LA Art Show, la muestra de arte contemporáneo internacional más completa de Estados Unidos, inauguró oficialmente la temporada de arte 2018 de la ciudad en el Centro de Convenciones de Los Ángeles el 10 de enero de 2018. LA Art Show es la experiencia artística internacional incomparable con más de 100 galerías de más de 18 países que exhiben pintura, escultura, obras en papel, instalación, fotografía, diseño, video y performance.
Aprovechando la emoción del año pasado, DIVERSEartLA dedica más de 60,000 pies cuadrados en LA Art Show a artes escénicas, instalaciones, exhibiciones y programas seleccionados por los principales museos y organizaciones artísticas como LACMA, MOLAA, The AUTRY y MUSA Museum of the Art Guadalajara. La sección DIVERSEartLA está dedicada a nutrir la energía creativa de coleccionistas, artistas, curadores e instituciones proporcionando una plataforma de arte contemporáneo que ayuda a empoderar. cpmmect e involucre a la comunidad dinámica de Los Ángeles y al público diverso con el mundo.
Disfrute de las instalaciones más conceptuales y abstractas de LA Art Show, como los sacos de boxeo «Left or Right» de Antuan Rodríguez y el «Space Boat» de Bunnie Reiss en Littletopia. El trabajo de Adrienne Stein fue de particular interés, con sus figuras etéreas entrelazadas con la flora y la fauna, y fue una luz realista en la sección contemporánea de Littletopia. Se exhibieron obras de todo el mundo que tejían arte de 18 países, incluida la Exposición Nacional de China.
Una nueva sección de la muestra, titulada «DESIGN LA ART», trajo el diseño interior y arquitectónico a la muestra. Con esta nueva sección estamos honrando la ya rica historia de la ciudad en los ámbitos del diseño y la arquitectura, además de presentar una programación con visión de futuro sobre la creciente fusión de estas dos disciplinas.
La feria se centra en América Latina y la Cuenca del Pacífico. El evento presenta una variedad de arte desde contemporáneo y moderno, hasta clásico y otras escenas artísticas especializadas que a menudo comandan sus propios espectáculos dedicados. Las presentaciones radiantes cobran vida gracias a una variedad de galerías que moldean la esfera artística de Los Ángeles como un espacio de expresión completamente accesible. La tradición y el prestigio de LA Art Show ya están plenamente consolidados en la ciudad y sus alrededores, la convierte en una de las principales ferias americanas de arte contemporáneo.
Los Ángeles se ha convertido en un epicentro mundial del arte y la cultura, con una influencia multicultural entrelazada y distintiva única en la ciudad. La diversidad es nuestra fuerza y el arte es más impactante cuando incluye o trasciende todas las fronteras. A medida que Los Ángeles se erige como el destino de arte de clase mundial, LA Art Show continúa liderando el camino con una programación innovadora y experiencias únicas para una audiencia de coleccionistas en expansión.
LA Art Show crea una de las ferias de arte internacionales más grandes de los Estados Unidos, proporcionando una experiencia de arte apasionante, inmersiva y privilegiada para los patrocinadores, sus invitados selectos y clientes VIP. La muestra atrae a una lista de élite de galerías nacionales e internacionales, artistas aclamados, curadores de gran prestigio, arquitectos, profesionales del diseño, junto con coleccionistas exigentes.
El LA Art Show también es conocido por un calendario sólido de eventos especiales durante el fin de semana; En los últimos años, los temas han ido desde las bellas artes hasta la moda y el cine. La programación de este año destaca temas importantes relacionados con el mundo del arte contemporáneo, incluido el tema de tendencia, en lo que respecta a los archivos digitales originales y coleccionables en el sector de las bellas artes.
Más de 200,000 pies cuadrados de espacio de exhibición están dedicados a las galerías prominentes de hoy. Estas galerías nacionales e internacionales, más allá de sus stands, curan exhibiciones especiales que están a la vanguardia del floreciente movimiento de arte contemporáneo. La feria ofrece un extraordinario abanico de trabajos y experiencias en secciones especializadas.
LA Art Show 2018
LA Art Show 2018 crea una de las ferias de arte internacionales más grandes de los Estados Unidos, brindando una experiencia de arte emocionante, inmersiva e interna a los patrocinadores, sus invitados selectos y clientes VIP. La muestra atrae a una lista de élite de galerías nacionales e internacionales, artistas aclamados, curadores de gran prestigio, arquitectos, profesionales del diseño, junto con coleccionistas exigentes.
Este entorno cultural innovador y excepcional atrae a ejecutivos y miembros de la junta de empresas del sur de California, representantes del gobierno estatal, del condado y municipal, así como a líderes de las instituciones culturales de la región. Los asistentes son creadores de tendencias, personas influyentes y consumidores alfa, que buscan y exigen lo más nuevo y lo mejor en todas las áreas de sus vidas: el arte, el diseño, la comida, la tecnología y los viajes son puntos de pasión específicos.
Para su 23ª edición, la muestra continúa su expansión en el mercado mundial del arte con una nueva asociación con el Museo de las Artes de Guadalajara, así como con expositores de más de 18 países. Los expositores que regresan incluyen a los pesos pesados Patrick Painter, Timothy Yarger, SM Fine Art y más. ROOTS, una sección dedicada a obras históricas, regresa por segundo año consecutivo con expositores como MS Rau Antiques, Rehs Gallery y Maxwell Alexander, por nombrar algunos. Littletopia regresa con las galerías en ascenso de la escena del arte contemporáneo lowbrow. DESIGN LA fue una nueva incorporación al espectáculo, centrándose en el arte funcional, muebles modernos, decoración de acento, objetos arquitectónicos, joyas y más.
Core – Core es un espacio comisariado para galerías reconocidas en todo el mundo como líderes en el arte contemporáneo. Las galerías que se exhiben aquí educan, inspiran y cautivan continuamente a los ávidos coleccionistas del mundo con las voces más solicitadas del mercado.
Modern + Contemporary: la sección más grande de programación en LA Art Show, Modern + Contemporary exhibe el amplio espectro de pintura, ilustración, escultura y más contemporáneos de galerías en Los Ángeles, la Cuenca del Pacífico y países de todo el mundo.
Roots – Honrando las voces y movimientos que vinieron antes, ROOTS es un espacio de exhibición dedicado para galerías que exhiben obras históricas y artistas contemporáneos que siguen esas tradiciones.
Design LA Art – Design LA Art sirve como un espacio comisariado para exhibir destacadas galerías de diseño internacionales. Design LA Art proporciona un mercado de arte para el diseño contemporáneo coleccionable y el arte funcional, mostrando lo mejor en objetos de diseño, arte, joyería, arquitectura y mobiliario presentados junto a las principales galerías modernas y contemporáneas del mundo.
Works On Paper – Works on Paper es un espacio de exhibición dedicado para exhibir fotografías y otras obras que no están en lienzos tradicionales.
Project Space: provenientes de todo el mundo, los expositores de Project Space muestran una amplia gama de ideas y talentos en forma de exposiciones individuales, presentadas por las galerías participantes.
JEWEL – JEWEL es un espacio dedicado para expositores que se especializan en artículos de lujo, incluidas joyas y otros accesorios que rodean el mundo de las bellas artes.
DIVERSEartLA – Aprovechando la posición de la ciudad en la Cuenca del Pacífico, DIVERSEartLA es una sección de programación especial dedicada a nutrir la energía creativa de coleccionistas, artistas, curadores, museos y organizaciones sin fines de lucro internacionales al conectarlos directamente con el público de Los Ángeles. La diversidad y la inclusión continúan siendo nuestros mandatos clave mientras reflexionamos y nos regocijamos. Aprovechando la posición de la ciudad en la Cuenca del Pacífico, DIVERSEartLA es una sección de programación especial que dedica más de 35,000 pies cuadrados dedicados a nutrir la energía creativa de coleccionistas, artistas, curadores, museos y organizaciones sin fines de lucro internacionales conectándolos directamente con el público de Los Ángeles.
Exposiciones destacadas: más allá de los límites de los espacios de los stands, las exposiciones destacadas crean experiencias inmersivas para atraer al público a través de obras de arte, actuaciones y otras exposiciones que invitan a la reflexión ofrecidas por las galerías participantes, destacando las obras de las que se habló en los años venideros.
Exposiciones
Dansaekhwa IV: Ritmo interno – Kim Tae-Ho
El desarrollo de las obras más recientes de Kim Tae-Ho coincidió con el cambio de milenio, alrededor del año 2000. Centrándose en las pinceladas y la aplicación del color, en su mayor parte, estas obras parecen ser muy diferentes de sus trabajos anteriores. Sobre todo, en lo que respecta al cambio de apariencia, gruesas capas de pintura forman masas voluminosas, que difieren claramente de sus anteriores piezas ilusorias bidimensionales. Simultáneamente, existen diferencias en la fisicalidad, y se diferencian únicamente de las composiciones completas de sus trabajos en papel.
En cuanto al proceso, primero dibuja líneas entrelazadas. Crea un ritmo fijo y, después de acumular veinte capas de pintura, raspa la densa acumulación de pintura. El color que se esconde debajo cobra vida rítmicamente dentro de la estructura. Se construyen innumerables espacios visuales dentro de la formación de cuadrícula superpuesta; cada celda es comparable a una colmena, produciendo su propia vida en el ámbito de la pintura.
Cristobal Valecillos // YARE: One More Dance
Yare, One More Dance es una representación multidisciplinar contemporánea de Los diablos de Yare, declarada Patrimonio Cultural Inmaterial de la Humanidad por la UNESCO. Para celebrar la iniciativa de Getty’s Pacific Standard Time: LA / LA, el artista invoca el festival anual Los Diablos de Yare creando una colección de máscaras hechas a mano. Valecillos creó una serie de fotografías impresionantes con un telón de fondo de los lugares emblemáticos de Los Ángeles. Estas imágenes provocativas y convincentes incorporan las alegrías y los desafíos del espíritu humano contemporáneo.
El Dogma que posibilita nuestros tiempos más oscuros, la Propaganda que nos seduce a la complicidad, el Basura que nos alimenta, el Matasano a quien confiamos nuestro mayor amor, el Solo nuestro refugio tecnológico, «El Dulce», líder de la pandilla que ridiculiza nuestro sed, la Asfixia que estamos infligiendo a la Madre Tierra y la Sangre que tan irresponsablemente derramamos.
Silla del director: Matthew Modine
En el 30 aniversario de Full Metal Jacket de Stanley Kubrick, «Full Metal Diary» de Matthew Modine ofrece un retrato increíblemente raro y vibrante de una de las películas de guerra más icónicas del cine, de uno de los directores más enigmáticos de la industria. La exposición es un estudio de un joven actor bajo el aprendizaje de una leyenda.
Una combinación de fotografías de formato medio tomadas en el set, pocas veces vistas, se muestra junto con extractos poéticos e íntimos del diario personal del actor. Esta mirada detrás de la cortina revela conocimientos únicos sobre la metodología de Kubrick, así como el complicado proceso de un actor que lucha por llegar a un acuerdo con su oficio. «Full Metal Diary» es un ejemplo extraordinario de arte que imita la vida.
A través del espejo – Harmonia Rosales y Aldis Hodge
Through The Looking Glass nació de la noción de percepción cultural introspectiva. Cuestiona el compromiso del espectador con culturas no reconocidas como propias, así como los conductos educativos hacia dichas culturas y, finalmente, cuestiona la responsabilidad del espectador de realizar estas indagaciones. Creada en el espíritu de la experimentación social, Through The Looking Glass tiene como objetivo que la audiencia participe en una conversación interna, permitiéndose revelar su funcionamiento más íntimo.
Televisor LED con pantalla plegable de dibujos animados: Lee Nam Lee
Un biombo asiático tradicional de cinco hojas se reproduce en forma digital donde las imágenes fijas de las obras maestras clásicas cobran vida a medida que viajan a través del tiempo. La interacción entre los personajes de dibujos animados y las diversas imágenes icónicas del arte, la guerra y nuestra sociedad habla de las muchas caras de la civilización moderna. Además, se ofrece un sentido de curación y restauración a través de la transformación estacional del paisaje en las pinturas clásicas.
Pandemonia
Creado por un artista londinense anónimo, Pandemonia es un proyecto de arte conceptual multimedia centrado en un personaje femenino construido a partir de símbolos y arquetipos. Su exterior de plástico toma la forma de un dibujo tridimensional a medio camino entre lo real y lo imaginado. Pandemonia atrae al público y atrae a los visitantes de la exhibición de arte para que interactúen con ella, participen y creen su propia obra de arte única capturada como una selfie Polaroid.
En su actuación especial, Pandemonia posa y actúa con varios objetos y dulces para la vista de su mundo surrealista perfectamente ideal. Los objetos comprenden artículos de Trompe l’oeil, bolsos de mano, mascotas, aspiradoras, planchas, objetos domésticos y pertenencias personales como joyas, anteojos, todo ello haciendo eco de su vocabulario Pop Feminista. Estaba vestida, caracterizada por fenomenales peinados y vestidos hechos de látex.
No soy un trofeo: Arno Elias
Establecida en 2016, I’m Not A Trophy es una iniciativa global para crear una mayor conciencia sobre los actos maliciosos de la caza de trofeos y la caza furtiva de especies en peligro de extinción. Fundada por el artista francés Arno Elias, la campaña utiliza poderosas figuras femeninas, como la supermodelo y actriz de fama internacional Cara Delevingne, para representar el compromiso del programa de atraer una mayor atención a la caza de trofeos y al mismo tiempo empoderar a las mujeres para que luchen contra los estereotipos sexistas.
Conecta los puntos: Logan Maxwell Hagege
El artista estadounidense contemporáneo, Logan Maxwell Hagege, en colaboración con Maxwell Alexander Gallery, se enorgullece de presentar Connect the Dots. Una instalación que nos devuelve a nuestra infancia y nos convierte a todos en artistas. Cada asistente tiene cinco minutos para conectar los puntos y revelar una obra de arte original. Conecte los puntos con nosotros y llévese a casa una obra de arte gratis con la visión moderna de los paisajes occidentales de Hagege.
Girasoles: Claudio Castillo
«Girasoles» de Claudio Castillo es un reloj generativo que reproduce 24 animaciones de un minuto en la parte superior de cada hora, y también rastrea las fases de la luna y las mareas en tiempo real. Las imágenes evolucionan sin cesar en una progresión aleatoria en la que ninguna composición única se repite con precisión, al menos no durante miles de años.
Reconstruyendo retratos de recuerdos: Mike Saijo
Este taller explora los efectos de los cambios culturales y tecnológicos actuales y recientes en los medios de comunicación en la formación del yo. Mike Saijo toma una fotografía de cada participante, que luego imprime directamente en una sección de periódico elegida por el participante. El invitado tiene la opción de llevarse el retrato a casa. El stand presenta retratos a gran escala de personas influyentes en los cambios tecnológicos y culturales actuales.
Las cajas del infinito: Matt Elson
El artista Matt Elson presenta una serie de cajas que permiten que grupos íntimos de personas interactúen a través de espejos infinitos elaboradamente construidos instalados en el interior. Estéticamente, son objetos que atraen al espectador desde la distancia con la extraña belleza de la caja y se vuelven progresivamente menos comprensibles durante la interacción. .
Por lo general, dos personas se acercan, miran desde cada lado, ponen la cabeza en la caja y luego se sorprenden del mundo que se abre por dentro. Las obras se activan realmente solo cuando alguien más mira en la caja desde la otra dirección creando una conexión social en un otro mundo creado perceptualmente.
Canciones y poemas II: Erika Harrsch
Tras escuchar la metamorfosis de Philip Glass en un concierto, Harrsch se inspiró y recibió el encargo de ilustrar el CD de este gran compositor. El trabajo de Harrsh, alineado temáticamente con la mariposa, comparte contenido basado en la migración y las circunstancias circundantes que definen la identidad, la nacionalidad y la movilidad global. Partiendo de estos proyectos, ha profundizado en la complejidad de la experiencia migratoria, para abordar las reformas migratorias y la recontextualización de las fronteras físicas.
Erika crea instalaciones de pared con mariposas recortadas que incorporan imágenes de moneda internacional. Los patrones circulares y las ondas creadas por las mariposas monetarias y los dibujos representan los países de los que se está mudando la gente, lo que refleja cómo estas afluencias masivas dan forma a los mercados económicos.
SABRE: Painting Live
SABRE, también conocido como Ryan Weston Shook, es un artista estadounidense que se originó como artista de graffiti. Descrito como uno de «los mejores y más respetados artistas en su campo» por el Washington Post, SABRE se une al LA Art Show en la Noche Inaugural para crear un trabajo original que estuvo en exhibición durante todo el espectáculo.
Al alcanzar la fama internacional a la edad de 21 años, SABRE creó el grafiti más grande del mundo en la orilla del río Los Ángeles, que fue visible y documentado por satélites en el espacio. A lo largo de años de pintura dedicada y a menudo peligrosa, ayudó a concienciar al público sobre la verdadera forma de arte del graffiti. Su trabajo ha influido en una generación de artistas y diseñadores gráficos, y se ha convertido en una parte influyente del entretenimiento moderno, las redes sociales y el arte para la reforma social. Continúa haciendo sus pinturas vibrantes, fascinantes y, a menudo, políticas desde su casa en Los Ángeles. Su arte se puede encontrar en galerías y colecciones privadas de todo el mundo. Mientras tanto, continúa generando conversaciones públicas sobre lo que el arte debería (o no debería) limitarse y traspasar los límites.
El mundo del dibujo de Jung-Gi Kim
Jung-Gi Kim es un dibujante y dibujante de cómics coreano. No hay nada en el mundo que no pueda dibujar. Todo lo que ha experimentado o nunca experimentado puede ser descrito perfectamente por él. Su maestra es la naturaleza misma. Su trabajo solo puede explicarse por las leyes de la naturaleza. Los sujetos de su dibujo son tan infinitos como el universo que resultó del Big Bang.
Su trabajo es realista, e incluso los sujetos poco realistas se ven muy realistas. Estamos persuadidos por su explicación sin palabras, sus líneas se liberan. Esto puede verse como el ‘dibujo’ perfecto que todos pueden imaginar y soñar. Su mundo ha sido perfecto desde su adolescencia, y persiste en sus esfuerzos por mantenerlo, siempre está creando con su mano, evolucionando constantemente.
LA: Ley Lines
Artistas de diferentes comunidades alrededor de Los Ángeles han sido cuidadosamente seleccionados para mostrar la estética muy distinta de las áreas que personifica cada artista individual. Con raíces profundas en el movimiento temprano del grafiti de Los Ángeles, estos artistas también tienen experiencia en los productos básicos de California, como el skate, el punk rock, las pandillas, los tatuajes y varias otras disciplinas que son vitales para la rica cultura e historia artística de Los Ángeles.
Experimente las obras de estos artistas que han emergido de las dificultades incesantes de las calles de Los Ángeles, exhibidas elegantemente como si el espectador fuera recibido en la casa de un coleccionista privado en un escenario clásico de principios de siglo. Se han establecido en el crudo entorno del paisaje urbano de Los Ángeles y en los últimos años se han mudado a algunas de las galerías y museos más prestigiosos del mundo.
Programas
DIVERSEartLA
DIVERSEartLA se dedica a reunir a algunas de las instituciones de arte, museos y organizaciones sin fines de lucro locales e internacionales más importantes para un diálogo elevado y reflexivo. DIVERSEartLA se expandió para acoger y celebrar a aquellas instituciones de arte y coleccionistas de arte que apoyan la iteración más nueva y más grande de la comunidad de arte de Los Ángeles, así como para crear una fuerte conversación en torno a una variedad de eventos y programas. Por lo tanto, sirve como plataforma y recurso para las mejores prácticas y el liderazgo en materia de diversidad, incluidas TODAS las comunidades de Los Ángeles.
Las comunidades de Los Ángeles reflejan una impresionante variedad de orígenes étnicos, y sus icónicos entornos naturales son igualmente variados y vastos. Para honrar esta biodiversidad única, nos estamos enfocando en la representación de artistas contemporáneos de todo el mundo como parte de cada institución. La importancia del enfoque curatorial de este año debe seguir comprometida con el fomento y el aprendizaje de las organizaciones que apoyan la inclusión y la diversidad. DIVERSEartLA como parte fundamental para hacer de los museos y las instituciones culturales modelos de comunidades pluralistas. No hay nada más importante que la inclusión en un momento en el que la cultura social se define por la división.
Orozco metafísico: José Clemente Orozco
El Museo de las Artes de la Universidad de Guadalajara, México (MUSA) presenta Metafísico Orozco, exhibido por primera vez en los Estados Unidos. Las imágenes, proyectadas mediante un mapeo multicapa, pertenecen a los murales realizados por el artista entre 1935 y 1937 en el auditorio conocido como Paraninfo, dentro del edificio en el que se ubica el Museo de las Artes.
La instalación involucra al público en una exploración de los campos de pensamiento que se encuentran dentro de los murales de Orozco, así como la historia y los temas que los inspiraron. La proyección de las obras maestras estuvo acompañada de una banda sonora musical, brindando al visitante una experiencia sensorial integral que se complementó con material gráfico informativo.
Especular (Umbral): Leyla Cárdenas
El escritor colombiano Manuel Hernández B. define la capital de su nación, Bogotá, como un umbral permanente que anuncia la promesa de un lugar que nunca llega. Especular de Leyla Cárdenas proporciona una imagen del mundo real pero fantasmal de esta visión con su conjunto de impresiones fotográficas de la fachada neoclásica de la estación de tren de Bogotá. Estos paneles discontinuos se cortan para que coincidan con los diferentes anchos de vía utilizados en Colombia que hicieron imposible una infraestructura de transporte nacional unificada. Especular es parte de una serie en la que el artista documenta los vestigios arquitectónicos del tejido urbano.
Construida por primera vez a fines de la década de 1880, al mismo tiempo que se formó la República de Colombia, la estación es un símbolo una vez esperanzado de la nación que luego se convirtió en una ruina moderna abandonada hace mucho tiempo. Cárdenas representa la fachada con dos mallas impresas suspendidas espalda con espalda del techo, a más de seis metros de altura, y que recorren una distancia similar a lo largo del piso. Cárdenas reflexiona sobre estas obras de arte ilustrando «La historia se repite: círculos viciosos y acumulación de umbrales que no llevan a ninguna parte».
Si bebes cicuta, la beberé contigo o una hermosa muerte; jugador a jugador, chulo a chulo.
El entorno inmersivo de Daniel Joseph Martinez hace referencia al retrato seminal de Jacques-Louis David La muerte de Marat (1793), pintado y también reproducido poco después del asesinato de Marat durante la Revolución Francesa. Mientras que la pintura de David representa un momento único, tanto saneado como preciso en sus detalles, Martínez crea una puesta en escena utilizando tres esculturas realistas modeladas a partir del propio cuerpo del artista. Estos representan a Marat en su baño, así como a la asesina Charlotte Corday y al propio Martínez, ambos de pie detrás de Marat (cada uno con una daga ensangrentada en la mano).
Martínez escenifica el asesinato de Marat como un espectáculo público rodeado de gradas, aunque los espectadores también pueden sumergirse en la escena, sin duda tomándose selfies. De esta forma, Martínez conecta la pintura de David con nuestro momento presente, dando una dimensión histórica a la política moderna como forma de teatro, deporte y negocio. Pero Martínez empuja aún más. La muerte de Marat se convirtió rápidamente en un icono de la Revolución Francesa, no porque representara un espectáculo público, sino porque hizo circular una imagen política que centró la atención en lo personal y lo privado. Una vez que eso sucedió, la política-como-espectáculo ya no dependía del espacio público, estaba en nuestras mentes.
Aporías Móviles: Nuna Mangiante
Aporías Móviles, una instalación de la artista argentina Nuna Mangiante, es una instalación multimedia que presenta retratos con caras oscurecidas en exhibición con varios materiales de construcción y construcción. Habla de la transformación urbana como una realidad social emergente en América Latina. Mangiante elabora las fotos de los objetos y los paisajes urbanos, Mangiante las somete a lo que Mangiante quiere expresar, Mangiante encierra el significado con formas geométricas para ayudar a descifrar los enigmas de la obra de Mangiante, transformándolos en dibujos.
Al aislar los objetos de su entorno, se convierten en símbolos de sí mismos, y cuando Mangiante les aplica una cubierta plana de grafito, se produce una distorsión. Una distorsión siempre implica una comparación entre lo que es y lo que debería ser. La distorsión crea las controversias en la imagen resultante.
Mural en vivo: Mateo Romero
El trabajo del renombrado artista de Pueblo / Cochiti Mateo Romero explora la intersección entre la figuración posmoderna, la imaginería nativa y los mitos históricos del arte, y el papel de la autorrepresentación en un mundo del arte poscolonial. En una actuación que combina el comentario cultural y un método de trabajo dinámico, Romero crea una pintura mural inmersiva en vivo destinada a la colección del Autry Museum of the American West.
Lluvia de ideas: empatía
Lluvia de ideas de pulpo: Synesthesia es un trabajo de actuación / experiencia creado por Victoria Vesna en estrecha colaboración con el neurocientífico Mark Cohen. El trabajo utiliza EEG en tiempo real, ondas cerebrales, video, color, sonido. Están explorando las posibilidades de la comunicación de cerebro a cerebro. Estos son parte de un área más amplia de investigación sobre los asociados físicos de los procesos mentales, como las emociones y los sentimientos. Desde entonces, ha evolucionado para incluir la idea de inteligencia incorporada en la forma de una corona de pulpo que llevan los participantes.
Sinestesia: ¿Cuál es el sabor del color azul?
La sinestesia es un rasgo heredado, como el pelo rojo o los ojos marrones, y se encuentra en menos del 3,75 por ciento de la población mundial. Se define como un disparo cruzado de cualquiera de los cinco sentidos en el que una experiencia sensorial desencadena experiencias sensoriales adicionales en uno o más de los otros cuatro sentidos. La sinestesia no reemplaza un modo sensorial por otro; agrega percepciones de otra modalidad sensorial a las percepciones «normales» iniciales. Hay al menos 60 formas de sinestesia.
Plantigrade, una instalación experiencial de Marcos Lutyens, presenta a los clientes un terreno psicosintético por el que están invitados a caminar descalzos, prestando especial atención a las sensaciones de color y textura que atraviesan sus pies. Esta es una sensibilidad desarrollada por el escritor surrealista René Daumal, llamada visión paroptica y, por extensión, percepción para-táctil. El proyecto se ha mejorado con la colaboración del célebre autor y neurólogo Richard E. Cytowic.
Space Palette de Tim Thompson y Paul Sable es un instrumento musical y gráfico inventado por Tim Thompson que te permite tocar y pintar imágenes simultáneamente moviendo tus manos en los agujeros de un marco de madera. No se utilizan medios, secuencias o bucles pregrabados, todo es generado en tiempo real por tus manos.
«Izquierda» o «Derecha» / Sacos de boxeo: Antuan Rodríguez
Left or Right es un proyecto de curación comisariado por Marisa Caichiolo. La instalación interactiva representa a diferentes líderes mundiales y tiranos, y permite al espectador, a través de los golpes de saco, liberar la ira, el odio y el resentimiento. Esta liberación de emociones negativas transforma estos objetos en herramientas de desintoxicación y curación mental.
La política global actual ha creado un ambiente de falta de respeto por la humanidad y nuestro planeta. Falta de armonía, guerra sin sentido, violencia, racismo, ignorancia, pérdida de valores y principios, falta de conciencia, super egos y demagogia, corrupción, falta de respeto a las mujeres, falsas promesas y mentiras descaradas.
Ojos hacia adelante
La obra de arte en exhibición incluye obras bidimensionales y tridimensionales, y abarca desde representaciones figurativas hasta formas muy abstractas, desde pinturas acrílicas sobre lienzo hasta collage de técnica mixta y esculturas de arcilla para ensamblar con objetos encontrados.
Obras seleccionadas de diez artistas contemporáneos de color que viven y trabajan en Los Ángeles: April Bey, Chukes, June Edmonds, Loren Holland, Duane Paul, Miles Regis, Ana Rodrigues, Nano Rubio, Holly Tempo y Tim Washington. A pesar de sus diversos orígenes, intereses y experiencias de vida, todos estos artistas comparten la urgencia de ser escuchados cuando abordan temas contemporáneos de raza, clase y género mientras expresan su desencanto con el sistema político y social actual.
PING PONG
La Asociación de Arte de Los Ángeles se enorgullece de presentar PING PONG, una colaboración intercultural de múltiples destinos con artistas de Los Ángeles, Miami y Basilea. PING PONG es un proyecto de exhibición independiente de arte contemporáneo fundado en 2007 para cultivar el intercambio artístico entre Basilea, Miami y Los Ángeles. Esto permite la colaboración entre los Artistas, así como la realización de trabajos específicos del sitio en la ubicación real.
El proyecto documenta, explora y estimula los esfuerzos artísticos de las ciudades. PING PONG muestra a los artistas Chung-Ping Cheng, Sharon Hardy, Sue Irion, Gershon Kreimer, Samuelle Richardson, Mette Tommerup y más. Esta iteración de PING PONG se lanza en el LA Art Show y viaja a Basilea durante Art Basel en junio y luego a Miami durante Art Basel Miami Beach.
La conexión es la solución: el arte de Dan Eldon
En una época de inmensa separación y aislamiento, los artistas tienen un papel crucial: conectarse. Dan Eldon fue un gran conector. Artista, aventurero, periodista y activista: Eldon utilizó su notable creatividad como un poder para el bien, un pegamento para unir un mundo desarticulado.
A través de la naturaleza trascendente del trabajo de Eldon, titulado «La conexión es la solución: el arte de Dan Eldon», exploramos la necesidad de unirnos con uno de los grandes activistas creativos de nuestro tiempo. El arte de Eldon ha inspirado a innumerables y se encuentra en muchas colecciones privadas prestigiosas, incluidas las de Diana Rockefeller, Bruce Weber, Madonna, Julia Roberts, Christiane Amanpour, Rodie O’Donnell, entre muchas otras.
Aiseborn: Pureza
El Paseo de Arte del Centro de Los Ángeles se complace en presentar Aiseborn: Purity, un mural envolvente patrocinado en parte por ArtsBrookfield que se completó en una actuación de pintura en vivo del artista durante el estreno de la noche de apertura del LA Art Show. La pieza de gran tamaño rinde homenaje a la cultura notable, resistente, diversa y ecléctica presente en la ciudad de Los Ángeles. Combinando elementos figurativos, estructuras cristalinas y patrones inspirados en mandalas, el artista de Los Ángeles Aiseborn explora construcciones matemáticas, misterios energéticos, así como el potencial de purificación y, en última instancia, transformación.
Escultura nómada: Ángel Ricardo Ricardo Ríos
El proyecto de Nomad Sculpture es la excusa para insistir en la tesis del Objeto como modelado del pensamiento. La escala de los objetos se utiliza como una seducción necesaria para captar la atención del espectador urbano y ocupado, para volver su atención hacia las artes y la naturaleza que lo rodea. Cada objeto mide alrededor de 26 pies de altura, su naturaleza inflable les brinda una facilidad de transporte, por lo que es posible cambiar de ubicación y jugar con su presencia en diferentes espacios públicos. Las esculturas se convierten en objetos deseados por los espectadores, llenos de vida y formas sexuales.
Defectuoso
El Centro de Fotografía de Los Ángeles se enorgullece de presentar Unsound, una exposición de varios artistas con fotógrafos de Los Ángeles y de todo el país. Unsound habla del esplendor y la fragilidad de nuestro planeta, nuestra psique humana y el tratamiento actual de las mujeres y las minorías en todo el mundo. El proyecto presenta el trabajo de varios artistas, algunos de los cuales han atravesado el mundo y otros han capturado sus vecindarios. Todos están usando sus lentes para representar la naturaleza delicada de su entorno y la naturaleza tenue de la existencia humana.
Sede
El LA Art Show está estratégicamente ubicado en el epicentro dinámico de la ciudad, el Centro de Convenciones de Los Ángeles es el lugar verde tecnológicamente más avanzado del sur de California, con techos altos y un amplio espacio. Con conveniente acceso a LA LIVE de renombre mundial, los premios Grammy, el Museo Grammy y un impresionante complejo de entretenimiento que incluye el Nokia Theatre, el Staples Center Arena, los mejores restaurantes y The Ritz Carlton Hotel and Residences. Los mecenas de las artes conducen con gusto al centro de Los Ángeles para disfrutar de lo mejor en música clásica (Disney Hall), teatro (Mark Taper y Ahmanson) y arte contemporáneo (MOCA, Art District).