Música renacentista

La música renacentista es música vocal e instrumental escrita y representada en Europa durante la época del Renacimiento. El consenso entre los historiadores de la música ha sido comenzar la era alrededor de 1400, con el final de la época medieval, y cerrarla alrededor de 1600, con el comienzo del período barroco, por lo tanto, comenzando el Renacimiento musical alrededor de cien años después del comienzo de la Renacimiento como se entiende en otras disciplinas. Como en las otras artes, la música de la época fue significativamente influenciada por los desarrollos que definen el período moderno temprano: el surgimiento del pensamiento humanista; la recuperación del patrimonio literario y artístico de la Antigua Grecia y la Antigua Roma; mayor innovación y descubrimiento; el crecimiento de las empresas comerciales; el surgimiento de una clase burguesa; y la Reforma Protestante. De esta sociedad cambiante surgió un lenguaje musical común y unificador, en particular, el estilo polifónico (esto significa música con múltiples melodías independientes ejecutadas simultáneamente) de la escuela franco-flamenca, cuyo mayor maestro fue Josquin des Prez.

La invención de la imprenta en 1439 hizo que fuera más barato y fácil distribuir música y textos de teoría musical a una escala geográfica más amplia y para más personas. Antes de la invención de la impresión, las canciones y la música que se escribieron y los textos de teoría musical tuvieron que copiarse a mano, un proceso costoso y lento. La demanda de música como entretenimiento y como una actividad de ocio para aficionados educados aumentó con la aparición de una clase burguesa. La difusión de chansons, motetes y masas en toda Europa coincidió con la unificación de la práctica polifónica en el estilo fluido que culminó en la segunda mitad del siglo XVI en la obra de compositores como Giovanni Pierluigi da Palestrina, Orlande de Lassus, Thomas Tallis y William Byrd. La relativa estabilidad política y la prosperidad en los Países Bajos, junto con un floreciente sistema de educación musical en las muchas iglesias y catedrales del área, permitieron el entrenamiento de un gran número de cantantes, instrumentistas y compositores. Estos músicos fueron muy buscados en toda Europa, particularmente en Italia, donde las iglesias y las cortes aristocráticas los contrataron como compositores, artistas y maestros. Dado que la imprenta facilitó la difusión de la música impresa, a finales del siglo XVI, Italia había absorbido las influencias musicales del norte con Venecia, Roma y otras ciudades convirtiéndose en centros de actividad musical. Esto revirtió la situación de cien años antes. La ópera, un género teatral escenificado en el que los cantantes se acompañan de instrumentos, surgió en este momento en Florencia. Opera se desarrolló como un intento deliberado de resucitar la música de la antigua Grecia (OED 2005).

La música se liberaba cada vez más de las restricciones medievales, y se permitía una mayor variedad en el rango, el ritmo, la armonía, la forma y la notación. Por otro lado, las reglas de contrapunto se volvieron más limitadas, particularmente con respecto al tratamiento de las disonancias. En el Renacimiento, la música se convirtió en un vehículo para la expresión personal. Los compositores encontraron formas de hacer que la música vocal sea más expresiva de los textos que estaban creando. La música secular (música no religiosa) absorbió técnicas de la música sacra y viceversa. Las formas seculares populares como la chanson y el madrigal se extendieron por toda Europa. Los tribunales emplearon intérpretes virtuosos, tanto cantantes como instrumentistas. La música también se hizo más autosuficiente con su disponibilidad en forma impresa, que existe por sí misma. Versiones precursoras de muchos instrumentos modernos familiares (incluidos el violín, la guitarra, el laúd y los instrumentos de teclado) se desarrollaron en nuevas formas durante el Renacimiento. Estos instrumentos fueron modificados para responder a la evolución de las ideas musicales, y presentaron nuevas posibilidades para que los compositores y músicos exploren. También aparecieron formas tempranas de instrumentos modernos de viento de viento y metal como el fagot y el trombón; ampliando el rango de color sónico y aumentando el sonido de conjuntos instrumentales. Durante el siglo XV, el sonido de tríadas completas (acordes de tres notas) se hizo común, y hacia finales del siglo XVI el sistema de modos de iglesia comenzó a desmoronarse por completo, dando paso a la tonalidad funcional (el sistema en el que las canciones y las piezas se basan en “teclas” musicales), que dominarían la música artística occidental durante los siguientes tres siglos.

Desde la época del Renacimiento, la música secular y sacra notada sobrevive en cantidad, incluyendo obras vocales e instrumentales y obras vocales / instrumentales mixtas. Una enorme diversidad de estilos musicales y géneros floreció durante el Renacimiento. Estos pueden escucharse en grabaciones realizadas en los siglos 20 y 21, incluyendo misas, motetes, madrigales, chansons, canciones acompañadas, bailes instrumentales y muchos otros. A partir de finales del siglo XX, se formaron numerosos conjuntos de música antigua. Los grupos de música antigua especializados en música de la época del Renacimiento dan giras de conciertos y hacen grabaciones, utilizando reproducciones modernas de instrumentos históricos y utilizando estilos de canto y ejecución que los musicólogos creen que se usaron durante la época.

Visión de conjunto
Una de las características más pronunciadas de la música artística europea primitiva del Renacimiento fue la creciente dependencia del intervalo del tercero y su inversión, el sexto (en la Edad Media, los tercios y los sextos se habían considerado disonancias, y solo los intervalos perfectos se trataron como consonancias : el cuarto perfecto, el quinto perfecto, la octava y el unísono). Polyphony – el uso de múltiples líneas melódicas independientes, realizadas simultáneamente – se volvió cada vez más elaborado a lo largo del siglo XIV, con voces altamente independientes (tanto en la música vocal como en la música instrumental). El comienzo del siglo 15 mostró la simplificación, con los compositores a menudo luchando por la suavidad en las partes melódicas. Esto fue posible debido a un mayor rango vocal en la música: en la Edad Media, el estrecho rango hacía necesario el cruce frecuente de las partes, lo que requería un mayor contraste entre ellas para distinguir las diferentes partes. El modal (a diferencia del tonal, también conocido como “clave musical”, un enfoque desarrollado en la posterior era de la música barroca, hacia 1600-1750), las características de la música renacentista comenzaron a desmoronarse hacia el final del período con el uso creciente. de movimientos de raíz de quintas o cuartas (ver el “círculo de quintas” para más detalles). Un ejemplo de una progresión de acordes en la que las raíces de acordes se mueven por el intervalo de un cuarto sería la progresión de acordes, en la tecla de Do mayor: “D menor / Sol mayor / Do mayor” (todas son tríadas; acordes). El movimiento desde el acorde de D menor al acorde de G mayor es un intervalo de un cuarto perfecto. El movimiento desde el acorde de G Major al acorde de C Major también es un intervalo de un cuarto perfecto. Esto luego se convirtió en una de las características definitorias de la tonalidad durante la época del Barroco.

Las principales características de la música renacentista son (Fuller 2010):

Música basada en modos.
Textura más rica, con cuatro o más partes melódicas independientes que se realizan simultáneamente. Estas líneas melódicas entrelazadas, un estilo llamado polifonía, es una de las características definitorias de la música renacentista.
Mezcla, en lugar de contraste, líneas melódicas en la textura musical.
La armonía que ponía una mayor preocupación en el flujo suave de la música y su progresión de acordes.
El desarrollo de la polifonía produjo los cambios notables en los instrumentos musicales que marcan musicalmente el Renacimiento de la Edad Media. Su uso fomentó el uso de conjuntos más grandes y exigió conjuntos de instrumentos que se combinarían en todo el rango vocal (Montagu nd).

Géneros
Las principales formas musicales litúrgicas (basadas en la iglesia) que permanecieron en uso durante todo el Renacimiento fueron misas y motetes, con algunos otros desarrollos hacia el final de la época, especialmente cuando los compositores de música sacra comenzaron a adoptar formas musicales seculares (no religiosas) (como el madrigal) para uso religioso. Las masas de los siglos XV y XVI tenían dos tipos de fuentes que se usaban, monofónicas (una línea de melodía) y polifónicas (líneas melódicas múltiples e independientes), con dos formas principales de elaboración, basadas en la práctica del cantus firmus o, comenzando en algún momento 1500, el nuevo estilo de “imitación generalizada”, en el cual los compositores escribirían música en la que las diferentes voces o partes imitarían los motivos melódicos y / o rítmicos ejecutados por otras voces o partes. Se utilizaron cuatro tipos principales de masas:

Masa de Cantus firmus (masa de tenor)
El cantus firmus / masa de imitación
La masa parafraseada
La masa de imitación (masa de parodia)
Las masas normalmente eran tituladas por la fuente de la que se tomaron prestados. La masa de Cantus firmus usa la misma melodía monofónica, usualmente extraída del canto y usualmente en el tenor y más a menudo en valores de nota más largos que las otras voces (Burkholder nd). Otros géneros sagrados fueron la madrigale spirituale y la laude.

Durante el período, la música secular (no religiosa) tuvo una distribución creciente, con una amplia variedad de formas, pero hay que ser cauteloso al suponer una explosión de variedad: dado que la impresión hizo la música más ampliamente disponible, mucho más ha sobrevivido de esta era que de la época medieval anterior, y probablemente una gran cantidad de música popular de finales de la Edad Media se pierde. La música secular era música que era independiente de las iglesias. Los principales tipos fueron el alemán Lied, la frottola italiana, la canción francesa, el madrigal italiano y el villancico español (Fuller 2010). Otros géneros vocales seculares incluyen la caccia, rondeau, virelai, bergerette, balada, musique mesurée, canzonetta, villanella, villotta y la canción del laúd. También aparecieron formas mixtas como el motete-chanson y el motete secular.

La música puramente instrumental incluía música de consorte para grabadoras o violines y otros instrumentos, y bailes para varios conjuntos. Los géneros instrumentales comunes fueron toccata, preludio, ricercar y canzona. Las danzas interpretadas por conjuntos instrumentales (o algunas veces cantadas) incluían basse danse (It. Bassadanza), tourdion, saltarello, pavane, galliard, allemande, courante, bransle, canarie, piva y lavolta. La música de muchos géneros podría organizarse para un solo instrumento como el laúd, la vihuela, el arpa o el teclado. Tales arreglos se llamaban intabulaciones (It. Intavolatura, Ger. Intabulierung).

Hacia el final del período, se escuchan los primeros precursores dramáticos de la ópera, como la monodia, la comedia madrigal y el intermedio.

Teoría y notación
Según Margaret Bent: “La notación del Renacimiento es poco prescriptiva según nuestros estándares [modernos], cuando se traduce a la forma moderna adquiere un peso prescriptivo que sobreespecifica y distorsiona su apertura original” (Bent 2000, p.25). Las composiciones del Renacimiento se anotaron solo en partes individuales; los puntajes fueron extremadamente raros y no se usaron barras de compás. Los valores de las notas generalmente son más grandes que los que se usan actualmente; la unidad primaria de latido fue la semibreve, o nota completa. Como había sido el caso desde el Ars Nova (ver música medieval), podría haber dos o tres de éstos para cada breve (una nota doblemente completa), que puede ser considerada como equivalente a la “medida” moderna, aunque era en sí mismo un valor de nota y una medida no lo es. La situación se puede considerar de esta manera: es lo mismo que la regla según la cual, en la música moderna, un cuarto de nota puede equivaler a dos corcheas o tres, que se escribirían como un “trillizo”. Según el mismo criterio, podría haber dos o tres de la siguiente nota más pequeña, la “mínima” (equivalente a la “media nota” moderna) para cada semibreve.

Estas diferentes permutaciones se llamaron “tempus perfecto / imperfecto” en el nivel de la relación breve-semibreve, “prolación perfecta / imperfecta” a nivel de la semibreve-minim, y existían en todas las combinaciones posibles entre sí. Tres a uno se llamaba “perfecto” y dos a uno era “imperfecto”. También existían reglas según las cuales las notas individuales podían dividirse a la mitad o duplicarse (“imperfectas” o “alteradas”, respectivamente) cuando estaban precedidas o seguidas por otras notas determinadas. Las notas con notas negras (como notas negras) ocurrieron con menos frecuencia. Este desarrollo de la notación mensural blanca puede ser el resultado del mayor uso de papel (en lugar de vitela), ya que el papel más débil fue menos capaz de resistir el rascado requerido para rellenar cabezas de nota sólidas; la notación de tiempos anteriores, escrita en pergamino, había sido negra. También se usaron rutinariamente otros colores y, posteriormente, notas rellenas, principalmente para hacer cumplir las imperfecciones o alteraciones antes mencionadas y para solicitar otros cambios rítmicos temporales.

Las alteraciones (p. Ej., Objetos punzantes añadidos, planos y naturales que cambian las notas) no siempre se especificaron, algo así como en ciertas anotaciones de digitación para instrumentos de la familia de la guitarra (tablaturas) de hoy. Sin embargo, los músicos del Renacimiento habrían sido altamente entrenados en el contrapunto diádico y poseían esta y otra información necesaria para leer correctamente una partitura, incluso si las alteraciones no estaban escritas. Como tal, “lo que la notación moderna requiere [alteraciones] habría sido entonces perfectamente evidente sin notación para un cantante versado en contrapunto “. (Ver musica ficta). Un cantante interpretaría su parte imaginando fórmulas cadenciales con otras partes en mente, y cuando cantaran juntas, los músicos evitarían octavas paralelas y quintas paralelas o alterarían sus partes cadenciales a la luz de las decisiones de otros músicos ( Bent 2000, p.25). Es a través de las tablaturas contemporáneas para varios instrumentos punteados que hemos obtenido mucha información sobre qué alteraciones fueron realizadas por los practicantes originales.

Para información sobre teóricos específicos, ver Johannes Tinctoris, Franchinus Gaffurius, Heinrich Glarean, Pietro Aron, Nicola Vicentino, Tomás de Santa María, Gioseffo Zarlino, Vicente Lusitano, Vincenzo Galilei, Giovanni Artusi, Johannes Nucius y Pietro Cerone.

Primer período (1400-1470)
Los compositores clave de la época temprana del Renacimiento también escribieron en un estilo medieval tardío, y como tales, son figuras de transición. Leonel Power (alrededor de 1370 o 1380 – 1445) fue un compositor inglés de las épocas de la música renacentista tardía y medieval. Junto con John Dunstaple, fue una de las principales figuras de la música inglesa a principios del siglo XV (Stolba 1990, p.140, Emmerson y Clayton-Emmerson 2006, 544). Power es el compositor mejor representado en el Old Hall Manuscript, una de las únicas fuentes intactas de música inglesa de principios del siglo XV. Power fue uno de los primeros compositores en establecer movimientos separados del Ordinario de la Misa que estaban temáticamente unificados y destinados a un funcionamiento contiguo. El Manuscrito del Antiguo Salón contiene su misa basada en la antífona Mariana, Alma Redemptoris Mater, en la cual la antífona se expresa literalmente en la voz del tenor en cada movimiento, sin adornos melódicos. Este es el único ajuste cíclico del Ordinario de masas que se le puede atribuir (Bent nd). Escribió ciclos de masas, fragmentos y movimientos individuales y una variedad de otras obras sagradas.

John Dunstaple (o Dunstable) (ca. 1390-1453) fue un compositor inglés de música polifónica de finales de la época medieval y principios del Renacimiento. Fue uno de los compositores más famosos activos a principios del siglo XV, casi contemporáneo de Power, y tuvo una amplia influencia, no solo en Inglaterra, sino en el continente, especialmente en el estilo en desarrollo de la Escuela de Borgoña. La influencia de Dunstaple en el vocabulario musical del continente era enorme, particularmente teniendo en cuenta la relativa escasez de sus obras (atribuibles). Fue reconocido por poseer algo nunca antes escuchado en la música de la Escuela de Borgoña: la contenance angloise (“el semblante inglés”), un término utilizado por el poeta Martin le Franc en su Le Champion des Dames. Le Franc agregó que el estilo influyó en Dufay y Binchois. Escribiendo unas décadas más tarde, hacia 1476, el compositor flamenco y teórico de la música Tinctoris reafirmó la poderosa influencia de Dunstaple, enfatizando el “nuevo arte” inspirado por Dunstaple. Tinctoris elogió a Dunstaple como fons et origo del estilo, su “fuente y origen”.

La contención anglosajona, aunque no fue definida por Martin le Franc, fue probablemente una referencia al rasgo estilístico de Dunstaple de usar la armonía triádica completa (acordes de tres notas), junto con un gusto por el intervalo del tercero. Suponiendo que había estado en el continente con el duque de Bedford, Dunstaple habría sido presentado al fauxbourdon francés; tomando prestadas algunas de las sonoridades, creó elegantes armonías en su propia música usando tercios y sextos (un ejemplo de un tercer intervalo son las notas C y E, un ejemplo de un sexto intervalo son las notas C y A). Tomados en conjunto, estos se consideran características definitorias de la música renacentista temprana. Muchos de estos rasgos pueden haberse originado en Inglaterra, echando raíces en la Escuela de Borgoña a mediados de siglo.

Debido a que se han encontrado numerosas copias de las obras de Dunstaple en manuscritos italianos y alemanes, su fama en toda Europa debe haber sido generalizada. De las obras que se le atribuyen, solo sobreviven unas cincuenta, entre ellas dos masas completas, tres secciones de masa conectadas, catorce secciones de masa individuales, doce motetes isorítmicos completos y siete configuraciones de antífonas marianas, como Alma redemptoris Mater y Salve Regina, Mater misericordiae . Dunstaple fue uno de los primeros en componer masas usando una sola melodía como cantus firmus. Un buen ejemplo de esta técnica es su Missa Rex seculorum. Se cree que escribió música secular (no religiosa), pero no se le puede atribuir ninguna canción en lengua vernácula con ningún grado de certeza.

Oswald von Wolkenstein (ca. 1376-1445) es uno de los compositores más importantes del Renacimiento alemán temprano. Él es mejor conocido por sus melodías bien escritas, y por su uso de tres temas: viajar, Dios y el sexo.

Gilles Binchois (ca. 1400-1460) fue un compositor holandés, uno de los primeros miembros de la escuela de Borgoña y uno de los tres compositores más famosos de principios del siglo XV. Aunque a menudo se clasificó detrás de sus contemporáneos Guillaume Dufay y John Dunstaple por los estudiosos contemporáneos, sus obras fueron citadas, prestadas y utilizadas como material fuente después de su muerte. Binchois es considerado [¿por quién?] Un melodista fino, escribiendo líneas cuidadosamente formadas que son fáciles de cantar y memorables. Sus canciones aparecieron en copias décadas después de su muerte y fueron utilizadas a menudo como fuentes para la composición en masa por compositores posteriores. La mayor parte de su música, incluso su música sacra, es simple y clara, a veces incluso ascética (como la de un monje). Sería difícil imaginar un mayor contraste entre Binchois y la complejidad extrema del ars subtilior del siglo anterior (siglo XIV). La mayoría de sus canciones seculares son rondeaux, que se convirtió en la forma de canción más común durante el siglo. Raramente escribió en forma estrófica, y sus melodías son generalmente independientes del esquema de la rima de los versos a los que están dedicadas. Binchois escribió música para la corte, canciones seculares de amor y caballerosidad que satisfacían las expectativas y satisfacían el gusto de los duques de Borgoña que lo empleaban, y evidentemente amaba su música en consecuencia. Cerca de la mitad de su música secular existente se encuentra en la Biblioteca Oxford Bodleian.

Guillaume Du Fay (ca. 1397-1474) fue un compositor franco-flamenco de principios del Renacimiento. La figura central en la Escuela de Borgoña, fue considerado por sus contemporáneos como el principal compositor en Europa a mediados del siglo 15 (Planchart nd). Du Fay compuso en la mayoría de las formas comunes del día, incluyendo misas, motetes, Magnificats, himnos, configuraciones simples de canto en fauxbourdon, y antífonas dentro del área de música sacra, y rondeaux, baladas, virelais y algunos otros tipos de chanson dentro de el reino de la música secular. Ninguna de sus músicas sobrevivientes es específicamente instrumental, aunque los instrumentos fueron ciertamente utilizados para algo de su música secular, especialmente para las partes más bajas; toda su música sagrada es vocal. Los instrumentos pueden haber sido utilizados para reforzar las voces en el desempeño real de casi todas sus obras. Siete Misas completas, 28 movimientos de Misa individuales, 15 configuraciones de canto utilizadas en Mass Propers, tres Magnificats, dos configuraciones de Benedicamus Domino, 15 configuraciones de antiphon (seis de ellas antiponas marianas), 27 himnos, 22 motetes (13 de estos isorítmicos en el más estilo anguloso y austero del siglo XIV que dio paso a una escritura en parte más melódica y sensual dominada por los agudos con frases que terminan en la cadencia “inferior a la tercera” en la juventud de Du Fay) y 87 chansons definitivamente por él han sobrevivido.

Período medio (1470-1530)
A principios de la década de 1470, la música comenzó a imprimirse utilizando una imprenta. La impresión musical tuvo un efecto importante en la difusión de la música, ya que una pieza impresa de música no solo llegaba a una región geográfica y audiencia más amplia que cualquier manuscrito manuscrito o copiado a mano alguna vez, también lo hizo de manera más económica. También durante el siglo XVI, una tradición de fabricantes famosos se desarrolló para muchos instrumentos. Estos fabricantes fueron maestros de su oficio. Un ejemplo es la familia Neuschel de Nuremberg, para sus trompetas.

Hacia finales del siglo XV, la música sacra polifónica (ejemplificada en las masas de Johannes Ockeghem y Jacob Obrecht) había vuelto a ser más compleja, de una manera que tal vez pueda considerarse correlativa a la mayor exploración de los detalles en la pintura de el tiempo. Ockeghem, particularmente, era aficionado al canon, tanto contrapuntístico como mensural. Compuso una misa, Misla prolationum, en la que todas las partes se derivan canónicamente de una línea musical. Fue en las primeras décadas del siglo siguiente que la música que se sentía en un tactus (piense en la firma del tiempo moderno) de dos semibreves-a-breve comenzó a ser tan común como la de tres semibreves a un breve, como había prevalecido antes de ese momento.

A principios del siglo XVI, existe otra tendencia hacia la simplificación, como puede verse hasta cierto punto en la obra de Josquin des Prez y sus contemporáneos en la Escuela franco-flamenca, y más tarde en la de GP Palestrina. Palestrina estaba reaccionando parcialmente a las restricciones del Concilio de Trento, que desalentaba la polifonía excesivamente compleja, ya que se pensaba que inhibía la comprensión del texto por parte del oyente. Los compositores franco-flamencos de principios del siglo XVI se alejaron de los complejos sistemas canónicos y otros juegos mensurales de la generación de Ockeghem, tendiendo a puntos de imitación y secciones de dúo o trío dentro de una textura general que creció a cinco y seis voces.

Período tardío (1530-1600)
En Venecia, desde aproximadamente 1530 hasta alrededor de 1600, se desarrolló un impresionante estilo policoral, que le dio a Europa una de las músicas más sonoras y grandiosas compuestas hasta ese momento, con múltiples coros de cantantes, metales y cuerdas en diferentes lugares espaciales en la Basílica San Marco di Venezia (ver Escuela veneciana). Estas múltiples revoluciones se extendieron por Europa en las siguientes décadas, comenzando en Alemania y luego moviéndose a España, Francia e Inglaterra un poco más tarde, demarcando el comienzo de lo que ahora conocemos como la era musical del Barroco.

La Escuela Romana era un grupo de compositores de música predominantemente eclesiástica en Roma, abarcando las últimas eras del Renacimiento y principios del Barroco. Muchos de los compositores tenían una conexión directa con el Vaticano y la capilla papal, aunque trabajaban en varias iglesias; estilísticamente se los compara a menudo con la Escuela de compositores veneciana, un movimiento concurrente que era mucho más progresivo. Con mucho, el compositor más famoso de la Escuela Romana es Giovanni Pierluigi da Palestrina. Aunque mejor conocido como un prolífico compositor de masas y motetes, también fue un madrigalista importante. Su habilidad para reunir las necesidades funcionales de la Iglesia Católica con los estilos musicales prevalecientes durante el período de la Contrarreforma le dio su fama duradera (Lockwood, O’Regan y Owens, nd)

El breve pero intenso florecimiento del madrigal musical en Inglaterra, principalmente desde 1588 hasta 1627, junto con los compositores que los produjeron, se conoce como la Escuela Madrigal Inglesa. Los madrigales ingleses eran a cappella, predominantemente de estilo claro, y generalmente comenzaban como copias o traducciones directas de modelos italianos. La mayoría fueron de tres a seis voces.

Musica reservata es un estilo o una práctica de ejecución en una música vocal de capella de la segunda mitad del siglo XVI, principalmente en Italia y el sur de Alemania, que involucra el refinamiento, la exclusividad y la intensa expresión emocional del texto cantado.

Instrumentos
Muchos instrumentos se originaron durante el Renacimiento; otros eran variaciones o mejoras en los instrumentos que existían anteriormente. Algunos han sobrevivido hasta el día de hoy; otros han desaparecido, solo para ser recreados con el fin de interpretar música de la época en instrumentos auténticos. Como en la actualidad, los instrumentos se pueden clasificar como latón, cuerdas, percusión y viento de madera.

En Europa, los instrumentos medievales solían utilizarse solos, a menudo acompañados de un dron, u ocasionalmente en partes. Desde al menos desde el siglo XIII hasta el siglo XV, hubo una división de instrumentos en haut (instrumentos estridentes, chillones, al aire libre) y bas (instrumentos más silenciosos, más íntimos) (Bowles 1954, 119 et passim). Solo dos grupos de instrumentos podían jugar libremente en ambos tipos de conjuntos: el cornett y el sackbut, y el tabor y la pandereta (Burkholder nd).

A principios del siglo XVI, los instrumentos se consideraban menos importantes que las voces. Se usaron para bailes y para acompañar la música vocal (Fuller 2010). La música instrumental permaneció subordinada a la música vocal, y gran parte de su repertorio se derivaba de modos diferentes o dependía de modelos vocales (OED 2005).

Órganos
Varios tipos de órganos se usaban comúnmente en el Renacimiento, desde grandes órganos de iglesia hasta pequeños portativos y órganos de caña llamados regas.

Latón
Instrumentos de latón en el Renacimiento fueron tradicionalmente interpretados por profesionales. Algunos de los instrumentos de metal más comunes que se tocaron:
Toque de trompeta: Similar al trombón de hoy, excepto que en lugar de una sección del cuerpo que se desliza, solo una pequeña parte del cuerpo cerca de la boquilla y la boquilla en sí es estacionaria. Además, el cuerpo tenía forma de S, por lo que era bastante difícil de manejar, pero era adecuado para la música de baile lenta, que era la más comúnmente utilizada.
Cornett: Hecho de madera y jugado como la grabadora (soplando en un extremo y moviendo los dedos hacia arriba y hacia abajo en el exterior) pero usando una boquilla de taza como una trompeta.
Trompeta: Las trompetas tempranas no tenían válvulas, y se limitaban a los tonos presentes en la serie de armónicos. También se hicieron en diferentes tamaños.
Sackbut (a veces sackbutt o sagbutt): un nombre diferente para el trombón (Anon. Nd), que reemplazó a la trompeta de diapositivas a mediados del siglo XV (Besseler 1950, passim).

Instrumentos de cuerda
Como familia, las cuerdas se usaban en muchas circunstancias, tanto sagradas como seculares. Algunos miembros de esta familia incluyen:

Viol: este instrumento, desarrollado en el siglo XV, comúnmente tiene seis cuerdas. Usualmente se jugaba con un arco. Tiene cualidades estructurales similares a la vihuela desplumada española (llamada viola da mano en Italia); su principal rasgo de separación es su mayor tamaño. Esto cambió la postura del músico para apoyarlo contra el suelo o entre las piernas de una manera similar al violonchelo. Sus similitudes con la vihuela eran cortes agudos en la cintura, trastes similares, espalda plana, costillas delgadas y afinación idéntica. Cuando se jugaba de esta manera, a veces se lo llamaba “viola da gamba”, para distinguirlo de las violines ejecutadas “en el brazo”: viole da braccio, que evolucionó hasta convertirse en la familia del violín.
Lyre: Su construcción es similar a un arpa pequeña, aunque en lugar de ser punteada, se rasguea con un plectro. Sus cuerdas variaban en cantidad de cuatro, siete y diez, dependiendo de la época. Se jugó con la mano derecha, mientras que la mano izquierda silenció las notas que no se deseaban. Las liras más nuevas se modificaron para jugar con un arco.
Irish Harp: También llamado Clàrsach en gaélico escocés, o Cláirseach en irlandés, durante la Edad Media fue el instrumento más popular de Irlanda y Escocia. Debido a su importancia en la historia de Irlanda, se ve incluso en la etiqueta Guinness y es el símbolo nacional de Irlanda incluso hasta el día de hoy. Para ser jugado, generalmente es punteado. [Se necesita aclaración] Su tamaño puede variar mucho, desde un arpa que se puede tocar en el regazo hasta un arpa de tamaño completo que se coloca en el suelo.
Hurdy-gurdy: (También conocido como el violín de la rueda), en el que las cuerdas son tocadas por una rueda sobre la cual pasan las cuerdas. Su funcionalidad se puede comparar con la de un violín mecánico, ya que su arco (rueda) gira con una manivela. Su sonido distintivo se debe principalmente a sus “cuerdas de drones” que proporcionan un tono constante similar en su sonido al de la gaita.
Gittern y mandore: estos instrumentos se usaron en toda Europa. Precursores de instrumentos modernos incluyendo la mandolina y la guitarra.

Percusión
Algunos instrumentos de percusión renacentistas incluyen el triángulo, el arpa judía, la pandereta, las campanas, el cymbala, el potenciómetro y varios tipos de tambores.

Pandereta: La pandereta es un tambor de marco. La piel que rodea el marco se llama vitela y produce el golpe al golpear la superficie con los nudillos, las yemas de los dedos o la mano. También podría jugarse sacudiendo el instrumento, permitiendo que los jingles o las campanillas de la pandereta (si es que tiene alguno) suenen “clank” y “jingle”.
Arpa de judío: un instrumento que produce sonidos usando formas de la boca y tratando de pronunciar diferentes vocales con la boca. El bucle en el extremo doblado de la lengüeta del instrumento se puntea en diferentes escalas de vibración creando diferentes tonos.

Instrumentos de viento (aerófonos)
Los instrumentos de viento de madera (aerófonos) producen sonido por medio de una columna de aire vibrante dentro de la tubería. Los orificios a lo largo de la tubería permiten al jugador controlar la longitud de la columna de aire y, por lo tanto, el paso. Hay varias formas de hacer vibrar la columna de aire, y estas formas definen las subcategorías de los instrumentos de viento de madera. Un jugador puede volar a través de un agujero en la boca, como en una flauta; en una boquilla con una sola lengüeta, como en un clarinete o saxofón moderno; o una caña doble, como en un oboe o fagot. Los tres de estos métodos de producción de tono se pueden encontrar en instrumentos renacentistas.

Shawm: Un shawm oriental típico [aclaración necesaria] no tiene llave y mide aproximadamente un pie de largo con siete orificios para los dedos y un orificio para el pulgar. Las tuberías también eran de madera y muchas de ellas tenían grabados y decoraciones. Fue el instrumento de doble lengüeta más popular del Renacimiento; se usaba comúnmente en las calles con tambores y trompetas debido a su sonido brillante, penetrante ya menudo ensordecedor. Para jugar al shawm, una persona se pone la caña entera en la boca, se envasa las mejillas y sopla en la pipa mientras respira por la nariz.

Tubería de caña: hecha de una sola longitud cortada de caña con una boquilla, cuatro o cinco agujeros para los dedos, y una caña hecha de ella. La lengüeta se hace cortando una pequeña lengua, pero dejando la base unida. Es el predecesor del saxofón y el clarinete.
Hornpipe: Igual que la pipa de caña, pero con una campana al final. Panpipe: utiliza varios pisos de madera con un tapón en un extremo y abierto en el otro. Cada tubo tiene un tamaño diferente, lo que le da un rango de una octava y media. El jugador puede colocar sus labios contra el tubo deseado y soplar a través de él.
Gaita / Bladderpipe: Los fieles creen que los fieles fueron inventados por pastores que pensaron que usarían una bolsa hecha de piel de oveja o de cabra, que proporcionarían una presión de aire para cuando el jugador tome aliento, el jugador solo tenga que apretar la bolsa metida debajo. de su brazo para continuar el tono. El tubo de boca tiene una simple pieza redonda de cuero con bisagras en el extremo de la bolsa de la tubería y actúa como una válvula de retención. La lengüeta se encuentra dentro de la boquilla larga, que se había conocido como bocal, si había sido de metal y había tenido la lengüeta en el exterior en el lugar del interior.

Flauta transversal: La flauta transversal es similar a la flauta moderna con un orificio bucal cerca del extremo tapado y orificios para los dedos a lo largo del cuerpo. El jugador sopla por el orificio de la boca y sostiene la flauta en el lado derecho o izquierdo.
Grabadora: la grabadora fue un instrumento común durante el período del Renacimiento. En lugar de una caña, utilice una boquilla de silbido como su principal fuente de producción de sonido. Por lo general, está hecho con siete orificios para los dedos y un orificio para el pulgar.