El arte religioso o el arte sacro son imágenes artísticas que utilizan motivos y motivos religiosos y, a menudo, están destinados a elevar la mente a lo espiritual. El arte sagrado involucra las prácticas rituales y cúlticas y los aspectos prácticos y operativos del camino de la realización espiritual dentro de la tradición religiosa del artista.
Arte cristiano
El arte sacro cristiano se produce en un intento de ilustrar, complementar y retratar en forma tangible los principios del cristianismo, aunque otras definiciones son posibles. Se trata de hacer imágenes de las diferentes creencias en el mundo y cómo se ve. La mayoría de los grupos cristianos usan o han utilizado el arte hasta cierto punto, aunque algunos han tenido fuertes objeciones a algunas formas de imagen religiosa, y ha habido grandes períodos de iconoclasia en el cristianismo. La mayoría del arte cristiano es alusivo, o se basa en temas familiares para el observador previsto. Uno de los temas cristianos más comunes es el de la Virgen María sosteniendo al niño Jesús. Otro es el de Cristo en la Cruz. Para el beneficio de los analfabetos, se desarrolló un elaborado sistema iconográfico para identificar escenas de manera concluyente. Por ejemplo, Santa Inés representada con un cordero, San Pedro con las llaves, San Patricio con un trébol. Cada santo posee o está asociado con atributos y símbolos en el arte sagrado.
Historia
El arte cristiano primitivo sobrevive de las fechas cercanas a los orígenes del cristianismo. Las pinturas cristianas sobrevivientes más antiguas son del sitio en Megiddo , fechado alrededor del año 70, y las esculturas cristianas más antiguas son de sarcófagos, que datan de principios del siglo II. Hasta la adopción del cristianismo por Constantino el arte cristiano derivó su estilo y gran parte de su iconografía del arte popular romano, pero a partir de este punto grandes edificios cristianos construidos bajo el patrocinio imperial trajeron la necesidad de versiones cristianas de la élite romana y el arte oficial, de los cuales los mosaicos en iglesias en Roma son los ejemplos sobrevivientes más prominentes.
Durante el desarrollo del arte cristiano en el Imperio Bizantino (ver el arte bizantino), una estética más abstracta reemplazó el naturalismo previamente establecido en el arte helenístico. Este nuevo estilo era hierático, lo que significa que su propósito principal era transmitir el significado religioso en lugar de representar con precisión objetos y personas. La perspectiva realista, las proporciones, la luz y el color fueron ignorados a favor de la simplificación geométrica de las formas, la perspectiva inversa y las convenciones estandarizadas para retratar individuos y eventos. La controversia sobre el uso de imágenes talladas, la interpretación del segundo mandamiento y la crisis de la iconoclasia bizantina condujeron a una estandarización de las imágenes religiosas dentro de la ortodoxia oriental.
El Renacimiento vio un aumento en las obras seculares monumentales, pero hasta la Reforma Protestante, el arte cristiano continuó siendo producido en grandes cantidades, tanto para iglesias como para clérigos y laicos. Durante este tiempo, Miguel Ángel Buonarroti pintó la Capilla Sixtina y talló la famosa Pietà, Gianlorenzo Bernini creó las enormes columnas en la Basílica de San Pedro y Leonardo Da Vinci pintó la Última Cena. La Reforma tuvo un gran efecto en el arte cristiano, llevando rápidamente a la producción de arte cristiano público a un alto virtual en los países protestantes, y causando la destrucción de la mayor parte del arte que ya existía.
Como una noción de arte secular, no sectaria y universal surgió en el siglo XIX Europa Oriental , los artistas seculares ocasionalmente trataban temas cristianos (Bouguereau, Manet). Rara vez fue incluido un artista cristiano en el canon histórico (como Rouault o Stanley Spencer). Sin embargo, muchos artistas modernos como Eric Gill, Marc Chagall, Henri Matisse, Jacob Epstein, Elizabeth Frink y Graham Sutherland han producido obras de arte muy conocidas para las iglesias. A través de una interpretación social del cristianismo, Fritz von Uhde también
Desde el advenimiento de la imprenta, la venta de reproducciones de obras piadosas ha sido un elemento importante de la cultura cristiana popular. En el siglo XIX, esto incluía pintores de género como Mihály Munkácsy. La invención de la litografía de color condujo a una amplia circulación de tarjetas sagradas. En la era moderna, las compañías especializadas en artistas cristianos comerciales modernos como Thomas Blackshear y Thomas Kinkade, aunque ampliamente reconocidos en el mundo de las bellas artes como kitsch, han tenido mucho éxito.
La última parte del siglo XX y la primera parte del siglo XXI han visto un esfuerzo concentrado de artistas que claman fe en Cristo para restablecer el arte con temas que giran en torno a la fe, Cristo, Dios, la Iglesia, la Biblia y otros clásicos Los temas cristianos son dignos de respeto por el mundo del arte secular. Artistas como Makoto Fujimura han tenido una influencia significativa tanto en las artes sagradas como seculares. Otros artistas notables incluyen a Larry D. Alexander, Gary P. Bergel, Carlos Cazares, Bruce Herman, Deborah Sokolove y John August Swanson.
Arte budista
El arte budista se originó en el subcontinente indio siguiendo la vida histórica de Siddhartha Gautama, del siglo VI al V a. C., y luego evolucionó por el contacto con otras culturas a medida que se extendió a lo largo de Asia y el mundo.
El arte budista siguió a los creyentes a medida que el dharma se difundía, se adaptaba y evolucionaba en cada nuevo país de acogida. Se desarrolló hacia el norte a través de Asia Central y hacia el este de Asia para formar la rama del norte del arte budista, y hacia el este en cuanto a El sudeste de Asia para formar la rama sur del arte budista. En India , El arte budista floreció e incluso influyó en el desarrollo del arte hindú, hasta que el budismo casi desapareció en India alrededor del siglo 10 debido en parte a la vigorosa expansión del Islam junto con el hinduismo.
Arte budista tibetano
La mayoría de las formas artísticas budistas tibetanas están relacionadas con la práctica de Vajrayana o el tantra budista. El arte tibetano incluye thangkas y mandalas, que a menudo incluyen representaciones de budas y bodhisattvas. La creación de arte budista generalmente se realiza como una meditación y también como un objeto para ayudar a la meditación. Un ejemplo de esto es la creación de un mandala de arena por los monjes; antes y después de la construcción se recitan oraciones, y la forma del mandala representa el entorno puro (palacio) de un Buda sobre el cual se medita para entrenar la mente. El trabajo es raramente, si alguna vez, firmado por el artista. Otro arte budista tibetano incluye objetos rituales de metal, como el vajra y el phurba.
Arte budista indio
Dos lugares sugieren más vívidamente que cualquier otro la vitalidad de la pintura rupestre budista de aproximadamente el siglo V de nuestra era. Uno es Ajanta, un sitio en India largamente olvidado hasta que fue descubierto en 1817. El otro es Dunhuang, uno de los grandes puestos de puesta en escena del oasis en la Ruta de la Seda … Las pinturas van desde tranquilas imágenes devocionales del Buda hasta escenas animadas y llenas de gente, a menudo presentando seductivamente pechos cruzados y Mujeres de cintura estrecha, más familiares en la escultura india que en la pintura. El arte principal incluía mezquitas y una madonna (arte de María y posiblemente su hijo)
arte islámico
La prohibición de representar imágenes figurativas en el arte religioso, así como la naturaleza naturalmente decorativa de la escritura árabe, condujo al uso de decoraciones caligráficas, que generalmente implicaban la repetición de patrones geométricos que expresaban ideales de orden y naturaleza. Fue utilizado en arquitectura religiosa, alfombras y documentos escritos a mano. El arte islámico ha reflejado esta visión del mundo equilibrada y armoniosa. Se enfoca en la esencia espiritual en lugar de la forma física.
Si bien ha habido una aversión a la posible adoración de ídolos a través de la historia islámica, esta es una visión sunní claramente moderna. Las miniaturas persas, junto con las representaciones medievales de Muhammad y los ángeles en el Islam, son ejemplos prominentes contrarios a la tradición suní moderna. Además, los musulmanes chiítas son menos reacios a la representación de figuras, incluido el Profeta, siempre que la representación sea respetuosa.
Figura representación en arte sacro islámico
La resistencia islámica a la representación de los seres vivos deriva en última instancia de la creencia de que la creación de formas de vida es exclusiva de Dios, y es por esta razón que el papel de las imágenes y los creadores de imágenes ha sido controvertido. Las declaraciones más fuertes sobre el tema de la representación figurativa se hacen en el Hadith (Tradiciones del Profeta), donde los pintores son desafiados a «dar vida» a sus creaciones y amenazaron con castigarlos en el Día del Juicio. El Corán es menos específico pero condena la idolatría y usa el término árabe musawwir («fabricante de formas» o artista) como un epíteto de Dios. Parcialmente como resultado de este sentimiento religioso, las figuras en la pintura a menudo se estilizaron y, en algunos casos, se produjo la destrucción de obras de arte figurativas. La iconoclasia se conocía anteriormente en el período bizantino y el aniconicismo era una característica del mundo judaico, colocando así la objeción islámica a las representaciones figurativas dentro de un contexto más amplio. Sin embargo, como ornamento, las figuras carecían en gran medida de un significado mayor y tal vez, por lo tanto, planteaban menos desafíos. Al igual que con otras formas de ornamentación islámica, los artistas adaptaron y estilizaron libremente las formas humanas y animales básicas, dando lugar a una gran variedad de diseños basados en figuras.
Caligrafía
La caligrafía es el elemento más respetado y fundamental del arte islámico. Es significativo que el Corán, el libro de las revelaciones de Dios al Profeta Muhammad, fue transmitido en árabe, y que inherente a la escritura árabe es el potencial para desarrollar una variedad de formas ornamentales. El empleo de la caligrafía como adorno tenía un atractivo estético definido, pero a menudo también incluía un componente talismánico subyacente. Si bien la mayoría de las obras de arte tenían inscripciones legibles, no todos los musulmanes podrían haberlas leído. Sin embargo, siempre se debe tener en cuenta que la caligrafía es principalmente un medio para transmitir un texto, aunque en forma decorativa. A partir de sus primeros ejemplos simples y primitivos de los siglos V y VI, el alfabeto árabe se desarrolló rápidamente después del surgimiento del Islam en el siglo VII en una hermosa forma de arte. Las dos familias principales de estilos caligráficos fueron los estilos secos, llamados generalmente cúficos, y los estilos cursivos suaves, que incluyen Naskhi, Thuluth, Nastaliq y muchos otros.
Geometría
Los patrones geométricos conforman uno de los tres tipos de decoración no gráficos en el arte islámico, que también incluyen la caligrafía y los patrones vegetales. Ya sea aislada o utilizada en combinación con ornamentación no gráfica o representación figurativa, los patrones geométricos se asocian popularmente con el arte islámico, en gran parte debido a su calidad anicónica. Estos diseños abstractos no solo adornan las superficies de la monumental arquitectura islámica, sino que también funcionan como el principal elemento decorativo en una amplia gama de objetos de todo tipo.