Retrofuturismo

El retrofuturismo es una tendencia en las artes creativas que muestra la influencia de las representaciones del futuro producidas en una época anterior. Si «el futurismo a veces se llama una ‘ciencia’ decidida a anticipar lo que vendrá, el retrofuturismo es el recuerdo de esa anticipación». Caracterizado por una mezcla de estilos «retro» pasados ​​de moda con tecnología futurista, el retrofuturismo explora los temas de la tensión entre el pasado y el futuro, y entre los efectos alienantes y de empoderamiento de la tecnología. Principalmente reflejado en creaciones artísticas y tecnologías modificadas que realizan los artefactos imaginarios de su realidad paralela, el retrofuturismo se puede ver como «una perspectiva animadora del mundo». Pero también se ha manifestado en los mundos de la moda, la arquitectura, el diseño, la música, la literatura, el cine y los videojuegos.

Etimología
La palabra retrofuturismo combina ideas más recientes de nostalgia y retro con antiguas tradiciones del futurismo. Un uso temprano del término estaba en el título del libro Pelican de TR Hinchcliffe Retro-futurismo (Penguin, 1967). Un neologismo reciente, el término actual retrofuturismo fue utilizado por el estadounidense Lloyd Dunn en 1983, según la revista de arte marginal Retrofuturism, que se publicó entre 1988 y 1993.

Historiografía
El retrofuturismo se basa en ideas de futurismo, pero el último término funciona de manera diferente en diferentes contextos. En los círculos artísticos, literarios y de diseño de vanguardia, el futurismo es un término antiguo y bien establecido. Pero en su forma más popular, el futurismo (a veces denominado futurología) es «un optimismo temprano que se centró en el pasado y tuvo sus raíces en el siglo XIX, una» edad de oro «de principios del siglo XX que continuó hasta la década de 1960. Era espacial.»

En su libro de 1967, TR Hinchcliffe escribió: «La intención de este libro es examinar los principales temas recurrentes en las predicciones análogas y profecías del futuro de los hombres: desde la fantasía inspirada hasta las nociones basadas en hechos, su impacto cultural y científico, la brillantez [o de lo contrario] de esas ideas, y cómo están ahora en el aparente amanecer de nuestro futuro electrónico «.

El retrofuturismo se basa ante todo en nociones modernas pero cambiantes de «el futuro». Como señala Guffey, el retrofuturismo es «un neologismo reciente», pero «se basa en las visiones enfebrecidas de futuristas de colonias espaciales con automóviles voladores, sirvientes robóticos y viajes interestelares expuestos allí: donde los futuristas daban por hecho su promesa, surgió el retro-futurismo como una reacción más escéptica a estos sueños «. Tomó su forma actual en la década de 1970, un momento en que la tecnología estaba cambiando rápidamente. Desde el advenimiento de la computadora personal hasta el nacimiento del primer bebé probeta, este período se caracterizó por un cambio tecnológico intenso y rápido. Pero muchos en el público en general comenzaron a cuestionarse si la ciencia aplicada lograría su promesa anterior: que la vida mejoraría inevitablemente a través del progreso tecnológico. A raíz de la Guerra de Vietnam, las depredaciones ambientales y la crisis energética, muchos comentaristas comenzaron a cuestionar los beneficios de la ciencia aplicada. Pero también se preguntaban, a veces con asombro, a veces en confusión, sobre el positivismo científico demostrado por generaciones anteriores. El retrofuturismo «se filtró en la cultura académica y popular en las décadas de 1960 y 1970», combinando la Guerra de las Galaxias de George Lucas y las pinturas del artista pop Kenny Scharf «. Examinando el futurismo optimista de principios del siglo XX, los historiadores Joe Corn y Brian Horrigan recuerdan que el retrofuturismo es «una historia de una idea, o un sistema de ideas, una ideología». El futuro, o curso, no existe excepto como un acto de creencia o imaginación «.

Características
El retrofuturismo incorpora dos tendencias superpuestas que pueden resumirse como el futuro visto desde el pasado y el pasado visto desde el futuro.

La primera tendencia, el retrofuturismo propiamente dicho, está directamente inspirada en el futuro imaginado que existía en la mente de escritores, artistas y cineastas en el período anterior a 1960 que intentaban predecir el futuro, ya sea en proyecciones serias de la tecnología existente (por ejemplo, en revistas como Ciencia e Invención) o en novelas e historias de ciencia ficción. Tales visiones futuristas se restauran y actualizan por el momento, y ofrecen una imagen nostálgica y contrafactual de lo que el futuro podría haber sido, pero no lo es.

La segunda tendencia es la inversa de la primera: retro futurista. Comienza con el atractivo retro de los viejos estilos de arte, vestimenta, costumbres y luego injerta tecnologías modernas o futuristas en él, creando una mezcla de elementos pasados, presentes y futuros. Steampunk, un término que se aplica tanto a la retroyección de la tecnología futurista en una época victoriana alternativa, como a la aplicación de estilos neo-victorianos a la tecnología moderna, es una versión altamente exitosa de esta segunda tendencia. En la película Space Station 76 (2014), la humanidad ha alcanzado las estrellas, pero la ropa, la tecnología, los muebles y, sobre todo, los tabúes sociales recuerdan mucho a mediados de los años setenta.

En la práctica, las dos tendencias no se pueden distinguir claramente, ya que contribuyen mutuamente a visiones similares. El retrofuturismo del primer tipo está inevitablemente influido por la conciencia científica, tecnológica y social del presente, y las creaciones modernas retrofuturistas nunca son simplemente copias de sus inspiraciones anteriores a 1960; más bien, se les da un nuevo giro (a menudo irónico o irónico) al ser vistos desde una perspectiva moderna.

De la misma manera, el retro futurista debe mucho de su sabor a la ciencia ficción temprana (por ejemplo, las obras de Julio Verne y HG Wells), y en una búsqueda de autenticidad estilística puede seguir recurriendo a escritores y artistas del período deseado.

Ambas tendencias retrofuturistas en sí mismas no se refieren a un tiempo específico. Cuando se proporciona un período de tiempo para una historia, podría ser un presente contrafáctico con tecnología única; una versión fantástica del futuro; o un pasado alternativo en el que las invenciones imaginarias (ficticias o proyectadas) del pasado fueron realmente reales. Los ejemplos incluyen la película Sky Captain y World of Tomorrow, ambientada en un imaginario de 1939, y la franquicia de The Rocketeer, ambientada en 1938, que también son ejemplos del género conocido como dieselpunk. La serie de comedia animada Archer de Adam Reed también se desarrolla en un mundo estético retrofuture.
La importación de retrofuturismo ha sido debatida durante los últimos años. Algunos, como el crítico de arquitectura alemán Niklas Maak, ven el retrofuturismo como «nada más que un ciclo de retroalimentación estética que recuerda una creencia perdida en el progreso, las viejas imágenes de lo que una vez fue radicalmente nuevo». Bruce McCall llama al retrofuturismo una «falsa nostalgia»: la nostalgia de un futuro que nunca sucedió.

Temas
Aunque el retrofuturismo, debido a los diferentes períodos de tiempo y visiones futuristas a las que alude, no proporciona un propósito o experiencia temática unificada, un hilo común es la insatisfacción o la incomodidad con el presente, al cual el retrofuturismo proporciona un contraste nostálgico.

Uno de esos temas es la insatisfacción con el futurismo moderno. En algunos aspectos, una extrapolación del presente al futuro produce resultados decepcionantes o incluso espantosos, ejemplificados en el cyberpunk y otros futuros distópicos a menudo caracterizados por la superpoblación, la degradación ambiental, la degradación social y la transferencia de poder a entidades o gobiernos privados que no rinden cuentas. Comparado con tales imaginaciones del futuro, el retrofuturismo sugiere un mundo que puede ser más cómodo o al menos más capaz de ser entendido mientras evoca «la nostalgia de un tiempo de esperanza y romance».

Un tema similar es la insatisfacción con el mundo moderno en sí. Un mundo de transporte aéreo de alta velocidad, computadoras y estaciones espaciales es (por cualquier estándar anterior) ‘futurista’; sin embargo, la búsqueda de futuros alternativos y quizás más prometedores sugiere una sensación de que el futuro deseado o esperado no se ha materializado. El retrofuturismo sugiere un camino alternativo, y además de la nostalgia pura, puede actuar como un recordatorio de los ideales más antiguos pero ahora olvidados. Esta insatisfacción también se manifiesta como comentario político en la literatura retrofuturista, en la que la nostalgia visionaria está paradójicamente vinculada a un futuro utópico modelado según valores conservadores como se ve en el ejemplo del uso de la estética de BioShock por Fox News en una transmisión de 2014.

El retrofuturismo también implica una reevaluación de la tecnología. A diferencia del rechazo total de la tecnología post-medieval que se encuentra en la mayoría de los géneros fantásticos, o la adopción de todas las tecnologías posibles encontradas en algunos ciencia ficción, el retrofuturismo exige una tecnología a gran escala, comprensible a escala humana, susceptible de retoques y menos opaca que tecnología moderna de caja negra.

El retrofuturismo no es universalmente optimista, y cuando sus puntos de referencia se refieren a períodos sombríos como la Segunda Guerra Mundial o la paranoia de la Guerra Fría, puede volverse sombrío y distópico. En tales casos, la realidad alternativa inspira miedo, no esperanza, aunque aún puede estar acompañada de nostalgia por un mundo de mayor transparencia moral y mecánica.

Géneros
Los géneros de retrofuturismo incluyen Cyberpunk, Steampunk, Dieselpunk, Atompunk y Raygun Gothic, cada uno refiriéndose a una tecnología de un período de tiempo específico.

El primero de ellos nombrado y reconocido como su propio género fue el cyberpunk, originado desde principios hasta mediados de la década de 1980 en la literatura con las obras de Bruce Bethke, William Gibson, Bruce Sterling y Pat Cadigan. Su entorno es casi siempre un futuro distópico, con un fuerte énfasis ya sea en forajidos pirateando la maquinaria del mundo futurista (a menudo computadoras y redes de computadoras), o incluso en escenarios post-apocalípticos. La variante post-apocalíptica es la que generalmente se asocia con retrofuturismo, donde los personajes se basarán en una mezcla de tecnologías antiguas y nuevas. Además, synthwave y vaporwave son avivamientos nostálgicos, humorísticos y a menudo retrofuturistas de la estética cyberpunk temprana.

El segundo en ser nombrado y reconocido fue steampunk, a fines de la década de 1980. En general es más optimista y más brillante que el cyberpunk, ambientado en una historia alternativa que se parece mucho a nuestro largo siglo XIX, desde la Regencia hasta 1914, solo que las tecnologías del siglo XX o incluso futuristas se basan en el poder del vapor. Los temas de género también suelen incluir referencias a la electricidad como una fuerza misteriosa que hasta ahora se considera la fuente de poder utópica del futuro y que a veces incluso se considera poseedora de poderes curativos místicos (al igual que la energía nuclear en el medio del siglo 20). El género a menudo se parece mucho a los romances científicos originales y novelas utópicas de los predecesores del género HG Wells y Julio Verne, y comenzó en su forma moderna con literatura como Titus Alone de Mervyn Peake (1959), Queen Victoria’s Bomb de Ronald W. Clark (1967), La serie de Michael Moorcock A Nomad of the Time Streams (1971-1981), KW Jeter’s Morlock Night (1979), y William Gibson y Bruce Sterling’s The Difference Engine (1990), y con películas como The Time Machine (1960) o Castle in el cielo (1986). Un ejemplo temprano notable de steampunk en los comics es la serie de novelas gráficas franco-belgas Les Cités obscures, iniciada por sus creadores François Schuiten y Benoît Peeters a principios de los años ochenta. En ocasiones, el steampunk como género se cruza con el del extraño oeste.

El género retrofuturista más recientemente nombrado y reconocido es dieselpunk aka decadence (el término dieselpunk a menudo se asocia con una forma y decodificación más pulp, llamada así por el movimiento de arte contemporáneo de Art Deco, con una forma más sofisticada), ambientada en versiones alternativas de un Era localizada alrededor de los años 1920-1950. Los primeros ejemplos incluyen los álbumes conceptuales de los años 70, sus diseños y materiales de marketing de la banda alemana Kraftwerk (ver abajo), el personaje de cómic Rocketeer (apareció por primera vez en su propia serie en 1982), la serie de videojuegos Fallout y películas como como Brasil (1985), Batman (1989), The Rocketeer (1991), Batman Returns (1992), The Hudsucker Proxy (1994), The City of Lost Children (1995) y Dark City (1998). Especialmente el extremo inferior del género imita fuertemente la literatura pulp de la época (como la película Sky Captain y el mundo del mañana de 2004), y las películas del género a menudo hacen referencia a los estilos cinematográficos del cine negro y el expresionismo alemán. A veces, el género se superpone con el género de historia alternativa de una Segunda Guerra Mundial diferente, como con una victoria del Eje.

Diseño y artes
Aunque vagamente relacionado con el futurismo de principios del siglo XX, el retrofuturismo se basa en una amplia gama de fuentes. Sin duda, el arte y la literatura retrofuturista a menudo provienen de fábricas, edificios, ciudades y sistemas de transporte de la era de la máquina. Pero se podría decir que la visión futurista del siglo XX encontró su máxima expresión en el desarrollo del diseño Googie o Populuxe. Tal como se aplica a la ficción, esta marca de estilo visual retrofuturista comenzó a tomar forma en el cuento de William Gibson «The Gernsback Continuum». Aquí y en todas partes se lo conoce como Raygun Gothic, un término general para un estilo visual que incorpora varios aspectos de los estilos arquitectónicos Googie, Streamline Moderne y Art Deco cuando se aplica a entornos retrofuturistas de ciencia ficción.

Aunque Raygun Gothic es más similar al estilo Googie o Populuxe y, a veces, sinónimo de él, el nombre se aplica principalmente a imágenes de ciencia ficción. El estilo también sigue siendo una opción popular para la ciencia ficción retro en películas y videojuegos. Las principales influencias de Raygun Gothic incluyen los escenografías de Kenneth Strickfaden y Fritz Lang. El término fue acuñado por William Gibson en su historia «The Gernsback Continuum»: «Cohen nos presentó y explicó que Dialta [un conocido historiador del pop-art] fue el principal impulsor del último proyecto Barris-Watford, una historia ilustrada de lo que ella llamado ‘American Streamlined Modern’. Cohen lo llamó ‘raygun Gothic’. Su título de trabajo era The Airstream Futuropolis: The Tomorrow That Never Was «.

Aspectos de esta forma de retrofuturismo también pueden asociarse a finales de los años setenta y principios de los ochenta, el renacimiento neoconstructivista que surgió en los círculos del arte y el diseño. Diseñadores como David King en el Reino Unido y Paula Scher en los EE. UU. Imitaron el aspecto fresco y futurista de la vanguardia rusa en los años posteriores a la Revolución Rusa.

Con tres de sus álbumes de 1970, la banda alemana Kraftwerk aprovechó una visión retrofuturista más amplia al combinar su música electrónica pionera y futurista con imágenes nostálgicas. El retro-futurismo de Kraftwerk en su lenguaje visual de los años setenta fue mencionado por el crítico literario alemán Uwe Schütte, un lector de la Universidad de Aston, Birmingham, como «claro estilo retro», y en el documental de tres horas 2008 Kraftwerk y la revolución electrónica, El estudioso de la música irlandés-británica Mark J. Prendergast se refiere a la peculiar «nostalgia del futuro» de Kraftwerk que hace referencia claramente a «una Alemania [de guerra] progresista que nunca fue pero pudo haber sido, y ahora [debido a su influencia como banda] Vuelve a pasar». La historiadora del diseño Elizabeth Guffey ha escrito que si la imaginería de Kraftwerk se desprendía de motivos de diseño rusos que alguna vez se consideraron futuristas, también presentaban una «convincente, aunque algo escalofriante, visión del mundo en la que el éxtasis musical se vuelve frío, mecánico y preciso. »
Los tres álbumes retrofuturistas de Kraftwerk son:

El álbum Radio-Activity de Kraftwerk de 1975 mostró una radio contemporánea de los años 30 en la portada, su incrustación (que para su posterior reedición de CD se expandió ampliamente como un folleto ilustrado con el mismo estilo nostálgico) mostró a la banda fotografiada en blanco y negro con trajes y peinados a la moda, y la música en su instrumentación, así como sus letras ambiguas eran (además del otro tema obvio de decaimiento nuclear y energía nuclear referenciado por el juego de palabras titular del álbum) en homenaje a las «Estrellas de Radio», ese es el pioneros de la música electrónica de la primera mitad del siglo XX, como Guglielmo Marconi, Léon Theremin, Pierre Schaeffer y Karlheinz Stockhausen (por quienes la banda se refería a sí misma como la «segunda generación» de la música electrónica).

La versión europea del álbum 1977 de la banda Trans-Europe Express tenía una foto en blanco y negro similar a la de los miembros de la banda de la década de 1930 (la versión estadounidense incluso tenía una tapa de una fotografía de color de estilo vintage al estilo de Golden Age Estrellas de Hollywood), el estilo del diseño de la manga, así como el diseño del material promocional vinculado con el álbum fueron influenciados por Bauhaus, Art Deco y Streamline Moderne, el disco llegó con un gran póster en blanco y negro pintado a mano los miembros de la banda en trajes de estilo de principios de 1930 (donde el miembro de la banda Karl Bartos dijo más tarde en Kraftwerk y Electronic Revolution que su intención era asemejarse visualmente a «una orquesta de cuerdas de entreguerras electrificada» y que el fondo debía ser una Suiza pictórica donde la banda estaba haciendo una parada de descanso entre dos partes de su gira europea en el mismo nombre Trans-Europe Express), la letra de la canción hacía referencia a la «elegancia y decadencia» de una Europa urbana de entreguerras, y en el pro clip de mo hecho para la canción del título del álbum (filmado en blanco y negro a propósito) y otro material promocional, el epónimo Trans-Europe Express fue retratado por el Schienenzeppelin primero empleado por el Deutsche Reichsbahn en 1931 (las imágenes del original grande se usaron en tomas al aire libre, y un modelo en miniatura de la misma se utilizó para disparos donde el TEE se movió a través de un paisaje urbano futurista que recuerda fuertemente a la película Metropolis de 1927 de Fritz Lang).

El diseño de la portada y la manga del álbum de 1978 The Man-Machine exhibe un evidente guiño estilístico al Constructivismo de los artistas de 1920 como El Lissitzky, Alexander Rodchenko y László Moholy-Nagy (debido a que los miembros de la banda también lo denominaron » el álbum ruso «), y una canción hace referencia a la película Metropolis nuevamente. A partir de este álbum, Kraftwerk también usaría sus «maniquíes de sala de exposición» al estilo de robots en el escenario y en material promocional y aumentaría el uso de maquillaje ligeramente campeche en miembros de la banda que también se asemejaba al maquillaje expresionista de los años 20 que menor grado ya había aparecido en el material promocional de su álbum 1977 Trans-Europe Express.
Desde su álbum de 1981 Computer World en adelante, Kraftwerk ha abandonado en gran medida sus nociones retro y aparece principalmente futurista solamente. Las únicas referencias a su estilo retro anterior aparecen hoy en extractos de sus clips promocionales de los años 70 que se proyectan entre segmentos más modernos en sus representaciones teatrales durante la ejecución de esta vieja canción.

Moda
La ropa futurista es una visión imaginaria particular de la ropa que se puede usar en un futuro lejano, que se encuentra típicamente en las películas de ciencia ficción y ciencia ficción de la década de 1940 en adelante, pero también en el periodismo y otras culturas populares. Las prendas que se visualizan suelen ser prendas de una sola pieza, prendas ajustadas a la piel, o ambas cosas, que terminan luciendo como monos o mallas, que a menudo se usan junto con botas de plástico. En muchos casos, existe la suposición de que la vestimenta del futuro será altamente uniforme.

El cliché de la ropa futurista ahora se ha convertido en parte de la idea del retrofuturismo. La moda futurista juega con estos estereotipos ahora trillados, y los recicla como elementos en la creación de modas de ropa del mundo real.

«De hecho, hemos visto este aspecto arrastrándose en la pista de aterrizaje ya en 1995, aunque no ha sido muy popular ni aceptable desde el 2008», dijo Brooke Kelley, editora de modas y escritora de la revista Glamour. «Durante los últimos 20 años, la moda ha revisado los tiempos del pasado, década tras década, y lo que estamos viendo ahora es una combinación de diferentes épocas en una apariencia completa. La moda del futuro es un estilo más allá de todo lo que hemos atrevido a usar. , y va a ser un paraíso para el creador de tendencias «.

Arquitectura
El retrofuturismo ha aparecido en algunos ejemplos de arquitectura postmoderna. Para críticos como Niklas Maak, el término sugiere que el «estilo futuro» es «una mera cita de su propia tradición iconográfica» y el retrofuturismo es poco más que «un ciclo de retroalimentación estética». En el ejemplo que se ve a la derecha, la parte superior del El edificio no está destinado a integrarse con el edificio, sino más bien a aparecer como un objeto separado: un gran barco espacial parecido a un platillo volante, incidentalmente unido a un edificio convencional. Parece que esto no pretende evocar un futuro ni remotamente posible, sino más bien una imaginación pasada de ese futuro, o un reembalaje de la visión futurista de la arquitectura de Googie.

El otrora futurista Los Angeles International Airport Theme Building se construyó en 1961 como una expresión de las nuevas eras del jet y del espacio, incorporando lo que más tarde se conocería como los elementos de diseño de Googie y Populuxe. Los planes revelados en 2008 para la expansión de LAX incluyeron temas retrofuturistas de platillo volante / nave espacial en propuestas para nuevas terminales y explanadas.

Videojuegos
El retrofuturismo también se ha aplicado a los videojuegos, como los siguientes:

Alien: Aislamiento
BioShock
Cielos carmesís
Caer
Far Cry 3: Blood Dragon
Grim Fandango
Grand Theft Auto 2
Metal Gear
Observador
Presa
Resistencia
Cambio de hora
Wasteland 2
Somos felices pocos
Wolfenstein
X-Com: Apocalipsis

Música
El video musical de la banda canadiense Alvvays, «Dreams Tonite», que incluye imágenes de archivo de la Expo 67 de Montreal, fue descrito por la banda como «fetichizante retro-futurismo».