralelamente, el trabajo de los estudiantes de posgrado de estos tres arquitectos está contenido en un mismo espacio. Es un llamado a la necesidad de cuidar la arquitectura y que un mal uso puede destruir el corazón de un edificio. La presencia de la instalación es monumental, estoica, asumiendo la personalidad de guerreros firmes, orgullosos. Hay una sensación conmovedora de luchar juntos al unísono por la protección de los valores arquitectónicos.

Weiss / Manfredi
Líneas de movimiento
Weiss / Manfredi muestran ejemplos históricos y contemporáneos de «híbridos que conectan múltiples disciplinas» en contraposición a «infraestructuras monolíticas de un solo uso». El híbrido en la arquitectura es intrigante porque sugiere un tipo de organismo que puede adaptarse y cambiar sin perder su forma o su uso. La capacidad de los arquitectos para crear un enfoque de trabajo abierto es desafiante y exigente, pero los ejemplos que inspiran a Weiss / Manfredi revelan su pensamiento: la Plaza de España de Specchi, el Paseo del Río Plečnik en Ljubljana, el Paseo del Puente de Brooklyn y el Puente de Gálata en Estambul. . Estos maravillosos puntos de referencia comunican inmediatamente el mensaje clave al visitante, ya que todos estos ejemplos son conectores sociales vibrantes, ya sean escaleras, puentes o pasarelas cubiertas.

La instalación forma un espacio ‘a la deriva’ donde tres proyectos híbridos de Weiss / Manfredi se presentan uno al lado del otro con sus precedentes elegidos. Este trabajo confirma la filosofía de Weiss / Manfredi de que «no hay fronteras entre la ciudad y el jardín, el arte y la ecología, la infraestructura y la intimidad como oportunidades habitables para crear entornos públicos duraderos». Hay una sensación de autoridad tranquila tanto en el trabajo como en la creación de la exhibición. También hay una maravillosa sensación de convivencia, alegría y placer en todos los proyectos presentados, tanto antiguos como nuevos.

Eventos colaterales
Esta edición presenta una vez más eventos colaterales seleccionados. Impulsados ​​por instituciones nacionales e internacionales sin ánimo de lucro, presentan sus exposiciones e iniciativas en Venecia durante la XVI Muestra Internacional de Arquitectura.

En las ciudades chinas: la comunidad
Università IUAV di Venezia, Promotor: Beijing Design Week
El tercer capítulo del programa Across Chinese Cities explora enfoques de planificación vinculados al desarrollo de ‘comunidades’ como mecanismos que crean nuevos sistemas de pertenencia social, económica y espacial. Promovida por la Beijing Design Week y comisariada por Beatrice Leanza (The Global School) y Michele Brunello (DONTSTOP Architettura), la exposición presenta una selección de estudios de caso de contextos chinos tanto urbanos como rurales basados ​​en la planificación integrada y, por lo tanto, en la reconciliación, en enfoques de organización basados ​​en políticas y comunitarios con los objetivos de inclusión, empoderamiento y creatividad colectiva.

Como parte del proyecto, el capítulo ‘Ciudad invitada de Suzhou’ presenta una investigación llevada a cabo por un equipo de profesionales del diseño que se centra en el Plan de Regeneración de la Carretera de Pingjiang, que explora colectivamente el contexto único de la ciudad de tradiciones preservadas como modelo para una implementación futura.

Borghi de Italia – No (F) Terremoto
Galería Paradiso, Promotor: Concilio Europeo dell’Arte
El nuevo proyecto de exhibición Borghi of Italy – NO (F) EARTHQUAKE está dedicado a la preparación sísmica, a asegurar el patrimonio artístico y arquitectónico de nuestro país, así como a la revitalización de los lugares arquitectónicamente simbólicos: los pueblos italianos. El concepto Freespace que están lanzando los curadores de la Bienal de Arquitectura 2018 está vinculado a la idea de un espacio ‘libre y seguro’, en el que aquellos que usan o viven en espacios, especialmente los residentes, pueden sentirse ‘libres’:libres del miedo a los terremotos y libres para regresar y vivir en los lugares más característicos de Italia que en este momento histórico corren el riesgo de ser completamente abandonados a favor de los nuevos centros urbanos –nueva civitas – típicamente construidos lejos de sus lugares de origen y realizado en formas que están completamente desvinculadas de sus contextos históricos.

Borghi de Italia también presenta «BorgoAlive!» Del Consejo Europeo de Arte proyecto, que tiene como objetivo la revitalización sostenible de un pueblo y su entorno, en el que la conservación y restauración de un edificio simbólico del pueblo se convierte en el medio para la reutilización y regeneración de un centro histórico dañado y / o abandonado. Esto, a su vez, se convierte en una oportunidad para mejorar los recursos artísticos y culturales de los centros urbanos más pequeños y sus zonas del interior, así como una oportunidad para impulsar el crecimiento económico y social, el desarrollo del turismo local y la repoblación de las aldeas italianas.

Jardín de invernadero: reflexionar, proyectar, conectar
Serra dei Giardini, Promotora: Instituto Sueco
Greenhouse Garden: Reflect, Project, Connect es un evento que consta de una exposición, un pabellón de madera temporal, a cargo de los arquitectos In Praise of Shadows, y una serie de seminarios y talleres sobre arquitectura, el entorno construido y los objetivos globales de la Agenda 2030, como así como la arquitectura y la madera pueden formar parte de ella. Tramas, grabados y proyecciones es el título de la exposición en Serra dei Giardini.

Albergará una serie de instalaciones espaciales a gran escala que son el resultado de una investigación del papel contemporáneo y desafiado de las representaciones arquitectónicas y sus traducciones a la forma construida, en el encuentro con el material dinámico de la madera y la industria manufacturera. Esto implicará exploraciones arquitectónicas de las transiciones de dibujos arquitectónicos, mediciones, anotaciones e instrucciones virtuales para la producción a su manifestación material utilizando la madera como material primario, y viceversa. Incrustados en la historia de la práctica arquitectónica, los diferentes modos digitales y analógicos de representación arquitectónica continúan siendo técnicas para comprender e investigar la disciplina de la arquitectura.

Visiones sónicas primigenias
Ca ‘Foscari Esposizioni, Promotor: Agencia Internacional de Energías Renovables (IRENA)
Primal Sonic Visions tiene como objetivo despertar una sensación de asombro ante los nuevos sonidos y formas de energía entre el público por el poder y la belleza primordiales de las fuentes de energía eólica, solar, hidráulica y térmica. El reconocido artista de sonido internacional Bill Fontana, a través de obras de arte multimedia de alta resolución, explora muchos de los tipos importantes de sistemas de energía renovable de una variedad de ubicaciones geográficas que celebran los aspectos visual y sonoros atractivos de estos sistemas donde la Tierra es tanto cliente como arquitecto.

A medida que las personas ingresan al espacio, se encuentran con una experiencia conmovedora que al principio infunde una sensación de asombro y luego se transforma en un reflejo profundo del potencial y el poder de estas fuentes de energía que se utilizan para asegurar un futuro más brillante para nuestro planeta. Este trabajo llega en un momento particularmente crucial en el que los efectos negativos del cambio climático son cada vez más evidentes. Este trabajo es una colaboración entre el artista e IRENA en un intento auditivo y visual único de enfocar la percepción del público y despertar una reacción emocional global hacia el medio ambiente. La exposición también incluirá una obra de arte multimedia con el nuevo sistema de barrera contra inundaciones para Venecia, MOSE.

RCR. Sueño y naturaleza_Cataluña en Venecia
Lugar: Cantieri Navali, Castello, Promotor: Institut Ramon Llull
El estudio RCR fue galardonado con el prestigioso Premio Pritzker de Arquitectura en 2017. A la luz de este reconocimiento internacional, presentamos una exposición que presenta el universo más íntimo de Rafael, Carme y Ramón. La Biennale Architettura actúa como un catalizador para que todos los profesionales que la asisten busquen inspiración, sueños e intuiciones. Por eso es tan fascinante (y tal ejercicio de generosidad) que mentes extremadamente sensibles como las de Rafael, Carme y Ramón comparten sus sueños y aspiraciones más iluminadas. En Venecia, por primera vez, presentamos los sueños de RCR. Una utopía en construcción.

Salon Suisse: En marge de l’architecture
Lugar: Palazzo Trevisan degli Ulivi, Promotor: Swiss Arts Council Pro Helvetia
En la larga historia de la arquitectura, esos momentos siempre han resultado más fructíferos cuando el discurso se abrió a visiones externas, a ideas e invenciones de otras disciplinas científicas y artísticas. Hoy, a la luz de los rápidos y fundamentales cambios en la sociedad, la economía y la política, es hora de zarpar de nuevo.

Si la arquitectura es una isla dentro del archipiélago de las disciplinas artísticas y científicas, entonces el Salon Suisse 2018 es un barco que ha salido del puerto. Desde costas extranjeras, miraremos hacia atrás a la arquitectura y exploraremos su relevancia cultural y social hoy. En este viaje de descubrimiento, encontraremos filósofos y antropólogos, escritores, músicos y artistas, comparatistas e investigadores sociales. Al discutir su trabajo y su vínculo con la arquitectura, el Salon Suisse abrirá nuevas perspectivas, no solo sobre las potencialidades de la arquitectura en el siglo XXI, sino también sobre las conexiones ocultas que siempre han existido entre las diferentes disciplinas.

La casualidad
Collegio Armeno Moorat, Promotor: Gobierno de Escocia
The Happenstance establece un espacio libre en el jardín en el corazón del Palazzo Zenobio, como un lugar para construir nuevas posibilidades juntos para las libertades que necesitamos con urgencia reclamar, y demostrando lo que se puede construir a través del mapeo de conexiones, reuniendo necesidades, recursos e ideas de Freespace tanto en Escocia como en Venecia. El espacio actúa como un archivo activo (The Living Library of Ideas), donde un equipo de Artistas y Arquitectos, expertos en el juego, alientan a todos a una relación vital con el entorno construido, utilizando el juego como agente activo dentro del proceso de repensar y reclamando su espacio libre.

En el corazón de Zenobio encontrarás un enfoque en los jóvenes, sus capacidades, sus necesidades y su imaginación aprovechadas para potenciar esta energía en todos nosotros. Nuestro programa en vivo incluye la animación de otros espacios de la ciudad. Asimismo, las proyecciones de Cine al aire libre se centran en ejemplos inspiradores de personas, organizaciones y situaciones que subrayan el tema de la Biennale Architettura de este año. Tenemos una propuesta para el visitante de nuestro jardín: espere tener suerte. Este es el arte de la casualidad.

Arquitectura no deseada
Arsenale, Promotor: Oficina de Asuntos Culturales del Gobierno de la RAE de Macao; Museo de Arte de Macao
La palabra «espacio libre» ilustra el paisaje cambiante «interactivo» y la intrincada relación entre las personas y el espacio. Debido al paso del tiempo, el cambio de dinámica social y la imaginación del espacio entre generaciones, los espacios estancados se han transformado en espacios con vitalidad y aroma local. La «interacción» entre las personas y el espacio tiene un significado profundo, al que denominamos Arquitectura no intencionada.

Macao, una ciudad cada vez más internacionalizada densamente poblada de rascacielos, todavía se podían encontrar fragmentos de arquitectura no intencionada, que esparcidos en las viviendas densamente pobladas, escondidos en los tranquilos jardines urbanos, evadidos en el bullicioso bazar y destellaban en los viejos escalones. Nuestra exposición de arquitectura seleccionó deliberadamente las «cartas de juego» como nuestro componente de diseño básico, que simboliza el rápido crecimiento de la economía de Macao. Al manipular «naipes» en diferentes formas y combinaciones, la Arquitectura no intencionada se volverá a ilustrar de manera abstracta.

Tejido vertical: densidad en paisaje
Arsenale, Promotor: Consejo de Desarrollo de las Artes de Hong Kong
Vertical Fabric: Density in Landscape, demuestra las condiciones urbanas de Hong Kong y explora el espacio libre a través de torres. Se invita a 100 expositores, incluidos arquitectos de Hong Kong y del extranjero, a diseñar sus torres de espacio libre, haciendo declaraciones sobre la tipología de torres en la ciudad vertical. 100 maquetas de torres blancas de 2,0 metros de altura están abiertas para que los 100 expositores redefinan el potencial espacial manteniendo su envolvente como forma urbana colectiva.

La exposición manifiesta la innovación dentro de las limitaciones al tiempo que genera espacios extraordinarios a partir de lo ordinario. Al instalar 100 torres que marchan a lo largo del patio que se extiende hacia las salas de exhibición, el lugar ilustra la compacidad de la forma urbana de Hong Kong y proporciona una plataforma de diálogo con el mundo, dando forma a un discurso del urbanismo y la arquitectura vertical de Hong Kong. También brinda a los arquitectos oportunidades para repensar el diseño de la torre más allá, incubando visiones al enfrentar desafíos globales en tecnología, medio ambiente y sociedad.

Viviendo con el cielo, el agua y la montaña: creando lugares en Yilan
Palazzo delle Prigioni, Promotor: Museo Nacional de Bellas Artes de Taiwán de China
El arquitecto expositor Sheng-Yuan Huang declaró que «buscar la libertad» sirvió a su filosofía fundamental de la arquitectura y fue compartido con sus colegas en Yilan como el valor central detrás de cada creación. Para ellos, la «libertad» no es un concepto abstracto, y su «libertad» les ha permitido contribuir con sus esfuerzos a su sociedad en una distancia de 15 minutos en automóvil en su vida real.

La exposición se presentará con los siguientes temas: condensación de memorias sociales-intervenciones a través del tiempo; establecer un datum-canopy como la nueva línea de referencia; volviendo al continuo terrestre en suspensión de tiempo. Estos tres temas se centraron en la creación de espacios públicos, incluidos Canopy, Vascular Bundle Scheme y Cherry Orchard Cemetery. El resultado de estos trabajos se basó en el aprendizaje de las residencias locales y los entornos naturales con un cierto período de tiempo para moldear cuidadosamente la vida cotidiana de todos.

Arquitectos jóvenes en América Latina
CA’ASI, Cannaregio, Promotor: Asociación CA’ASI 1901
La exposición subraya el importante papel que juega el mundo latinoamericano en la actualidad, como se ve a lo largo de su arquitectura contemporánea. Con motivo de la XVI Bienal Internacional de Arquitectura, la CA’ASI abrirá sus puertas a los arquitectos latinoamericanos emergentes con el fin de enfatizar la creatividad, originalidad y compromiso social de su nueva arquitectura, y ayudarla a ganar reconocimiento mundial. Architecture-Studio ha creado la Asociación CA’ASI para promover el diálogo entre la arquitectura, el arte contemporáneo y los visitantes de la Bienal.

Premio Arquitectura Joven Talento 2018
Palazzo Mora, Promotor: Fundació Mies van der Rohe
El Premio de Arquitectura Joven Talento (YTAA) es promovido por la Fundació Mies van der Rohe con el apoyo de Europa Creativa como una extensión del Premio de Arquitectura Contemporánea de la Unión Europea – Premio Mies van der Rohe. La Fundació Mies van der Rohe fomenta el debate y la sensibilización sobre temas relacionados con la arquitectura contemporánea y el urbanismo y, con la YTAA, pretende apoyar el talento de los arquitectos, urbanistas y paisajistas recién graduados que serán los responsables de transformar nuestro entorno en el futuro.

El Collateral Event será una exposición integral que presentará los diseños de las obras preseleccionadas de YTAA 2018, incluidos los 12 finalistas y, entre ellos, los 4 ganadores. Junto con imágenes y dibujos, también se utilizarán videos para explicar los proyectos de graduación. Los ganadores del YTAA serán homenajeados durante una ceremonia de entrega de premios que tendrá lugar en Venecia el 20 de septiembre de 2018. La ceremonia también se complementará con un debate sobre los principales temas del «Año Europeo del Patrimonio Cultural» organizado por el Comisión, y los problemas que surgirán de los resultados de YTAA. El debate contará con los ganadores, los miembros del jurado, varios participantes de Future Architecture Platform y otros invitados.

Proyectos especiales
Hay dos Proyectos Especiales en la Biennale Architettura 2018: uno es el Proyecto Especial Forte Marghera en Mestre, comisariado por Yvonne Farrell y Shelley McNamara, consiste en una instalación de los arquitectos Sami Rintala y Dagur Eggertsson, también construida para albergar una serie de eventos programados en Forte Marghera.

Otro es el Proyecto Especial en el Pabellón de Artes Aplicadas en la Sale d’Armi en el Arsenale, reflexiona sobre el futuro de la vivienda social presentando un fragmento de la urbanización social, Robin Hood Gardens, que fue diseñado por Alison y Peter Smithson en East London y finalizada en 1972. Renovada por tercer año consecutivo, la colaboración entre La Biennale y el Victoria and Albert Museum de Londres ha hecho posible esta exposición comisariada por Christopher Turner y Olivia Horsfall Turner.

Reuniones
La Biennale Architettura 2018 estuvo acompañada a lo largo de su duración de un programa de conversaciones: Los Encuentros sobre Arquitectura, comisariados por Farrell y McNamara, son una oportunidad para discutir las diferentes interpretaciones del Manifiesto FREESPACE y escuchar las voces de los protagonistas de la Exposición.

El programa de Encuentros se complementa con contribuciones de los Países Participantes y un calendario de conferencias organizadas en colaboración con instituciones internacionales como la London School of Economics / Cities y Alfred Herrhaussen Gesselschaft, y con el Victoria and Albert Museum de Londres. Finalmente, el Archivo Histórico de La Biennale di Venezia presenta un encuentro centrado en la arquitectura en los archivos.