Arte de protesta es un término amplio que se refiere a trabajos creativos que conciernen o son producidos por activistas y movimientos sociales. También hay obras contemporáneas e históricas y corrientes de pensamiento que se pueden caracterizar de esta manera.
Los movimientos sociales producen trabajos tales como carteles, pancartas, carteles y otros materiales impresos utilizados para transmitir una causa o mensaje en particular. A menudo, dicho arte se usa como parte de demostraciones o actos de desobediencia civil. Estos trabajos tienden a ser efímeros, caracterizados por su portabilidad y desechabilidad, y con frecuencia no son de su autoría o propiedad. Los diversos símbolos de paz y el puño levantado son dos ejemplos que resaltan la propiedad democrática de estos signos.
El arte de protesta también incluye (pero no se limita a) el rendimiento, las instalaciones específicas del sitio, el graffiti y el arte callejero, y traspasa los límites de los géneros artísticos, los medios y las disciplinas. Si bien algunas obras de protesta están asociadas a artistas formados y profesionales, no se requiere un amplio conocimiento del arte para participar en el arte de protesta. Los artistas de protesta evitan a menudo las instituciones del mundo del arte y el sistema de galería comercial en un intento de llegar a un público más amplio. Además, el arte de protesta no se limita a una región o país, sino que es un método que se usa en todo el mundo.
Hay muchas obras políticamente cargadas de bellas artes, como el Guernica de Picasso, parte del trabajo de la era de la guerra de Vietnam de Norman Carlberg o las imágenes de tortura de Susan Crile en Abu Ghraib.
Historia
Es difícil establecer una historia para el arte de protesta porque se pueden encontrar muchas variaciones a lo largo de la historia. Mientras que muchos casos de arte de protesta se pueden encontrar a principios de 1900, como Guernica de Picasso en 1937, en los últimos treinta años [¿cuándo?] Ha experimentado un gran aumento en el número de artistas que adoptan el arte de protesta como estilo para transmitir un mensaje al público.
A medida que la conciencia de los jueces sociales en todo el mundo se hizo más común entre el público, se puede ver un aumento en el arte de protesta. Algunas de las obras de arte más críticamente efectivas del período reciente [¿cuándo?] Se organizaron fuera de la galería, lejos del museo y en ese sentido, el arte de protesta ha encontrado una relación diferente con el público.
Arte activista
El arte activista representa e incluye desarrollos estéticos, sociopolíticos y tecnológicos que han intentado desafiar y complicar los límites tradicionales y las jerarquías de la cultura representadas por aquellos en el poder. Al igual que el arte de protesta, la práctica artística activista surgió en parte de un llamado para que el arte se conectara a un público más amplio, y para abrir espacios donde se pueda ver y escuchar a los marginados y marginados.
El arte activista incorpora el uso del espacio público para abordar cuestiones sociopolíticas y para alentar la participación de la comunidad y el público como un medio para lograr el cambio social. Su objetivo es afectar el cambio social mediante la participación en procesos activos de representación que trabajan para fomentar la participación en el diálogo, elevar la conciencia y empoderar a las personas y las comunidades. La necesidad de garantizar el impacto continuo de una obra mediante el mantenimiento del proceso de participación pública que inició también es un desafío para muchos artistas activistas. A menudo requiere que el artista establezca relaciones dentro de las comunidades donde tienen lugar los proyectos.
Si los movimientos sociales se entienden como «exhibiciones públicas repetidas» de valores políticos y culturales alternativos, entonces el arte activista es significativo para articular tales puntos de vista alternativos. El arte activista también es importante para la dimensión de la cultura y la comprensión de su importancia junto a las fuerzas políticas, económicas y sociales en los movimientos y actos de cambio social. Uno debe ser cauteloso de combinar el arte activista con el arte político, ya que al hacerlo se oscurecen las diferencias fundamentales en la metodología, estrategia y objetivos activistas.
Base histórica en arte y política
El arte activista cita sus orígenes en un clima artístico y político particular. En el mundo del arte, el arte de performance de fines de la década de 1960 a la década de 1970 trabajó para ampliar los límites estéticos dentro de las artes visuales y el teatro tradicional, borrando la distinción rígidamente interpretada entre los dos. La naturaleza transitoria, interdisciplinaria e híbrida del arte escénico permite el compromiso de la audiencia. La apertura y la inmediatez del medio invitaron a la participación pública, y la naturaleza del medio artístico fue un centro de atención de los medios.
Las formas emergentes del feminismo y el arte feminista de la época fueron particularmente influyentes para el arte activista. La idea de que «lo personal es lo político», es decir, la noción de que la revelación personal a través del arte puede ser una herramienta política, guió mucho del arte activista en su estudio de las dimensiones públicas a la experiencia privada. Las estrategias desplegadas por las artistas feministas son paralelas a las de los artistas que trabajan en el arte activista. Dichas estrategias a menudo incluían «colaboración, diálogo, un cuestionamiento constante de los supuestos estéticos y sociales, y un nuevo respeto por la audiencia» y se utilizan para articular y negociar cuestiones de autorrepresentación, empoderamiento e identidad comunitaria.
El Arte Conceptual buscó expandir los límites estéticos en su crítica de las nociones del objeto de arte y el sistema de mercancías dentro del cual se circula como moneda. Los artistas conceptuales experimentaron con materiales no convencionales y procesos de producción de arte. Basados en estrategias arraigadas en el mundo real, los proyectos de arte conceptual exigieron la participación del espectador y se expusieron fuera del espacio tradicional y exclusivo de la galería de arte, haciendo que el trabajo sea accesible al público. Del mismo modo, los métodos colaborativos de ejecución y la experiencia extraída del mundo del arte a menudo se emplean en el arte activista para alcanzar sus objetivos de participación comunitaria y pública. Paralelo al énfasis en las ideas que el arte conceptual refrendó, el arte activista está orientado al proceso, buscando exponer las relaciones de poder integradas a través de su proceso de creación.
En la esfera política, las políticas de militancia e identidad de la época fomentaron las condiciones a partir de las cuales surgió el arte activista.
Estrategia y práctica
En la práctica, el arte activista a menudo puede tomar la forma de intervenciones temporales, como el rendimiento, los eventos de medios, exposiciones e instalaciones. También es común emplear técnicas de medios convencionales (a través del uso de vallas publicitarias, carteles, publicidad, insertos de periódicos … etc.). Al hacer uso de estos canales comerciales de distribución comercial, esta técnica es particularmente efectiva para transmitir mensajes que revelan y subvierten sus intenciones habituales.
El uso de la participación del público como una estrategia de activación de individuos y comunidades para convertirse en un «catalizador para el cambio» es importante para el arte activista. En este contexto, la participación se convierte en un acto de autoexpresión o auto representación de toda la comunidad. La expresión creativa empodera a los individuos al crear un espacio en el que se escuchan sus voces y en el que pueden entablar un diálogo entre ellos y con los problemas en los que tienen un interés personal.
Artist and Homeless Collaborative es un ejemplo de un proyecto que trabaja con estrategias de participación pública como un medio de empoderamiento individual y comunitario. Es una afiliación de artistas, profesionales del arte y mujeres, niños y adolescentes que viven en refugios de Nueva York. A & HC cree que su trabajo en un proyecto colaborativo de creación artística ofrece a los residentes una «experiencia positiva de automotivación y les ayuda recuperen lo que destruyen el sistema de refugio y las circunstancias de vidas: un sentido de identidad individual y confianza en la interacción humana. «El proceso de involucrar a la comunidad en un diálogo con discursos dominantes y públicos sobre el problema de las personas sin hogar se describe en una declaración de su fundador , Hope Sandrow: «La relevancia del arte para una comunidad se exhibe en obras de arte donde las personas sin hogar hablan directamente al público y en una discusión que considera la relación que el arte tiene con sus vidas. La práctica de crear arte estimula a quienes viven en refugios desde un estado de malestar a la participación activa en el proceso artístico «.
El A & HC surgió en un momento en que la crítica a los creadores, vendedores y consumidores de arte que abordaba las preocupaciones sociales se volvió cada vez más pronunciada. Los críticos argumentaban que las mismas obras de arte cuyo propósito era provocar una conversación política, social y cultural se limitaban al espacio exclusivo y privilegiado de las galerías, los museos y las colecciones privadas. Por el contrario, el A & HC fue un intento de cerrar la brecha entre la producción artística y la acción social, lo que permitió escuchar a los sujetos del trabajo que anteriormente estaban excluidos y silenciados.
Arte de resistencia
El arte de resistencia es arte utilizado como una forma de mostrar su oposición a los poseedores de poder. Esto incluye el arte que se opuso a poderes como el partido Nazi alemán, así como el opuesto al apartheid en Sudáfrica. Willie Bester es uno de los artistas más conocidos de Sudáfrica que originalmente comenzó como un artista de la resistencia. Usando materiales ensamblados a partir de basura, Bester construye superficies en relieve y luego pinta la superficie con pintura al óleo. Sus obras comentaron importantes figuras negras sudafricanas y aspectos importantes para su comunidad. Los artistas de resistencia sudafricanos no se ocupan exclusivamente de la raza ni tienen que ser de los pueblos. Otra artista, Jane Alexander, ha tratado las atrocidades del apartheid desde una perspectiva blanca. Su arte de resistencia trata con la sociedad insalubre que continúa en la Sudáfrica posterior al apartheid.
Colecciones
El archivo del Centro para el Estudio de Gráficos Políticos contiene actualmente más de 85,000 carteles y tiene la colección más grande de carteles de justicia social posteriores a la Segunda Guerra Mundial en los Estados Unidos y el segundo más grande del mundo. Muchas bibliotecas universitarias tienen extensas colecciones, incluida la Colección Joseph A. Labadie de la Universidad de Michigan, que documenta la historia de los movimientos de protesta social y las comunidades políticas marginadas desde el siglo XIX hasta la actualidad.