Rei Kawakubo: el diseño japonés redefine la belleza, 360 ° Video, Kyoto Costume Institute

Explore en 360 VR cómo los principios clave de la cultura japonesa y en particular cómo Rei Kawakubo, bajo su etiqueta Comme Des Garçons, ha cambiado las nociones de belleza, elegancia y género de toda una cultura.

A principios de la década de 1980, Rei Kawakubo recibió una respuesta mixta en París a los diseños que desafiaban los valores estéticos existentes en los países occidentales debido a su acromaticidad, ajuste holgado, asimetría y agujeros y lágrimas creados deliberadamente. Sin embargo, ella ha mantenido una actitud constante de desafiar los estereotipos en el diseño de vestidos desde entonces.

Una pieza de Rei Kawakubo que llamó la atención de los occidentales sobre la moda japonesa. La forma aparentemente compleja del suéter se creó esencialmente a partir de un panel recto y tiene un aspecto dinámico y voluminoso. Las mangas grandes que se extienden a izquierda y derecha se parecen a las mangas de kimono. La falda se hunde asimétricamente en respuesta a las formas irregulares creadas por el suéter que cuelga libremente.

Rei Kawakubo
Rei Kawakubo es un diseñador de moda japonés con sede en Tokio y París. Es la fundadora de Comme des Garçons y Dover Street Market. En reconocimiento a las notables contribuciones de diseño de Kawakubo, una exposición de sus diseños titulada Rei Kawakubo / Commes des Garçons, Art of the In-Between se inauguró el 5 de mayo de 2017 en el Museo Metropolitano de Arte de Nueva York.

“Si hago algo que creo que es nuevo, será mal entendido, pero si a la gente le gusta, me decepcionará porque no los he presionado lo suficiente. Cuanta más gente lo odie, quizás más nuevo sea. Porque el problema humano fundamental es que las personas tienen miedo al cambio. El lugar que siempre busco, porque para mantener el negocio, necesito hacer un pequeño compromiso entre mis valores y los valores de los clientes, es el lugar donde hago algo que casi todos, pero no del todo. ”

Comme des Garçons: el arte del intermedio
Desde la fundación de Comme des Garçons (“como algunos niños”) en 1969, el diseñador Rei Kawakubo (nacido en 1942), con sede en Tokio, ha definido y redefinido constantemente la estética de nuestro tiempo. Temporada tras temporada, colección tras colección, ella revoca las nociones convencionales de belleza e interrumpe las características aceptadas del cuerpo de moda. Sus modas no solo se distinguen de la genealogía de la ropa, sino que también resisten la definición y la interpretación confusa. Pueden leerse como koans zen o acertijos ideados para desconcertar, desconcertar y desconcertar. En el corazón de su trabajo se encuentran el koan mu (vacío) y la noción relacionada de ma (espacio), que coexisten en el concepto de “intermedio”. Esto se revela como una sensibilidad estética que establece una zona inquietante de ambigüedad visual y evasión.

Rei Kawakubo / Comme des Garçons: Art of the In-Between examina nueve expresiones de “entremedio” en las colecciones de Kawakubo: Ausencia / Presencia; Diseño / No diseño; Moda / Antifashion; Modelo / múltiple; Alta baja; Entonces ahora; Uno mismo / otro; Objeto sujeto; y ropa / no ropa. Revela cómo sus diseños ocupan los espacios entre estas dualidades, que se han visto como naturales en lugar de sociales o culturales, y cómo resuelven y disuelven la lógica binaria. Desafiando a sí mismos la clasificación fácil, su ropa expone la artificialidad, la arbitrariedad y el “vacío” de las dicotomías convencionales. El arte del “intermedio” de Kawakubo genera mediaciones y conexiones significativas, así como innovaciones y transformaciones revolucionarias, ofreciendo infinitas posibilidades de creación y recreación.

1. Ausencia y presencia
El concepto de “entremedio” se refleja en el diseño, una colaboración entre Kawakubo y The Met. Mu (vacío) se sugiere a través del leitmotiv arquitectónico del círculo, que en el budismo zen simboliza el vacío, y ma (espacio) se evoca a través de la interacción de formas estructurales. Ma expresa tanto el vacío como el volumen, una cosa con y sin forma, no definida por límites concretos. Amplificado por la clara blancura de las superficies de la galería, el efecto visual es tanto de ausencia como de presencia. Kawakubo considera sus modas y sus entornos como una Gesamtkunstwerk, o “una obra de arte total”. Esta síntesis se refleja en la exposición, diseñada como una expresión completa del “universo” de Comme des Garçons. Pretende ser una experiencia holística e inmersiva,

2. Diseño / No diseño
Design / Not Design explora el enfoque intuitivo de Kawakubo para la confección de prendas. Al no haber recibido capacitación formal en moda, Kawakubo persigue técnicas y métodos de construcción espontáneos y experimentales. Por lo general, su proceso creativo comienza con una sola palabra o una imagen abstracta transmitida a sus creadores de patrones. Una vez presentó un pedazo de papel arrugado a su equipo y solicitó un patrón que expresara cualidades similares, como se ve en un vestido de papel marrón en forma y retorcido alrededor del cuerpo de su colección The Future of Silhouette. Los conjuntos en esta sección destacan estrategias que recurre en las colecciones de Kawakubo: fusión, desequilibrio, lo inacabado, eliminación y diseño sin diseño. Estos modos de expresión, todos enraizados en un principio estético budista zen conocido como wabi-sabi, converge en un conjunto de jersey de algodón blanco rasgado y patchwork de su colección Patchworks y X; un vestido con 15 capas de algodón crudo sin blanquear de Clustering Beauty; conjuntos de toallas de lona de algodón aplastadas, en capas y cosidas de Crush; y prendas con piezas expuestas y reconfiguradas de Punk, Fusion y Adult Delinquent para adultos.

3. Moda / Antifashion
En 1979, Kawakubo quedó “insatisfecha” con sus colecciones, que, hasta ese momento, habían recibido influencias folclóricas japonesas. Como explicó: “Sentí que debería estar haciendo algo más direccional, más poderoso … Decidí comenzar desde cero, desde la nada, para hacer cosas que no se habían hecho antes, cosas con una imagen fuerte”. Esta ruptura, la primera de dos en su carrera, estableció a Kawakubo como el diseñador modernista arquetípico, cuya búsqueda de la originalidad (o lo que ella llama “novedad”) se convirtió en la característica definitoria de cada colección posterior. Moda / Antifashion se centra en las colecciones de principios de los años ochenta de Kawakubo. , que provocó reacciones extremas de los críticos cuando se mostraron en París, debido a su repudio a muchos cánones predominantes de la moda occidental. En términos de Kawakubo ‘

4. Modelo / Múltiple
Más allá de su búsqueda de la “novedad”, Kawakubo exhibe varias otras preocupaciones del modernismo de vanguardia. Quizás lo más notable es la tensión entre originalidad y reproducción, que se explora en Model / Multiple a través de la colección Abstract Excellence. Al comentarlo en ese momento, Kawakubo explicó: “[Mi enfoque era] diseñar a partir de formas sin forma, abstractas e intangibles, sin tener en cuenta el cuerpo. El mejor elemento para expresar la colección es la falda”. En total, las características de la colección 34 faldas, varias de las cuales se muestran aquí. A través de los conceptos de serialidad y repetición, el diseñador creó la ilusión de uniformidad y estandarización. Sin embargo, cambios sutiles en color, tela, y la forma (la última lograda mediante ligeros cambios en la colocación y dirección de las costuras) marcan cada falda como individual y distintiva. Una meditación sobre las variaciones de una sola forma, la colección representa una declaración poderosa sobre la conexión inestable entre obras de arte únicas y productos producidos en masa.

5. Alto / bajo
Cultura de élite / Cultura popular | Buen gusto / mal gusto | High / Low examina la relación ambigua entre la élite y la cultura popular, otra preocupación modernista, a través de la colección Kawakubo Motorbike Ballerina. Los conjuntos combinan tutus y chaquetas de cuero en un intento de conciliar la cultura “alta” del ballet con la subcultura “baja” de los ciclistas o “engrasadores”. Kawakubo describió la colección como “Harley-Davidson ama a Margot Fonteyn”, una referencia al fabricante estadounidense de motocicletas y a la bailarina británica prima. El lenguaje estético del estilo callejero ha fascinado a Kawakubo. A menudo lo despliega en exploraciones paródicas del gusto, como en la colección Bad Taste, que incorpora estilos punk y fetiche. Usando textiles que se consideran baratos, kitsch y vulgares,

6. Entonces / ahora
Pasado / presente / futuro | Nacimiento / matrimonio / muerte Los experimentos de Kawakubo con el “intermedio” se relacionan con el desarrollo del modernismo como un proyecto en curso. Esta idea se explora en Then / Now, que se centra en la relación del diseñador con el tiempo a través de las colecciones Modern Sweetness, Sweeter Than Sweet, Body Meets Dress: Dress Meets Body, Inside Decoration y White Drama. A lo largo de su carrera, Kawakubo se ha inspirado en la historia de la moda. Ella tiene una afinidad por las siluetas exageradas del siglo XIX, logradas a través de los ajetreos y las crinolinas. En sus manos, sin embargo, las siluetas se reconfiguran tan radical y profundamente como para erradicar la historia. Las modas de Kawakubo imponen una inmediatez intensa, enfatizando con fuerza el aquí y el ahora. Ella pone en duda tanto la lógica de la continuidad temporal como el ritmo presuntivo de la vida (nacimiento, matrimonio, muerte) como se ve en las colecciones La novia rota, Drama blanco y Ceremonia de separación. Estas modas abogan por un nivel de libertad personal que solo se puede lograr en los intervalos entre las tradiciones de la etapa de vida de una sociedad, subvirtiendo así las ideologías codificadas en el continuo nacimiento-matrimonio-muerte.

7. Yo / Otro
Este / Oeste | Hombre / mujer | Niño / adulto | Self / Other destaca la exploración de Kawakubo de identidades híbridas que desdibujan los límites de las definiciones convencionales de cultura, género y edad. Los trabajos presentados en las subsecciones Oriente / Occidente y Masculino / Femenino combinan tradiciones de vestimenta oriental y occidental y masculina y femenina. Históricamente, estos se definen libremente al envolver y drapear en relación con las prendas orientales y femeninas y al adaptarlas con respecto a las prendas occidentales y masculinas. Las modas en Hombre / Mujer también fusionan tipos de ropa típicamente asociados con hombres y mujeres, como pantalones y faldas, en un atuendo. La creación de identidades híbridas a través de la fusión se estudia más a fondo en niños / adultos, que se centra en conjuntos que no solo desafían las reglas del vestuario apropiado para la edad, sino que también involucran el concepto de kawaii (ternura), un aspecto clave de la cultura popular japonesa definida por la alegría y el rendimiento. La noción de kawaii se lleva a su extremo en un vestido floral rosa con un osito de peluche de gran tamaño camuflado dentro de sus volantes y pliegues.

8. Objeto / Asunto
Objeto / Sujeto considera cuerpos híbridos. Se centra en la colección Body Meets Dress de Kawakubo: Dress Meets Body, que propone un replanteamiento radical de la forma humana a través de prendas acolchadas de nylon elástico y poliuretano en una gama de colores y patrones, que incluyen rosa chicle y azul guinga. La mayoría de los acolchados están dispuestos de forma asimétrica, creando hinchazones bulbosas que presentan una ilusión de dismorfia y subvierten el lenguaje tradicional del cuerpo de moda (cintura pequeña, caderas delgadas, fondo plano, estómago plano y senos pequeños y altos). Las referencias a tumores y jorobados abundan en las revisiones de la colección, que los críticos bautizaron como “bultos y protuberancias”, un apodo que sugiere un cuerpo enfermo, deformado o monstruoso. Morfológicamente, la colección borra los límites entre el vestido y el cuerpo, objeto y sujeto. Este efecto se intensifica en el movimiento, un hecho explotado por la coreógrafa Merce Cunningham en el escenario de baile de 40 minutos, una colaboración con Kawakubo que se estrenó en la Academia de Música de Brooklyn el 14 de octubre de 1997. Kawakubo explicó: “Cuando los movimientos naturales de la danza son repelidos y refutados, obtienes nuevas formas “.

9. Ropa / No ropa
Los experimentos revolucionarios de Kawakubo con el “intermedio” son llevados a su conclusión lógica en Clothes / Not Clothes. Sus ocho subsecciones presentan ejemplos de las colecciones más recientes de la diseñadora, todas producidas después de la segunda ruptura en su carrera. En 2014, Kawakubo se sintió frustrada con su proceso de diseño, que sintió obstaculizó su búsqueda de “novedad”. Adoptando un método radical de creación con la intención de “no hacer ropa”, aspiraba a traducir sus ideas directamente en formas u “objetos para el cuerpo”.

9.1 Forma / Función

La forma / función presenta No hacer ropa, la primera colección que Kawakubo produjo en respuesta a su aspiración de diseñar “objetos para el cuerpo”. El título es una declaración de intenciones, una declaración de su determinación de favorecer la forma pura. En términos de proceso, trató de abandonar su experiencia previa en diseño y crear desde el punto de vista de un niño ingenuo o un artista no capacitado. Ella explicó: “Desearía que hubiera una nueva droga psicodélica que me permitiera ver el mundo de manera diferente, a través de los ojos de un extraño”.

Estos diseños rompen con las modas tradicionales en su relación con la figura humana. Las formas abstractas y las estructuras tridimensionales se distinguen del cuerpo, y las siluetas excéntricas y las proporciones exageradas, que recuerdan la ropa de muñecas, amenazan con oscurecer y abrumar a la figura. Si bien existe una fisura definitiva entre Not Making Clothing y su trabajo anterior, existen notables similitudes estéticas, técnicas y temáticas, como se desprende del conjunto de su colección de 2009 Tomorrow’s Black. Además del color negro, tiene una silueta similar que oscurece el cuerpo, lograda mediante la unión de piezas de patrones irregulares y de gran tamaño.

9.2 Abstracción / Representación

La abstracción / representación presenta ropa invisible, que Kawakubo considera “la versión más clara y extrema de Comme des Garçons”. Las cualidades abstractas y escultóricas de los conjuntos son emblemáticas de su indiferencia hacia las características “representativas” de la ropa. Varias de las prendas comprenden múltiples versiones fusionadas, una idea también evidente en la colección 2011 No Theme (Multiple Personalities, Psychological Fear). Sin embargo, a diferencia de las piezas anteriores, las más recientes interrumpen y disuelven cualquier jerarquía entre el cuerpo y el vestido.

Las prendas incluidas en Invisible Clothes desafían el dominio del cuerpo al ocultar, desplazar y, en algunos casos, eliminar elementos figurativos como la manga, el corpiño, el escote y la cintura. A medida que la figura retrocede en volumen y planaridad o se desmaterializa a través de la fragmentación, el cuerpo y el vestido se vuelven interdependientes e indistinguibles. De estos diseños, Kawakubo señaló: “Si usted dice que se debe usar ropa, entonces tal vez no sean realmente ropa … No son arte, pero tampoco tienen que ser ropa”.

9.3 Hermoso / Grotesco

Las nociones de belleza de Kawakubo rara vez se han conformado con los estándares aceptados. Algunos observadores interpretaron las expresiones de mu, ma y wabi-sabi en sus colecciones de principios de la década de 1980, desconocidas para la mayoría de las audiencias occidentales, como grotescas u ofensivas. Un suéter negro icónico perforado con agujeros de 1982 ejemplifica lo que muchos críticos llamaron la “fea estética” de Kawakubo. Ella lo llamó su suéter de “encaje”, aclarando: “Para mí no son lágrimas. Esas son aberturas que le dan a la tela otra dimensión. El recorte podría considerarse otra forma de encaje”.

Una “estética fea” similar es evidente en la colección más reciente MONSTER, cuyo título se refiere a “la locura de la humanidad, el miedo que todos tenemos, la sensación de ir más allá del sentido común, la ausencia de lo ordinario, expresado por algo extremadamente grande, por algo que podría ser feo o hermoso “. Las prendas confinan y constriñen la figura en tubos retorcidos y anudados de lana tejida oscura. Al igual que el suéter de “encaje”, estas formas asombrosas e inquietantes desafían y amplían los límites aceptados de la belleza.

9.4 Guerra / paz

Para Kawakubo, la creación está vinculada al desafío y la frustración con el status quo: “Muchas veces, un tema para una colección surge de un sentimiento de ira o indignación en las condiciones de la sociedad. El origen de una idea se encuentra en no estar satisfecho con lo que ya existe “. Al mismo tiempo, ella dijo: “No deseo convertir mis propios diseños en mensajes que aborden los problemas de nuestro mundo”. Cuando se trata del espíritu de la época, ella tiende a involucrarse simbólica y conceptualmente.

Un buen ejemplo es el papel de las flores, un motivo recurrente para el diseñador, que se explora en War / Peace a través de dos colecciones: Flowering Clothes y su contraparte posterior “no ropa”, Blood and Roses. Mientras que el primero se enfoca en las flores como símbolos positivos de energía, fuerza y ​​felicidad, el segundo extrae sus connotaciones más oscuras, más sombrías e inquietantes. Aborda el significado histórico de las rosas como “conectadas con sangre y guerras … conflictos políticos, luchas religiosas y luchas de poder”. Las rosas y la sangre aparecen en forma literal y abstracta, y ambas se representan a través de la paleta de colores: un rojo de amapola invariable e intransigente.

9.5 Vida / pérdida

Si bien Kawakubo ha sido descrita como una diseñadora “intelectual”, ella insiste en que su trabajo trata con sus “sentimientos, instintos, dudas y temores”. Sus colecciones contienen narraciones profundamente personales y autorreflexivas imbuidas de emociones intensas y espiritualidad profunda. Estas dimensiones expresivas se exploran en Vida / Pérdida, que desarrolla los temas de transición y temporalidad examinados en Entonces / Ahora, extendiéndolos a través de los conceptos de memoria y memorización.

Se centra en la colección Ceremonia de separación, cuyo título se refiere a las formas en que “la belleza y el poder de la ceremonia pueden aliviar el dolor de la separación, tanto para el que se va como para el que se despide”. Teñidas de tristeza y desesperación, las prendas, con sus siluetas majestuosas y monumentales, pueden interpretarse como expresiones pesadas de vestimenta de luto. Representados en delicados encajes negros, blancos y dorados, representan una meditación conmovedora sobre la fragilidad de la vida y la finalidad de la muerte. Varios conjuntos se componen de paquetes envueltos, que recuerdan a la colección Square anterior, en la que cada prenda está construida con una sola pieza de tela cuadrada. Al igual que sus descendientes “sin ropa”, estos precursores representan meditaciones sobre la práctica ritualista, en este caso la tradición de la peregrinación.

9.6 Realidad / Ficción

Realidad / Ficción aborda las tendencias narrativas de Kawakubo a través de selecciones de tres colecciones temáticamente vinculadas: Blue Witch y sus predecesoras Lilith (llamada así por una demoníaca asesina de la mitología babilónica) y Dark Romance, Witch. Si bien la diseñadora considera a las brujas como fuertes, poderosas y a menudo incomprendidas, se resiste a las interpretaciones de las prendas como declaraciones feministas. “No soy feminista”, dijo. Tampoco es una fantasiosa: “No tengo muchas fantasías ni imaginación imaginativa. En realidad soy realista”.

Los conjuntos, sin embargo, son inequívocamente empoderadores y de otro mundo en sus formas y siluetas. Las primeras piezas toman la rigidez y la severidad del uso formal de los hombres y las desmantelan a través de la estrategia surrealista de desplazamientos inesperados. En Lilith, una chaqueta se reubica en la mitad inferior del cuerpo, mientras que en Dark Romance las prendas se desvían y las faldas revelan mangas vestigiales. Blue Witch aumenta este surrealismo a través de distorsiones de escala que crean una sensación de desorientación y desestabilización similar a un libro de cuentos.

9.7 Orden / Caos

Cuando Kawakubo estableció Comme des Garçons en 1973, su único propósito era la autonomía personal. “La independencia siempre ha sido de gran importancia para mí”, afirmó. Al igual que la búsqueda de “novedad”, la búsqueda de la libertad —la libertad de la convención y la libertad de expresión— es un atributo definitorio de sus modas. Esta búsqueda ha alimentado su continuo interés en el estilo de la calle, particularmente el punk: “Siempre me ha gustado el espíritu [punk] en el sentido de que está en contra de la rutina, la forma normal de hacer las cosas … Punk está en contra adulación.”

Sin embargo, Kawakubo también tiene un profundo respeto por la historia, y la dinámica entre tradición y transgresión se examina en Order / Chaos a través de su colección Punk del siglo XVIII. La ropa combina las estructuras neumáticas y las siluetas hiperbólicas de la década de 1700 con los leitmotiv del punk de la década de 1970, que incluye hardware fetichista, arneses, cierres y materiales como el plástico en rosa Pepto-Bismol. Su empleo anacrónico de jacquards florales multicolores (no disponibles hasta el siglo XIX), a menudo ensamblados y ensamblados, recuerda una colección anterior inspirada en el punk, Adult Delinquent. En el momento de su creación, Kawakubo declaró: “Soy un delincuente adulto hasta el final”.

9.8 Límite / Sin consolidar

“Objetos para el cuerpo” de la colección más reciente de Kawakubo, The Future of Silhouette, hecha de lo que el diseñador describe como “no tejidos”, o materiales no tejidos, no de moda. Aquí, la guata blanca sintética recuerda sus anteriores conjuntos parecidos a la crinolina presentados en Then / Now. Si bien las formas de esas prendas tienen su origen a mediados del siglo XIX, sin embargo, las formas de estas piezas (relojes de arena deformados y malformados) no tienen referentes históricos o, en realidad, sociales o culturales. Esto los relaciona con las creaciones excéntricas y llenas de cuerpo, vestido, vestido, cuerpo, excepto que estas obras carecen notablemente de aberturas para los brazos.

A pesar del hecho de que estas piezas unen el cuerpo físicamente, lo desatan y lo liberan culturalmente. La moda, por su propia naturaleza, se define por la representación idealizada de una sociedad de la forma femenina. Sin embargo, estos dos “objetos para el cuerpo” no solo descartan, sino que también impugnan y subvierten los cánones aceptados. Al principio de su carrera, Kawakubo explicó: “Trabajo alrededor de la figura, pero nunca estoy limitado por lo que la figura tiene que ser”. En sus manos, el cuerpo vestido se libera de las nociones limitadas de lugar, período y propósito, ocupando completamente y expresando un “arte de lo intermedio”.

Instituto de vestuario de Kyoto
La ropa es parte integral de la forma en que vivimos, cambiando con cada cambio en la historia y la sociedad. La ropa occidental es el origen de lo que muchos de nosotros usamos hoy en día, y el Kyoto Costume Institute (KCI) recopila y conserva sistemáticamente ejemplos sobresalientes de ropa occidental a través de los siglos, así como los documentos y otros artículos relacionados con esta área de estudio. El instituto también realiza investigaciones, posteriormente exhibe o publica sus hallazgos.

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