El realismo es la representación precisa, detallada y precisa en el arte de la apariencia visual de escenas y objetos, es decir, se dibuja con precisión fotográfica. El realismo en este sentido también se llama naturalismo, mimesis o ilusionismo. El arte realista se creó en muchos períodos, y es en gran parte una cuestión de técnica y entrenamiento, y evitar la estilización.

El realismo se destaca especialmente por la representación precisa y cuidadosa de las apariencias visuales, a menudo representadas con gran habilidad y cuidado escenas que fueron artificiales y artificiales, o escenas históricas imaginarias. Es la elección y el tratamiento del tema lo que define el realismo como un movimiento en la pintura, más que la atención cuidadosa a las apariencias visuales.

Pintura de género
SALA XIX
Los hermanos Induno se afirman como dos de los principales defensores de la transición de la pintura académica, con su lenguaje codificado en la tradición, a una nueva forma de acercarse a la realidad. Los dos artistas se dedican con este espíritu renovado tanto a la pintura de la historia, con los episodios de las guerras de independencia en las que Gerolamo había participado activamente, como al universo multiforme de la pintura de género. Las obras en la sala se refieren a esta veta pictórica afortunada y apreciada: junto con temas convencionales o ciertamente efectivos (Un anticuario, Los refugiados de una aldea quemada) abordan temas caracterizados por nuevas implicaciones sociales y por la representación de las clases bajas (Escuela de costureras, La vivandiere, Sciancato tocando la mandolina, Hurdy-gurdy player).

Giovanni Carnovali llamado Piccio
SALA XX
Una sala monográfica está dedicada a este inquieto artista, que vivió aparte de las grandes exposiciones oficiales y las academias de su tiempo, para reafirmar su papel como precursor de lo que será más moderno más tarde en la pintura lombarda. Su grandeza solitaria antes de su tiempo, celebrada por los críticos y por los artistas más avanzados solo en el siglo XX, se ejemplifica por los intensos retratos, conscientes de los maestros lombardos de la realidad, con paisajes muy modernos (el paisaje de grandes árboles es emblemático ), y finalmente por algunos preciosos ejemplos de pintura sagrada. El tema bíblico de estas últimas obras también se encuentra en la escultura de Giovanni Strazza que representa a Ismael abandonado en el desierto, aquí para completar la sala.

La Scapigliatura
SALA XXI
Una gran sala monográfica está dedicada al movimiento que debe su nombre al escritor Cletto Arrighi (1858): Scapigliatura indicó una forma de vivir y crear en nombre de una existencia irregular e intolerante para cada restricción, compartida por un cenáculo de pintores lombardos. , escultores y escritores que se encuentran viviendo la decepción en Milán siguiendo las esperanzas del Risorgimento. En el campo pictórico, dominado por artistas como Tranquillo Cremona y Daniele Ranzoni, de los cuales se exhiben aquí algunas de las obras más importantes, esta actitud existencial se traduce en una deconstrucción de la forma por la luz y el color, y en una búsqueda de una psicología impalpable. Alusiones, que también están marcadas por la primera fase de Gaetano Previati, representada por algunos retratos de sorprendente modernidad.

Italianos en París
SALA XXII
En esta pequeña sala hay algunos testimonios preciosos del fructífero intercambio con Francia, y con París en particular, que cruza toda la cultura italiana de la segunda mitad del siglo XIX. Tres artistas italianos, Giovanni Boldini de Ferrara, Giuseppe De Nittis de Puglia y Federico Zandomeneghi de Venecia, residen durante mucho tiempo en la capital francesa, manteniendo contactos con los impresionistas y la alta sociedad de la época. Un reflejo de estos son los retratos del gusto internacional y mundano de Boldini, que muestran un notable refinamiento pictórico y audacia compositiva, los trabajos de Zandomeneghi, que se pueden comparar con la investigación realizada en los mismos años por Degas, las doce pequeñas vistas de De Nittis ‘Vesubio. Un bronce, una obra maestra del gran Rodin, completa el espectáculo.

Divisionista Segantini
SALA XXIII
Aquí comienza el largo recorrido en el divisionismo: este término indica la corriente pictórica que une el estudio de la luz y los colores con el nuevo conocimiento científico sobre la percepción visual. La protagonista de la sala es Las dos madres de Giovanni Segantini, expuesta en la primera Trienal de Milán en 1891 junto a la Maternidad de Gaetano Previati (Banca Popolare di Novara). El tema, muy extendido en la cultura literaria y figurativa de la época, se representa con el trazo en pinceladas pequeñas típicas de la pintura divisionista. A pesar de esto, la escena todavía aparece impregnada de un naturalismo sólido, claramente evidente también en los otros lienzos exhibidos aquí, que representan el claro paisaje de Maloja y figuras de animales.

Vittore Grubicy y Emilio Longoni
SALA XXIV
Vittore Grubicy de Dragon es una figura importante para el arte italiano en la segunda mitad del siglo XIX: comerciante y coleccionista, exhibió en Londres en 1888 una serie de obras maestras de la pintura italiana, obteniendo así una enorme visibilidad. Al mismo tiempo, su actividad como pintor tuvo lugar y los ocho lienzos, que conforman el gran poema panteísta o poema de invierno, son evidencia de la investigación realizada por los divisionistas sobre los efectos atmosféricos en la pintura de paisajes. Las obras están dispuestas en la pared de acuerdo con el diseño prescrito por el artista en el momento de su donación a la Municipalidad de Milán. Uno de los artistas promovidos por Grubicy es Emilio Longoni, a quien el comerciante anima a unirse al divisionismo junto con su amigo Segantini.

Caminos del naturalismo.
SALA XXV
En esta sala podemos ver cómo la pintura lombarda de la segunda mitad del siglo XIX a menudo se suspende entre la experimentación divisionista y una recreación soñadora de lo verdadero natural. El retrato lírico de Anita, la hija de Giovanni Sottocornola, rompe el color, reducido a los rangos del azul del fondo y al blanco del vestido, en amplios campos de luz. Plinio Nomellini, quizás el más original de los pintores divisionistas, representa un momento de la vida familiar con una pintura con tonos ácidos y penetrada por una vibración elegante de pequeñas áreas de luz y sombra. Junto a estas importantes pinturas hay escenas de género con tonos idílicos, como The Return from the Feast of Moses Bianchi y Morning in Summer de Pietro Chiesa, ejemplos de una forma más tradicional de representar los efectos de la luz.

Pintura social
SALA XXVI
Hacia el final del siglo XIX, Milán se transformó, vio el surgimiento de plantas industriales y acogió a masas de trabajadores, atraídos a la ciudad desde la perspectiva del trabajo y una vida mejor. Lo que les espera, a menudo, son las duras condiciones de vida y una miseria generalizada que los artistas más sensibles no dudan en denunciar a través de sus obras, ejecutadas con la técnica divisionista. Morbelli está perfectamente a gusto representando tanto los símbolos de la ciudad moderna (Estación Central de Milán en 1889) como las implicaciones negativas de la vida que tiene lugar allí (como la sombría resignación de las pinturas en el Pio Albergo Trivulzio). La inquietud social también está en el centro de las obras de Attilio Pusterla y Giovanni Sottocornola y se hace aún más evidente por el poderoso ícono social del minero de Enrico Butti.

Medardo Rosso
SALA XXVII
Un entorno monográfico, recientemente renovado, está dedicado a las obras de uno de los escultores más importantes en la evolución del lenguaje figurativo internacional. Medardo Rosso, después de una breve asistencia a los cursos regulares de la Accademia di Brera en Milán, se formó en los años marcados por los resultados posteriores de la producción desaliñada y por la atención contemporánea y creciente al contexto social de la ciudad. En este contexto, nacen las obras de Rosso, cuyos temas se refieren a un popular Milán (mocosos, viejos, prostitutas, conserjes): ideas realistas enfrentadas con una mirada rápida y cruda, fijadas sin complacencia descriptiva en figuras con superficies móviles y vibrantes. de luz. Desde 1889 Rosso se ha quedado en París durante treinta años,

Gaetano Previati
SALA XXVIII
Después de una formación académica y una primera experiencia en el campo de Scapigliatura (como lo demuestran las obras en la sala XXI), Previati de Ferrara da vida a un lenguaje caracterizado por la atención a los grandes temas universales, representados con una pintura de desmaterialización cada vez más elaborada. luz única: se afirma como un intérprete destacado de los dos grandes momentos de la cultura figurativa del segundo siglo XIX, el divisionismo y el simbolismo. La sala, ubicada alrededor de la Madonna dei Gigli, que representa uno de los puntos de llegada de la investigación simbolista, muestra una selección de las diversas etapas del viaje artístico de Previati, de obras como la Madonna de los crisantemos o la maternidad, aún cerca de la pintura desaliñada, hasta las recreaciones históricas de ensueño del Rey Sol y de Viaje al azul,

SALA XXIX
La sala se comunica a través de tres arcos con el salón de baile adyacente (sala XV), casi formando un solo espacio. Desde las ventanas que dan al patio se puede disfrutar de una amplia vista de los cercanos jardines públicos Indro Montanelli de Porta Venezia, originalmente diseñados por Giuseppe Piermarini, un arquitecto activo en la Lombardía austriaca del siglo XVIII. Aquí encuentran su lugar, en una pausa con respecto al camino cronológico de las habitaciones, pero de acuerdo con las decoraciones neoclásicas de la habitación, dos témperas de temática mitológica de Andrea Appiani y dos bustos de bronce, Napoleón I de Antonio Canova y El retrato de Eugenio de Beauharnais por Gaetano Manfredini. Esta última efigie nos transmite la cara de quien, como virrey de Italia, hizo de la villa su palacio,

Simbolista Segantini
SALA XXX
La visita al primer piso termina con los resultados del trabajo de Segantini más cercano al simbolismo. En la obra del artista trentino, el divisionismo se inclina para expresar contenidos simbólicos, como se puede ver en obras como la diosa pagana, el ángel de la vida o el amor a las fuentes de la vida, similar al idealismo internacional y un linealismo casi secesionista. Junto con estos está la escultura L’Alpeby Leonardo Bistolfi, vinculada al desarrollo de un monumento a Segantini. Finalmente, el visitante es despedido con una obra de Alberto Martini, depositada por el Museo del Novecento de Milán: expuesta en la Sala del Sogno de la Bienal de Venecia en 1907, con su extrema rarefacción de forma que presenta los casos de renovación y modernidad típicos de Las vanguardias del nuevo siglo, perfectamente encarnadas por la escultura de Wildt que se muestra al lado.

Colección del siglo XIX
Esta colección comenzó a tomar forma en 1861, cuando el abogado Fogliani, albacea de la voluntad del escultor Pompeo Marchesi, deseaba donar a la ciudad de Milán esta colección de artistas compuesta por obras célebres de Canova al propio Marchesi. Esta fue la primera de muchas donaciones que enriquecerían al Municipio con arte que, en 1903, se reuniría en una Galería de Arte Contemporáneo. De hecho, a partir de 1865, con la dotación del conde Gian Giacomo Bolognini, hasta una importante adición en 1902 con obras de profesores y estudiantes de la Academia de Bellas Artes de Brera y la Galería de imágenes, la colección de arte moderno creció hasta tal punto que se separó de Las antiguas colecciones de arte. Inaugurado en 1877 en el Public Gardens Hall, las obras permanecieron aquí hasta 1903 cuando, con la incorporación del Museo Arqueológico Nacional,

Desde el principio, la Galería, destinada a la Ciudad, ha acogido y mejorado obras y obras maestras locales gracias a donaciones y donaciones. Esto atestigua las expectativas y el reconocimiento de este museo por parte de los ciudadanos, que también están asociados con otras instituciones: la Sociedad de Bellas Artes que, desde 1843, compró regularmente en exposiciones de arte, especialmente en Brera. Estas obras se dividieron posteriormente entre los miembros y se donaron a la Galería.

En 1920, cuando el Estado entregó Villa Reale a la ciudad de Milán, la Galería de Arte Moderno encontró su ubicación definitiva. Ese mismo año, la colección creció gracias a una donación de Vittore Grubicy De Dragon (con obras de Giacomo Campi, Giovanni Carnovali, Giovanni Costa, Tranquillo Cremona, Federico Faruffini, Silvestro Lega, Filippo Palizzi, Gaetano Previati, Daniele Ranzoni, Giovanni Segantini) y, en 1921, con la venta por licitación pública, The Fourth Estate de Pellizza da Volpedo ingresó a las colecciones de la Galería.

Si durante décadas Villa Reale coexistió con otras instituciones (por ejemplo, el Museo Naval o como un lugar para bodas civiles), lo que limitó el crecimiento de sus colecciones, desde 2006 ha sido el único y exclusivo escaparate de la Galería de Arte Moderno y sus actividades.

Galería de Arte Moderno – Milano
Desde 1903, la Galleria d’Arte Moderna conserva las colecciones de arte moderno de la ciudad de Milán, un patrimonio artístico de unas 3.500 obras. Las colecciones se exhiben desde 1921 dentro de Villa Reale, una de las obras maestras de la era neoclásica de Milán. Diseñado por el arquitecto Leopoldo Pollock, fue construido entre 1790 y 1796 como la casa del conde Lodovico Barbiano di Belgioioso. Villa Reale más tarde se convirtió en la residencia del virrey Eugenio di Beauharnais, hijastro de Napoleón.

Entre los protagonistas indiscutibles de la historia del arte milanés e italiano presentes en la colección están Antonio Canova, Andrea Appiani, Francesco Hayez, Tranquillo Cremona, Giovanni Segantini, Giuseppe Pellizza da Volpedo, Giovanni Boldini, Medardo Rosso, Gaetano Previati.

Gracias a las colecciones privadas y a las donaciones de familias importantes, como Grassi y Vismara, el patrimonio artístico de la Galería se ha enriquecido con obras maestras de los siglos XIX y XX.

La actividad expositiva de la Galleria d’Arte Moderna dialoga con el arte aplicado, los lenguajes contemporáneos y el análisis temático de los artistas presentes en la colección permanente.

Colecciones
Lo que hace que la Galería de Arte Moderno de Milán sea de talla internacional es el valor y la calidad de las obras exhibidas y alojadas aquí: Francesco Hayez, Pompeo Marchesi, Andrea Appiani, Tranquillo Cremona, Giovanni Segantini, Federico Faruffini, Giuseppe Pellizza da Volpedo, Antonio Canova, Daniele Ranzoni, Medardo Rosso, Gaetano Previati son algunos de los artistas importantes presentes, ya que son protagonistas indiscutibles de la historia del arte tanto en Milán como en Italia. Sus obras representan el arte tal como se desarrolló entre los siglos XVIII y XIX, en particular la corriente que se originó en la Academia de Bellas Artes de Brera y que lentamente se afianzó incluso más allá de las fronteras nacionales. Gracias a los coleccionistas de arte del siglo XX y las donaciones de algunas familias prominentes (Treves, Ponti, Grassi, Vismara, por ejemplo), A lo largo de los años, estas obras maestras han enriquecido el patrimonio artístico de la Galería y confirmaron su misión fundamental de perpetuar la difusión de la cultura. Los visitantes pueden admirar en las salas de la Villa obras de Giovanni Fattori, Silvestro Lega, Giovanni Boldini, Vincent Van Gogh, Paul Cézanne, Pablo Picasso, Amedeo Modigliani y otros actores clave en la escena artística italiana del siglo XX.