El arte público es arte en cualquier medio que haya sido planeado y ejecutado con la intención de ser colocado en el dominio público físico, generalmente fuera y accesible para todos. El arte público es significativo dentro del mundo del arte, entre los curadores, los comisionados y los profesionales del arte público, para quienes representa una práctica de trabajo de especificidad de sitio, participación comunitaria y colaboración. El arte público puede incluir cualquier arte que se exhiba en un espacio público que incluya edificios de acceso público, pero a menudo no es tan simple. Más bien, la relación entre el contenido y la audiencia, lo que dice el arte y a quién, es tan importante si no más importante que su ubicación física.

Definicion institucional
Según la definición institucional, el arte público se refiere a los logros generalmente perennes de los artistas: escultura, posiblemente arquitectura monumental, pintura, planificada y ejecutada para ser presentada en el espacio público: principalmente al aire libre y accesible para todos, pero también a veces dentro de edificios. abierto al público. Los monumentos y las estatuas son quizás las formas más antiguas y más visibles del arte público oficialmente sancionado, pero el término puede abarcar el mobiliario urbano y todas las iniciativas diseñadas para adornar el espacio urbano.

Desde un punto de vista institucional, es necesario distinguir entre logros duraderos y acciones efímeras. Los fondos para los primeros son inversiones, mientras que los fondos para los últimos son gastos de operación; En Francia, la noción de arte público no existe en la ley, los fondos públicos destinados a lo efímero se clasifican bajo el título de acción cultural. En Quebec, arte público significa, en la ley, logros materiales, perennes o no.

Las obras destinadas al espacio público a menudo se construyen con materiales duraderos y fáciles de mantener para evitar los efectos de los elementos y el vandalismo; Algunas obras, temporales, pueden consistir en materiales más efímeros. Las obras perennes a veces se integran en la creación y renovación de edificios y sitios y, en general, en los procesos de planificación urbana.

El arte público institucional se configura con el permiso o la colaboración de los propietarios y administradores públicos del espacio vecino.

Alcance
Cher Krause Knight afirma que «la publicidad del arte se basa en la calidad y el impacto de su intercambio con el público … en su mayoría pública, el arte amplía las oportunidades para el compromiso de la comunidad pero no puede exigir una conclusión particular», introduce ideas sociales pero deja espacio para el público Para llegar a sus propias conclusiones. En los últimos años, el arte público ha comenzado a expandirse cada vez más en su alcance y aplicación, tanto en otras áreas del arte más amplias y desafiantes, como en una gama mucho más amplia de lo que podríamos llamar nuestro «ámbito público». Estas intervenciones culturales a menudo se han realizado en respuesta a la participación creativa del sentido de «lugar» o «bienestar» de una comunidad.

Los monumentos, monumentos y estatuas cívicas son quizás la forma más antigua y obvia de arte público oficialmente sancionado, aunque se podría decir que la escultura arquitectónica e incluso la arquitectura en sí misma está más extendida y cumple con la definición de arte público. Las obras de arte independientes, creadas e instaladas sin ser sancionadas oficialmente son omnipresentes en casi todas las ciudades. También se instala en entornos naturales y puede incluir obras como esculturas, o puede ser de corta duración, como un balance de rocas precarias o una instancia efímera de humo de colores. Algunos se han instalado bajo el agua.

Las obras permanentes a veces se integran con la arquitectura y el paisajismo en la creación o renovación de edificios y sitios, un ejemplo especialmente importante es el programa desarrollado en la nueva ciudad de Milton Keynes, Inglaterra. El arte público no se limita a los objetos físicos; La danza, el teatro callejero e incluso la poesía tienen defensores que se especializan en arte público.

Algunos artistas que trabajan en esta disciplina utilizan la libertad que ofrece un sitio al aire libre para crear obras muy grandes que serían inviables en una galería, por ejemplo, la caminata de tres semanas de Richard Long, titulada «El camino es el lugar en la línea». En un ejemplo similar, el escultor Gar Waterman creó un arco gigante a horcajadas en una calle de la ciudad en New Haven, Connecticut. Entre las obras de los últimos treinta años que han recibido el mayor reconocimiento crítico y popular se encuentran piezas de Christo, Robert Smithson, Dennis Oppenheim, Andy Goldsworthy, James Turrell y Antony Gormley, cuyo trabajo reacciona o incorpora su entorno.

Los artistas que hacen arte público van desde los más grandes maestros como Michelangelo, Pablo Picasso y Joan Miró, hasta aquellos que se especializan en arte público como Claes Oldenburg y Pierre Granche, hasta artistas anónimos que realizan intervenciones subrepticias.

En Ciudad del Cabo, Sudáfrica, el Centro de África presenta el Festival de Arte Público Infecting the City. Su mandato curatorial es crear una plataforma de una semana para el arte público, ya sea obras de arte visuales o performativas, o intervenciones artísticas, que agiten los espacios de la ciudad y permitan a los usuarios de la ciudad ver los paisajes urbanos de formas nuevas y memorables. El festival Infecting the City cree que el arte público debe ser de libre acceso para todos en un espacio público.

Historia del arte público.
En la década de 1930, la producción de simbolismo nacional implícita en los monumentos del siglo XIX comienza a ser regulada por programas nacionales a largo plazo con objetivos de propaganda (Federal Art Project, Estados Unidos; Oficina Cultural, Unión Soviética). Programas como el New Deal del presidente Roosevelt facilitaron el desarrollo del arte público durante la Gran Depresión, pero se forjaron con objetivos de propaganda. Los programas de asistencia artística New Deal pretenden desarrollar el orgullo nacional en la cultura estadounidense al tiempo que evitan abordar la economía vacilante sobre la que se basa dicha cultura. Aunque problemáticos, los programas New Deal como FAP modificaron la relación entre el artista y la sociedad al hacer que el arte fuera accesible a todas las personas. El programa New-Art Art-in-Architecture (AiA) desarrolló un porcentaje para programas de arte, una estructura para financiar el arte público que todavía se utiliza en la actualidad. Este programa dio la mitad del uno por ciento de los costos totales de construcción de todos los edificios gubernamentales para comprar arte contemporáneo estadounidense para esa estructura. AiA ayudó a consolidar el principio de que el arte público en los EE. UU. Debería ser verdaderamente propiedad del público. También establecieron la legitimidad del deseo de arte público específico del sitio. Aunque a veces es problemático, los primeros programas de arte público establecen las bases para el desarrollo actual del arte público.

Esta noción de arte público cambia radicalmente durante la década de 1970, como consecuencia de los reclamos del movimiento de derechos civiles en el espacio público, la alianza entre programas de regeneración urbana e intervenciones artísticas a fines de la década de 1960 y la revisión de la noción de escultura. En este contexto, el arte público adquiere un estatus que va más allá de la mera decoración y visualización de las historias nacionales oficiales en el espacio público, ganando así autonomía como una forma de construcción de sitios e intervención en el ámbito de los intereses públicos. El arte público se volvió mucho más sobre el público. Este cambio de perspectiva también está presente por el refuerzo de las políticas culturales urbanas en estos mismos años, por ejemplo, el Fondo de Arte Público con sede en Nueva York (1977) y varios programas urbanos o regionales de Porcentaje de Arte en los Estados Unidos y Europa. Además, el recentrado del discurso del arte público desde un nivel nacional a un nivel local es consistente con el giro específico del sitio y las posiciones críticas frente a los espacios de exhibición institucional que surgen en las prácticas de arte contemporáneo desde la década de los sesenta. La voluntad de crear una conexión más profunda y pertinente entre la producción de la obra de arte y el sitio donde se hace visible incita orientaciones diferentes. En 1969 el tráfico estacionario de Wolf Vostells se hizo en Colonia.

Los artistas de la tierra eligen situar intervenciones orientadas a procesos a gran escala en situaciones de paisajes remotos; El Festival Spoleto (1962) crea un museo de esculturas al aire libre en la ciudad medieval de Spoleto, y la ciudad alemana de Münster comienza, en 1977, un evento curado que lleva arte a lugares públicos urbanos cada 10 años (Skulptur Projekte Münster). En la muestra grupal When Attitudes Become Form, la situación de la exposición se amplía en el espacio público por las intervenciones de Michael Heizer y Daniel Buren; La escala arquitectónica emerge en el trabajo de artistas como Donald Judd, así como en las intervenciones temporales de Gordon Matta-Clark en edificios urbanos abandonados.

Arte publico ambiental
Entre los años 70 y 80, los problemas de gentrificación y ecológicos afloran en las prácticas de arte público, como un motivo de comisión y como un enfoque crítico de los artistas. El elemento de retiro romántico e individual implícito en la estructura conceptual del arte terrestre y su voluntad de reconectar el entorno urbano con la naturaleza, se convierte en un reclamo político en proyectos como Wheatfield – A Confrontation (1982), de la artista estadounidense Agnes Denes, como así como en 7000 Oaks de Joseph Beuys (1982). Ambos proyectos se centran en el aumento de la conciencia ecológica a través de un proceso de diseño urbano verde, que lleva a Denes a plantar un campo de trigo de dos acres en el centro de Manhattan y Beuys a plantar 7000 robles junto con bloques de basalto en Kassel, Alemania, en un jardín comunitario o de guerrillas. Moda. En años recientes, Los programas de regeneración urbana verde que apuntan a convertir lotes abandonados en áreas verdes incluyen regularmente programas de arte público. Este es el caso de High Line Art, 2009, un programa de comisión para High Line, derivado de la conversión de una parte del ferrocarril en la ciudad de Nueva York; y de Gleisdreieck, 2012, un parque urbano derivado de la reconversión parcial de una estación de ferrocarril en Berlín que alberga, desde 2012, una exposición de arte contemporáneo al aire libre.

La década de 1980 también fue testigo de la institucionalización de los parques de esculturas como programas curados. Si bien las primeras exposiciones y colecciones públicas y privadas de esculturas al aire libre que datan de la década de 1930 apuntan a crear un escenario adecuado para las formas escultóricas a gran escala difíciles de mostrar en galerías de museos, experiencias como el jardín de Noguchi en Queens, Nueva York (1985) Indique la necesidad de una relación permanente entre la obra de arte y su sitio.

Esta línea también se desarrolla en el proyecto de Donald Judd para la Fundación Chinati (1986) en Texas, abogando por la naturaleza permanente de las instalaciones a gran escala, cuya fragilidad puede ser destruida al reubicar el trabajo. El juicio instruido por el juez Edward D. Re en 1985 para reubicar el Arco Inclinado del artista estadounidense Richard Serra, una intervención monumental encargada para la Plaza Federal de Manhattan por el Programa «Arte en Arquitectura», también contribuye al debate sobre el sitio de arte público -especificidad En su línea de defensa para el juicio, Richard Serra afirma: «Tilted Arc fue encargado y diseñado para un sitio en particular: Federal Plaza. Es un trabajo específico del sitio y, como tal, no debe ser reubicado. Eliminar el trabajo es destruir el trabajo ”. El ensayo en torno a Tilted Arc muestra el papel esencial desempeñado por la especificidad del sitio en el arte público. Además, Uno de los argumentos presentados en el juicio por el juez Edward D. Re es la intolerancia de la comunidad de usuarios de la Plaza Federal hacia la intervención de Serra y el apoyo de la comunidad artística, representada por el testimonio del crítico de arte Douglas Crimp. En ambos casos, el público se posiciona como un factor importante de la intervención artística en el espacio público. En este contexto, la definición de arte público viene a incluir proyectos artísticos centrados en temas públicos (democracia, ciudadanía, integración); acciones artísticas participativas que involucran a la comunidad; Proyectos artísticos encargados y / o financiados por un organismo público, dentro de los esquemas Porcentaje para el Arte, o por una comunidad. Re es la intolerancia de la comunidad de usuarios de la Plaza Federal hacia la intervención de Serra y el apoyo de la comunidad artística, representada por el testimonio del crítico de arte Douglas Crimp. En ambos casos, el público se posiciona como un factor importante de la intervención artística en el espacio público. En este contexto, la definición de arte público viene a incluir proyectos artísticos centrados en temas públicos (democracia, ciudadanía, integración); acciones artísticas participativas que involucran a la comunidad; Proyectos artísticos encargados y / o financiados por un organismo público, dentro de los esquemas Porcentaje para el Arte, o por una comunidad. Re es la intolerancia de la comunidad de usuarios de la Plaza Federal hacia la intervención de Serra y el apoyo de la comunidad artística, representada por el testimonio del crítico de arte Douglas Crimp. En ambos casos, el público se posiciona como un factor importante de la intervención artística en el espacio público. En este contexto, la definición de arte público viene a incluir proyectos artísticos centrados en temas públicos (democracia, ciudadanía, integración); acciones artísticas participativas que involucran a la comunidad; Proyectos artísticos encargados y / o financiados por un organismo público, dentro de los esquemas Porcentaje para el Arte, o por una comunidad. La definición de arte público viene a incluir proyectos artísticos centrados en temas públicos (democracia, ciudadanía, integración); acciones artísticas participativas que involucran a la comunidad; Proyectos artísticos encargados y / o financiados por un organismo público, dentro de los esquemas Porcentaje para el Arte, o por una comunidad. La definición de arte público viene a incluir proyectos artísticos centrados en temas públicos (democracia, ciudadanía, integración); acciones artísticas participativas que involucran a la comunidad; Proyectos artísticos encargados y / o financiados por un organismo público, dentro de los esquemas Porcentaje para el Arte, o por una comunidad.

Nuevo género de arte público en la década de 1990: anti-monumentos y prácticas memoriales.
En la década de 1990, la clara diferenciación de estas nuevas prácticas de las formas anteriores de presencia artística en el espacio público requiere definiciones alternativas, algunas de ellas más específicas (arte contextual, arte relacional, arte participativo, arte dialógico, arte comunitario, activista). Arte), otro más completo, como el «nuevo género de arte público».

De esta manera, el arte público funciona como una intervención social. Los artistas se comprometieron completamente con el activismo cívico en la década de 1970 y muchos adoptaron un enfoque pluralista del arte público. Este enfoque eventualmente se convirtió en el «nuevo género de arte público», que es definido por Suzanne Lacy como «arte interactivo socialmente comprometido para diversas audiencias con conexiones a políticas de identidad y activismo social». En lugar de discutir temas sociales de forma metafórica, como lo hacía el arte público anterior, los practicantes del «nuevo género» querían potenciar explícitamente a los grupos marginados, manteniendo el atractivo estético. La curadora Mary Jane Jacob de «Sculpture Chicago» desarrolló un espectáculo, «Cultura en Acción», en el verano de 1993, que siguió los principios del nuevo género del arte público. El programa tenía la intención de investigar los sistemas sociales a través del arte participativo. participando especialmente con audiencias que normalmente no participaban en museos de arte tradicional. Aunque controvertido, Cultura en Acción introdujo nuevos modelos para la participación comunitaria y el arte público intervencionista que va más allá del «nuevo género».

Los grupos anteriores también utilizaron el arte público como una vía para la intervención social. En los años sesenta y setenta, el colectivo colectivo de artistas Situationist International creó una obra que «desafió los supuestos de la vida cotidiana y sus instituciones» a través de la intervención física. Otro colectivo de artistas interesados ​​en la intervención social, Guerrilla Girls, comenzó en la década de 1980 y persiste hoy. Su arte público expone el sexismo latente y trabaja para deconstruir las estructuras de poder masculino en el mundo del arte. Actualmente, también abordan el racismo en el mundo del arte, la falta de vivienda, el SIDA y la cultura de la violación, todos los problemas socioculturales que el mundo experimenta.

En palabras de la artista Suzanne Lacy, “arte público de nuevo género” es “arte visual que utiliza medios tradicionales y no tradicionales para comunicarse e interactuar dentro de una audiencia amplia y diversificada sobre temas directamente relevantes para su vida”. Su posición implica reflexionar sobre las condiciones de comisión del arte público, la relación con sus usuarios y, en mayor medida, una interpretación divergente del papel del público. En la práctica de la crítica institucional de artistas como Hans Haacke (desde la década de 1970) y Fred Wilson (desde la década de 1980), la publicidad de la obra corresponde a hacer visible para la opinión pública y en la esfera pública cuestiones públicas controvertidas, como políticas discriminatorias de museos o Corporación ilegal actúa.

Hacer visibles los temas de interés público en la esfera pública también es la base de la filosofía anti-monumento, cuyo objetivo es minar la ideología de la historia oficial. Por un lado, la introducción de elementos íntimos en espacios públicos normalmente dedicados a narrativas institucionales, como en el trabajo de Jenny Holzer, el proyecto de Alfredo Jaar ¿Es usted feliz? / ¿Estás feliz? y las imágenes de cartelera de Félix Gonzales-Torres. Por otro lado, al señalar las incongruencias de las esculturas y memoriales públicos existentes, como en las proyecciones de video de Krzysztof Wodiczko en monumentos urbanos, o en la construcción de contra-monumentos (1980) y el Lipstick de Claes Oldenburg (ascendente) en Caterpillar Tracks (1969). -1974), un objeto pop híbrido gigante, una barra de labios, cuya base es una oruga. Encargado por la asociación de estudiantes de arquitectura de la Universidad de Yale, esta última es una escultura a gran escala situada en el campus frente al memorial de la Primera Guerra Mundial. En 1982, Maya Lin, en ese momento estudiante senior de Arquitectura en Yale , completó la construcción del Monumento a los Veteranos de Vietnam, con 59,000 nombres de ciudadanos estadounidenses que murieron en la guerra de Vietnam. Lin elige para este trabajo enumerar los nombres de los muertos sin producir ninguna imagen para ilustrar la pérdida, si no es por la presencia de un corte, como una lesión, en el piso del sitio de instalación. El corte y las lógicas de sitio / no sitio se mantendrán como una imagen recurrente en los memoriales contemporáneos desde la década de 1990. en el momento en que un estudiante senior de Arquitectura en Yale, completó la construcción del Monumento a los Veteranos de Vietnam, enumerando 59,000 nombres de ciudadanos estadounidenses que murieron en la guerra de Vietnam. Lin elige para este trabajo enumerar los nombres de los muertos sin producir ninguna imagen para ilustrar la pérdida, si no es por la presencia de un corte, como una lesión, en el piso del sitio de instalación. El corte y las lógicas de sitio / no sitio se mantendrán como una imagen recurrente en los memoriales contemporáneos desde la década de 1990. en el momento en que un estudiante senior de Arquitectura en Yale, completó la construcción del Monumento a los Veteranos de Vietnam, enumerando 59,000 nombres de ciudadanos estadounidenses que murieron en la guerra de Vietnam. Lin elige para este trabajo enumerar los nombres de los muertos sin producir ninguna imagen para ilustrar la pérdida, si no es por la presencia de un corte, como una lesión, en el piso del sitio de instalación. El corte y las lógicas de sitio / no sitio se mantendrán como una imagen recurrente en los memoriales contemporáneos desde la década de 1990.

Otra estrategia de memorial es centrarse en el origen del conflicto responsable de las víctimas: en esta línea, Robert Filliou propone, en su conmemoración (1970), que los países europeos intercambien sus memoriales; Esther Shalev-Gerz y Jochem Gertz construyeron un Memorial contra el fascismo (1983) en la ciudad alemana de Hamburgo. Otros, como Thomas Hirschhorn, construyen, en colaboración con las comunidades locales, anti-monumentos precarios dedicados a pensadores como Spinoza (1999), Gilles Deleuze (2000) y Georges Bataille (2002).

Proyectos de arte público curados.
En esta línea, en 1990, el artista Francois Hers y el mediador Xavier Douroux inauguran el protocolo «Nouveaux commanditaires», basado en el principio de que el comisionado es la comunidad de usuarios que, en colaboración con un curador-mediador, trabaja en el contexto del proyecto. con el artista. El proyecto Nouveaux commanditaires extiende la idea de especificidad del sitio en el arte público a una basada en la comunidad, lo que implica la necesidad de una conexión «curada» entre las prácticas que producen el espacio comunitario y la intervención artística. Este es el contexto de la experiencia del proyecto Doual’art en Douala (Camerún, 1991), basado en un sistema de comisionamiento que reúne a la comunidad, el artista y la institución comisionada en la realización del proyecto.

Por otro lado, la noción de «sitio específico» se vuelve a visitar en la década de 1990 a la luz de la difusión de programas de arte público curados adjuntos a bienales y otros eventos culturales. Dos eventos en particular establecen el trasfondo teórico y contextual de programas de arte público posteriores: Lugares con un pasado; En tomar una situación normal y volver a traducirla en lecturas superpuestas y múltiples de condiciones pasadas y presentes. El primero, Lugares con un pasado, intenta probar la yuxtaposición de “sitios de la ciudad y escultura” en un contexto curatorial orientado a proyectos. Del mismo modo, On Taking on … establece una conexión entre la especificidad del sitio y una cultura orientada a proyectos, pero al mismo tiempo vincula programáticamente, ya en el título, diferentes realidades y narraciones urbanas e históricas con nuevos modos de intervención artística. Mientras On Taking on … actúa al mismo tiempo sobre la especificidad del sitio de la intervención artística y de la exposición, Lugares con un pasado vuelve a visitar y renueva la tendencia de las colecciones de arte público en un museo sin paredes. Este último punto se desarrollará durante los años 90 y 2000, en coincidencia con la difusión de eventos bienales y culturales y como consecuencia de las estrategias de marketing de la ciudad en el contexto del «efecto Bilbao» y la «cultura del destino» que surgió después de la apertura. del museo Guggenheim de bilbao.

Una tendencia específica en las colecciones urbanas de arte público se desarrolla en relación con las nuevas políticas de alumbrado público. Asia y el mural más alto del mundo, realizado por el artista alemán Hendrik Beikirch, muestra una paleta monocromática de un pescador que representa una parte significativa de la población de Corea. Fue organizado por Public Delivery y pintado en Busan, Corea en 2013.

Documentación en línea
Las bases de datos en línea de arte público local y regional surgieron en las décadas de 1990 y 2000 junto con el desarrollo de datos basados ​​en la web. Las bases de datos de arte público en línea pueden ser regionales o nacionales, o selectivas (limitadas a esculturas o murales). Algunas bases de datos nacionales en línea, como los Archivos de Arte Americano del Smithsonian American Art Museum, pueden incluir obras de arte públicas en sus bases de datos, pero no las clasifican como tales.

Related Post

Bases de datos de arte público en línea
En 2006, el Proyecto de arte público en lugares públicos fue una de las primeras organizaciones no gubernamentales en crear una extensa base de datos en línea de arte público para una gran área geográfica: las regiones de Los Ángeles, el sur de California y Hawai. Este proyecto está activo y la base de datos incluye todas las formas de arte público permanente (no temporal) (incluidas esculturas, murales, estatuas, arte de estaciones de tránsito, así como monumentos, monumentos, monumentos y atracciones turísticas que contienen elementos o elementos de arte público)

Proyectos en línea inactivos
De 1992 a 1994, Heritage Preservation financió el proyecto de la encuesta Save Outdoor Sculpture !, ¡cuyo acrónimo SOS! hace referencia a la señal de socorro del código Morse internacional, «SOS». Este proyecto documentó más de 30,000 esculturas en los Estados Unidos, que se pusieron a disposición en la base de datos SIRIS. Este proyecto ya no está activo.

A partir de 2009, WikiProject Public art ha trabajado para documentar el arte público en todo el mundo. Si bien este proyecto recibió la atención inicial de la comunidad académica, se basó principalmente en las contribuciones de los estudiantes. Su estado es actualmente desconocido.

En 2012, Alfie Dennen relanzó el proyecto Big Art Mob y se enfocó desde la cartografía del Arte Público del Reino Unido hasta la cartografía de todo el mundo. En el lanzamiento, el sitio tenía más de 12,000 piezas de arte público mapeadas con más de 600 obras nuevas mapeadas a partir del 05/09/2012. Este sitio web de la base de datos ya no está activo.

Arte público interactivo
Algunas formas de arte público están diseñadas para alentar la participación de la audiencia de manera práctica. Los ejemplos incluyen arte público instalado en museos de ciencias prácticos, como la pieza central arquitectónica principal frente al Centro de Ciencias de Ontario. Esta obra de arte instalada de forma permanente es una fuente que también es un instrumento musical (hidráulico) que los miembros del público pueden tocar en cualquier momento. El público interactúa con la obra al bloquear los chorros de agua para forzar el agua a través de varios mecanismos de producción de sonido dentro de la escultura. La Federation Bells en Birrarung Marr, Melbourne es también una creación de arte pública que funciona como un instrumento musical. El primer gran arte público interactivo permanente fue creado por el artista Jim Pallas en Detroit, Michigan en 1980, titulado Century of Light,

El Mapa de Alegría y Dolor de Rebecca Krinke y lo que se necesita ser dicho invitan a la participación pública. En Mapas, los visitantes pintan lugares de placer y dolor en un mapa de las Ciudades Gemelas en oro y azul; en Lo que debe ser dicho, escriben palabras y las ponen en una pared. Krinke está presente y observa la naturaleza de la interacción. El artista holandés Daan Roosegaarde explora la naturaleza del público. Su obra de arte interactiva Crystal in Eindhoven puede ser compartida o robada. El cristal existe entre cientos de cristales de sal individuales que se iluminan cuando uno interactúa con ellos.

Desde un marco más amplio del arte y su relación con el cine, y la historia del cine; Otros tipos de ‘arte público’ que vale la pena considerar son los medios y las películas en el espacio del arte digital. De acuerdo con Ginette Vincendeau y Susay Hayward, quienes discuten en su libro French Film: Texts and Contexts, enseñan en la introducción al cine en la Universidad de Londres y en Educación Superior Europea, el cine es una forma de arte, y continúa argumentando que el cine también es arte alto. Además, el contexto del cine y los espacios públicos en la historia de las zonas municipales y los monumentos se remonta al Padre del cine, Georges Méliès, así como a los hermanos Lumière que inventaron la imagen en movimiento, más comúnmente conocida como película cinematográfica en 1896. ,

Arte publico digital
El arte público digital y el arte público tradicional hacen uso de las nuevas tecnologías en su creación y exhibición. Lo que distingue al arte público digital es su capacidad tecnológica para interactuar explícitamente con el público. Estas metodologías de arte público difieren de las obras de arte de la comunidad digital, (que también se han denominado Social Media Engaged New Media Art, o «SENMA») en términos de cómo establecen relaciones con la audiencia, el sitio y el resultado. En las obras de arte digitales basadas en la comunidad, estos problemas evolucionan a través de un proceso dialógico más que como un curso explícito de acción, trabajo o conjunto de relaciones.

Porcentaje de arte
El arte público generalmente se encarga o se adquiere con la autorización y colaboración del gobierno o empresa que posee o administra el espacio. Algunos gobiernos alientan activamente la creación de arte público, por ejemplo, la presupuestación de obras de arte en edificios nuevos mediante la implementación de una política de Porcentaje para el Arte. Por lo general, uno o dos por ciento del costo total de un proyecto de mejoramiento de la ciudad se asigna a obras de arte, pero la cantidad varía ampliamente de un lugar a otro. Los costos de administración y mantenimiento a veces se retiran antes de que el dinero se distribuya por arte (Ciudad de Los Ángeles, por ejemplo). Muchos lugares tienen «fondos generales» que financian programas temporales y actuaciones de naturaleza cultural en lugar de insistir en comisiones relacionadas con proyectos. La mayoría de los países europeos, Australia, varios países en África (entre los que se encuentran Sudáfrica y Senegal) y muchas ciudades y estados en los Estados Unidos, tienen porcentajes para programas de arte. El porcentaje por arte no se aplica a todos los proyectos de mejora de capital en municipios con un porcentaje por política de arte.

La primera legislación de porcentaje de arte aprobada en Filadelfia en 1959. Este requisito se implementa de varias maneras. El gobierno de Quebec mantiene la política de integración de arte y arquitectura que requiere que el presupuesto para todos los edificios nuevos financiados con fondos públicos se destine aproximadamente al 1% para obras de arte. La ciudad de Nueva York tiene una ley que requiere que no menos del 1% de los primeros veinte millones de dólares, más no menos de la mitad del 1% del monto que exceda los veinte millones de dólares se destine a obras de arte en cualquier edificio público que sea propiedad de la ciudad. La asignación máxima para cualquier comisión en Nueva York es.

En contraste, la ciudad de Toronto requiere que el 1% de todos los costos de construcción se reserven para el arte público, sin un límite superior establecido (aunque en algunas circunstancias, el municipio y el desarrollador podrían negociar una cantidad máxima). En el Reino Unido, el porcentaje de arte es discrecional para las autoridades locales, que lo implementan bajo los términos más amplios de un acuerdo de la sección 106, también conocido como ‘ganancia de planificación’, en la práctica es negociable y rara vez alcanza un 1% completo, donde Se implementa en absoluto. Un porcentaje para el esquema de arte existe en Irlanda y es ampliamente implementado por muchas autoridades locales.

Arts Queensland, Australia apoya una nueva política (2008) para ‘art + place’ con un presupuesto proporcionado por el gobierno estatal y un comité asesor curatorial. Reemplaza al anterior ‘arte incorporado’ 2005–2007. Canberra, Australia comprometió el 1 por ciento de su programa de obras de capital (incluidos los años) del 2007 al 2009 para arte público, con una suma final de $ 778,000 en 2011-12.

Arte publico y politica
El arte público a menudo se ha utilizado con fines políticos. Las manifestaciones más extremas y ampliamente discutidas de esto siguen siendo el uso del arte como propaganda dentro de los regímenes totalitarios junto con la supresión simultánea de la disidencia. El acercamiento al arte visto en la Unión Soviética de Joseph Stalin y la Revolución Cultural de Mao Zedong en China son representativos.

Las estatuas parlantes de Roma comenzaron una tradición de expresión política en el siglo XVI que aún continúa. El arte público también se usa a menudo para refutar los deseos propagandísticos de los regímenes políticos. Los artistas utilizan técnicas de interferencia cultural, toman los medios de comunicación populares y la reinterpretan con adaptaciones de estilo guerrillero, para comentar temas sociales y políticos relevantes para el público. Los artistas utilizan la interferencia cultural para facilitar las interacciones sociales en torno a preocupaciones políticas con la esperanza de cambiar la forma en que las personas se relacionan con el mundo mediante la manipulación de la cultura existente. La revista Adbusters explora temas sociales y políticos contemporáneos a través de la interferencia cultural mediante la manipulación de campañas de diseño populares.

En sociedades más abiertas, los artistas a menudo encuentran que el arte público es útil para promocionar sus ideas o establecer un medio de contacto libre con la censura con los espectadores. El arte puede ser intencionalmente efímero, como en el caso de instalaciones temporales y piezas de rendimiento. Tal arte tiene una cualidad espontánea. Se muestra característicamente en entornos urbanos sin el consentimiento de las autoridades. Con el tiempo, sin embargo, un arte de este tipo logra reconocimiento oficial. Los ejemplos incluyen situaciones en las que la línea entre el graffiti y el arte público «guerrillero» está borrosa, como el arte de las obras tempranas de Keith Haring (ejecutado sin permiso en carteles publicitarios en el metro de la ciudad de Nueva York) y la obra de Banksy. Los murales del norte de Irlanda y los de Los Ángeles a menudo respondían a períodos de conflicto.

Financiación
Para algunos autores, el arte público se define con la financiación del estado o la comunidad local.

Para los autores que consideran que el arte público es aquel instalado en un lugar público, la financiación puede ser pública, privada en el caso de patrocinio, o suscripción pública, como sucede con la instalación de memoriales. Las empresas pueden financiar el arte público y generar nuevas controversias, como las que rodean la instalación de Fearless Girl contra el Bull en Wall Street. En este caso ejemplar y complejo, las autoridades municipales tienen solo un papel regulador, mientras que las partes solicitan a los tribunales el arbitraje.

Algunos gobiernos fomentan activamente la creación de arte, sin que este estímulo lleve necesariamente a un arte público, en uno u otro de los sentidos previstos. La obligación de dedicar al arte un porcentaje de los costos de construcción de un nuevo edificio no obliga a los promotores a financiar el arte público. Los fondos son privados y las obras se pueden exhibir en partes colectivas, pero no públicas, del edificio. Lo mismo se aplica a las disposiciones presupuestarias dedicadas al art.

Asignar el 1% del costo de la construcción a la técnica es una regla en algunos países, pero las cantidades pueden variar mucho según la ubicación. En Francia, la provisión de 1% artístico se instituyó en 1951 para financiar obras relacionadas con la creación arquitectónica pública. En Quebec, el presupuesto de todos los edificios financiados con fondos públicos debe reservar un 1% para obras de arte desde la década de 1960. 9. En Nueva York, al menos el 1% de los primeros $ 20 millones (y un medio por ciento más allá) deben asignarse a obras en cualquier Edificio público de propiedad del Ayuntamiento. En Toronto, la ley exige que al menos el 1% de cualquier presupuesto de construcción se destine al arte público. En el Reino Unido, la cantidad se deja a la discreción de las autoridades locales.

Estética
Los gobiernos que buscan apoyo popular han promovido la producción de obras monumentales en lugares públicos utilizando convenciones y procesos artísticos tradicionales que son accesibles sin ningún tipo de educación especial: el muralismo mexicano se desarrolló como resultado de la Revolución Mexicana; Los gobiernos del Bloque Oriental imponen el realismo socialista al arte público.

Los movimientos que cuestionan las instituciones del campo artístico, por su parte, también han desafiado la estética que emana de él, lo que favorece la ruptura y la novedad. Buscando la apreciación de una audiencia que no busca arte, la mayoría de las veces usan formas más accesibles y más convencionales que divulgan cómics, dibujos de prensa e ilustraciones en general.

A la inversa, las instituciones gubernamentales pueden buscar por su política de compras y presentación, para llevar las tendencias del arte contemporáneo al público. En general, sin embargo, el proceso de adjudicación de un orden público aborda varias inquietudes y concierne a varios servicios administrativos. Los criterios estéticos difieren según el destino de la obra, instalados en vías públicas o expuestos en un museo.

Algunos artistas aprovechan la presentación en el espacio público para producir obras de gran formato, demasiado grandes para una exposición clásica. Por ejemplo, The Path is the Place en la línea es un trabajo de Richard Long que consiste en una caminata de tres semanas. Gar Waterman creó un arco gigantesco, que mide 10 metros de altura y longitud, que abarca una calle en New Haven. Artistas como Christo y Jeanne-Claude, Robert Smithson, Andy Goldsworthy, James Turrell y Antony Gormley reaccionan o incorporan su entorno.

Controversias
El arte público a veces resulta polémico. Varios factores contribuyen a esto: el deseo del artista de provocar, la naturaleza diversa del público, las cuestiones de los usos apropiados de los fondos públicos, el espacio y los recursos, y las cuestiones de seguridad pública.

El Proyecto Heidelberg de Detroit fue controvertido debido a su aspecto llamativo durante varias décadas desde su inicio en 1986.
La pieza minimalista de Richard Serra, Tilted Arc, fue retirada de Foley Square en la ciudad de Nueva York en 1989, luego de que los empleados de la oficina se quejaran de que la rutina interrumpía su trabajo. Una audiencia pública dictaminó en contra de la continua exhibición de la obra.
El Pabellón de Apolo de Victor Pasmore en la ciudad nueva inglesa de Peterlee ha sido un foco para los políticos locales y otros grupos que se quejan de la gobernanza de la ciudad y la asignación de recursos. Artistas y líderes culturales montaron una campaña para rehabilitar la reputación del trabajo con el Centro Báltico de Arte Contemporáneo comisionando a los artistas Jane y Louise Wilson para hacer una instalación de video sobre la pieza en 2003.
House, un gran trabajo de 1993–94 de Rachel Whiteread en East London, fue destruido por el consejo local después de unos meses. La artista y su agente solo habían obtenido un permiso temporal para el trabajo.
El árbol del semáforo de Pierre Vivant, cerca de Canary Wharf, también en el este de Londres, causó cierta confusión entre los automovilistas cuando se construyeron en 1998, algunos de los cuales creían que eran señales de tráfico reales. Sin embargo, una vez que la pieza se hizo más famosa, fue votada como la rotonda favorita en el país por una encuesta de los automovilistas británicos.
El Dreamspace V de Maurice Agis, un enorme laberinto inflable erigido en Chester-le-Street, en el condado de Durham, mató a dos mujeres e hirió gravemente a una niña de tres años en 2006, cuando un fuerte viento rompió sus amarres y la transportó a una distancia de 30 pies. Aire, con treinta personas atrapadas en el interior.
16 toneladas, el vasto trabajo de Seth Wulsin en 2006 incluye la demolición de la materia prima con la que trabaja, una antigua cárcel en Buenos Aires. Para obtener la autorización para llevar a cabo el proyecto, Wulsin tuvo que involucrar a una red de agencias gubernamentales locales, municipales y nacionales, así como a ex presos de la cárcel, grupos de derechos humanos y militares.

Sustentabilidad
El arte público enfrenta un desafío de diseño por su propia naturaleza: la mejor manera de activar las imágenes en su entorno. El concepto de «sostenibilidad» surge en respuesta a las deficiencias ambientales percibidas de una ciudad. El desarrollo sostenible, promovido por las Naciones Unidas desde la década de 1980, incluye aspectos económicos, sociales y ecológicos. Una obra de arte público sostenible incluiría planes para la regeneración y el desmontaje urbano. La sustentabilidad ha sido ampliamente adoptada en muchos proyectos de ingeniería y planificación ambiental. El arte sostenible es un desafío para responder a las necesidades de un espacio abierto en público.

Share