Los Ángeles Art Show es una exposición de arte enciclopédico internacional, la muestra de arte contemporáneo internacional más completa de Estados Unidos. La 20a Exposición Anual de Arte de Los Ángeles, que se llevó a cabo del 14 al 18 de enero de 2015 en el Centro de Convenciones de Los Ángeles, como la plataforma más grande y más antigua de bellas artes modernas, contemporáneas, históricas y tradicionales, reunió a más de 120 galerías que representan a 22 países. exhibiendo pintura, escultura, trabajos en papel, instalación, fotografía, diseño, video y performance.
LA Art Show se ha convertido en la plataforma de arte más diversa internacionalmente en el mundo occidental, atrayendo a los grupos más grandes de galerías coreanas, chinas y japonesas fuera de Asia. LA Art Show ha desarrollado activamente su oferta de galerías internacionales para brindar a los coleccionistas una oportunidad única de detectar tendencias internacionales y zeitgeist a través del arte, un medio que tiene la capacidad de trascender el lenguaje. La muestra presenta dos secciones distintas: la Sección Moderna y Contemporánea y la Sección Contemporánea Histórica y Tradicional.
Al celebrar su vigésimo aniversario, el espectáculo ha pasado de ser un pequeño evento regional a una de las plataformas de bellas artes más grandes y de mayor duración. El espectáculo de este año contó con una amplia gama de géneros artísticos, desde bellas artes hasta arte callejero y graffiti. Exposiciones especiales centradas en el trabajo internacional, destacando el arte contemporáneo chino, japonés y coreano.
Liderando las tendencias mundiales del arte, LA Art Show ha sido constantemente un terreno de pisotones para artistas consagrados, también es una plataforma de lanzamiento para que los talentos emergentes muestren lo que es ahora y lo que viene en el arte. Tres tendencias principales a lo largo de la muestra fueron el uso de colores monocromáticos, la experimentación con una variedad de medios y materiales para generar textura y obras que incorporan la ilusión del movimiento.
Además de ver las mejores obras expuestas, la entrada a la muestra también incluye la oportunidad de disfrutar de los estimulantes Dialogs LA, exposiciones especiales, instalaciones y representaciones de la muestra, con artistas, curadores, críticos y profesionales del arte de renombre internacional.
Más de 180,000 pies cuadrados de espacio de exhibición están dedicados a las galerías prominentes de la actualidad. Estas galerías nacionales e internacionales, más allá de sus stands, curan exhibiciones especiales que están a la vanguardia del floreciente movimiento de arte contemporáneo. La feria ofrece un extraordinario abanico de trabajos y experiencias en secciones especializadas.
LA Art Show 2015
Los Ángeles se ha convertido en un epicentro mundial del arte y la cultura, con una influencia multicultural distintiva y entretejida única en la ciudad. La diversidad es nuestra fuerza y el arte es más impactante cuando incluye o trasciende todas las fronteras. A medida que Los Ángeles se erige como el destino de arte de clase mundial, LA Art Show continúa liderando el camino con una programación innovadora y experiencias únicas para una audiencia de coleccionistas en expansión.
LA Art show es la experiencia artística internacional incomparable. En la muestra de 2015 ha refinado su enfoque creando una feria recién curada que ofrece a los visitantes y coleccionistas una nueva experiencia de arte alojada dedicada al arte moderno y contemporáneo. El espectáculo continúa evolucionando en una dirección nueva y emocionante que refleja cómo Los Ángeles está dejando su huella como un destino de arte de clase mundial en ascenso.
En los últimos años, LA Art Show se ha convertido en la plataforma de arte con mayor diversidad internacional en el mundo occidental, y ha atraído a los grupos más grandes de galerías coreanas, chinas y japonesas fuera de Asia. Hay de todo para todos, desde pintura contemporánea hasta técnica mixta e incluso obras tradicionales y representativas. Esta diversa y emocionante feria de arte está diseñada pensando en el verdadero coleccionista, mostrando muchos géneros y estilos artísticos para capturar la esencia del mercado del arte en constante evolución.
La feria se centra en América Latina y la Cuenca del Pacífico. El evento presenta una variedad de arte desde contemporáneo y moderno, hasta clásico y otras escenas artísticas especializadas que a menudo comandan sus propios espectáculos dedicados. Las presentaciones radiantes cobran vida gracias a una variedad de galerías que moldean la esfera artística de Los Ángeles como un espacio de expresión completamente accesible. La tradición y el prestigio de LA Art Show ya están plenamente consolidados en la ciudad y sus alrededores, lo que la convierte en una de las principales ferias americanas de arte contemporáneo.
LA Art Show adopta su papel como la feria de arte más importante de la región y surge como la celebración cívica anual de las artes visuales. El entusiasmo récord que lo rodea superó todas las expectativas y alienta a nuestro equipo a profundizar nuestra lista de galerías y buscar una nueva programación de arte emocionante. A medida que Los Ángeles ocupa su lugar como vanguardia de la escena artística mundial, nuestra capacidad para adaptarnos y evolucionar para satisfacer las tendencias actuales del mercado del arte es vital. El papel evolutivo de la feria de arte como punto de apoyo para el comercio de arte, conectando galerías, artistas, curadores y coleccionistas.
Reflejos
Moderno + Contemporáneo
La sección más grande de programación en LA Art Show, Modern + Contemporary exhibe el vasto espectro de pintura, ilustración, escultura y más contemporáneos de galerías en Los Ángeles, la Cuenca del Pacífico y países de todo el mundo.
Athier Mousawi – Athier Mousawi es un artista visual iraquí británico cuyo trabajo durante los últimos años se ha centrado en formar una narrativa visual entre los dos conceptos contradictorios. Cosmic Fluid I muestra un conjunto de secciones que se están separando y volviendo a ensamblar simultáneamente. La pieza representa una especie de movimiento cinético, fusionando estructuras geométricas y fluidas y formando una entidad desordenada pero armoniosa.
Peter Alexander – Peter Alexander, miembro del movimiento artístico Light and Space en el sur de California, es mejor conocido por su trabajo con resina fundida y esculturas de resina de poliuretano. Con 3 Black Blue Bars, Peter explora cuestiones de transparencia, repetición y óptica de colores monocromáticos. Desde el punto de vista de los espectadores, las 3 barras delgadas también tienen la ilusión de estar desenfocadas contra la pared blanca.
Ruth Weisberg – Las dramáticas litografías oníricas y los dibujos y pinturas de técnica mixta de Ruth Weisberg resuenan con un sentido del paso del tiempo. Sus estrategias distintivas de usar diferentes medios añaden un toque a cada pieza. Como se ve en Threshold, el dibujo sigue siendo la base de su trabajo, siendo utilizado en una escala íntima y monumental.
Andrew Myers – Andrew Myers crea piezas distintivamente únicas y realistas con el uso de miles de tornillos. Esta serie de retratos enfatiza la interacción y el contraste entre la luz y la sombra, creando una ilusión tridimensional dinámica. Cada tornillo se coloca manualmente (en diferentes longitudes) y se pinta, tratando así cada pieza como una escultura tradicional.
Littletopia
LA Art Show se asoció con galerías y organizaciones sin fines de lucro para presentar nuevas y audaces representaciones artísticas y continuó expandiendo las secciones de Littletopia y Street Art tanto en la feria como en eventos fuera del sitio para facilitar la creación de redes de distribuidores y coleccionistas y crear una sensación de inmediatez.
LA Art Show es un laberinto maníaco de estímulos visuales, secciones dispersas de representación internacional y distracciones seductoras. Es una sobrecarga sensorial. En el corazón de LA Art Show se encuentra un colectivo central de galerías contemporáneas que forman una comunidad de arte surrealista pop y vulgar en una sección de esquina conocida como Littletopia. Y en el corazón de Littletopia se encuentra la Galería Red Truck.
Los aspectos más destacados de la muestra incluyen obras de artistas conocidos como Baldessari, Ruscha y Picasso, pero la mayor parte del trabajo en exhibición es de desconocidos. Con un enfoque en el arte histórico, moderno y contemporáneo, la muestra casi no tiene ningún enfoque. LA Art Show es la feria de arte más ecléctica, la feria de arte más ecléctica del mundo que establece una alta calidad. Este programa realmente se trata de tener un amplio espectro, no se trata de cantidad, se trata de calidad.
Littletopia es un diálogo entre tradición y expresión contemporánea como con los artistas de Red Truck Gallery, Antena Estudio y Fifty24MX. Vemos la corrupción de íconos populares como con los artistas de Gauntlet Gallery y Thinkspace. El pulido desorden de las bellas artes como con los artistas de Spoke Art, Hashimoto Contemporary y Roq La Rue. Los artistas nos llaman desde las calles como los de Ace Gallery y Artists Republic 4 Tomorrow. Vemos lo absurdo de lo dulce y lo amargo de artistas como los que se encuentran en La Luz, Sloan Fine Art y Corey Helford.
Todas estas galerías en algún momento tienen o muestran todas estas variedades de artistas. Los conceptos, técnicas, mensajes y estilos dentro de Littletopia son tan diversos y siempre cambiantes como cualquier otra comunidad dentro de la sociedad. La esencia misma del arte lowbrow es excavar aún más bajo el subsuelo para recalibrar constantemente la frecuencia social para que no se vuelva estática. Es esta originalidad y diversidad lo que une a la comunidad de Littletopia.
Galería Red Truck: uno de los primeros objetos que podría haber llamado su atención en la Galería Red Truck fue la araña de tentáculos creada por el artista / fotógrafo con sede en Filadelfia, Adam Wallacavage. Adam se entrenó en el arte del enlucido ornamental tradicional, pero no siguió una ruta tradicional. Las criaturas hipnóticas de las aguas profundas nadaron en su imaginación y lo inspiraron a crear los candelabros de pulpo por los que se ha hecho tan famoso. Las criaturas de porcelana de Adam han iluminado los espacios de las galerías de todo el mundo desde San Paolo hasta Nueva York y han adornado las páginas de revistas como TIME.
Adam Wallacavage: más allá de esta fijación acuática se encuentra otra oscura obsesión: el ocultismo. Contra una pared está la obra de arte de Bryan Cunningham, inspirada en la práctica del hoodoo sureño. Cualquiera que haya arreglado una vela, hecho un tarro de miel o llevado una bolsa de mojo reconocería la inspiración de las pinturas de Bryan. La espiritualidad sudafricana americana es una amalgama de varias tradiciones africanas, siendo el hoodoo una de las tradiciones espirituales comunes que todavía se practican en los Estados Unidos. En el trabajo de Bryan, esta cultura sureña, única en Estados Unidos, se representa en las pinturas rústicas pero vibrantes que se asemejan a las obras de arte originales utilizadas en las botellas que se venden en boticarios hoodoo.
Bryan Cunningham – Moviéndose a lo largo de la pared están las pinturas de Evan B. Harris, quien en ocasiones a lo largo de la muestra trabajó en su arte. Evan es pintor, diseñador de muebles y artesano completo. En una discusión me explicó que mientras estaba envejeciendo una de sus propias pinturas, después de un tiempo tomó una de sus obras más antiguas y la modificó. Para él, una obra de arte nunca está terminada, o mejor dicho, que siempre tiene el potencial de transformarse. A medida que avanza hacia nuevas experiencias, ocasionalmente ve algo nuevo en una obra anterior y lo presenta en su propia evolución.
Evan B. Harris – Junto al trabajo de Evan estaba la fotografía de Ransom & Mitchell. Un tema circense muy oscuro, la fotografía recuerda a los circos ambulantes, espectáculos secundarios y vodevil. El entretenimiento a finales de 1800 y principios de 1900 no se pulía ni se filtraba. El uso de anormalidades humanas, a veces no realmente anormales sino culturalmente diferentes, fue el horror antes de que la pantalla grande obsesionara a todos los pueblos y aldeas. La oscuridad de los hechos es más extraña que la ficción que prevalece en las obras de Ransom & Mitchell en su serie Rough and Ready Sideshow.
Nuevos proyectos Eye-ACCD: una de las grandes cosas que Littletopia ofreció a la comunidad artística fue la oportunidad para que los exalumnos recientes de Art Center College of Design en Pasadena presentaran su trabajo en los nuevos proyectos Eye-ACCD. La oportunidad no fue solo para dar una plataforma para que los jóvenes artistas mostraran su trabajo, sino para que se involucraran con el público, ganaran experiencia discutiendo su trabajo, respondieran preguntas y se sintieran cómodos al ver que masas de personas reconocen o critican su trabajo. Pero no solo fueron arrojados a los lobos. Tuvieron a su profesor alentándolos y transmitiéndoles su sabiduría para involucrar las olas de emociones y pensamientos que un artista experimenta cuando se enfrenta a… la audiencia.
Fifty24mx: esta es una galería con sede en la Ciudad de México que presenta a Ericailcane, Saner, Miss Van, Mariana Magdaleno, Victor Castillo, Carl Cashman, Yoh Nagao, Ciler, Fidia Falaschetti y Meredith Dittmar. LA Art Show atrajo a una comunidad internacional y Littletopia también proporcionó una plataforma para que los artistas contemporáneos internacionales representaran sus culturas. Fifty24MX promueve a artistas de varios países, pero principalmente promueve a los artistas contemporáneos de México que están canalizando la esencia de la tradición mexicana en una encarnación moderna para una nueva generación.
Ciler: la distorsión de Ciler de las imágenes encontradas parece ser una mezcla de arte callejero y manipulaciones fotográficas de Andy Warhol. Están corrompidos y, sin embargo, son atractivos. Los colores son brillantes, no oscuros, como para evocar emoción en el deterioro, no desdicha. Hay una glamorosa liberación de energía que se encuentra en la disipación. La mayoría de nosotros podemos relacionarnos con esto desde nuestra juventud. ¿Cuántos de nosotros nos complacimos mientras nuestros veintes se disolvían en torno a nuestra depravación? Hay algo sexy en la experiencia de la ingenuidad, razón por la cual los jóvenes son el objetivo de las industrias corporativas.
Estas esculturas fueron originalmente antes de la Galería Copro, pero como atraían a una multitud tan consistentemente grande que deseaba tomar fotografías, las piezas se movieron justo afuera del bloque Littletopia para evitar que el pasillo central se congestionara. No es de extrañar que las esculturas de los dos artistas más reconocidos de todos los tiempos sean tan populares, entre otros artistas y fanáticos de su trabajo. Hasta el día de hoy, su trabajo todavía es admirado. Piense en lo bien que se ve esto en su propia galería de arte o encima de su repisa. Poder ver esculturas como esta puede garantizar que sus nombres sigan viviendo en los años venideros.
Spoke Art: esta galería hermana de Hashimoto Contemporary presentó el trabajo de Casey Weldon, Caia Koopman, y una pieza debut del dios del cartel de rock, Chuck Sperry, Maia. Sus carteles psicodélicos art nouveau tienen la cualidad única de congelar el movimiento de sus sujetos para comenzar a hacer girar tu mundo. Me recuerda a la escena de la cuchara en The Matrix. No es el póster de Chuck Sperry el que se dobla, es tu mente la que se dobla.
Chuck Sperry: la nativa de California, Caia Koopman, tiene un estilo de pintura característico que abarca el borde de una calle de la costa oeste. Todo Frankenstein necesita a su novia y las obras de Caia muestran un lado oscuro y astuto de la mística femenina. Fuertemente inspirada por las subculturas de tatuajes, surf y skate de California, su arte pinta una imagen de nuestra generación encontrando un lugar tranquilo en el caos. Las generaciones futuras miran hacia atrás a nuestra época y hacen referencia a obras coloridas como las de Caia para comprender nuestra conciencia espiritual urbana contemporánea.
Thinkspace: Thinkspace ofreció un regalo especial perfecto para la película Big Eyes recientemente estrenada al mostrar una pintura de Margaret Keane. El asalto vulgar de David a la cultura popular es a la vez humorístico y absurdo. La infame pareja de prima donna está envuelta en un ego jugoso en la pintura que retrata la reciente y controvertida sesión de fotos de Kim posando desnuda. En otro cuadro, David interpreta la mitología bastante moderna de Alicia en el país de las maravillas, exponiendo el cuento infantil por toda la corrupción de la inocencia que está preñada en su significado. Alicia en el país de las maravillas es bastante apropiada ya que en muchas de sus pinturas David ilustra una aventura en el caos. El comentario social apocalíptico abunda en íconos de celebridades, referencias cinematográficas, drogas y muchos otros opiáceos para las masas.
Hashimoto Contemporary: Hashimoto Contemporary que mostró obras de John Wentz, Jessica Hess y Erik Jones. La pintura de John Wentz, Totem, es difícil de pasar por alto. No solo es la pintura más grande en exhibición, es la más oscura en color y aparentemente en contenido. Con los ojos cerrados, su boca borrada por la pintura de color rojo pardusco que también está manchada sobre su forma suave, parece que toda la pintura ha sido magullada. Sin embargo, en los bordes hay una luz de color pálido, lo que muestra que este rojo no es el estado original de la atmósfera, sino que está sujeto a la condición de la mujer.
Erik Jones – También se exhibió una nueva pintura de Erik Jones para la exhibición de arte. En la pintura, un aura de trazos amplios geométricos crea un movimiento apresurado alrededor de un cráneo que grita, como si la emoción de este esqueleto sin vida surgiera de su mandíbula en vibraciones invisibles para el ojo, solo manifestadas por el pincel de Erik. Y como muchas de las pinturas de Erik, el tema central, ya sea una mujer o una calavera, está inacabado en lo que respecta a su cuerpo. Los trazos de colores casi sirven como un cuerpo etéreo que se transforma dentro o fuera de la forma física. Las representaciones realistas de la forma humana obstruidas por los choques de color son la representación de Erik de las identidades polarizadas: el equilibrio, o mejor aún, el compromiso del espíritu y el yo, la mente y el cuerpo, la forma y la imaginación.
Copro Gallery – Copro nos trajo las esculturas de Andy Warhol y Dali de Kazuhiro. También mostraron a Chet Zar, Odd Nerdrum, Chris Mars, Tokyo Jesus y Jim Mckenzie, todos los cuales, excepto Odd Nerdrum, presentan piezas en la próxima exhibición de Conjoined V de Copro. La oscuridad se hereda en el arte. Echa un vistazo más de cerca a la historia de los movimientos artísticos y descubrirás cómo prevaleció el lado oscuro en el crepúsculo de la transformación. Es durante este período de transición que tememos a los ‘monstruos’ del cambio, pero una vez que nos hemos acostumbrado a cambiar, son esos mismos monstruos los que redefinimos como el estándar de belleza.
Copro Gallery muestra los monstruos en las grotescas representaciones de artistas como Chet Zar y Tokyo Jesus, y sin embargo, estas piezas están bien ejecutadas. Son bellas artes. No son monstruos por el bien de los monstruos. Hay una filosofía detrás de cada pieza. Existe la intención de que el artista invirtiera en la obra. Tenemos que preguntarnos si el artista pretendía escandalizarnos o si el artista transformó su propia oscuridad en una obra de arte para revelarnos la alquimia de la emancipación psicológica a través de la expresión creativa.
Sloan Fine Art: propiedad y curada por Alix Sloan, la galería exhibió las obras de Jessicka Addams, Brad Woodfin, Elizabeth McGrath, Jonathan Viner, Eric Finzi, Susan Siegel y Casey Weldon. Entre la ex cantante de Jack Off Jill y Scarling, Jessicka Addams, y el infame Bloodbath McGrath, la fachada de inocencia que se esconde detrás de pasteles, lindos animales y niñas no es más que quitarle el disfraz de oveja al lobo. Incluso Susan Siegel juega con lo absurdo de las apariencias pintando a la clase burguesa como cerdos vestidos con sedas victorianas. El trabajo de Jessicka no es tanto la revelación de la ilusión como la liberación de la absolución.
Jessicka Addams: la exhibición de Sloan se expandió fuera del perímetro principal de Littletopia para acomodar las esculturas / pinturas de Mike Stilkey. Mike usa el lomo de los libros apilados como lienzo en varias obras que se exhiben en la exposición de arte. No solo fue creativo en el sentido de que uno podía desarmar el libro de pintura por libro, sino también en cómo arreglaba la pila como un escultor. Honestamente puedo decir que de la escultura con libros usados, Mike Stilkey es el maestro.
Antena Estudio – Antena Estudio, al igual que Fifty24MX, trabaja para representar las obras progresistas de artistas mexicanos contemporáneos con técnicas y formas artísticas tradicionales que distinguen la belleza de la cultura mexicana. La galería contó con obras muy llamativas de Gregorio Barrio, quien creó una serie de calaveras con cuentas, apoyando la intención de la galería de presentar obras que abarcan el arte folclórico tradicional huichol y el arte contemporáneo. Otra pieza que presentó la galería fue «Cuernavaca», de Andrés Basurto.
Andrés tiene una serie de esculturas de calaveras en mosaico creadas a partir de botellas de vino y cerveza de vidrio roto y masilla de resina. La relación de una cerveza o una botella de vino como un recipiente de una bebida alcohólica es muy apropiada para su uso para el vidrio como recipiente para el espíritu humano. Y lo que vemos es una pieza delicada que depende de la posición de la escultura que determina cómo se refleja la luz del cráneo. Como nuestros cuerpos son tan delicados y tan dependientes de cómo nos situamos para determinar cómo reflejamos la luz o proyectamos una sombra.
Roq La Rue GallerY – La galería con sede en Seattle Roq La Rue mostró las obras de Travis Louie, Chris Berens, Peter Furguson, Chie Yoshi, Jeff Jacobson, Femke Hiemstra y Sail. Las pinturas de Chris Berens tienen ese efecto de moverse hacia ti, ¿o es quizás una sensación de entrar en la pintura? Incluso antes de captar los múltiples temas integrados en la obra, el concepto se siente emocionalmente a través del desorden del éter turbio resaltado por puntos de luz. La atmósfera turbia es un misterio que se desarrolla.
La Luz de Jesus: La Luz de Jesus de Hollywood trajo su famosa experiencia en los pasillos al mostrar el trabajo de Charles Binger, Harold Fox, Scott Hove, Hudson Marquez, Annie Murphy-Robinson y José Rodolfo Loaiza Ontiveros. Christine Wu, Shaun Berke, Dave Lebow y Patrick V. McGrath Muñiz. El arco de la torta de Scott Hove fue la guinda del pastel de Littletopia, que enfatizó el tema congruente del contraste de lo dulce y lo amargo al incorporar ventanas del cielo y del infierno en el arco.
Después de entrar en la puerta de entrada oficial de la tarta de Littletopia y mirar a la derecha, encontrarás otra creación demoníaca de Scott Hove en el frente del stand de La Luz: Ride the Demon Slayer. Ride the Demon Slayer, un divertido paseo mecánico para niños completamente funcional y clásico, está totalmente equipado con una silla de montar con púas que lo hace no tan fácil de usar. Y, sin embargo, su capa de pintura púrpura brillante y su caja de monedas tachonada de gemas provocaron risas nerviosas de una audiencia que se sintió cómoda con la oscura alegría de Scott Hove, al darse cuenta de que su trabajo provocó la contemplación de su propio lado oscuro cuando se dieron cuenta.
Otro artista destacado presentado por La Luz fue Damien Echols, quien tuvo dos piezas expuestas, Talismán del éxito y Talismán del Arcángel Gabriel. Damien fue condenado a muerte en 1994 por el cargo de un delito que no cometió y pasó unos dieciocho años en prisión. Cuenta su historia en sus memorias en el bestseller del New York Times, Life After Death. Lo que cuenta en su obra de arte es otra ventana a su alma. Estos talismanes se utilizan en rituales de magia ceremonial. Son símbolos infundidos con el poder de intención investido por el creador, lo que me dice que, a pesar de las dificultades, Damien Echols pasó su tiempo en prisión desarrollando una profunda vida interior y comprensión de su voluntad.La historia trata sobre una persona condenada injustamente y que pasó casi dieciocho años de su vida en prisión para desarrollar sabiduría espiritual y liberarse dentro de su mente.
Ace Gallery – A la vuelta de la esquina de La Luz había un stand de Ace Gallery. Este stand fue uno de los tres que Ace Gallery tuvo en el LA Art Show, cada uno de ellos de tamaño variable. Su stand en Littletopia mostró obras de The Date Farmers, que es una colaboración entre Armando Lerma y Carlos Ramirez. Comparables a la representación de la cultura sureña estadounidense de Red Truck Gallery, los Date Farmers muestran la rústica cultura callejera mexicano-estadounidense del suroeste. El sueño americano ha sido una experiencia diferente para muchas clases de ciudadanos estadounidenses y los Date Farmers proyectan esta realidad al proyectarla sobre los recuerdos estadounidenses.
Gauntlet Gallery: al llevar figuras icónicas de Frida Kahlo a Frankestein, Fab Ciraolo las convierte en una versión punk moderna. Sin embargo, uno se pregunta si se trata de un comentario que muestra cómo los artistas de generaciones anteriores se reciclan a lo largo de las décadas, o tal vez describe cómo los artistas de generaciones anteriores se burlarían de lo que hemos hecho con el arte y la moda. Los artistas renovados en el trabajo de Ciraolo reflejan la esencia del glamour. El glamour no es bonito, es rebelión. Colorear dentro de las líneas e interpretar los estándares de otros está de moda, no es glamoroso. Los verdaderos decadentes a lo largo de la historia establecieron estándares, no los siguieron. Al utilizar artistas como Dali, Ciraolo une referencias contemporáneas con décadas históricas para redefinir la era de la decadencia, no es en blanco y negro. Eso’s matices de colores que se desvanecen entre sí para resaltarse entre sí.
Artists Republic 4 Tomorrow: esta galería del sur de California mostró a Zio Ziegler, Dennis McNett, Casey O’Connell, Rich Jacobs, Super Future Kid y Trace Mendoza. El trabajo de Zio Ziegler es un caos contenido físicamente, un orden desentrañado mentalmente. Su trabajo no tiene principio ni fin. Zio trabaja tanto en lienzos más pequeños como en exteriores urbanos más grandes. Sus pinturas son obras expresionistas neotribales, siendo tribales la psique o quizás el espíritu. Todos somos nativos de nuestra propia mente y las obras de Zio Ziegler evocan ese espíritu arcano pasajero de nuestra efímera moderna.
Corey Helford: esta galería de Santa Mónica que muestra a Ciou, D * Face, Eine, Hikari Shimoda, Natalia Fabia, Hush, Nouar, Buff Monster, Soey Milk y So Youn Lee. Sherri, directora de la galería, me presentó varias gemas, incluidas D * Face y Buff Monster. El arte de Buff Monster es justo lo que pensarías que sería: pequeños monstruos adorables. ¿Ves un tema de azúcar y especias en el arte contemporáneo? Los años 80 han terminado hace mucho tiempo y los demonios macabros oscuros han sido reemplazados por monstruos cubiertos de azúcar.
D * Face, una especie de neo-Lichtenstein, captura fantasmagorías clásicas de culto noiresco a través de pinturas y arte callejero. Lo que trae a colación un punto. Es posible que muchas galerías de LA Art Show no reconozcan o no aprueben el ascenso de artistas callejeros a galerías de bellas artes, a pesar de que Andy Warhol y Basquiat están en museos. Pero el LA Art Show de hecho ha mostrado un cambio de conciencia al traer más artistas callejeros, incluso fuera de la utopía de Littletopia. Las ciudades de todo el país ahora están contratando grafitis y artistas callejeros para pintar murales en los edificios. Esa voz clandestina ha surgido y Corey Helford está en la vanguardia de la revolución del arte transmitiendo ese mensaje.
Funciona en papel
Works on Paper es un espacio de exhibición dedicado para exhibir fotografías y otras obras que no están en lienzos tradicionales.
Espacio del proyecto
Procedentes de todo el mundo, los expositores de Project Space muestran una amplia gama de ideas y talentos en forma de exposiciones individuales, presentadas por las galerías participantes.
Exposiciones especiales
Expandiéndose más allá de los confines de los espacios de los stands, la programación destacada crea experiencias inmersivas para involucrar al público a través de obras de arte, actuaciones y otras exposiciones que invitan a la reflexión ofrecidas por las galerías participantes, destacando las obras de las que se habló en los años venideros.
Tansaekhwa, Corea | Seung Won Suh
Tansaekhwa se refiere a una de las pinturas monocromáticas coreanas y es uno de los movimientos artísticos más famosos e importantes provenientes de Asia del siglo XX. La exposición especial de LA Art Show, «Tansaekhwa I», que consta de dieciséis pinturas, fue la primera descripción general de este importante género. Simultaneity de Seung Won Suh presenta cuadrados superpuestos en aireados colores pastel que caen suavemente sobre un lienzo monocromático. Las geometrías parecen aparecer y desaparecer en el espacio, dando a la pieza una cualidad rítmica.
Relaja la ansiedad móvil | Pascual Sisto
Relax Mobile Anxiety presenta dos proyecciones de video que se enfrentan entre sí en una habitación oscura. Un flujo interminable de automóviles en forma de túnel pasa de una pantalla a otra, acercándose en blanco y retrocediendo en rojo. Estas imágenes caleidoscópicas opuestas crean un estado suspendido para el espectador, sin ir ni venir, en el espacio intermedio. La instalación permite al visitante experimentar la tranquilidad que podría ocurrir con una experiencia de conducción automatizada.
Sede
El LA Art Show está estratégicamente ubicado en el epicentro dinámico de la ciudad, el Centro de Convenciones de Los Ángeles es el lugar verde tecnológicamente más avanzado del sur de California, con techos altos y un amplio espacio. Con conveniente acceso a LA LIVE de renombre mundial, los premios Grammy, el Museo Grammy y un impresionante complejo de entretenimiento que incluye el Nokia Theatre, el Staples Center Arena, los mejores restaurantes y The Ritz Carlton Hotel and Residences. Los mecenas de las artes conducen con gusto al centro de Los Ángeles para disfrutar de lo mejor en música clásica (Disney Hall), teatro (Mark Taper y Ahmanson) y arte contemporáneo (MOCA, Art District).